Las raíces de la música tradicional en Turquía abarcan siglos hasta una época en la que los turcos selyúcidas emigraron a Anatolia y Persia en el siglo XI y contienen elementos de influencias turcas y preturcas. Gran parte de su música popular moderna tiene sus raíces en el surgimiento de la campaña de occidentalización a principios de la década de 1930 . [1]
Con la asimilación de inmigrantes de diversas regiones también se amplió la diversidad de géneros musicales e instrumentación musical. Turquía también ha visto música folclórica documentada y música popular grabada producida en los estilos étnicos de las comunidades griega , armenia , albanesa , polaca , azerí y judía , entre otras. [2] Muchas ciudades y pueblos turcos tienen escenas musicales locales vibrantes que, a su vez, apoyan una serie de estilos musicales regionales. A pesar de esto, sin embargo, la música pop de estilo occidental perdió popularidad ante el arabesco a finales de los años 1970 y 1980, y hasta sus más grandes defensores, Ajda Pekkan y Sezen Aksu , perdieron estatus. Volvió a ser popular a principios de la década de 1990, como resultado de una economía y una sociedad en apertura. Con el apoyo de Aksu, la creciente popularidad de la música pop dio lugar a varias estrellas del pop turco internacional como Tarkan y Sertab Erener . A finales de la década de 1990 también surgió la música underground que producía rock , electrónica , hip-hop , rap y música dance alternativa turca en oposición al pop corporativo dominante y los géneros arabescos , que muchos creen que se han vuelto demasiado comerciales. [3]
La música de la corte otomana tiene un amplio y variado sistema de modos o escalas conocidos como makams , y otras reglas de composición. Se utilizaron varios sistemas de notación para transcribir música clásica, siendo el más dominante la notación Hamparsum que se utilizó hasta la introducción gradual de la notación occidental. [4]
Una secuencia específica de formas musicales clásicas turcas se convierte en un fasıl , una suite que consta de un preludio instrumental ( peṣrev ), un postludio instrumental ( saz semaisi ) y, en el medio, la sección principal de composiciones vocales que comienza y está puntuada por improvisaciones instrumentales. taksim . [5] Un concierto fasıl completo incluiría cuatro formas instrumentales diferentes y tres formas vocales, incluida una canción clásica ligera, şarkı . Un fasıl estrictamente clásico (en el estilo de principios del siglo XIX) permanece en el mismo makam en todo momento, desde el taksim introductorio y generalmente termina con una melodía de baile o oyun havası . [6] Sin embargo, las composiciones şarkı más breves , precursoras de las canciones modernas, son parte de esta tradición, muchas de ellas extremadamente antiguas, que se remontan al siglo XIV; muchos son más nuevos, siendo especialmente popular el compositor de finales del siglo XIX, Haci Arif Bey .
Otros defensores famosos de este género incluyen al sufí Dede Efendi , el príncipe Cantemir , Baba Hamparsum , Kemani Tatyos Efendi , el sultán Selim III y el sultán Solimán el Magnífico . El cantante clásico turco moderno más popular es Münir Nurettin Selçuk , quien fue el primero en establecer una posición de cantante principal. Otros intérpretes son Bülent Ersoy , Zeki Müren , Müzeyyen Senar y Zekai Tunca.
Los instrumentos tradicionales de la música clásica turca actual incluyen el tambur (generalmente utilizado como tanbur) , laúd pulsado de cuello largo, flauta ney de punta, violín frotado kemençe , laúd pulsado de cuello corto sin trastes, oud , cítara pulsada kanun , violín y, en la música mevlevi , tambor küdüm y arpa.
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Desde los makams de las cortes reales hasta las melodías de los harenes reales , surgió un tipo de música de baile diferente del oyun havası de la música fasıl. En el Imperio Otomano , el harén era la parte de una casa reservada para las mujeres de la familia. Era un lugar en el que no se permitían varones que no fueran de la familia. Los eunucos custodiaban los harenes del sultán, que eran bastante grandes e incluían varios cientos de mujeres que eran esposas y concubinas. Allí, bailarinas y músicos entretenían a las mujeres que vivían en el harén. La danza del vientre la realizaban mujeres para mujeres. Esta bailarina, conocida como rakkase , que en árabe significa "bailarina", casi nunca aparecía en público. [7]
Este tipo de música de harén fue llevada fuera de las viviendas privadas del sultán y al público por artistas callejeros masculinos y bailarines contratados del Imperio Otomano, los rakkas masculinos . Estos bailarines actuaban públicamente en celebraciones de bodas, fiestas, festivales y en presencia de los sultanes. [7]
La danza oriental moderna en Turquía se deriva de esta tradición de los rakkas otomanos. Algunos creen erróneamente que la danza oriental turca se conoce como Çiftetelli debido al hecho de que los griegos incorporaron este estilo de música a la danza oriental , lo que ilustra el hecho de que la danza del vientre griega a veces se llama erróneamente Tsifteteli . Sin embargo, Çiftetelli es ahora una forma de música folclórica, con nombres de canciones que describen sus orígenes locales, mientras que rakkas, como su nombre indica, proviene del árabe y significa "bailarín". [7] Los bailarines también son conocidos por su uso experto de los platillos de dedo como instrumentos, también conocidos como zils .
Los romaníes son conocidos en toda Turquía por su maestría musical. Su música urbana trajo al público ecos de la música clásica turca a través de la meyhane o taberna. Este tipo de música fasıl (un estilo que no debe confundirse con la forma fasıl de la música clásica turca) con comida y bebidas alcohólicas se asocia a menudo con la clase baja de la sociedad turca, aunque también se puede encontrar en establecimientos más respetables en los tiempos modernos. . [1]
Los romaníes también han influido en el propio fasıl. Tocada en salas de música, la música de baile ( oyun havası ) requerida al final de cada fasıl se ha incorporado con rakkas otomanos o motivos de danza del vientre. El ostinato rítmico que acompaña la improvisación instrumental ( ritimli taksim ) para la danza del vientre es paralelo al de la gacela clásica , una improvisación vocal en ritmo libre con acompañamiento rítmico. Los instrumentos musicales populares en este tipo de fasıl son el clarinete , el violín , el kanun y la darbuka . El clarinetista Mustafa Kandıralı es un conocido músico fasil.
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Las bandas de jenízaros o Mehter Takımı se consideran el tipo de banda de música militar más antigua del mundo. [8] Instrumentistas individuales fueron mencionados en las inscripciones de Orhun , que se cree que son las fuentes escritas más antiguas de la historia turca, que datan del siglo VIII. Sin embargo, no fueron mencionados definitivamente como bandas hasta el siglo XIII. El resto de Europa tomó prestada la noción de bandas militares de Turquía a partir del siglo XVI.
Las relaciones musicales entre los turcos y el resto de Europa se remontan a muchos siglos atrás, [9] y el primer tipo de orientalismo musical fue el estilo turco . [10] Los compositores clásicos europeos del siglo XVIII estaban fascinados por la música turca, en particular el fuerte papel otorgado a los instrumentos de metal y percusión en las bandas jenízaras .
Joseph Haydn escribió su Sinfonía militar para incluir instrumentos turcos, así como algunas de sus óperas. Se incluyeron instrumentos turcos en la Sinfonía número 9 de Ludwig van Beethoven , y compuso una "Marcha turca" para su Música incidental para Las ruinas de Atenas, op. 113 . Wolfgang Amadeus Mozart escribió la "Ronda alla turca" en su Sonata en La mayor y también utilizó temas turcos en sus óperas, como el Coro de Jenízaros de su Die Entführung aus dem Serail (1782). Esta influencia turca introdujo los platillos , el bombo y las campanas en la orquesta sinfónica, donde permanecen. El músico de jazz Dave Brubeck escribió su "Blue Rondo á la Turk" como tributo a Mozart y la música turca. [ cita necesaria ]
Mientras que las bandas militares europeas del siglo XVIII introdujeron los instrumentos de percusión de las bandas de jenízaros otomanos, en el siglo XIX surgió una influencia recíproca en la forma de la europeización de la banda del ejército otomano. En 1827, Giuseppe Donizetti , hermano mayor del renombrado compositor de ópera italiano Gaetano Donizetti , fue invitado a convertirse en maestro musical del sultán Mahmud II . [11] Un sucesor de Donizetti fue el músico alemán Paul Lange , ex profesor de música en el American College for Girls y en el German High School , que asumió el cargo de Maestro de Música del Sultán después de la Revolución de los Jóvenes Turcos en 1908 y mantuvo lo mantuvo hasta su muerte en 1920. Un hijo de Paul Lange fue el director de orquesta estadounidense nacido en Estambul Hans Lange . La compositora otomana Leyla Saz (1850-1936) relata en sus memorias su formación musical en el Palacio Imperial. Como hija del cirujano de palacio, creció en el harén imperial, donde las niñas también recibían lecciones de música en estilos turco y occidental. [12]
Tras la decadencia del Imperio Otomano y la creación de una república turca, se procedió al traslado de la antigua Orquesta Imperial o Mızıka-ı Hümayun de Estambul a la nueva capital del estado Ankara , y renombrarla como Orquesta de la Presidencia de la República. , Riyaset-i Cumhur Orkestrası , marcó una occidentalización de la música turca. Más tarde, el nombre se cambiaría a Orquesta Sinfónica Presidencial o Cumhurbaşkanlığı Senfoni Orkestrası . [1]
Se produjeron más avances con la fundación de una nueva escuela para la formación de instructores de música de estilo occidental en 1924, el cambio de nombre de la Escuela de Música Oriental de Estambul a Conservatorio de Estambul en 1926 y el envío de jóvenes músicos talentosos al extranjero para continuar con su educación musical. Estos estudiantes incluyen a conocidos compositores turcos como Cemal Reşit Rey , Ulvi Cemal Erkin , Ahmet Adnan Saygun , Necil Kazım Akses y Hasan Ferit Alnar , quienes llegaron a ser conocidos como los Cinco Turcos . [13] La fundación del Conservatorio Estatal de Ankara con la ayuda del compositor y teórico musical alemán Paul Hindemith en 1936 demostró que Turquía, en términos musicales, quería ser como Occidente. [1]
Sin embargo, por orden del fundador de la república, Atatürk , siguiendo su filosofía de tomar de Occidente pero seguir siendo turco en esencia, en 1924 se inició una clasificación y archivo a gran escala de muestras de música folclórica turca de toda Anatolia . Continuó hasta 1953 para recopilar alrededor de 10.000 canciones populares. El compositor húngaro Béla Bartók visitó Ankara y el sureste de Turquía en 1936 en el contexto de estas obras. [14]
En 1976, la música clásica turca había experimentado un renacimiento y se fundó un conservatorio musical estatal en Estambul para brindar a los músicos clásicos el mismo apoyo que a los músicos folclóricos. Entre los defensores modernos de la música clásica occidental en Turquía se encuentran Fazıl Say , İdil Biret , Suna Kan y las hermanas Pekinel .
Después de que terminó la Guerra de Independencia turca en 1923 y se trazaron las fronteras, hubo una revolución social y política bajo el liderazgo de Mustafa Kemal Atatürk . Esta revolución apostó por occidentalizar la forma de vida en Turquía. Para 1929, todas las comunicaciones públicas y comerciales se realizaban en alfabeto latino , sacando completamente de circulación la lengua turca otomana escrita. Se redactó una nueva constitución, que siguió el modelo de la francesa. Esta nueva constitución fue diseñada para hacer de la nueva República de Turquía un Estado-nación secular y moderno. Cada aspecto de la revolución, desde cambios políticos importantes hasta reformas en la vestimenta, se realizó de acuerdo con la ideología kemalista . Todos los asuntos se llevaron a cabo seguidos de una cadena de mando militar con el fin de alcanzar el nivel de la civilización occidental. Tanto la música clásica religiosa como la turca se vieron afectadas por esta revolución de arriba a abajo.
El 1 de noviembre de 1934 Atatürk pronunció un discurso en la Gran Asamblea Nacional de Turquía . La música de Alaturca fue prohibida en radios, lugares públicos y propiedades privadas. [15] Aquí está el extracto del discurso, sobre la música turca: "Amigos, todos sabemos cuán sensibles somos nosotros, los turcos, hacia las cuestiones de nuestro legado cultural... Soy consciente del tipo de progreso que mi pueblo quiere lograr. "Vemos dentro de las bellas artes la entregada por la nueva generación de artistas y músicos. Si me preguntas, lo que sería más eficiente y rápido de abordar primero dentro de las bellas artes es la música turca. La música que estamos hechos para escuchar en estos días está lejos de ser de ser un motivo de orgullo para el pueblo turco. Todos debemos saber esto. Debemos tomar los modismos, historias y experiencias de nuestra gran nación y componerlos, pero sólo respetando las reglas generales de la música. Deseo que el Ministerio de Asuntos Culturales tome este asunto en serio y trabajar junto con los legisladores de nuestro país". [dieciséis]
Inmediatamente después de este discurso, el 2 de noviembre de 1934, el Departamento de Editoriales y Prensa prohibió la música de Alaturca, sabiendo lo que Mustafa Kemal quería decir cuando dijo "...pero sólo cumpliendo las reglas generales de la música..." era que el único tipo de música aceptable. A disposición del público habrá música siguiendo los principios de la música tonal occidental . A los compositores turcos, que se educaron en el extranjero a principios de siglo y regresaron a Turquía, se les asignó la tarea de enseñar a los músicos clásicos turcos la forma occidental de escribir y tocar música. La Orquesta Sinfónica Presidencial, establecida en 1924, comenzó a ofrecer presentaciones semanales gratuitas en escuelas especializadas en educación musical. Se compraron nuevos instrumentos como pianos, trompetas y saxofones para centros culturales en pueblos, no sólo en Estambul, sino en muchos lugares como Bursa , Çorum , Gümüşhane y Samsun . [dieciséis]
Junto con el cambio radical de ideología y la repentina aplicación de estas nuevas ideas, se produjo un desgarro evidente en el tejido de la sociedad. Las personas que no podían escuchar música turca en la radio turca buscaron la mejor opción y comenzaron a escuchar la radio árabe. Hay registros de turcos que llaman a estaciones de radio egipcias , de Crimea y de Haifan solicitando canciones turcas que estaban acostumbrados a escuchar, ya que Oriente Medio ya consumió y recreó mucha música turca desde el surgimiento del Imperio Otomano en el mediados del milenio. [17] Los turcos comenzaron a escuchar versiones de canciones turcas de otras naciones. Esto allanó el camino para que la música arabesca se hiciera enormemente popular en los años 70. Hoy en día, todavía hay músicos arabescos prolíficos y populares en Turquía. La prohibición en los primeros años de la República es exactamente la razón por la que la música arabesca se convirtió en un fenómeno cultural. [18]
La música folclórica o Türkü generalmente trata temas relacionados con la vida cotidiana en términos menos grandiosos que el amor y la emoción que suele contener su contraparte tradicional, la música de la corte otomana. [5]
La mayoría de las canciones cuentan historias de acontecimientos de la vida real y del folclore turco , o se han desarrollado a través de concursos de canciones entre poetas trovadores. [19] De acuerdo con sus orígenes, las canciones populares suelen tocarse en bodas, funerales y festivales especiales.
La música folclórica regional generalmente acompaña a las danzas folclóricas, que varían significativamente entre regiones. Por ejemplo, en las ceremonias matrimoniales en el Egeo los invitados bailan el Zeybek , mientras que en otras regiones de Rumeli se suele tocar la alegre música de baile Çiftetelli , y en las regiones del sureste de Turquía el Halay es la forma habitual de música y danza nupcial local. [1] Los griegos de Tracia y Chipre que han adoptado la música çiftetelli a veces la usan como sinónimo de danza oriental , lo que indica una mala comprensión de sus raíces. Çiftetelli es una danza folclórica, que se diferencia de una danza en solitario de un artista contratado.
El ambiente regional también influye en el tema de las canciones populares, por ejemplo, las canciones populares del Mar Negro son en general animadas y expresan las costumbres de la región. Las canciones sobre la traición tienen un aire de desafío en lugar de tristeza, mientras que cuanto más se viaja al sur de Turquía, más se parecen las melodías a un lamento . [20]
Como este género es visto como una música del pueblo, los músicos de los movimientos socialistas comenzaron a adaptar la música folclórica con sonidos y arreglos contemporáneos en forma de música de protesta .
En los años 70 y 80, los bardos modernos que seguían la tradición aşık, como Aşik Veysel y Mahsuni Şerif, se alejaron de las invocaciones espirituales hacia letras sociopolíticamente activas.
Otros progenitores contemporáneos tomaron su ejemplo, como Zülfü Livaneli , conocido por su innovación de mediados de los 80 de combinar los poemas radicales del poeta Nazım Hikmet con música folclórica y melodías rurales, y es bien considerado por los partidarios de la izquierda en la política. [1]
En tiempos más recientes, las orquestas de saz, acompañadas de muchos otros instrumentos tradicionales y una fusión con melodías arabescas, han mantenido populares las canciones populares modernas en Turquía. [1]
Los instrumentos populares van desde grupos de cuerda como el bağlama , instrumentos de arco como el kemençe (un tipo de violín de pentagrama) y percusión y viento, incluidos el zurna , ney y davul . Las variaciones regionales dan importancia a diferentes instrumentos, por ejemplo, la darbuka en Rumeli y el kemençe en la región oriental del Mar Negro . El folclore de Turquía es extremadamente diverso. Sin embargo, la música folclórica turca está marcada predominantemente por un único instrumento musical llamado saz o bağlama , un tipo de laúd de cuello largo . Tradicionalmente, el saz lo tocan únicamente músicos viajeros conocidos como ozan o trovadores religiosos alevíes llamados aşık . [21]
Debido al mestizaje cultural que prevaleció durante el Imperio Otomano, el bağlama ha influido en varias culturas del Mediterráneo oriental, por ejemplo, los baglamas griegos . En turco, bağlamak significa "atar" como referencia a los trastes móviles y atados del instrumento. Como muchos otros laúdes pulsados, se puede tocar con una púa (es decir, púa), con un estilo de punteo o rasgueado con el dorso de las uñas. El dúo zurna y davul también es popular en las zonas rurales y toca en bodas y otras celebraciones locales.
Una gran cantidad de canciones populares se derivan de juglares o poetas bardos llamados ozan en turco. Han estado desarrollando la literatura popular turca desde principios del siglo XI. El instrumento musical utilizado por estos bardos-poetas es el saz o bağlama . A menudo son enseñados por otros juglares veteranos, quienes aprenden modismos, procedimientos y métodos de expertos en la realización del arte. [22] Estas lecciones a menudo tienen lugar en reuniones de juglares y en los cafés que frecuentan. Aquellos bardos-poetas que se convierten en expertos o alayli toman aprendices y continúan la tradición. [22]
La producción creativa de un juglar suele adoptar dos formas principales. Uno, en los concursos de rimas musicales con otros bardos, donde la competición finaliza con la derrota del juglar que no encuentra una cuarteta adecuada a la rima y dos, la narración de cuentos. [19] Estas historias populares están extraídas de la vida real, el folclore, los sueños y las leyendas. [22] Uno de los seguidores más conocidos son aquellos bardos que ponen el título aşık delante de sus nombres.
La música árabe había sido prohibida en Turquía en 1948, pero a partir de la década de 1970 la inmigración desde las zonas predominantemente rurales del sureste hacia las grandes ciudades y particularmente a Estambul dio lugar a una nueva síntesis cultural. Esto cambió la composición musical de Estambul. Las antiguas tabernas y salas de música de música fasıl cerrarían en lugar de un nuevo tipo de música. [1] Estos nuevos residentes urbanos trajeron su propio gusto musical, que debido a su localidad era en gran parte del Medio Oriente. Los musicólogos denominaron despectivamente a este género arabesco debido al gemido agudo que es sinónimo del canto árabe.
Su popularidad aumentó tanto en la década de 1980 que incluso amenazó la existencia del pop turco, con estrellas en ascenso como Müslüm Gürses e İbrahim Tatlıses . [1] El género tiene formas underbeat que incluyen formas otomanas de música de danza del vientre conocidas como fantazi de cantantes como Gülben Ergen y con intérpretes como Serdar Ortaç , quienes agregaron rock and roll angloamericano a la música arabesca.
No es realmente exacto agrupar el arabesk con la música folclórica. Le debe poco a la música folclórica y se describiría con mayor precisión como una forma de música popular basada en las escalas makam que se encuentran en la música clásica otomana y turca. Aunque se acusó a Arabesk de derivar de la música árabe, las escalas (makam) utilizadas lo identifican como música que, aunque influenciada tanto por la música árabe como por la occidental, es de origen mucho más turco.
La "recitación islámica", un término asociado con la religión predominante en Turquía, incluye el azan (llamado a la oración), el Kur'an-ı Kerim (recitación del Corán), el Mevlit (poema de la Ascensión) y el ilahi (himnos generalmente cantados en un grupo, a menudo fuera de una mezquita). En términos musicales, la música de las mezquitas en las grandes áreas urbanas a menudo se parece a la música clásica turca en su uso aprendido del makam y la poesía, por ejemplo, un Mevlit cantado en la mezquita del Sultán Ahmet en Estambul. La música derviche/sufí rara vez se asocia con una mezquita. Kâni Karaca fue un destacado intérprete de música de mezquita en los últimos tiempos. [23]
Se sugiere que alrededor de una quinta parte de la población turca son alevíes , cuya música folclórica es interpretada por un tipo de bardo u ozan viajero llamado aşık , que viaja con el saz o baglama , una imagen icónica de la música folclórica turca. [21] Estas canciones, que provienen de la zona central nororiental, tratan sobre revelaciones místicas, invocaciones a los santos alevíes y al yerno de Mahoma , Ali , a quien tienen en alta estima. En turco, aşık significa literalmente "enamorado". Quien sigue esta tradición tiene la asignación Aşık delante de su nombre, porque se sugiere que la música se convierte en una faceta esencial de su ser, por ejemplo como en Aşık Veysel .
Anatolia media es el hogar del bozlak , un tipo de música declamatoria, parcialmente improvisada, de los bardos. Neşet Ertaş ha sido hasta ahora la voz contemporánea más destacada de la música de Anatolia Media, cantando canciones de un amplio espectro, incluidas obras de aşıks turcomanos premodernos como Karacaoğlan y Dadaloğlu y los aşıks modernos como su padre, el fallecido Muharrem Ertaş . Alrededor de la ciudad de Sivas , la música aşık tiene una inclinación más espiritual, con concursos de canciones ritualizados, aunque los bardos modernos la han llevado a la arena política. [19]
Los seguidores de la Orden Mevlevi o derviches giratorios son una secta religiosa sufí exclusiva de Turquía pero muy conocida fuera de sus fronteras.
Los derviches de la secta Mevlevi simplemente bailan un sema escuchando continuamente una música que consiste en composiciones largas y complejas llamadas ayin . Estas piezas están precedidas y seguidas por canciones con letras del fundador y poeta Mevlana Jelaleddin Rumi . [24] Con el instrumento musical conocido como ney a la vanguardia de esta música, músicos de renombre internacional incluyen a Necdet Yasar, Niyazi Sayin, Kudsi Ergüner y Ömer Faruk Tekbilek .
Las minorías y los pueblos indígenas han añadido y mejorado los estilos folclóricos turcos, al tiempo que han adoptado tradiciones e instrumentos folclóricos turcos. Las canciones populares son identificables y distinguidas por regiones.
Rumelia (o Trakya ) se refiere a la región de Turquía que forma parte del sudeste de Europa (las provincias de Edirne , Kırklareli , Tekirdağ , la parte norte de la provincia de Çanakkale y la parte occidental de la provincia de Estambul ). Las canciones populares de esta región comparten similitudes con las músicas populares balcánicas, albanesas y griegas, especialmente de las minorías étnicas y los nativos de Tracia . La música folclórica chipriota también comparte melodías folclóricas con esta región, por ejemplo, la danza Çiftetelli. Este tipo de canciones folclóricas también comparten estrechas similitudes con la música de la corte otomana, lo que sugiere que la distinción entre música de la corte y folclórica no siempre fue tan clara. [2] [5] Sin embargo, las canciones populares de Estambul pueden haber estado estrechamente influenciadas por su localidad, que incluiría rakkas otomanos y música de la corte.
Ciudades como Esmirna comparten motivos similares, como la danza zeybek .
Los pueblos turcos de Asia Central del Mar Caspio y otras zonas han tenido una gran influencia en las formas más puras de la música folclórica turca, sobre todo de los azeríes y turcomanos .
Los griegos pónticos de la costa oriental del Mar Negro o de las regiones de Karadeniz tienen su propio estilo distintivo de música folclórica griega , cuyos motivos fueron utilizados con gran éxito por Helena Paparizou . [25] La diáspora de pueblos pónticos de habla griega de esa región introdujo la música póntica en Grecia después del intercambio de población de 1924 entre Turquía y Grecia. El estilo de baile de la región utiliza técnicas únicas como extraños temblores de hombros y flexiones de rodillas. Las danzas folclóricas incluyen gerasari, trygona, kots, omal , serra , kotsari y tik . [25]
Las regiones del sudeste tienen influencias de la música turcomana , motivos zaza y música armenia . Estos suelen incluir lamentos épicos.
El teatro y la ópera italianos han tenido un profundo efecto en la cultura turca durante el siglo pasado. Al igual que la terminología de la náutica, la terminología de la música y el teatro se deriva del italiano. En el argot del teatro de improvisación de Estambul, el escenario se llamaba "sahano", el backstage se llamaba "koyuntu", los fondos que representaban el campo eran "bosko", los aplausos eran "furi" y las canciones se cantaban entre los actos y las obras. fueron llamados "kanto".
Las piezas improvisadas eran adaptaciones escénicas de las tradiciones Karagöz (títere de sombras) y Ortaoyunu (forma tradicional de teatro turco representada al aire libre), aunque en una forma mucho más simplificada. Los temas explorados en estas artes teatrales tradicionales, así como sus caracterizaciones y estereotipos habituales, se utilizaron como marco para las nuevas representaciones extemporáneas del teatro tuluat (improvisado).
Al igual que sus homólogos italianos, las compañías turcas emplearon canciones y música antes del espectáculo y entre los actos para despertar el interés de la gente y atraer clientes.
Kanto: canciones cantadas entre actos como solos o dúos, basadas en makam (modos) orientales tradicionales pero interpretadas con instrumentos occidentales.
Kanto: "primero la introducción, luego la letra, mueve los hombros al ritmo de un violín, solo, ladea la cabeza y baila al estilo de una danza oriental, salta como una perdiz y luego desaparece lentamente detrás de la cortina".
Kanto: la característica unificadora insustituible de todo el teatro tuluat turco. Podemos dividir kanto en dos períodos. La división, particularmente en términos de estructura musical, es muy clara entre el kanto temprano y el kanto del período posterior a la República. Además, es posible identificar dos estilos dentro del período temprano. Galata y Direklerarası (ambos barrios del casco antiguo de Estambul).
Kanto echó raíces por primera vez en los teatros musicales de Gálata, una parte de la ciudad frecuentada por marineros, alborotadores y peones. Ahmed Rasim Bey pinta un cuadro vívido de los teatros de Galata en sus memorias de 1922 tituladas Fuhş-i Atik ( La prostitución en los viejos tiempos ):
Todos pensaban que Peruz era el más coqueto, el más hábil y el más provocativo. Los asientos más cercanos al escenario siempre estaban abarrotados... Decían de Peruz, 'es una ramera que ha atrapado el corazón de muchos jóvenes y se ha hecho enemiga de muchos. 'Sus canciones apenas estarían terminadas cuando aparecieron sillas, flores, ramos y letras adornadas con cintas. Vengan volando desde los palcos. Parecía que el edificio sería derribado.
Direklerarası estaba un poco fuera de lo común y, en comparación con Galata, era un centro de entretenimiento más refinado. Se decía que Direklerarası era bastante animado por las noches durante el mes de Ramadán (Ramazan en turco) y ciertamente alguna vez su atractivo fue su ambiente familiar. Fue aquí donde las compañías de Kel Hasan y Abdi Efendi y más tarde la de Neshid gozaron de gran popularidad. Fue bajo la influencia de estos maestros que Kanto experimentó sus años dorados.
La orquesta de la compañía estaría compuesta por instrumentos como trompeta , trombón , violín , tambor trap y platillos . La orquesta comenzaba a tocar canciones populares del día y marchaba frente al teatro aproximadamente una hora antes del espectáculo para despertar el interés. Este intermedio o música Antrak acabó con la conocida Marcha de Izmir, señal de que se acercaba la hora del espectáculo. La obra comenzó cuando los músicos entraron y tomaron sus lugares al costado del escenario.
Los cantantes de kanto de la época también fueron compositores. Con melodías extraordinariamente simples que estaban de moda en la época, las letras se basaban en gran medida en las tensiones entre hombres y mujeres, además de reflejar acontecimientos de actualidad. Las composiciones estaban en makams tan fundamentales como Rast, Hüzzam, Hicaz, Hüseyni y Nihavent. Las canciones de Kanto son recordadas tanto por los nombres de sus intérpretes como por sus creadores, artistas como Peruz, Shamran, Kamelya, Eleni. Küçük y Büyük Amelya, Mari Ferha y Virjin. Que Kanto aportara un elemento erótico a la representación escénica era un aspecto importante y no debía pasarse por alto ni separarse.
El arte y la vida cultural adquirieron nuevas dimensiones con los cambios provocados por la formación de la República Turca en 1923. Fue un período de rápida transformación y sus efectos fueron generalizados. Las mujeres turcas finalmente habían ganado la libertad de actuar en el escenario, rompiendo el monopolio que anteriormente tenían el Rûm (griego de Estambul) y las mujeres armenias que actuaban en teatro musical y no musical. Instituciones como Darulbedayi (Teatro de la ciudad de Estambul) y Darulelhan (Conservatorio de Música de Estambul) llevaban mucho tiempo formando artistas capacitados.
Los estilos de vida occidentales y el arte de estilo occidental presionaron los formatos tradicionales turcos y estos fueron dejados de lado. La opereta, el tango, luego el charlestón y el foxtrot eclipsaron al kanto. La popularidad de Kanto comenzó a desvanecerse, los centros de entretenimiento de la ciudad cambiaron y los teatros de Galata y Direklerarası fueron cerrados. Las artistas turcas no fueron receptivas a la ribera inherente de Kanto y optaron por mantenerse alejadas de ella.
Alrededor de 1935, hubo un resurgimiento del interés por la forma kanto. Aunque bastante alejado de sus principios fundamentales, un nuevo tipo de kanto volvió a ser popular.
Es importante señalar que Kanto ahora había pasado del escenario al estudio de grabación. Si bien los temas tratados en las letras seguían siendo las mismas viejas disputas entre hombres y mujeres, mezcladas con versiones satíricas de la moda y la actualidad, las canciones se escribieron teniendo en mente el fonógrafo de 78 rpm . Tanto es así que cada sello discográfico contrató a sus propios compositores de kanto, y además, bastante famosos. Con Columbia a la cabeza, los sellos discográficos encargaron kanto a Kaptanzade Ali Rıza Bey, Refik Fersan, Dramalı Hasan, Sadettin Kaynak , Cümbüş Mehmet y Mildan Niyazi Bey. Los makams eran los mismos pero la instrumentación había cambiado. Kanto ahora estaba acompañado por cümbüş (un instrumento parecido a un banjo con trastes), el laúd ud (sin trastes) y calpara (castenets). Dominaron los ritmos de foxtrot , charleston y rumba . Las melodías se escribían y cantaban más para escuchar que para bailar. Las solistas femeninas incluyen a Makbule Enver, Mahmure y Neriman; Beşiktaşlı Kemal Senman era el cantante masculino de duetos más buscado.
Entre los temas explorados por el nuevo kantocu (cantante o compositor de kanto), quizás el tema de sátira más frecuente fue el nuevo papel de la mujer provocado por la formación de la República. Canciones como Sarhoş Kızlar (Chicas borrachas) o Şoför Kadınlar (Mujeres conductoras) se cantaron aparentemente en venganza por todo el sufrimiento que habían soportado a manos de hombres en el pasado. Otras canciones de actualidad incluyen Daktilo (La máquina de escribir), que me recordó a la recién formada Secretaires 7 Society. Canciones como Bereli Kız (La chica de la boina) y Kadın Asker Olursa (Si las mujeres fueran soldados) estaban llenas de burlas y burlas.
El kanto del período inicial se nutrió en gran medida de la cultura de Estambul. Fue muy parecido en el período posrepublicano. La numerosa y diversa población de la ciudad proporcionó tanto los personajes como los acontecimientos que fueron el pilar de Kanto. Kanto estuvo fuertemente influenciado por el teatro musical. La música y la cultura romana (gitana), que en sí misma era objeto de sátira, dejaron su huella en la forma kanto. Otra gran influencia fue la música del ron . No se debe subestimar la importancia de los rumanos de Estambul, a quienes tanto les gustaba entretenerse, cantar y tocar. Es un resultado natural e inevitable del intercambio cultural. Así las cosas, casi todos los cantantes de kanto eran ron o armenios, artistas como Pepron, Karakas, Haim, Samran y Peruz que actuaron durante el período posterior a 1903.
Con el tiempo, kanto se convirtió más en una definición, un género generalizado que un término musical. Cualquier melodía que estuviera fuera de las convenciones musicales de la época, cualquier cosa ligera que atrajera las tendencias y gustos actuales, se denominaba kanto. Cualquier música tocada con diferentes instrumentos que fuera rítmica libre o de alguna manera novedosa se denominaba kanto; era producto de la cultura urbana de clase media de Estambul.
Kanto ha sido visto como un precursor de la cultura pop actual.
La música popular se distingue de los géneros tradicionales como aquellos estilos que entraron en la musicalidad turca tras la caída del Imperio Otomano, ya sea por los intentos de modernización nacional a partir de 1924, la apertura de la república a las influencias musicales occidentales o las fusiones e innovaciones modernas de los propios artistas. [1]
La música pop turca tuvo sus humildes comienzos a finales de la década de 1950 con versiones turcas de una amplia gama de estilos populares importados, incluidos el rock and roll , el tango y el jazz . A medida que surgieron más estilos, también fueron adoptados, como el hip hop , el heavy metal y el reggae .
La autodenominada "superestrella" de la era del "arrangement" (aranjman) de los años 70 fue Ajda Pekkan y Aydzhan Bekir, quienes también debutaron, junto con Enrico Macias , en el Olympia de París , mientras que MFÖ (Mazhar, Fuat, Özkan) fue el célebre grupo de la escena pop con una destreza sobresaliente en el uso de la prosodia turca y su éxito al fusionar ingredientes y perspectivas culturales occidentales y turcas. También una de las estrellas del pop turco más famosas de las últimas décadas es probablemente Sezen Aksu . Ella contribuyó considerablemente al sonido pop turco único de este período, permitiéndole ganar terreno desde sus humildes comienzos a principios de los años 50 y 60 hasta convertirse en el género popular que es hoy. También fue una de las más firmes defensoras de la participación de Turquía en el Festival de la Canción de Eurovisión . Su ex vocalista y luego protegido Sertab Erener ganó el concurso en 2003.
Las estrellas pop masculinas más importantes de Turquía son posiblemente Tarkan , Mustafa Sandal y Kenan Doğulu . Tarkan logró el éxito en las listas de Europa y América Latina con su sencillo " Şımarık ", también compuesto por Sezen Aksu, que ha sido versionado por numerosos artistas. [26] Mustafa Sandal también ha disfrutado del éxito en las listas europeas con su sencillo de 2005 " İsyankar ", que alcanzó el puesto número 4 y se convirtió en oro .
El hip hop turco o hip hop oriental es una creación de la comunidad de trabajadores inmigrantes turcos en Alemania, que algunos sugieren que era una salida adecuada para una generación joven desilusionada con el trato que Alemania daba a su clase migrante. [27] En 1995, la comunidad turco-alemana produjo un importante equipo de hip hop llamado Cartel que causó controversia en Turquía y Alemania por sus letras revolucionarias. El hip hop goza actualmente de gran popularidad entre la generación más joven de Turquía. Ceza , Dr.Fuchs (anteriormente "Nefret") y Sagopa Kajmer , Sansar Salvo, Pit10, Şehinşah , Hayki , Saian , Allâme son figuras populares de la música rap contemporánea en Turquía.
La escena del rock turco comenzó a mediados y finales de la década de 1960, cuando bandas populares de Estados Unidos y el Reino Unido se hicieron conocidas. Pronto surgió una fusión distintivamente turca de rock y folk; esto se llamó rock de Anatolia, término que hoy en día puede atribuirse genéricamente a la mayor parte del rock turco. [1] Barış Manço , Cem Karaca y Erkin Koray son los artistas más conocidos; Moğollar y Kurtalan Ekspres son los grupos más conocidos de música rock clásica de Anatolia más antigua.
Los anasheed islámicos también son muy populares entre algunos turcos. El artista más popular en Turquía es el azerí británico Sami Yusuf . Un concierto en Estambul reunió a más de 200.000 espectadores, su mayor concierto hasta ahora en todo el mundo. [28] Es uno de los cantantes más notables de anasheed y puede hablar en muchos idiomas diferentes, incluido el turco . [ cita necesaria ] Hasta la fecha ha actuado en conciertos con entradas agotadas en más de 30 países de todo el mundo, desde Estambul hasta Casablanca, desde Estados Unidos hasta Alemania. Algunos álbumes venden más de un millón de copias en comparación con la música occidental. En enero de 2009, Sami viajó a Turquía, donde fue invitado por Emine Erdoğan, esposa del primer ministro turco Recep Tayyip Erdoğan , para asistir a una manifestación en apoyo de la paz en Gaza . [29] Otro cantante turco popular es Feridun Özdemir, que canta principalmente sobre Dios y la fe verdadera. Sus discos tienen más éxito en el género anasheed. [30]
Los grupos industriales y de heavy metal de Turquía incluyen Pentagram (conocido como Mezarkabul fuera de Turquía) y Almora. [31] Los músicos individuales de estos géneros incluyen a Ogün Sanlısoy y Hayko Cepkin .
Las bandas underground de black metal y death metal conocidas en Turquía son Witchtrap , Ehrimen, Satanized, Godslaying Hellblast, Burial Invocation, Deggial , Decaying Purity.
El trance es un género musical poco común en Turquía , pero también tiene oyentes específicos. Este género ganó popularidad con la primera música trance turca compuesta por Murtaza Khojami y la canción que lleva el nombre de Yalnızlık Düşünceler [32] con críticas mixtas.
Como fenómeno singular en medio de las corrientes populares desde mediados de la década de 1970, Bülent Ortaçgil apareció como un compositor/músico urbano con una calidad musical distintiva y se convirtió en un modelo a seguir para los jóvenes aspirantes a músicos. [ cita necesaria ] Fue el único músico turco para quien se compiló un álbum tributo que incluía a varios intérpretes destacados de una amplia gama de diferentes géneros.
Otras bandas de rock recientes con un sonido más occidental que han disfrutado de un gran éxito incluyen maNga , Duman y Mor ve Ötesi . Şebnem Ferah , Özlem Tekin y Teoman son ejemplos de artistas de rock individuales con importantes bases de fans. Turquía también cuenta con numerosos festivales y eventos de rock a gran escala . Los festivales de rock anuales en Turquía incluyen Barışarock, H2000 Music Festival, Rock'n Coke y RockIstanbul .
Hay muchos clubes en toda Turquía, especialmente en la región del Egeo. Sin embargo, la escena de la música alternativa se deriva principalmente de la próspera escena de clubes underground de Estambul, en la que los DJ fusionan el pasado con el presente, utilizando motivos tradicionales con sonidos new age y música electrónica. Mercan Dede es uno de los DJ más exitosos de Turquía y mezcla trance con canciones sufíes históricas y místicas. Otro nombre mundialmente reconocido de la escena musical underground de Turquía es Mert Yücel . Yücel fue responsable del primer álbum de música house que se lanzó en Turquía. También tuvo lanzamientos respetados y aclamados en todo el mundo en sellos discográficos de danza de EE. UU. y el Reino Unido. [33] Es uno de los nombres clave que definen el sonido house underground que emerge de Estambul. [34] [35]
La afluencia de inmigrantes y refugiados de Afganistán , Siria , Irak , Pakistán , Asia Central y países africanos ha afectado el panorama musical turco, particularmente en Estambul . [36] [37] Bandas como Country for Syria y Saktat combinan explícitamente la música de diferentes comunidades de refugiados en Estambul para crear una mezcla de influencias turcas, árabes, griegas, persas y occidentales. [38] La música callejera ha jugado un papel importante en el desarrollo de este estilo. [39]
La industria musical turca incluye varios campos, que van desde compañías discográficas hasta estaciones de radio y orquestas comunitarias y estatales. La mayoría de las principales compañías discográficas tienen su sede en la región de Unkapanı en Estambul y están representadas por la Sociedad Turca de la Industria Fonográfica (MÜ-YAP). [40] Las principales compañías discográficas producen material de artistas que han firmado con uno de sus sellos discográficos , una marca a menudo asociada con un género o productor discográfico en particular . Las compañías discográficas también pueden promocionar y comercializar a sus artistas mediante publicidad, actuaciones y conciertos públicos y apariciones en televisión.
En los últimos años, la industria de la música se ha visto envuelta en confusión por el aumento de la descarga de Internet de música protegida por derechos de autor y la piratería en general; Muchos músicos y MÜ-YAP han tratado de castigar a los fans que descargan ilegalmente música protegida por derechos de autor. [40] El 13 de junio de 2006 se informó que MÜ-YAP y The Orchard, el principal distribuidor y comercializador de música independiente del mundo, habían llegado a un acuerdo sobre distribución global digital, que representa aproximadamente el 80% del mercado musical turco. [41]
No existe un mercado de solteros sustancial en Turquía. [1] Está orientado a álbumes, aunque cantantes populares como Yonca Evcimik y Tarkan han lanzado sencillos con éxito. [42] La mayoría de las listas musicales no relacionadas con las ventas de álbumes miden la popularidad mediante la retroalimentación de los videos musicales y la transmisión por radio. [43]
Las estaciones de radio turcas suelen transmitir música popular. Cada estación de música tiene un formato , o una categoría de canciones para reproducir; generalmente son similares, pero no iguales, a la clasificación genérica ordinaria. Con la introducción de la radio y la televisión comerciales a principios de la década de 1990, que puso fin al monopolio de la Corporación Turca de Radio y Televisión (TRT), los magnates de los medios periodísticos abrieron multitud de estaciones de radio y televisión . [1] Estas cadenas de medios patrocinan ceremonias de premiación como los premios Kral TV de música, pero la mayoría de los premios musicales acreditados se basan en las ventas otorgadas por sociedades industriales como MÜ-YAP y la Magazine Journalists Society (MJS). [44] [45]
Aunque las grandes compañías discográficas dominan la industria turca, existe una industria musical independiente ( música independiente ). La música independiente se basa principalmente en sellos discográficos locales con una distribución minorista limitada, si es que la hay, fuera de una región pequeña. A veces, los artistas graban para un sello independiente y obtienen suficiente reconocimiento como para firmar con un sello importante; otros optan por permanecer en un sello independiente durante toda su carrera. La música independiente puede tener estilos generalmente similares a la música convencional, pero a menudo es inaccesible, inusual o poco atractiva para muchas personas. Los músicos independientes suelen publicar algunas o todas sus canciones a través de Internet para que los fans y otras personas las descarguen y escuchen. [3]
Quizás el nombre turco de mayor éxito asociado con la música indie fuera de Turquía sea Ahmet Ertegun de Atlantic Records . Su promoción de algunos de los artistas de R&B y soul más famosos de Norteamérica y su contribución a la industria musical estadounidense le han valido un lugar en el Salón de la Fama del Rock and Roll , junto con su hermano Nesuhi .
La música tiene un lugar en la educación en Turquía y forma parte de la mayoría o de todos los sistemas escolares del país. Las escuelas secundarias generalmente ofrecen clases de canto, principalmente coral, e instrumentación en forma de una gran banda escolar o clubes sociales y comunidades de música clásica o folclórica turca, conocidos como cemiyets . [1] La música también puede ser parte de producciones teatrales realizadas por el departamento de teatro de una escuela. Muchas escuelas públicas y privadas han patrocinado clubes y grupos de música, entre los que suele incluirse la banda de música que interpreta las marchas de Mehter en los festivales escolares. Sin embargo, el tiempo de clase dedicado a la música en las escuelas es limitado, y una gran proporción de niños y adultos turcos parecen tener una capacidad musical limitada; por ejemplo, no pueden cantar una melodía con el mismo tono.
La educación superior en el campo de la música en Turquía se basa principalmente en grandes universidades , conectadas con academias y conservatorios de música estatales . Un conservatorio suele ser un departamento de una universidad, no una institución independiente. Si bien muchos estudiantes ingresan a los conservatorios a la edad habitual de ingreso a la universidad, algunos conservatorios también incluyen un 'Lise' (Liceo), en realidad una escuela de música especializada para niños de 14 a 18 años. Los conservatorios suelen tener un departamento de musicología e investigan muchos estilos de música, especialmente los géneros tradicionales turcos, y al mismo tiempo mantienen una base de datos de sonidos en sus bibliotecas de sonidos. [1]
La música es una parte importante de varias festividades y festivales turcos, especialmente en la celebración primaveral de Newroz y festividades religiosas como el Ramadán . [1] El año nuevo es una época tradicional para la bailarina del vientre y las bodas se celebran con melodías alegres, mientras que los funerales se lloran con lamentos musicales. Canciones patrióticas como el himno nacional, " La Marcha de la Independencia ", son una parte importante de las celebraciones de días festivos como la Independencia Nacional y el Día Internacional del Niño el 23 de abril y las celebraciones del Día de la Victoria el 30 de agosto, un día festivo que marca la independencia turca . [1] La música también juega un papel en muchos festivales regionales que no se celebran en todo el país, por ejemplo, un desfile y festival de música y danza en Zonguldak .
Estambul, Ankara e Esmirna también albergan numerosos festivales de música que muestran estilos que van desde el blues y el jazz hasta el indie rock y el heavy metal. Algunos festivales de música tienen un alcance estrictamente local, incluyen pocos o ningún artista con reputación nacional y generalmente son operados por promotores locales. Recientemente, las grandes empresas de refrescos han organizado sus propios festivales de música, como las fiestas Rock'n Coke y Fanta , que atraen a grandes multitudes.
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