Love, Loss, and What I Wore es una obra de teatro escrita por Nora y Delia Ephron basada en el libro de 1995 del mismo nombre de Ilene Beckerman . Está organizado como una serie de monólogos y utiliza un elenco rotativo de cinco mujeres principales. El tema de los monólogos incluye las relaciones y los guardarropas de las mujeres y, en ocasiones, la interacción de los dos, utilizando el guardarropa femenino como una cápsula del tiempo de la vida de una mujer.
El espectáculo se presentó inicialmente como parte de la serie de verano de 2008 en Guild Hall en East Hampton, Nueva York , y luego como una serie benéfica en el DR2 Theatre de Nueva York a principios de 2009. Más tarde, ese mismo año, se produjo el espectáculo. -Broadway como una producción teatral comercial en curso en el Westside Theatre de Nueva York, donde se convirtió en el segundo espectáculo de mayor duración en la historia del teatro. La producción y su elenco recibieron una atención crítica positiva. La producción ganó el Premio Drama Desk 2010 por Experiencia Teatral Única , así como el Premio del Público Broadway.com 2010 por Nueva Obra Favorita Fuera de Broadway.
El programa ha sido producido en seis continentes y más de ocho países. Inició una gira nacional en Estados Unidos en septiembre de 2011 en Chicago. Tocó un bis en París en enero de 2012.
Nora Ephron fue una escritora, directora y productora mejor conocida por escribir guiones de películas de comedia romántica . Recibió tres nominaciones al Premio de la Academia por Guión Original , por Silkwood (1983), Cuando Harry encontró a Sally... (1989) y Sin dormir en Seattle (1993). [1]
Escribió cinco libros superventas [1] y la obra de 2002 Imaginary Friends , que ficcionalizaba la relación antagónica entre Lillian Hellman y Mary McCarthy . Ephron a veces fue coautora de guiones con su hermana, la escritora y productora Delia Ephron , incluidos Tienes un correo (1998), Colgando (2000) y Embrujada (2005). [2] [3]
Nora Ephron escribió la introducción al libro homónimo de Beckerman de 1995, que inmediatamente pensó que tenía posibilidades dramáticas. [4] Se identificó con las historias de Love, Loss, and What I Wore porque el libro "no trata sobre moda; trata sobre lo que realmente es la ropa para nosotros, esos momentos en los que constantemente intentamos encontrar nuestra identidad a través de ella. " [4] Poco después de su publicación, Ephron regaló el libro a ocho de sus amigos para Navidad. Se interesó en escribir su propia versión del libro. [4] Una vez que decidió adaptar Love, Loss, and What I Wore a una obra de teatro, ella y su hermana enviaron correos electrónicos a 100 mujeres en busca de historias. [4]
Los monólogos del programa se obtuvieron en gran parte del libro de Beckerman. [5] Los Ephron tejieron una colección de historias adaptadas del libro con recuerdos de amigos, incluida Rosie O'Donnell . [6] [7] Uno de los monólogos que se convirtió en un punto culminante de la producción original se basó en el best-seller de 2006 de Nora Ephron , I Feel Bad About My Neck . [8]
Un personaje llamado "Gingy" actúa como narrador. [7] El espectáculo comienza con ella dibujando varias partes de su guardarropa que despiertan los recuerdos más conmovedores. [6] Ella entreteje la historia de su vida entre otros cuentos, describiendo sus tres matrimonios, "la maternidad y la muerte de un niño, cada punto de inflexión marcado por una prenda de vestir en particular". [8] Su vida está representada comenzando con experiencias con un uniforme de Brownies y extendiéndose a lo largo de su vida completa. [9] Otro personaje actúa como la zorra, otro interpreta a un miembro vulnerable de una pandilla de Chicago, un tercero interpreta a un valiente paciente con cáncer y el último actúa como una mujer madura atravesada por vívidos recuerdos. [6] Un personaje llamado Heather elige zapatos conservadores en lugar de tacones altos en su juventud, pero en una etapa posterior de su vida muestra preferencia por los tacones altos. [9] A un miembro de una pandilla le gustan las insignias que destacan en los suéteres y en su creador. [9]
Entre las 28 historias, otras historias notables giran en torno a la influencia de Madonna ("cualquier mujer estadounidense menor de 40 años que diga que nunca se viste como Madonna es mentirosa o amish "), la ansiedad en el vestuario ("Soy un 8. Tengo siempre ha sido un 8"), y el gusto de las madres en cuanto a ropa ("No entiendo, te verías tan bien si lo intentaras"). [7] [9] Tres de los personajes a veces trabajan como un trío y todos los personajes tienen monólogos. [10]
Los Angeles Times dedicó un párrafo completo a una viñeta sobre dos vestidos de fiesta de secundaria . El vestido de graduación junior era un vestido azul claro conservador para usar en una cita nerd. El vestido de graduación del último año era un sexy minivestido negro acorde con su cita más deseable. Los vestidos presentaron una crisis de identidad para un personaje: "Aquí está la cuestión: nunca supe con seguridad cuál de esas dos personas soy: la chica a la que casi nadie invita al baile de graduación o la chica a la que "Ir con el chico realmente lindo. Cada vez que pensaba que sabía cuál era, resultaba ser el otro. Y creo que es una de las razones por las que me casé, para terminar con la confusión". [7]
El New York Times presentó tres historias que consideró particularmente emotivas: la primera sobre una mujer que se quitó las minifaldas de su guardarropa universitario después de ser violada, pero continuó usando sus botas favoritas; otro sobre la ansiedad por el atuendo nupcial; y el tercero sobre la elección de adornar con un tatuaje un pecho recién reconstruido. [8] El mismo artículo también menciona una oda humorística al negro como parte de un guardarropa o, de hecho, como guardarropa, como señala un personaje: "A veces compro algo que no es negro, me lo pongo y estoy lo siento mucho." [8]
Otras historias incluyen recuerdos sobre el vestido comprado para la cita con un chico que posteriormente se casó con otra persona; las debilidades de los sujetadores de spandex que dan como resultado una apariencia conocida como monoboob; problemas relacionados con el escote de los dedos de los pies; el chándal Juicy Couture , que es un elemento básico destacado del guardarropa de California; elección de vestuario en el día equivocado del mes; y la historia sobre un amante encarcelado y el agujero estratégico en cierto par de pantalones. [7]
Love, Loss, and What I Wore se presentó por primera vez el 2 de agosto de 2008 en Bridgehampton Community House como beneficio para la renovación del John Drew Theatre/Guild Hall en East Hampton, Nueva York. [11] [12] La producción, dirigida por Karen Lynn Carpenter, fue protagonizada por Linda Lavin , Karyn Quackenbush, Leslie Kritzer , Kathy Najimy y Sara Chase . Luego, Daryl Roth produjo la obra en una serie de actuaciones benéficas el lunes por la noche para 'Dress for Success', una organización benéfica que sirve a mujeres de bajos ingresos permitiéndoles comprar ropa de trabajo y brindándoles apoyo laboral, [5] nuevamente bajo la dirección de Karen Lynn Carpintero. [13] [14] El conjunto de siete lecturas de los lunes por la noche se presentó del 2 de febrero al 9 de marzo de 2009 en el Teatro DR2 Off-off-Broadway. [15] Las primeras siete funciones tuvieron siete elencos diferentes. [16] El primer elenco en DR2 Theatre fue Marian Seldes , Joy Behar , Katie Finneran , Heather Burns y Lucy DeVito . [17] [18] [19] Otros participantes en las lecturas originales incluyeron a Tyne Daly (quien creó el personaje narrador, Gingy, para la producción de Nueva York), [8] Rosie O'Donnell , Samantha Bee , Rondi Reed , America Ferrera. , Debi Mazar , Marlo Thomas , Blythe Danner , Christine Lahti , Parker Posey , Julie White , Kelly Bishop , Sarah Jones , Veanne Cox y Kristen Wiig . [13]
Luego, la obra se representó fuera de Broadway, a partir del 21 de septiembre de 2009, con 3 funciones consecutivas, cada una de las cuales duró 4 semanas y con un elenco completamente nuevo de 5 personas. [13]
La producción se inauguró oficialmente el 1 de octubre de 2009 en el Westside Theatre . [8] El elenco originalmente incluía a Daly, O'Donnell, Bee, Katie Finneran y Natasha Lyonne . El elenco rotativo también incluyó a Mary Birdsong , Kristin Chenoweth , Lucy DeVito, Jane Lynch , Rhea Perlman , Mary Louise Wilson y Rita Wilson . [6] Chenoweth fue reemplazado en la última de las tres carreras iniciales de 4 semanas por Finneran. [20] La producción benefició a 'Dress for Success'. Karen Lynn Carpenter dirigió, con diseño escénico de Jo Winiarski, diseño de vestuario de Jessica Jahn, diseño de iluminación de Jeff Croiter, diseño de sonido de Walter Trarbach y diseño de maquillaje de Maria Verel. [14] Daryl Roth fue el productor y Alexander Fraser fue el coproductor. [8] La producción se realizó con las cinco mujeres sentadas, todas vestidas de negro, en el borde del escenario, consultando guiones en atriles según fuera necesario. [7] [8] Los dibujos originales de Ilene Beckerman se presentaron en carteles, colgados en perchas en un perchero, a la derecha del escenario de la actriz Gingy.
La producción continuó en el Westside Theatre con una serie comercial abierta con la estrategia de casting de elencos rotativos cada 4 semanas porque permitió a la producción buscar actores de mayor calibre. Nora Ephron declaró en una sesión de preguntas y respuestas: "Seguimos reelaborando el casting para que podamos conseguir que actrices realmente geniales vengan durante cuatro semanas. Es realmente difícil conseguir que gente realmente buena trabaje en el Off-Broadway durante seis meses porque no No pagas mucho, pero puedes conseguirlos durante cuatro semanas". [4] Otras actrices conocidas que han actuado en la producción Off-Broadway incluyen las siguientes: Carol Kane , Debra Monk , Janeane Garofalo , Fran Drescher , Melissa Joan Hart , Brooke Shields , Victoria Clark , Alison Fraser , Tovah Feldshuh , Loretta . Swit , Mary Testa , Nikki Blonsky , Donna McKechnie , B. Smith y Marla Maples . [21] En octubre de 2011 [actualizar], era el segundo espectáculo de mayor duración en la historia del Westside Theatre. [22]
El espectáculo ganó el premio Drama Desk 2010 por su experiencia teatral única , así como el premio del público Broadway.com 2010 por su nueva obra favorita fuera de Broadway. Daly y O'Donnell fueron nominados a los premios Drama League Awards 2010 por actuación distinguida. [23] Tara Rubin, Merri Sugarman, Eric Woodall y Lauran Schtuzel fueron nominados a los premios Artios de la Casting Society of America 2010 por la excelencia musical y de comedia off-Broadway de Nueva York en el casting. [23]
La presentación número 1.000 del programa se realizó el 15 de marzo de 2012. [24] La producción cerró el 25 de marzo de 2012 después de 1.013 funciones. Treinta y dos elencos rotativos y 120 actrices participaron en la producción durante toda su carrera. El elenco final estuvo formado por Sierra Boggess , Joyce Van Patten , Karyn Quackenbush, Erica Watson y Ally Walker . [25]
Carpenter dirigió una gira nacional por Estados Unidos que comenzó en Chicago en septiembre de 2011 con un compromiso en el Broadway Playhouse de Water Tower Place . [26]
Roth produjo la producción de Chicago. [26] El elenco de Chicago incluyó a Nora Dunn , Felicia Fields, Roni Geva, Katie O'Brien y Barbara Robertson como Gingy. [27] [28] Aunque el programa estaba originalmente programado para durar hasta el 23 de octubre de 2011, [26] se extendió hasta el 4 de diciembre antes de su apertura [29] y luego se extendió nuevamente hasta el 1 de enero de 2012. [30] El post- Las actuaciones de la gira nacional de Chicago estarían encabezadas por el elenco Off-Broadway del 7 al 30 de diciembre que incluía a Daisy Eagan , Sonia Manzano y Loretta Swit . [30] [31]
La obra se produjo a continuación en el Geffen Playhouse de Los Ángeles. [7] La producción de Geffen se desarrolló del 12 de mayo al 19 de noviembre de 2010, [32] [33] batiendo récords de taquilla. [22] Los modelos de Geffen también rotaron.
Las actrices allí incluyeron a Daly, Kane, DeVito, Perlman, Nancy Travis , [34] Bonnie Franklin , Meredith Baxter , Florence Henderson , Marissa Jaret Winokur , [35] María Conchita Alonso , Christine Lahti , [36] Jenny O'Hara , Lauren Hutton , [37] Harriet Harris , Teri Garr , Mimi Rogers y Sally Struthers . [37] La mayor parte del elenco inicial de Geffen había actuado en el circuito Off-Broadway. [9] En el Geffen Playhouse, el espectáculo fue dirigido por Jenny Sullivan . Kane interpretó "Gingy" cuando debutó en Los Ángeles. [7]
A finales de 2010, la obra se había representado en Nueva York, Los Ángeles, Toronto y Buenos Aires, y desde entonces se han presentado muchas otras producciones en todo el mundo. [14] [22] Carpenter dirigió la producción internacional que se ha presentado en muchos países. [14] La producción de Toronto se desarrolló del 16 de julio al 2 de octubre de 2010 en el Panasonic Theatre. [38] La obra se presentó en Sydney del 3 al 30 de enero de 2011 en la Ópera de Sydney con un elenco de apertura de Natalie Bassingthwaighte , Judi Farr , Amanda Muggleton , Magda Szubanski y Mirrah Foulkes , bajo la dirección de Wayne Harrison , con algunas modificaciones menores para localizar algunos de los americanismos. [39] En Sudáfrica, el espectáculo se presentó del 8 de abril al 12 de junio de 2011 en Studio Theatre, Montecasino cerca de Johannesburgo y en el Theatre on the Bay en Ciudad del Cabo del 15 de junio al 2 de julio bajo la dirección de Moira Blumenthal. [40] [41] Hizo su estreno asiático en Manila del 14 al 17 de julio de 2011 en RCBC Plaza con un elenco que incluía a Bituin Escalante ; la producción fue dirigida por Michael Williams y Azanza-Dy. [42]
El espectáculo, con una duración de unos 90 minutos, [6] consta de 28 historias diferentes que buscan iluminar la identidad femenina. [9] Generalmente consiste en incidentes humorísticos, el programa a menudo aborda temas tristes, amargos o sentimentales. [8] [43] Las memorias de Beckerman parten de la ropa que usó en momentos cruciales de su vida y sirven como pieza de la obra. Los Ephron aumentaron esto con una colección de historias de temática similar presentadas por cuatro personajes adicionales. [6] [7]
El espectáculo se presenta de una manera "sin disculpas y de baja tecnología", [7] utilizando la ropa como metáfora de las experiencias de las mujeres. [6] Además de la ropa, los accesorios como un bolso son importantes, y Charles Isherwood de The New York Times señaló que cuando Nora Ephron miraba un bolso: "En el caos de su interior ve un símbolo de sí misma, como en un espejo oscuro manchado con lápiz labial viejo y oliendo a perfume derramado". [8] El espectáculo consta de cinco monólogos de mujeres sobre los fallos del vestuario , la relación de la pubertad con el vestuario personal, los atuendos para la primera cita, la ropa interior de la suerte, los vestidos de fiesta , las botas favoritas, las camisas irremplazables, el detestado y desorganizado bolso y las experiencias en el camerino. . Los recuerdos sobre la ropa suscitan en las mujeres recuerdos sobre sus madres, novios, maridos, exmaridos, hermanas y nietos. [6] [7]
Broadway.com describió la serie benéfica original como "íntima y estrellada". [44] El crítico del New York Times, Isherwood, describió la obra Off-Broadway como un "espectáculo sobre asuntos del corazón y asuntos del armario". [8] En Variety , Marilyn Stasio lo llamó "una meditación agridulce sobre las alegrías y tribulaciones de la vida de las mujeres, reflejadas a través del prisma de su ropa". [6] En Bloomberg News , los críticos comentaron que los dramaturgos eran "alquimistas literarios expertos en mezclar lo sentimental y lo satírico y producir algo conmovedor" y señalaron que la ropa y los accesorios dominaban los recuerdos mientras que los "hombres son extras". [45] Los Angeles Times describió el programa como un cruce entre Los monólogos de la vagina y Qué no ponerse . [7] Helen Shaw, escribiendo para Time Out , también describió el estilo de los Ephron como similar al de Eve Ensler de The Vagina Monologues . [43] Jay Reiner de The Hollywood Reporter señaló que de la obra "surge un tapiz de la psique femenina colectiva que es tierno y perspicaz sin ser sentimental". [9]
Un punto destacado del libro de Ephron que fue constantemente elogiado fue la interpretación de O'Donnell del bolso en la escena "¡Odio mi bolso!". [8] [9] Mientras que Reiner dijo: "Hay un segmento divertido de 'Odio mi bolso'", [9] Isherwood señaló que "el escrito más inteligente y elegante del programa es ese mordaz ensayo de Nora Ephron sobre su problemática relación con los bolsos... Confiado a la señora O'Donnell, que lo hace con orgullo, el ensayo es una denuncia desafiante de la tiranía del bolsillo, un 'j'accuse' para la era del 'it' bag." [8] Shaw describió la interpretación del bolso de O'Donnell como un aria , [43] y Jerry Tallmer de The Villager la llamó "uno de los pilares del espectáculo". [16] Esta escena a veces se representa sola fuera del teatro. [46]
Isherwood ha señalado que esto está dirigido a una audiencia femenina. "Si hay películas para chicas y literatura para chicas (por más despectivos que algunos puedan considerar esos términos), Amor, Pérdida y Lo que vestí deberían clasificarse claramente como legítimas para chicas... para las mujeres que pueden compartir profundamente los detalles de la experiencia. diseccionado y discutido." [8] Los Angeles Times señala la naturaleza ligera del tema: "... no pretende recuperar la sexualidad femenina de siglos de opresión; celebra ingeniosamente los fallos del vestuario..." [7] Según Reiner, el El programa señala que "... si hay algo que las hembras de la especie tienen en común, es una profunda y duradera relación de amor/odio con su guardarropa... este espectáculo maravillosamente ingenioso ilustra cómo lo que uno se viste para la fiesta es A veces es más memorable que la fiesta misma." También señala que toda la actuación tiene significado, ya que está "repleta y resonante" en todas partes. [9] Shaw señala que "el humor acogedor golpea la risa de muchas mujeres con un fuerte golpe, tal vez porque reafirma perfectamente sus propias preocupaciones". [43]
Según un crítico de Los Angeles Times, ciertos monólogos sobre temas como el peso, el estatus y los tacones altos no alcanzaron su máximo potencial . [7] La revista Time Out describió ciertas líneas como exageradas, pero es perdonable. [43]
La producción original Off-Broadway obtuvo varios reconocimientos:
En los premios Artios de la Casting Society of America de noviembre de 2009, los Ephron obtuvieron el premio New York Big Apple. [49]