La fotografía de bajo perfil es un género de fotografía que consiste en fotografiar escenas de colores oscuros bajando o atenuando la luz " clave " o frontal que ilumina la escena ( iluminación de bajo perfil ) y enfatizando la luz natural [1] o artificial [2] solo en áreas específicas del marco. [3] Este estilo fotográfico se utiliza generalmente para crear una atmósfera misteriosa, que solo sugiere varias formas, a menudo gráficas, dejando que el espectador experimente la fotografía a través de una interpretación subjetiva y, a menudo, implica pintar objetos o el cuerpo humano con tintes o pigmentos negros no tóxicos. [4] [5]
El Renacimiento y el Barroco , representados por diferentes estilos de pintura, incluyendo el sfumato y el claroscuro utilizados por artistas como Leonardo da Vinci y Rubens ), el tenebroso (es decir, oscuro, misterioso) utilizado por artistas como Caravaggio , Rembrandt , Jusepe de Ribera entre otros, produjeron pinturas en las que el negro era predominante en el lienzo y la luz a menudo provenía de una sola fuente para lograr escenas dramáticas. [6]
Edward Weston , Yousuf Karsh e Irving Penn se encuentran entre los fotógrafos experimentados con la técnica "negro sobre negro". [7] [8]
Según el Online Etymology Dictionary, el término "low-key" apareció en 1895, un término que describía algo "de tono bajo" (relacionado con un sonido tranquilo o un tono musical profundo); [9] según el Random House Webster's Unabridged Dictionary, el término apareció entre 1890 y 1895; [10] sin embargo, el uso más antiguo (conocido) del término se remonta a 1830 en Genius of Liberty . [11]
La "iluminación Rembrandtiana" (o "luz rembrandtiana") es un término relacionado principalmente con la fotografía de retratos de bajo perfil que utiliza una fuente de luz y un reflector, o dos fuentes de luz (una principal y una de relleno de muy baja intensidad ). [12] El término recibió su nombre a raíz del estilo de iluminación del rostro en la mayoría de los autorretratos de Rembrandt , pero también en otras obras, como el Retrato de un anciano de rojo (1652-1654), dominado por el tenebrismo . [13] [14]
Los pintores del Renacimiento y del Barroco han utilizado a menudo los modos de pintura sfumato , [15] claroscuro y más tarde tenebroso no sólo para dar una impresión tridimensional en sus pinturas sino también para lograr una atmósfera dramática. [16] [17]
Tras la caída de popularidad del movimiento pictorialista , se puso de moda el nuevo estilo del modernismo fotográfico y el interés del público se desplazó hacia imágenes más nítidas. [18] Edward Steichen , Imogen Cunningham y Edward Weston estuvieron entre los primeros fotógrafos considerados pioneros de la fotografía discreta. El retrato de JP Morgan de Steichen (1903), Pastoral – Moonlight (1907), publicado en Camera Work No. 20, Succulent de Cunningham (1920) y Pepper No. 30 de Weston (1930) se consideran las primeras fotografías discretas. [19] [20]
En el arte, el negro recuperó parte del territorio que había perdido durante el siglo XIX. El pintor ruso Kasimir Malevich , miembro del movimiento suprematista , creó el Cuadrado negro en 1915, considerado ampliamente como la primera pintura puramente abstracta. Escribió: "La obra pintada ya no es simplemente la imitación de la realidad, sino que es esta misma realidad... No es una demostración de habilidad, sino la materialización de una idea". [21]
El antagonismo entre luz y sombra es un principio básico de una imagen visual, independientemente de su naturaleza. [22] [23] Leonardo da Vinci fue pionero en la técnica del sfumato para poder suavizar la transición de las áreas más claras a las más oscuras en algunas de sus pinturas. En sus notas sobre la pintura, destaca que la luz y la sombra deben entremezclarse "sin líneas ni bordes, a la manera del humo o más allá del plano de enfoque". [15] [24] El sfumato generalmente implica el uso de muchas capas translúcidas para crear un espectro de tonos gradual de oscuro a claro, eliminando así los contornos afilados no deseados. La técnica se enfatiza en la Mona Lisa (1503-1506, Museo del Louvre , París ). [15] [25] [26]
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Por otra parte, el claroscuro , otra técnica de pintura al óleo , utiliza fuertes contrastes tonales entre luz y oscuridad para modelar formas tridimensionales, a menudo con un efecto dramático. [27] El primer uso de sombras tridimensionales claras y oscuras, conocidas como " skiagraphia " o "pintura de sombras" en la Antigua Grecia, se atribuye tradicionalmente al pintor ateniense del siglo V a. C., Apolodoro (en De Gloria Atheniensum , Plutarco ). [28]
Leonardo da Vinci, a través de su Virgen de las rocas (1483-1486, Louvre , París), influyó en el uso del claroscuro para crear la ilusión de profundidad; sin embargo, el término se asocia más a menudo con las obras creadas en el manierismo y el barroco . En el Renacimiento, la técnica se volvió esencial para todos los pintores "religiosos" que siguieron las visiones de Brígida de Suecia , quien afirmó haber visto la luz de Cristo. [29] En las pinturas con escenas religiosas, los artistas renacentistas reasignaron esta luz sagrada como la fuente predominante de iluminación, apoyándose en gran medida en la técnica del claroscuro. Este enfoque compositivo se ha utilizado ampliamente en La última cena de Tintoretto (1592-1594). Si el claroscuro religioso del Renacimiento sirvió para crear escenas tranquilas y tranquilas, pintores como Caravaggio , Baglione , Veronese y Georges de La Tour , tuvieron la tendencia a utilizar este estilo para lograr un efecto dramático. [16] [30]
En el Barroco, la pintura dependía en gran medida del uso de sombras para lograr un efecto dramático. Caravaggio logró la iluminación dramática en su máxima extensión con su método llamado tenebrismo , una técnica que se extendió a Europa con el nombre de caravaggismo . Las obras de Adam Elsheimer marcaron un punto de inflexión entre el claroscuro y el tenebrismo. [31]
A primera vista, una pintura tenebrista podría parecer muy similar a una que utiliza potentes efectos de claroscuro. Sin embargo, existe una diferencia entre ambos estilos: el claroscuro es una técnica de sombreado utilizada especialmente para dar a los objetos la ilusión de volumen, mientras que el tenebrismo es una técnica de composición que utiliza sombras muy oscuras, en la que algunas áreas de la pintura se conservan oscuras (a veces negras), lo que permite que solo una o dos áreas de interés estén fuertemente iluminadas; al mismo tiempo, la transición de la luz a la oscuridad no es gradual. El estilo se utilizó para un efecto puramente dramático (de ahí el término "iluminación dramática"), y no hubo participación en el intento de crear la ilusión de tridimensionalidad. [16] [32]
Este estilo ha sido víctima de muchas críticas negativas en el Barroco, los críticos acusaron a los artistas de utilizar este método para "ocultar" los errores de las pinturas. En primer lugar, el arte de Caravaggio, que se acercó al nuevo estilo artístico de la manera más radical, fue objeto de críticas. Al igual que Caravaggio, Rembrandt también fue acusado de ocultar sus defectos en la pintura de sombras. [33] [34]
El tenebrismo confirió a la oscuridad un valor positivo, icónico y simbólico, creando así una nueva estética. [35] La oscuridad era equivalente a la luz, porque condicionaba la gloria y la majestuosidad de esta última. Los símbolos de la luz y la oscuridad se expresaron en las obras de Tintoretto, Caravaggio, Georges de La Tour y Rembrandt. [16] [36]
En la fotografía de uno de los retratistas más destacados, el canadiense Yousuf Karsh (1908-2002), [37] la luz sólo perfila el rostro, puede resaltarlo con mayor o menor intensidad, pero desde un punto de vista artístico la luz juega un papel secundario en la escena junto al sujeto principal. Sus retratos contienen grandes áreas de negro, y el sujeto aparece como una mancha en esa nada acromática. Nada compite con las áreas del rostro de sus sujetos que están resaltadas, lo que da a los retratos un aura casi mística. [38]
Así, en el retrato de Winston Churchill , que según The Economist es el "retrato más reproducido en la historia de la fotografía" [39] y ha sido descrito como uno de los "retratos más icónicos jamás tomados", [40] solo su rostro está resaltado, mientras que su cabeza está delineada por otra fuente de luz muy baja, que viene de atrás; en el retrato de Jean Sibelius , la luz se reduce aún más, estando la mitad del rostro en penumbra; en Helen Keller con Polly Thompson , ambos sujetos están vestidos de negro y el fondo también es completamente negro, por lo que la fotografía da una impresión de desapego, de disolución; Jasper Johns parece emerger de un océano negro; el retrato del escritor francés François Mauriac solo está contorneado de semiperfil, apareciendo solo una línea casi abstracta sobre el fondo negro. [41] [42] [43]
El fuerte contraste entre el blanco y el negro y el uso de este contraste para superar los retratos clásicos, es característico de todos estos retratos, creando así una atmósfera dramática, [44] enigmática, mística, [45] haciendo un uso abundante del llamado "negro activo". [46] Yousuf Karsh es considerado uno de los artistas contemporáneos que adoptan el estilo fotográfico discreto de la manera más eficiente, [44] [47] [48] siendo llamado "uno de los grandes fotógrafos de retratos del siglo XX" por la revista Time . [49]
Otros ejemplos notables que tratan la fotografía en tonos negros incluyen Blind (1916) de Paul Strand , donde el sujeto está deliberadamente sombreado para crear la atmósfera sombría de la imagen, y el cartel "Blind" está iluminado; Mt. Moran, Teton National Park (Mt. Moran, Teton National Park) de Ansel Adams , [50] la luz natural cae solo en la cima de la montaña, mientras que el resto de la foto es una mezcla de tonos grises oscuros; algunas de las fotografías de Edward Weston también son ilustrativas del estilo discreto, como Nautilus (1930), Pepper No. 30 (1930), Cabbage Leaf ( 1931 ); [51] Filles de joie, Quartier Italie (1932) de Brassaï ; Nehru Announces Gandhi's Death (Nehru anuncia la muerte de Gandhi ) de Bresson (1948). [52] En 1944, Robert Capa toma fotografías de Picasso [53] con luz natural que sólo resalta la mitad derecha de su rostro, dejando la izquierda en la sombra. [54] [55]
Irving Penn (1917–2009) tomó varias fotografías discretas del trompetista y compositor de jazz estadounidense Miles Davis . [56]
Entre los fotógrafos posmodernistas , el australiano Bill Henson fotografía desnudos controvertidos en tono bajo, [57] [58] [59] Elad David trabaja principalmente con desnudos masculinos y en algunos de ellos solo se resaltan los bustos -sin cabeza- de hombres jóvenes, dejando todo lo demás en tono negro. [56] [60] Otro artista que creó una serie de fotos de tono bajo exhibidas en numerosas exposiciones en todo el mundo, es el fotógrafo finlandés Juha Arvid Helminen. [61] Llamó a su serie The Invisible Empire , y se refiere al escudo que ofrece el color negro, como una máscara entre quienes realmente somos y la forma en que la sociedad nos percibe. [62] [63] [64] [65]
Es posible tomar fotografías de bajo perfil en habitaciones oscuras donde la luz penetra solo a través de una ventana pequeña o una única luz suave unidireccional, [66] pero los mejores resultados se logran utilizando luces de estudio artificiales. [1] A veces, una única fuente de luz dirigida es suficiente. Por lo general, se utilizan fuentes bien dirigidas para obtener el efecto deseado, ya que una fuente de luz grande podría reducir considerablemente el resultado deseado. Se presta especial atención a tener suficientes detalles neutros que, invariablemente, quedarán en la sombra. [2] Este tipo de iluminación también se conoce como luz rembrandtiana . [12] [13]
Existen varios desafíos técnicos dependiendo del sujeto, lo que el fotógrafo quiere resaltar o cuántos sujetos hay en el marco. [67] Por lo tanto, al fotografiar a una sola persona y, por ejemplo, si el fotógrafo quiere resaltar solo la mitad de la cara del sujeto, se utilizará generalmente una única fuente de luz colocada lateralmente, a una cierta distancia y ángulo con respecto al sujeto, y posiblemente una combinación. [68] Se realiza una experimentación con diferentes intensidades de luz hasta que se logra el efecto deseado. Para fotografiar a dos personas o una escena estática, se suelen utilizar dos o incluso tres fuentes de luz (una o dos para el contorno y una luz de relleno de intensidad muy baja). [69] [70] El fondo se mantiene oscuro (idealmente, completamente negro), así como la parte de la cara que permanecerá en la sombra. [71]
La potencia relativa de la luz principal y de relleno, conocida como ratio de luz, se puede medir utilizando un fotómetro . La técnica de clave baja tiene un ratio de luz más alto, por ejemplo 8:1, mientras que la técnica de clave alta tiene un ratio más bajo, alrededor de 1:1. [72] Según el fotógrafo Gavin Hoey "la primera atención al detalle tiene que ser el fondo. Es mejor mantenerlo negro o gris oscuro... y a partir de ahí, se trata de improvisar para lograr esa toma perfecta que tienes en mente" [73] Lights Talking aconseja elegir y mantener el ISO más bajo (100, 64 o incluso 32) para obtener fotografías sin ruido. [74]
A diferencia de los tatuajes y otras formas de arte corporal, la pintura corporal es temporal, se pinta sobre la piel humana y puede durar varias horas o muchas semanas (en el caso del mehndi o "tatuajes de henna", aproximadamente dos semanas). [75]
La pintura del cuerpo humano en negro también se emplea en la fotografía de bajo perfil utilizando tintes o pigmentos no tóxicos para oscurecer y realzar lo máximo posible el color de los sujetos fotografiados, y conseguir los efectos deseados. [68] Para conseguir el efecto de reflexión de la luz que crea un contorno blanco del cuerpo pintado, así como un alto contraste entre el blanco y el negro, se utilizan diversos tintes mezclados con cremas corporales. Estas suelen incluir henna , témpera o pintura acrílica . El látex líquido , que está compuesto de látex natural y tintes, también se utiliza con precaución para evitar que la piel respire. [76] [77]
La pintura acrílica se puede aplicar sobre la carrocería con simples pinceles o aerógrafos. Esta es una de las técnicas más utilizadas porque seca muy rápido, aporta elasticidad y no mancha, ya que es un tinte soluble en agua. [76]
[...] una cara negra como esa y un fondo negro y sacarla bajo la luz directa del sol, y eso es un desafío.
En una fotografía típica de Karsh, el rostro del modelo emerge de un fondo negro tan denso y aterciopelado que podría servirse sobre un helado.
Un caballero, cuyo verdadero nombre era George Sharp, pero que generalmente se conocía con el apelativo, entre sus amigos músicos, de G sostenido, al entrar en la compañía, y luciendo bastante aburrido, un amigo común observó que el Sr. G. Sharp, estaba más bien de tono bajo, esa noche. "Oh", respondió una dama, con mucha ingenuidad, "todo el mundo sabe que G sostenido es A bemol".
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