Las raíces de la música tradicional de Turquía se remontan a siglos atrás, cuando los turcos selyúcidas migraron a Anatolia y Persia en el siglo XI, y contienen elementos de influencias tanto turcas como preturcas. Gran parte de su música popular moderna tiene sus raíces en el surgimiento, a principios de la década de 1930, de una tendencia hacia la occidentalización . [1]
Con la asimilación de inmigrantes de varias regiones, la diversidad de géneros musicales e instrumentación musical también se expandió. Turquía también ha visto música folclórica documentada y música popular grabada producida en los estilos étnicos de las comunidades griega , armenia , albanesa , polaca , azerí y judía , entre otras. [2] Muchas ciudades y pueblos turcos tienen escenas musicales locales vibrantes que, a su vez, respaldan una serie de estilos musicales regionales. Sin embargo, a pesar de esto, la música pop de estilo occidental perdió popularidad frente al arabesco a fines de la década de 1970 y 1980, e incluso sus mayores defensores, Ajda Pekkan y Sezen Aksu , cayeron en estatus. Volvió a ser popular a principios de la década de 1990, como resultado de una economía y una sociedad abiertas. Con el apoyo de Aksu, la creciente popularidad de la música pop dio lugar a varias estrellas pop turcas internacionales como Tarkan y Sertab Erener . A finales de la década de 1990 también surgió la música underground, que producía rock alternativo turco , electrónica , hip-hop , rap y música dance en oposición a los géneros pop corporativos dominantes y arabescos , que muchos creen que se han vuelto demasiado comerciales. [3]
La música de la corte otomana tiene un sistema amplio y variado de modos o escalas, conocidos como makams , y otras reglas de composición. Se utilizaron varios sistemas de notación para transcribir la música clásica, siendo el más dominante la notación Hamparsum , que se utilizó hasta la introducción gradual de la notación occidental. [4]
Una secuencia específica de formas musicales clásicas turcas se convierte en un fasıl , una suite que consta de un preludio instrumental ( peṣrev ), un postludio instrumental ( saz semaisi ) y, en el medio, la sección principal de composiciones vocales que comienza y está puntuada por improvisaciones instrumentales taksim . [5] Un concierto de fasıl completo incluiría cuatro formas instrumentales diferentes y tres formas vocales, incluida una canción clásica ligera, şarkı . Un fasıl estrictamente clásico (en el estilo de principios del siglo XIX) permanece en el mismo makam en todo momento, desde el taksim introductorio y generalmente terminando en una melodía de baile u oyun havası . [6] Sin embargo , las composiciones de şarkı más cortas , precursoras de las canciones modernas, son parte de esta tradición, muchas de ellas extremadamente antiguas, que datan del siglo XIV; muchas son más nuevas, siendo especialmente popular el compositor de finales del siglo XIX Haci Arif Bey .
Otros defensores famosos de este género incluyen al sufí Dede Efendi , el príncipe Cantemir , Baba Hamparsum , Kemani Tatyos Efendi , el sultán Selim III y el sultán Solimán el Magnífico . El cantante clásico turco moderno más popular es Münir Nurettin Selçuk , quien fue el primero en establecer una posición de cantante principal. Otros intérpretes son Bülent Ersoy , Zeki Müren , Müzeyyen Senar y Zekai Tunca.
Los instrumentos tradicionales en la música clásica turca actual incluyen el tambur (usado generalmente como tanbur ), el laúd pulsado de mástil largo, la flauta ney , el violín de arco kemençe , el laúd pulsado de mástil corto sin trastes oud , la cítara pulsada kanun , el violín y, en la música Mevlevi , el tambor küdüm y un arpa.
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Desde los makams de las cortes reales hasta las melodías de los harenes reales , surgió un tipo de música de baile que era diferente del oyun havası de la música fasıl. En el Imperio Otomano , el harén era esa parte de la casa destinada a las mujeres de la familia. Era un lugar en el que no se permitía la entrada a los varones que no fueran de la familia. Los eunucos custodiaban los harenes del sultán, que eran bastante grandes, incluyendo varios cientos de mujeres que eran esposas y concubinas. Allí, bailarinas y músicas entretenían a las mujeres que vivían en el harén. La danza del vientre era interpretada por mujeres para mujeres. Esta bailarina, conocida como rakkase , que es la palabra árabe para "bailarina", casi nunca aparecía en público. [7]
Este tipo de música de harén se sacaba de las habitaciones privadas del sultán y se hacía pública a través de artistas callejeros masculinos y bailarines contratados por el Imperio Otomano, los rakkas masculinos . Estos bailarines actuaban en público en celebraciones de bodas, fiestas, festivales y en presencia de los sultanes. [7]
La danza oriental moderna en Turquía se deriva de esta tradición de los rakkas otomanos. Algunos creen erróneamente que la danza oriental turca se conoce como Çiftetelli debido al hecho de que este estilo de música ha sido incorporado a la danza oriental por los griegos , ilustrado por el hecho de que la danza del vientre griega a veces se llama erróneamente Tsifteteli . Sin embargo, Çiftetelli es ahora una forma de música folclórica, con nombres de canciones que describen sus orígenes locales, mientras que rakkas, como sugiere el nombre, proviene del árabe que significa "bailarín masculino". [7] Los bailarines también son conocidos por su hábil uso de platillos de dedo como instrumentos, también conocidos como zils .
Los gitanos son conocidos en toda Turquía por su talento musical. Su música urbana trajo ecos de la música clásica turca al público a través de la meyhane o taberna. Este tipo de música fasıl (un estilo que no debe confundirse con la forma fasıl de la música clásica turca) con comida y bebidas alcohólicas se asocia a menudo con la clase baja de la sociedad turca, aunque también se puede encontrar en establecimientos más respetables en los tiempos modernos. [1]
Los gitanos también han influido en el propio fasil. La música de baile ( oyun havası ) que se interpreta en los salones de música y que se requiere al final de cada fasil se ha combinado con motivos de la danza del vientre otomana o rakkas . El ostinato rítmico que acompaña a la improvisación instrumental ( ritimli taksim ) para la danza del vientre es paralelo al del gazel clásico , una improvisación vocal en ritmo libre con acompañamiento rítmico. Los instrumentos musicales populares en este tipo de fasil son el clarinete , el violín , el kanun y la darbuka . El clarinetista Mustafa Kandıralı es un conocido músico de fasil.
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Las bandas de jenízaros o Mehter Takımı se consideran el tipo de banda militar de marcha más antiguo del mundo. [8] Se mencionan instrumentistas individuales en las inscripciones de Orhun , que se cree que son las fuentes escritas más antiguas de la historia turca, que datan del siglo VIII. Sin embargo, no se los mencionó definitivamente como bandas hasta el siglo XIII. El resto de Europa tomó prestada la noción de bandas militares de marcha de Turquía a partir del siglo XVI.
Las relaciones musicales entre los turcos y el resto de Europa se remontan a muchos siglos atrás, [9] y el primer tipo de orientalismo musical fue el estilo turco . [10] Los compositores clásicos europeos del siglo XVIII estaban fascinados por la música turca, particularmente el importante papel dado a los instrumentos de viento y percusión en las bandas jenízaras .
Joseph Haydn escribió su Sinfonía militar para incluir instrumentos turcos, así como algunas de sus óperas. Se incluyeron instrumentos turcos en la Sinfonía número 9 de Ludwig van Beethoven , y compuso una "Marcha turca" para su Música incidental para Las ruinas de Atenas, Op. 113. Wolfgang Amadeus Mozart escribió la "Ronda alla turca" en su Sonata en la mayor y también utilizó temas turcos en sus óperas, como el Coro de los jenízaros de su Die Entführung aus dem Serail (1782). Esta influencia turca introdujo los platillos , el bombo y las campanas en la orquesta sinfónica, donde permanecen. El músico de jazz Dave Brubeck escribió su "Rondo azul á la Turk" como un tributo a Mozart y la música turca. [ cita requerida ]
Mientras que las bandas militares europeas del siglo XVIII introdujeron los instrumentos de percusión de las bandas de jenízaros otomanos, una influencia recíproca surgió en el siglo XIX en forma de europeización de la banda del ejército otomano. En 1827, Giuseppe Donizetti , el hermano mayor del renombrado compositor de ópera italiano Gaetano Donizetti , fue invitado a convertirse en Maestro de Música del Sultán Mahmud II . [11] Un sucesor de Donizetti fue el músico alemán Paul Lange , ex profesor de música en el American College for Girls y en la Escuela Secundaria Alemana , quien asumió el puesto de Maestro de Música del Sultán después de la Revolución de los Jóvenes Turcos en 1908 y lo mantuvo hasta su muerte en 1920. Un hijo de Paul Lange fue el director de orquesta estadounidense nacido en Estambul Hans Lange . La compositora otomana Leyla Saz (1850-1936) proporciona un relato de la formación musical en el Palacio Imperial en sus memorias. Como hija del cirujano de palacio, creció en el harén imperial, donde las niñas también recibían lecciones de música tanto en estilo turco como occidental. [12]
Tras la caída del Imperio otomano y la creación de la República turca, el traslado de la antigua Orquesta Imperial o Mızıka-ı Hümayun desde Estambul a la nueva capital del estado, Ankara , y su rebautización como Orquesta de la Presidencia de la República, Riyaset-i Cumhur Orkestrası , marcó una occidentalización de la música turca. El nombre se cambiaría más tarde a Orquesta Sinfónica Presidencial o Cumhurbaşkanlığı Senfoni Orkestrası . [1]
En 1924 se fundó una nueva escuela para la formación de instructores de música de estilo occidental, que pasó a denominarse Conservatorio de Estambul en 1926 y envió a jóvenes músicos talentosos al extranjero para que continuaran su formación musical. Entre estos estudiantes se encontraban compositores turcos muy conocidos como Cemal Reşit Rey , Ulvi Cemal Erkin , Ahmet Adnan Saygun , Necil Kazım Akses y Hasan Ferit Alnar , que se hicieron conocidos como los Cinco Turcos . [13] La fundación del Conservatorio Estatal de Ankara con la ayuda del compositor y teórico musical alemán Paul Hindemith en 1936 demostró que Turquía, en términos de música, quería ser como Occidente. [1]
Sin embargo, por orden del fundador de la república, Atatürk , siguiendo su filosofía de tomar de Occidente pero seguir siendo turco en esencia, en 1924 se inició una clasificación y archivo a gran escala de muestras de música folclórica turca de toda Anatolia que continuó hasta 1953 para recopilar alrededor de 10.000 canciones folclóricas. El compositor húngaro Béla Bartók visitó Ankara y el sureste de Turquía en 1936 en el contexto de estos trabajos. [14]
En 1976, la música clásica turca había experimentado un renacimiento y se fundó un conservatorio estatal de música en Estambul para brindar a los músicos clásicos el mismo apoyo que a los músicos folclóricos. Entre los defensores actuales de la música clásica occidental en Turquía se incluyen Fazıl Say , İdil Biret , Suna Kan , las hermanas Önder y las hermanas Pekinel .
Después de que la Guerra de Independencia de Turquía terminó en 1923, y se trazaron las fronteras, hubo una revolución social y política bajo el liderazgo de Mustafa Kemal Atatürk . Esta revolución optó por occidentalizar la forma de vida en Turquía. En 1929, todas las comunicaciones públicas y comerciales se hicieron en el alfabeto latino , sacando por completo de circulación el idioma turco otomano escrito . Se escribió una nueva constitución, que siguió el modelo de la francesa. Esta nueva constitución fue diseñada para convertir a la nueva República de Turquía en un estado-nación secular y moderno. Cada aspecto de la revolución, desde los principales cambios de política hasta las reformas de vestimenta, se hizo de acuerdo con la ideología kemalista . Todos los asuntos se llevaron a cabo siguiendo una cadena de mando militar con el propósito de alcanzar el nivel de la civilización occidental. Tanto la música clásica turca como la religiosa se vieron afectadas por esta revolución de arriba a abajo.
El 1 de noviembre de 1934, Atatürk pronunció un discurso en la Gran Asamblea Nacional de Turquía . La música de Alaturca fue prohibida en radios, lugares públicos y propiedades privadas. [15] He aquí un extracto del discurso, en relación con la música turca: "Amigos, todos sabemos lo sensibles que somos los turcos hacia los asuntos de nuestro legado cultural... Soy consciente del tipo de progreso que mi pueblo quiere ver en las bellas artes, entregado por la nueva generación de artistas y músicos. Si me preguntan, lo que sería más eficiente y rápido de abordar en primer lugar dentro de las bellas artes es la música turca. La música que nos hacen escuchar en estos días está lejos de ser un motivo de orgullo para el pueblo turco. Todos debemos saberlo. Debemos tomar los idiomas, historias y experiencias de nuestra gran nación y componerlos, pero solo cumpliendo con las reglas generales de la música. Deseo que el Ministerio de Asuntos Culturales tome este asunto en serio y trabaje junto con los legisladores de nuestro país". [16]
Inmediatamente después de este discurso, el 2 de noviembre de 1934, el Departamento de Publicaciones y Prensa prohibió la música de Alaturca, sabiendo lo que Mustafa Kemal quería decir cuando dijo "... pero solo cumpliendo con las reglas generales de la música..." era que el único tipo de música aceptable disponible para el público sería la música que siguiera los principios de la música tonal occidental . Los compositores turcos, que se educaron en el extranjero a principios de siglo y regresaron a Turquía, fueron asignados para enseñar a los músicos clásicos turcos la forma occidental de escribir y tocar música. La Orquesta Sinfónica Presidencial, establecida en 1924, comenzó a dar actuaciones gratuitas semanales en escuelas que se especializaban en Educación Musical. Se compraron nuevos instrumentos como pianos, trompetas y saxofones para centros culturales en pueblos, no solo en Estambul, sino en muchos lugares como Bursa , Çorum , Gümüşhane y Samsun . [16]
Junto con el cambio radical de ideología y la aplicación repentina de estas nuevas ideas, se produjo un desgarro evidente en el tejido de la sociedad. Las personas que no podían escuchar música turca en la radio turca buscaron la siguiente mejor opción y comenzaron a escuchar la radio árabe. Hay registros de personas turcas que llamaron a las estaciones de radio de Egipto , Crimea y Haifan solicitando canciones turcas que estaban acostumbrados a escuchar, ya que Oriente Medio ya consumía y recreaba mucha música turca desde el ascenso del Imperio Otomano a mediados del milenio. [17] Los turcos comenzaron a escuchar versiones de otras naciones de canciones turcas. Esto despejó el camino para que la música arabesca se volviera enormemente popular en los años 70. Hoy en día, todavía hay músicos de arabescos prolíficos y populares en Turquía. La prohibición en los primeros años de la República es exactamente la razón por la que la música arabesca se convirtió en un fenómeno cultural. [18]
La música folclórica o Türkü generalmente trata temas relacionados con la vida cotidiana en términos menos grandilocuentes que el amor y la emoción que suele contener su contraparte tradicional, la música de la corte otomana. [5]
La mayoría de las canciones cuentan historias de eventos de la vida real y del folclore turco , o se han desarrollado a través de concursos de canciones entre poetas trovadores. [19] De acuerdo con sus orígenes, las canciones populares suelen tocarse en bodas, funerales y festivales especiales.
La música folclórica regional suele acompañar a las danzas folclóricas, que varían significativamente según las regiones. Por ejemplo, en las ceremonias de boda en el Egeo, los invitados bailan el Zeybek , mientras que en otras regiones de Rumelia se suele tocar la alegre música de baile Çiftetelli , y en las regiones del sudeste de Turquía, el Halay es la forma habitual de música y danza nupcial local. [1] Los griegos de Tracia y Chipre que han adoptado la música çiftetelli a veces la utilizan como sinónimo de danza oriental , lo que indica una falta de comprensión de sus raíces. Çiftetelli es una danza folclórica, que se diferencia de una danza en solitario de un artista contratado.
El ambiente regional también afecta a la temática de las canciones populares, por ejemplo, las canciones populares del Mar Negro son animadas en general y expresan las costumbres de la región. Las canciones sobre traición tienen un aire de desafío en lugar de tristeza, mientras que cuanto más al sur se viaja en Turquía, más se parecen las melodías a un lamento . [20]
Como este género es visto como una música del pueblo, los músicos de los movimientos socialistas comenzaron a adaptar la música folclórica con sonidos y arreglos contemporáneos en forma de música de protesta .
En los años 70 y 80, los bardos modernos que seguían la tradición aşık, como Aşik Veysel y Mahsuni Şerif, se alejaron de las invocaciones espirituales hacia letras sociopolíticamente activas.
Otros progenitores contemporáneos siguieron su ejemplo, como Zülfü Livaneli , conocido por su innovación de mediados de los años 80 al combinar los poemas radicales del poeta Nazim Hikmet con música folclórica y melodías rurales, y es muy apreciado por los partidarios de izquierda en la política. [1]
En tiempos más recientes, las orquestas de saz, acompañadas de muchos otros instrumentos tradicionales y una fusión con melodías arabescas han mantenido populares las canciones folclóricas modernas en Turquía. [1]
Los instrumentos folclóricos van desde grupos de cuerda como el bağlama , instrumentos de arco como el kemençe (un tipo de violín de pentagrama), y percusión y viento, incluyendo la zurna , el ney y el davul . Las variaciones regionales dan importancia a diferentes instrumentos, por ejemplo, la darbuka en Rumeli y el kemençe alrededor de la región oriental del Mar Negro . El folclore de Turquía es extremadamente diverso. Sin embargo, la música folclórica turca está marcada predominantemente por un solo instrumento musical llamado saz o bağlama , un tipo de laúd de mástil largo . Tradicionalmente, el saz lo tocan únicamente músicos itinerantes conocidos como ozan o trovadores religiosos alevíes llamados aşık . [21]
Debido al mestizaje cultural que prevaleció durante el Imperio Otomano, el bağlama ha influido en varias culturas del Mediterráneo oriental, por ejemplo, los baglamas griegos . En turco, bağlamak significa 'atar' como referencia a los trastes atados y móviles del instrumento. Como muchos otros laúdes pulsados, se puede tocar con una púa, con un estilo de punteo con los dedos o rasgueado con el dorso de las uñas. El dúo zurna y davul también es popular en las zonas rurales y se toca en bodas y otras celebraciones locales.
Una gran parte de las canciones populares provienen de los trovadores o poetas-bardos llamados ozan en turco. Estos han estado desarrollando la literatura popular turca desde principios del siglo XI. El instrumento musical que utilizan estos poetas-bardos es el saz o bağlama . A menudo reciben clases de otros trovadores de mayor edad, que aprenden modismos, procedimientos y métodos expertos en la interpretación del arte. [22] Estas lecciones suelen tener lugar en reuniones de trovadores y en los cafés que frecuentan. Los poetas-bardos que se convierten en expertos o alaylı luego toman aprendices para ellos mismos y continúan la tradición. [22]
La producción creativa de un trovador suele adoptar dos formas principales. Una, en concursos de rimas musicales con otros bardos, donde la competición termina con la derrota del trovador que no puede encontrar una cuarteta adecuada a la rima y la otra, la narración de cuentos. [19] Estas historias populares se extraen de la vida real, el folclore, los sueños y las leyendas. [22] Uno de los grupos más conocidos son los bardos que ponen el título aşık delante de sus nombres.
La música árabe había sido prohibida en Turquía en 1948, pero a partir de la década de 1970 la inmigración de las áreas rurales predominantemente del sudeste a las grandes ciudades y en particular a Estambul dio lugar a una nueva síntesis cultural. Esto cambió la composición musical de Estambul. Las antiguas tabernas y salas de música de música fasıl cerraron para dar paso a un nuevo tipo de música. [1] Estos nuevos residentes urbanos trajeron su propio gusto musical, que debido a su localidad era en gran parte de Oriente Medio. Los musicólogos denominaron despectivamente a este género como arabesco debido al lamento agudo que es sinónimo del canto árabe.
Su popularidad aumentó tanto en la década de 1980 que incluso amenazó la existencia del pop turco, con estrellas en ascenso como Müslüm Gürses e İbrahim Tatlıses . [1] El género tiene formas subyacentes que incluyen formas otomanas de música de danza del vientre conocidas como fantazi de cantantes como Gülben Ergen y con intérpretes como Serdar Ortaç, que agregó rock and roll angloamericano a la música arabesca.
No es del todo exacto agrupar el arabesk con la música folclórica. Debe poco a la música folclórica y sería más preciso describirlo como una forma de música popular basada en las escalas makam que se encuentran en la música clásica otomana y turca. Aunque se acusó al arabesk de derivar de la música árabe, las escalas (makam) utilizadas lo identifican como una música que, aunque influenciada tanto por la música árabe como por la occidental, es mucho más de origen turco.
La "recitación islámica", un término asociado con la religión mayoritaria en Turquía, incluye el azan (llamado a la oración), el Kur'an-ı Kerim (recitación del Corán), el Mevlit (poema de la Ascensión) y el ilahi (himnos que suelen cantarse en grupo, a menudo fuera de una mezquita). En términos musicales, la música de las mezquitas en las grandes áreas urbanas a menudo se parece a la música clásica turca en su uso erudito del makam y la poesía, por ejemplo, un Mevlit cantado en la mezquita del Sultán Ahmet en Estambul. La música derviche/sufí rara vez se asocia con una mezquita. Kâni Karaca fue un destacado intérprete de música de mezquita en tiempos recientes. [23]
Se sugiere que aproximadamente una quinta parte de la población turca son alevíes , cuya música folclórica es interpretada por un tipo de bardo viajero u ozan llamado aşık , que viaja con el saz o baglama , una imagen icónica de la música folclórica turca. [21] Estas canciones, que provienen del área central noreste, tratan sobre revelaciones místicas, invocaciones a los santos alevíes y al yerno de Mahoma , Ali , a quien tienen en alta estima. En turco, aşık significa literalmente 'enamorado'. Quien sigue esta tradición tiene la asignación Aşık antes de sus nombres, porque se sugiere que la música se convierte en una faceta esencial de su ser, por ejemplo como en Aşık Veysel .
Anatolia central es el hogar del bozlak , un tipo de música declamatoria, parcialmente improvisada por los bardos. Neşet Ertaş ha sido hasta ahora la voz contemporánea más destacada de la música de Anatolia central, cantando canciones de un amplio espectro, incluidas obras de aşıks turcomanos premodernos como Karacaoğlan y Dadaloğlu y de aşıks modernos como su padre, el fallecido Muharrem Ertaş . Alrededor de la ciudad de Sivas , la música aşık tiene una inclinación más espiritual, presentando concursos de canciones ritualizadas, aunque los bardos modernos la han llevado al ámbito político. [19]
Los seguidores de la orden Mevlevi o derviches giratorios son una secta religiosa sufí exclusiva de Turquía pero muy conocida fuera de sus fronteras.
Los derviches de la secta Mevlevi simplemente bailan un sema girando continuamente al ritmo de una música que consiste en composiciones largas y complejas llamadas ayin . Estas piezas están precedidas y seguidas por canciones que utilizan letras del fundador y poeta Mevlana Jelaleddin Rumi . [24] Con el instrumento musical conocido como ney a la vanguardia de esta música, entre los músicos de renombre internacional se incluyen Necdet Yasar, Niyazi Sayin, Kudsi Ergüner y Ömer Faruk Tekbilek .
Las minorías y los pueblos indígenas han incorporado y mejorado los estilos folclóricos turcos, al tiempo que han adoptado las tradiciones y los instrumentos folclóricos turcos. Las canciones folclóricas se pueden identificar y distinguir por regiones.
Rumelia (o Trakya ) se refiere a la región de Turquía que forma parte del sudeste de Europa (las provincias de Edirne , Kırklareli , Tekirdağ , la parte norte de la provincia de Çanakkale y la parte occidental de la provincia de Estambul ). Las canciones populares de esta región comparten similitudes con las músicas populares de los Balcanes, albanesas y griegas, especialmente de las minorías étnicas y los nativos de Tracia . La música folclórica chipriota también comparte melodías populares con esta región, por ejemplo, la danza Çiftetelli. Este tipo de canciones populares también comparten similitudes cercanas con la música de la corte otomana, lo que sugiere que la distinción entre música de la corte y música folclórica no siempre fue tan clara. [2] [5] Sin embargo, las canciones populares de Estambul pueden haber sido estrechamente influenciadas por su localidad, que incluiría rakkas otomanas y música de la corte.
Ciudades como Esmirna comparten motivos similares, como la danza zeybek .
Los pueblos turcos de Asia Central del Mar Caspio y áreas circundantes han tenido una enorme influencia en las formas más puras de la música folclórica turca, sobre todo entre los azeríes y los turcomanos .
Los griegos pónticos de la costa oriental del Mar Negro o de las regiones de Karadeniz tienen su propio estilo distintivo de música folclórica griega , cuyos motivos fueron utilizados con gran éxito por Helena Paparizou . [25] La diáspora de los pónticos de habla griega de esa región introdujo la música póntica en Grecia después del intercambio de población de 1924 entre Turquía y Grecia. El estilo de baile de la región utiliza técnicas únicas como temblores extraños de hombros y flexiones de rodillas. Las danzas folclóricas incluyen el gerasari, trygona, kots, omal , serra , kotsari y tik . [25]
Las regiones del sudeste tienen influencias de la música turcomana , los motivos zaza y la música armenia , que suelen incluir lamentos épicos.
El teatro y la ópera italianos han tenido un profundo efecto en la cultura turca del siglo pasado. Al igual que la terminología de la marinería, la terminología de la música y el teatro se deriva del italiano. En el argot del teatro improvisado de Estambul, el escenario se llamaba "sahano", el backstage se llamaba "koyuntu", los fondos que representaban el paisaje se llamaban "bosko", los aplausos se llamaban "furi" y las canciones cantadas entre los actos y las obras se llamaban "kanto".
Las piezas improvisadas eran adaptaciones teatrales de las tradiciones Karagöz (títeres de sombras) y Ortaoyunu (forma tradicional de teatro turco que se representa al aire libre), aunque de una forma mucho más simplificada. Los temas explorados en estas artes teatrales tradicionales, así como sus caracterizaciones y estereotipos habituales, se utilizaron como marco para las nuevas representaciones improvisadas del teatro tuluat (improvisado).
Al igual que sus homólogos italianos, las compañías turcas emplearon canciones y música antes del espectáculo y entre los actos para despertar el interés de la gente y atraer clientes.
Kanto: canciones cantadas entre los actos como solos o duetos, basadas en makam (modos) tradicionales orientales pero interpretadas con instrumentos occidentales.
Kanto: "primero la introducción, luego la letra, mueve los hombros al ritmo de un violín, haz un solo, inclina la cabeza y muévete al estilo de danza oriental, salta como una perdiz y luego desaparece lentamente detrás de la cortina".
Kanto: el rasgo unificador irreemplazable de todo el teatro tuluat turco. Podemos dividir el kanto en dos períodos. La división, especialmente en términos de estructura musical, es muy clara entre el kanto temprano y el kanto del período posrepublicano. Además, es posible identificar dos estilos dentro del período temprano: Galata y Direklerarası (ambos barrios del casco antiguo de Estambul).
El kanto se arraigó por primera vez en los teatros musicales de Gálata, una zona de la ciudad frecuentada por marineros, matones y peones. Ahmed Rasim Bey pinta una vívida imagen de los teatros de Gálata en sus memorias de 1922 tituladas Fuhş-i Atik ( La prostitución en los viejos tiempos ):
Todos pensaban que Peruz era la más coqueta, la más hábil y la más provocadora. Los asientos más cercanos al escenario siempre estaban abarrotados... Decían de Peruz: "es una fulana que ha atrapado el corazón de muchos jóvenes y se ha convertido en la enemiga de muchos". Apenas terminaban sus canciones cuando sillas, flores, ramos y letras adornadas con cintas salían volando de los palcos. Parecía que el edificio se iba a venir abajo.
Direklerarası se encontraba un poco apartada de los circuitos habituales y, en comparación con Gálata, era un centro de ocio más refinado. Se decía que Direklerarası era bastante animada por la noche durante el mes de Ramadán (Ramazán en turco) y, sin duda, su atractivo era su ambiente familiar. Fue aquí donde las compañías de Kel Hasan y Abdi Efendi y, más tarde, la de Neshid gozaron de gran popularidad. Fue bajo la influencia de estos maestros que Kanto vivió sus años dorados.
La orquesta de la compañía estaba formada por instrumentos como la trompeta , el trombón , el violín , el tambor y los platillos . La orquesta comenzaba a tocar canciones populares del día y marchaba frente al teatro aproximadamente una hora antes del espectáculo para despertar el interés. Este intermedio o música de Antrak terminaba con la conocida Marcha de Esmirna, señal de que se acercaba la hora del espectáculo. La obra comenzaba cuando los músicos entraban y ocupaban sus lugares a un lado del escenario.
Los cantantes de kanto de la época también eran compositores. Las letras, que se basaban en melodías extraordinariamente sencillas que estaban de moda en la época, se basaban en gran medida en las tensiones entre hombres y mujeres, además de reflejar acontecimientos de actualidad. Las composiciones se inscribían en makams tan fundamentales como Rast, Hüzzam, Hicaz, Hüseyni y Nihavent. Las canciones de kanto se recuerdan tanto por los nombres de sus intérpretes como por los de sus creadores, artistas como Peruz, Shamran, Kamelya, Eleni, Küçük y Büyük Amelya, Mari Ferha y Virjin. El hecho de que el kanto aportara un elemento erótico a la representación escénica era un aspecto importante que no se debe pasar por alto ni separar.
La vida artística y cultural adquirió nuevas dimensiones con los cambios que trajo consigo la formación de la República Turca en 1923. Fue un período de rápida transformación y sus efectos fueron generalizados. Las mujeres turcas finalmente habían ganado la libertad de aparecer en el escenario, rompiendo el monopolio que hasta entonces tenían las mujeres rum (griegas de Estambul) y armenias que actuaban en teatro musical y no musical. Instituciones como Darulbedayi (Teatro de la Ciudad de Estambul) y Darulelhan (Conservatorio de Música de Estambul) llevaban mucho tiempo formando artistas cualificados.
Los estilos de vida occidentales y el arte de estilo occidental ejercieron presión sobre los formatos tradicionales turcos y estos fueron relegados a un segundo plano. La opereta, el tango y, más tarde, el charleston y el foxtrot eclipsaron al kanto. La popularidad del kanto comenzó a disminuir, los centros de entretenimiento de la ciudad se trasladaron y los teatros de Galata y Direklerarası fueron cerrados. Las artistas turcas no fueron receptivas a la inherente picardía del kanto y optaron por mantener distancia.
Alrededor de 1935, se produjo un resurgimiento del interés por la forma kanto. Aunque bastante alejada de sus principios fundamentales, un nuevo tipo de kanto volvió a ser popular.
Es importante señalar que el kanto había pasado del escenario al estudio de grabación. Aunque los temas tratados en las letras seguían siendo las mismas viejas disputas entre hombres y mujeres, mezcladas con interpretaciones satíricas sobre la moda y los acontecimientos actuales, las canciones se escribían teniendo en mente el fonógrafo de 78 rpm . Tanto es así que cada sello discográfico contrataba a sus propios compositores de kanto, y bastante famosos, además. Con Columbia a la cabeza, los sellos discográficos encargaban kanto a Kaptanzade Ali Rıza Bey, Refik Fersan, Dramalı Hasan, Sadettin Kaynak , Cümbüş Mehmet y Mildan Niyazi Bey. Los makams eran los mismos, pero la instrumentación había cambiado. El kanto ahora iba acompañado de cümbüş (un instrumento con trastes parecido al banjo), el ud (un laúd sin trastes) y calpara (castañuelas). Dominaban los ritmos de foxtrot , charleston y rumba . Las melodías se escribían y cantaban más para escuchar que para bailar. Entre las solistas femeninas se encuentran Makbule Enver, Mahmure y Neriman; el cantante masculino más solicitado para dúos era Kemal Senman del Beşiktaşlı.
Entre los temas explorados por los nuevos kantocu (cantantes o compositores de kanto), quizás el tema de sátira más frecuente fue el nuevo papel de las mujeres provocado por la formación de la República. Canciones como Sarhoş Kızlar (Chicas borrachas) o Şoför Kadınlar (Mujeres conductoras) se cantaban aparentemente en venganza por todo el sufrimiento que habían soportado a manos de los hombres en el pasado. Otras canciones de actualidad incluyen Daktilo (La máquina de escribir), que evocaba la recién formada Sociedad Secretaires 7. Canciones como Bereli Kız (La chica con la boina) y Kadın Asker Olursa (Si las mujeres fueran soldados) estaban llenas de burla y ridículo.
El kanto de los primeros tiempos se nutrió en gran medida de la cultura de Estambul. Lo mismo ocurrió en el período posrepublicano. La gran y diversa población de la ciudad proporcionó tanto los personajes como los acontecimientos que fueron el pilar del kanto. El kanto estuvo muy influido por el teatro musical. La música y la cultura romana (gitana), que fue objeto de sátira, dejaron su huella en la forma del kanto. Otra influencia importante fue la música rum . No debe subestimarse la importancia de los rum de Estambul, tan aficionados al entretenimiento, al canto y a los juegos. Es un resultado natural e inevitable del intercambio cultural. Tal como estaban las cosas, casi todos los cantantes de kanto eran rum o armenios, artistas como Pepron, Karakas, Haim, Samran y Peruz , que actuaron durante el período posterior a 1903.
Con el tiempo, el kanto se convirtió más en una definición, un género generalizado que en un término musical. Cualquier melodía que se saliera de las convenciones musicales de la época, cualquier cosa ligera que apelara a las tendencias y gustos actuales, se etiquetaba como kanto. Cualquier música tocada con instrumentos diferentes, que fuera de ritmo libre o de alguna manera novedosa se etiquetaba como kanto; era el producto de la cultura urbana de clase media de Estambul.
Kanto ha sido considerado un precursor de la cultura pop actual.
La música popular se distingue de los géneros tradicionales como aquellos estilos que ingresaron a la musicalidad turca después de la caída del Imperio Otomano, ya sea debido a los intentos de modernización nacional a partir de 1924, la apertura de la república a las influencias musicales occidentales o fusiones modernas e innovaciones de los propios artistas. [1]
La música pop turca tuvo sus humildes comienzos a fines de la década de 1950 con versiones turcas de una amplia gama de estilos populares importados, incluidos el rock and roll , el tango y el jazz . A medida que surgieron más estilos, también se adoptaron, como el hip hop , el heavy metal y el reggae .
La autodenominada "superestrella" de la era del "arreglo" (aranjman) de los años 70 fue Ajda Pekkan y Aydzhan Bekir, quienes también debutaron, junto con Enrico Macias , en Olympia , París , mientras que MFÖ (Mazhar, Fuat, Özkan) fue el grupo célebre de la escena pop con una destreza sobresaliente en su uso de la prosodia turca y su éxito al amalgamar los ingredientes y perspectivas culturales occidentales y turcos. También una de las estrellas pop turcas más reconocidas de las últimas décadas es probablemente Sezen Aksu . Ella contribuyó considerablemente al sonido pop turco único de este período, lo que le permitió ganar terreno desde sus humildes comienzos a principios de los años 50 y 60 hasta el género popular que es hoy. También fue una de las defensoras más firmes de que Turquía participara en el Festival de la Canción de Eurovisión . Su ex vocalista y luego protegido Sertab Erener ganó el concurso en 2003.
Las mayores estrellas pop masculinas en Turquía son sin duda Tarkan , Mustafa Sandal y Kenan Doğulu . Tarkan logró el éxito en las listas de éxitos en Europa y América Latina con su sencillo " Şımarık ", también compuesto por Sezen Aksu, que ha sido versionado por numerosos artistas. [26] Mustafa Sandal también ha disfrutado del éxito en las listas de éxitos en Europa con su sencillo de 2005 " İsyankar ", que alcanzó el número 4 y se convirtió en disco de oro .
El hip hop turco o hip hop oriental es una creación de la comunidad de trabajadores inmigrantes turcos en Alemania, que algunos sugieren que fue una salida adecuada para una generación joven desilusionada con el trato de Alemania a su clase inmigrante. [27] En 1995, la comunidad turco-alemana produjo un importante grupo de hip hop llamado Cartel que causó controversia en Turquía y Alemania por sus letras revolucionarias. El hip hop ahora goza de una amplia popularidad entre la generación más joven en Turquía. Ceza , Dr. Fuchs (anteriormente "Nefret") y Sagopa Kajmer , Sansar Salvo, Pit10, Şehinşah , Hayki , Saian y Allâme son figuras populares de la música rap contemporánea en Turquía.
La escena del rock turco comenzó a mediados y finales de los años 1960, cuando las bandas populares de Estados Unidos y el Reino Unido se hicieron conocidas. Pronto surgió una fusión distintivamente turca de rock y folk; esto se llamó rock de Anatolia, un término que hoy en día puede atribuirse de manera genérica a la mayor parte del rock turco. [1] Barış Manço , Cem Karaca y Erkin Koray son los intérpretes más conocidos; Moğollar y Kurtalan Ekspres son los grupos más conocidos de música rock clásica de Anatolia más antigua.
Los anasheed islámicos también son muy populares entre algunos de los turcos. El artista más popular en Turquía es el británico azerí Sami Yusuf , un concierto en Estambul atrajo a una audiencia de más de 200.000 personas, su concierto más grande hasta ahora en todo el mundo. [28] Es uno de los cantantes de anasheed más notables y puede hablar en muchos idiomas diferentes, incluido el turco . [ cita requerida ] Hasta la fecha, ha actuado en conciertos con entradas agotadas en más de 30 países de todo el mundo, desde Estambul hasta Casablanca, Estados Unidos y Alemania. Algunos álbumes venden más de un millón de copias en comparación con la música occidental. En enero de 2009, Sami viajó a Turquía, donde fue invitado por Emine Erdoğan, esposa del primer ministro turco Recep Tayyip Erdoğan , para asistir a una manifestación en apoyo de la paz en Gaza . [29] Otro cantante turco popular es Feridun Özdemir, que canta principalmente sobre Dios y la fe verdadera. Sus discos más exitosos son en el género anasheed. [30]
Los grupos de heavy metal e industrial de Turquía incluyen a Pentagram (conocido como Mezarkabul fuera de Turquía) y Almora. [31] Los músicos individuales de estos géneros incluyen a Ogün Sanlısoy y Hayko Cepkin .
Las bandas underground de black metal y death metal conocidas de Turquía son Witchtrap , Ehrimen, Satanized, Godslaying Hellblast, Burial Invocation, Deggial y Decaying Purity.
El trance es un género musical poco común en Turquía , pero también tiene oyentes específicos. Este género ganó popularidad cuando se compuso la primera música trance turca, compuesta por Murtaza Khojami, y la canción que lleva el nombre de Yalnızlık Düşünceler [32] , con críticas mixtas.
Como fenómeno singular entre las corrientes populares desde mediados de la década de 1970, Bülent Ortaçgil apareció como un compositor/músico urbano con una calidad musical distintiva y se convirtió en un modelo a seguir para los jóvenes músicos aspirantes. [ cita requerida ] Fue el único músico turco para el que se compiló un álbum tributo que incluía a varios intérpretes destacados de una amplia gama de géneros diferentes.
Otras bandas de rock recientes con un sonido más occidental que han disfrutado de un gran éxito son maNga , Duman y Mor ve Ötesi . Şebnem Ferah , Özlem Tekin y Teoman son ejemplos de artistas de rock individuales con importantes bases de seguidores. Turquía también cuenta con numerosos festivales y eventos de rock a gran escala . Los festivales de rock anuales en Turquía incluyen Barışarock, H2000 Music Festival, Rock'n Coke y RockIstanbul .
Hay muchos clubes en Turquía, especialmente en su región del Egeo. Sin embargo, la escena de música alternativa se deriva principalmente de la próspera escena de clubes underground de Estambul, que ve a los DJ fusionar el pasado con el presente, utilizando motivos tradicionales con sonidos new age y música electrónica. Mercan Dede es uno de los DJ más exitosos de Turquía, mezclando trance con canciones sufíes históricas y místicas . Otro nombre reconocido mundialmente de la escena musical underground de Turquía es Mert Yücel . Yücel fue responsable del primer álbum de música house que se lanzó en Turquía. También tuvo lanzamientos aclamados y respetados en todo el mundo en sellos dance de Estados Unidos y el Reino Unido. [33] Es uno de los nombres clave que definen el sonido house underground que surge de Estambul. [34] [35]
La afluencia de inmigrantes y refugiados de Afganistán , Siria , Irak , Pakistán , países de Asia Central y África ha afectado al panorama musical turco, particularmente en Estambul . [36] [37] Bandas como Country for Syria y Saktat mezclan explícitamente la música de diferentes comunidades de refugiados en Estambul para crear una mezcla de influencias turcas, árabes, griegas, persas y occidentales. [38] El busking ha jugado un papel importante en el desarrollo de este estilo. [39]
La industria musical turca incluye una serie de campos, que van desde compañías discográficas hasta estaciones de radio y orquestas comunitarias y estatales. La mayoría de las principales compañías discográficas tienen su sede en la región de Unkapanı de Estambul y están representadas por la Sociedad de la Industria Fonográfica Turca (MÜ-YAP). [40] Las principales compañías discográficas producen material de artistas que han firmado con uno de sus sellos discográficos , una marca a menudo asociada con un género o productor discográfico en particular . Las compañías discográficas también pueden promover y comercializar a sus artistas, a través de publicidad, presentaciones públicas y conciertos y apariciones en televisión.
En los últimos años, la industria musical se ha visto envuelta en un caos debido al aumento de la descarga de música protegida por derechos de autor a través de Internet y la piratería en general; muchos músicos y MÜ-YAP han tratado de castigar a los fans que descargan ilegalmente música protegida por derechos de autor. [40] El 13 de junio de 2006 se informó que MÜ-YAP y The Orchard, el distribuidor y comercializador líder mundial de música independiente, habían llegado a un acuerdo sobre distribución digital global, que representa aproximadamente el 80% del mercado musical turco. [41]
En Turquía no existe un mercado de sencillos importante. [1] Está orientado a los álbumes, aunque cantantes populares como Yonca Evcimik y Tarkan han lanzado sencillos con éxito. [42] La mayoría de las listas de música que no están relacionadas con las ventas de álbumes miden la popularidad por los comentarios de los videos musicales y la difusión en la radio. [43]
Las estaciones de radio turcas suelen transmitir música popular. Cada estación de música tiene un formato o una categoría de canciones que se reproducirán; estos son generalmente similares, pero no iguales, a la clasificación genérica ordinaria. Con la introducción de la radio y la televisión comerciales a principios de la década de 1990, que puso fin al monopolio de la Corporación Turca de Radio y Televisión (TRT), los magnates de los medios de comunicación de periódicos abrieron una multitud de estaciones de radio y televisión . [1] Estas cadenas de medios patrocinan ceremonias de premios como los premios Kral TV para la música, pero la mayoría de los premios de música acreditados se basan en las ventas otorgadas por sociedades de la industria como MÜ-YAP y la Sociedad de Periodistas de Revistas (MJS). [44] [45]
Aunque las grandes compañías discográficas dominan la industria turca, existe una industria musical independiente ( música indie ). La música indie se basa principalmente en sellos discográficos locales con una distribución minorista limitada, si es que existe, fuera de una pequeña región. Los artistas a veces graban para un sello indie y obtienen suficiente reconocimiento como para ser contratados por un sello importante; otros eligen permanecer en un sello indie durante toda su carrera. La música indie puede tener estilos generalmente similares a la música convencional, pero a menudo es inaccesible, inusual o poco atractiva para muchas personas. Los músicos indie a menudo lanzan algunas o todas sus canciones a través de Internet para que los fanáticos y otras personas las descarguen y escuchen. [3]
Quizás el nombre turco más exitoso asociado con la música indie fuera de Turquía es Ahmet Ertegun de Atlantic Records . Su promoción de algunos de los artistas de R&B y soul más famosos de Norteamérica y su contribución a la industria musical estadounidense le han valido un lugar en el Salón de la Fama del Rock and Roll , junto con su hermano Nesuhi .
La música tiene un lugar en la educación en Turquía y es parte de la mayoría o de todos los sistemas escolares del país. Las escuelas secundarias generalmente ofrecen clases de canto, principalmente coral, e instrumentación en forma de una gran banda escolar o clubes sociales y comunidades de música clásica o folclórica turca, conocidos como cemiyets . [1] La música también puede ser parte de las producciones teatrales realizadas por el departamento de teatro de una escuela. Muchas escuelas públicas y privadas han patrocinado clubes y grupos de música, que incluyen más comúnmente la banda de música que interpreta marchas de Mehter en los festivales escolares. Sin embargo, el tiempo de clase dedicado a la música en las escuelas es restringido y una gran proporción de niños y adultos turcos parecen tener una capacidad musical limitada, por ejemplo, no pueden unirse a una melodía cantando en el mismo tono.
La educación superior en el campo de la música en Turquía se basa principalmente en grandes universidades , conectadas con academias de música estatales y conservatorios . Un conservatorio suele ser un departamento de una universidad, no una institución separada. Si bien muchos estudiantes ingresan a los conservatorios a la edad habitual de ingreso a la universidad, algunos conservatorios también incluyen un 'Lise' (Liceo), en efecto, una escuela de música especializada para niños de 14 a 18 años. Los conservatorios a menudo tienen un departamento de musicología y realizan investigaciones sobre muchos estilos de música, especialmente los géneros tradicionales turcos, al mismo tiempo que mantienen una base de datos de sonidos en sus bibliotecas de sonidos. [1]
La música es una parte importante de varias fiestas y festivales turcos, especialmente en la celebración primaveral del Newroz y festividades religiosas como el Ramadán . [1] El año nuevo es un momento tradicional para la danza del vientre y las bodas se celebran con melodías alegres, mientras que los funerales se lamentan con lamentos musicales. Las canciones patrióticas como el himno nacional, " La Marcha de la Independencia ", son una parte importante de las celebraciones de días festivos como las celebraciones de la Independencia Nacional y el Día Internacional del Niño el 23 de abril y las celebraciones del Día de la Victoria el 30 de agosto, una festividad que marca la independencia turca . [1] La música también juega un papel en muchos festivales regionales que no se celebran a nivel nacional, por ejemplo, un desfile y festival de música y danza en Zonguldak .
Estambul, Ankara e İzmir también acogen numerosos festivales de música que presentan estilos que van desde el blues y el jazz hasta el indie rock y el heavy metal. Algunos festivales de música son estrictamente locales, incluyen pocos o ningún artista con reputación nacional y, por lo general, están organizados por promotores locales. Recientemente, las grandes empresas de refrescos han organizado sus propios festivales de música, como Rock'n Coke y Fanta Parties, que atraen a grandes multitudes.
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