Lenore " Lee " Krasner (nacida Lena Krassner ; 27 de octubre de 1908 - 19 de junio de 1984) fue una pintora y artista visual estadounidense activa principalmente en Nueva York cuyo trabajo se ha asociado con el movimiento expresionista abstracto . Recibió su formación académica temprana en la Escuela de Arte de Mujeres de Cooper Union y en la Academia Nacional de Diseño de 1928 a 1932. La exposición de Krasner al posimpresionismo en el recién inaugurado Museo de Arte Moderno en 1929 condujo a un interés sostenido en el arte moderno . En 1937, se inscribió en clases impartidas por Hans Hofmann , lo que la llevó a integrar influencias del cubismo en sus pinturas. Durante la Gran Depresión , Krasner se unió al Proyecto de Arte Federal de la Administración de Progreso de Obras , y pasó a realizar obras de arte de propaganda de guerra durante la era de los Servicios de Guerra.
En la década de 1940, Krasner era una figura establecida entre los artistas abstractos estadounidenses de la Escuela de Nueva York , [1] con una red que incluía a pintores como Willem de Kooning y Mark Rothko . Sin embargo, la carrera de Krasner a menudo se vio eclipsada por la de su esposo, Jackson Pollock , con quien se casó en 1945. Su vida se vio empañada por la infidelidad y el alcoholismo de Pollock , mientras que su muerte prematura en un incidente de conducción en estado de ebriedad en 1956 tuvo un profundo impacto emocional en Krasner. [2] [3] El final de la década de 1950 y el comienzo de la de 1960 en la obra de Krasner se caracterizaron por un estilo más expresivo y gestual. En sus últimos años, recibió un reconocimiento artístico y comercial más amplio y se inclinó hacia grandes pinturas horizontales marcadas por líneas de bordes duros y colores brillantes y contrastantes.
Durante su vida, Krasner recibió numerosos títulos honorarios, incluido el de Doctor Honoris Causa en Bellas Artes de la Universidad de Stony Brook . Tras la muerte de Krasner en 1984, el crítico Robert Hughes la describió como "la Madre Coraje del Expresionismo Abstracto" y se realizó una exposición retrospectiva póstuma de su obra en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York. [4] La Casa y Centro de Estudios Pollock-Krasner en Springs, Nueva York y la Fundación Pollock-Krasner se establecieron para preservar el trabajo y la influencia cultural de ella y su esposo. Esta última se ha centrado desde entonces en apoyar a nuevos artistas y estudios históricos del arte en el arte estadounidense.
Krasner nació como Lena Krassner (fuera de la familia era conocida como Lenore Krasner ) el 27 de octubre de 1908, en Brooklyn, Nueva York . [5] Era hija de Chane (de soltera Weiss) y Joseph Krasner, [6] inmigrantes judíos rusos de Spykov (ahora Shpykiv , una comunidad judía en lo que hoy es Ucrania ). Los padres de Krasner eran inmigrantes judíos rusos que huyeron a los Estados Unidos para escapar del antisemitismo y la guerra ruso-japonesa , [7] y Chane cambió su nombre a Anna una vez que llegó. [8] Lee era la menor de seis hijos, y la única que nació en los Estados Unidos. [9]
Desde muy temprana edad, Krasner supo que quería dedicarse al arte como carrera. Su carrera como artista comenzó cuando era adolescente. Buscó específicamente matricularse en la Washington Irving High School for Girls, ya que ofrecían una especialización en arte. [9] Después de graduarse, asistió a la Women's Art School de Cooper Union con una beca. [10] Allí, completó el trabajo del curso requerido para un certificado de enseñanza en arte. [9] Krasner continuó con su educación artística en la Academia Nacional de Diseño en 1928, completando su carga de cursos allí en 1932. Cuando Krasner asistió a la escuela secundaria, casi no se graduó en función de su calificación en arte, que era la materia por la que asistió a la escuela, y solo le dieron 65 para aprobar la clase. [11]
Al asistir a una escuela técnica de arte, Krasner pudo obtener una educación artística extensa y completa, como lo ilustra su conocimiento de las técnicas de los Viejos Maestros . [12] También se volvió muy hábil en retratar figuras anatómicamente correctas. [13] Hay relativamente pocas obras que sobreviven de este período de tiempo, aparte de algunos autorretratos y naturalezas muertas porque la mayoría de las obras se quemaron en un incendio. Una imagen que todavía existe de este período es su "Autorretrato" pintado en 1930, ahora en el Museo Metropolitano de Arte . Lo presentó a la Academia Nacional para inscribirse en una determinada clase, pero los jueces no podían creer que la joven artista produjera un autorretrato al aire libre . [12] En él, Krasner se representa a sí misma con una expresión desafiante rodeada de naturaleza. También se inscribió brevemente en la Art Students League de Nueva York en 1928. [14] Allí, tomó una clase dirigida por George Bridgman que enfatizaba la forma humana. [14] [15]
Krasner estuvo muy influenciada por la apertura del Museo de Arte Moderno en 1929. Se vio muy afectada por el postimpresionismo y se volvió crítica de las nociones académicas de estilo que había aprendido en la Academia Nacional. En la década de 1930, comenzó a estudiar arte moderno aprendiendo los componentes de la composición , la técnica y la teoría. [13] Comenzó a tomar clases de Hans Hofmann en 1937, lo que modernizó su enfoque del desnudo y la naturaleza muerta. [15] Enfatizó la naturaleza bidimensional del plano de la imagen y el uso del color para crear una ilusión espacial que no era representativa de la realidad a través de sus lecciones. [16] A lo largo de sus clases con Hofmann, Krasner trabajó en un estilo avanzado de cubismo , también conocido como neocubismo. Durante la clase, un desnudo humano o un entorno de naturaleza muerta sería el modelo a partir del cual Krasner y otros estudiantes tendrían que trabajar. Por lo general, creaba dibujos al carboncillo de los modelos humanos y estudios de color al óleo sobre papel de los entornos de naturaleza muerta. [17] Usualmente ilustró desnudos femeninos de manera cubista, logrando tensión mediante la fragmentación de formas y la oposición de colores claros y oscuros. Las naturalezas muertas ilustraron su interés por el fauvismo, ya que suspendió pigmentos de colores brillantes sobre fondos blancos. [18]
Hans Hofmann "era muy negativo", dijo su ex alumna, "pero un día se paró frente a mi caballete y me dio el primer elogio que jamás había recibido de él como artista. Me dijo: 'Esto es tan bueno que nunca dirías que lo hizo una mujer'". También recibió elogios de Piet Mondrian, quien una vez le dijo: "Tienes un ritmo interior muy fuerte; nunca debes perderlo". [ cita requerida ]
Krasner se mantuvo como camarera durante sus estudios, pero finalmente se volvió demasiado difícil debido a la Gran Depresión . [19] En 1935, para seguir manteniéndose a sí misma, se unió al Proyecto de Arte Federal de la Works Progress Administration , trabajando en la división de murales como asistente de Max Spivak . [20] Su trabajo era ampliar los diseños de otros artistas para murales públicos a gran escala . Los murales se creaban para que el público en general los entendiera y apreciara fácilmente; sin embargo, el arte abstracto que Krasner produjo no satisfacía esta necesidad. Aunque estaba feliz de tener empleo, estaba insatisfecha porque no disfrutaba trabajando con las imágenes figurativas creadas por otros artistas. [19] A lo largo de finales de la década de 1930 y principios de la de 1940, creó bocetos en gouache con la esperanza de algún día crear un mural abstracto . [21] Poco después de que se aprobara una de sus propuestas para un mural para la estación de radio WNYC , la Works Progress Administration se convirtió en War Services y todo el arte tuvo que crearse para la propaganda de guerra . [20] Krasner continuó trabajando para War Services creando collages para el esfuerzo bélico que se exhibieron en las ventanas de diecinueve grandes almacenes en Brooklyn y Manhattan . [22] [23] Estuvo intensamente involucrada con el Artists Union durante su empleo en la WPA, pero fue una de las primeras en renunciar cuando se dio cuenta de que los comunistas estaban tomando el control. [20] Sin embargo, al ser parte de esta organización, pudo conocer a más artistas en la ciudad y ampliar su red. [24]
Se unió a la Asociación de Artistas Abstractos Americanos en 1940. Mientras era miembro, exhibió típicamente naturalezas muertas cubistas en un estilo cloisonné con cuadrícula negra que era altamente empastado y gestual . [25] Conoció a los futuros expresionistas abstractos Willem de Kooning , Arshile Gorky , Franz Kline , Adolph Gottlieb , Mark Rothko , Barnett Newman , Clyfford Still y Bradley Walker Tomlin a través de esta organización. [26] Sin embargo, perdió interés en su uso del estilo geométrico de bordes duros después de comenzar su relación con Jackson Pollock . [27]
Krasner es identificada como una expresionista abstracta debido a sus obras abstractas, gestuales y expresivas en pintura, collage, dibujo al carboncillo y ocasionalmente mosaicos. A menudo recortaba sus propios dibujos y pinturas para crear sus collages. También solía revisar o destruir por completo una serie completa de obras debido a su naturaleza crítica; como resultado, su cuerpo de trabajo sobreviviente es relativamente pequeño. Su catálogo razonado , publicado en 1995 por Abrams , enumera 599 piezas conocidas.
Su naturaleza cambiante se refleja en toda su obra, lo que ha llevado a los críticos y académicos a tener diferentes conclusiones sobre ella y su obra. [28] El estilo de Krasner a menudo alterna entre la estructura clásica y la acción barroca , la forma abierta y la forma de bordes duros, y el color brillante y la paleta monocromática . A lo largo de su carrera, se negó a adoptar un estilo singular y reconocible y, en cambio, abrazó el cambio al variar a menudo el estado de ánimo, el tema, la textura, los materiales y las composiciones de su trabajo. [10] [29] Al cambiar a menudo su estilo de trabajo, se diferenció de otros expresionistas abstractos, ya que muchos de ellos adoptaron identidades y modos de representación inmutables. [30] A pesar de estas intensas variaciones, sus obras generalmente se pueden reconocer por su estilo gestual, textura, ritmo y representación de imágenes orgánicas. [10] El interés de Krasner por el yo, la naturaleza y la vida moderna son temas que comúnmente surgen en sus obras. [28] A menudo se mostraba reacia a hablar de la iconografía de su obra y en su lugar enfatizaba la importancia de su biografía, ya que afirmaba que su arte se formaba a través de su personalidad individual y su estado emocional. [31]
Durante la primera mitad de la década de 1940, Krasner luchó por crear arte que satisficiera su naturaleza crítica. A lo largo de la década de 1930, la escena de la pintura de Nueva York consistía en un grupo muy íntimo de artistas que estudiaban los trabajos de los demás, pero que aún no se exhibían en galerías. La década de 1940 marcó una transición de una "era de la inocencia" a una mentalidad modernista de expresión pura. [32] Se sintió muy afectada al ver la obra de Pollock por primera vez en 1942, lo que la llevó a rechazar el estilo cubista de Hofmann, que requería trabajar a partir de un modelo humano o de naturaleza muerta. Ella llamó a la obra producida durante este período frustrante sus "pinturas de losa gris". Creaba estas pinturas trabajando sobre un lienzo durante meses, repintando, raspando o frotando la pintura y agregando más pigmento hasta que el lienzo estaba casi monocromo por tanta acumulación de pintura. Finalmente, destruiría estas obras, que es la razón por la que solo existe una pintura de este período de tiempo. [27] El amplio conocimiento que tenía Krasner del cubismo fue la fuente de su problema creativo, ya que necesitaba que su obra fuera más expresiva y gestual para ser considerada contemporánea y relevante. [33] En el otoño de 1945, Krasner destruyó muchas de sus obras cubistas que creó durante sus estudios con Hofmann, aunque la mayoría de las pinturas creadas entre 1938 y 1943 sobrevivieron a esta reevaluación. [34]
A partir de 1946, Krasner comenzó a trabajar en su serie Little Image . Comúnmente categorizadas como mosaicos, telarañas o jeroglíficos según el estilo de la imagen, [35] este tipo de pinturas, que suman alrededor de 40, las creó hasta 1949. [36] Las imágenes en mosaico se crearon mediante la acumulación espesa de pintura, mientras que sus pinturas telarañas se hicieron mediante una técnica de goteo en la que el pincel siempre estaba cerca de la superficie del lienzo. [37] Dado que Krasner utilizó una técnica de goteo, muchos críticos creyeron al ver esta obra por primera vez que estaba reinterpretando las caóticas salpicaduras de pintura de Pollock. [38] [39] Sus pinturas jeroglíficas están cuadriculadas y parecen una escritura personal ilegible de la creación de Krasner. [37] Estas obras demuestran sus preocupaciones antifigurativas, su enfoque integral del lienzo, su pincelada gestual y su desprecio por el color naturalista. [40] Tienen poca variación de tono pero son muy ricas en textura debido a la acumulación de empasto y también sugieren un espacio que continúa más allá del lienzo. [41] [42] Estas se consideran sus primeras imágenes exitosas que creó mientras trabajaba a partir de su propia imaginación en lugar de un modelo. [43] La escala relativamente pequeña de las imágenes se puede atribuir al hecho de que las pintó en un caballete en su pequeño espacio de estudio en un dormitorio del piso superior en The Springs. [37] [41]
Muchos académicos interpretan estas imágenes como una reelaboración de la escritura hebrea por parte de Krasner . [35] [44] [45] En una entrevista posterior en su carrera, Krasner admitió trabajar inconscientemente de derecha a izquierda en sus lienzos, lo que llevó a los académicos a creer que su origen étnico y cultural afectó la representación de su trabajo. [44] Algunos académicos han interpretado estas pinturas para representar la reacción de la artista a la tragedia del Holocausto . [35] [41] [45] Otros han afirmado que el trabajo de Krasner con el proyecto War Services hizo que se interesara por el texto y los códigos, ya que el criptoanálisis era una preocupación principal para ganar la guerra. [46]
Cuando completó la serie Little Image en 1949, Krasner volvió a atravesar una fase crítica con su trabajo. Probó y rechazó muchos estilos nuevos y finalmente destruyó la mayor parte del trabajo que hizo a principios de la década de 1950. [47] Hay evidencia de que comenzó a experimentar con la pintura automática y creó figuras monstruosas, híbridas y en blanco y negro sobre lienzos grandes en 1950. [48] Estas fueron las pinturas que Betty Parsons vio cuando visitó The Springs ese verano, lo que provocó que la galerista le ofreciera a Krasner una exposición en otoño. [48] Entre el verano y el otoño, Krasner volvió a cambiar su estilo a la pintura de campos de color y destruyó las pinturas automáticas figurativas que hacía. La muestra de Betty Parsons fue la primera exposición individual de Krasner desde 1945. [49] Después de la exposición, Krasner utilizó las pinturas de campos de color para hacer sus pinturas de collage.
En 1951, Krasner había comenzado su primera serie de pinturas de collage. Para crearlas, Krasner pegó formas cortadas y rasgadas en todas menos dos de las pinturas de campos de color a gran escala que creó para la exposición Betty Parsons en 1951. [50] Este período marca el momento en que la artista dejó de trabajar en un caballete, ya que creaba estas obras colocando el soporte en el suelo. [51] Para hacer estas imágenes, fijaba las piezas separadas a un lienzo y modificaba la composición hasta que estaba satisfecha. Luego pegaba los fragmentos en el lienzo y agregaba color con un pincel cuando lo deseaba. [52] La mayoría de las pinturas de collage que creó recuerdan plantas u formas orgánicas, pero no se parecen completamente a un organismo vivo. [53] Al usar muchos materiales diferentes, pudo crear textura y evitar que la imagen fuera completamente plana. [50] El acto de rasgar y cortar elementos para el collage encarna la expresión de Krasner, ya que estos actos son agresivos. [54] En esta obra, Krasner exploró contrastes de colores claros y oscuros, líneas duras y suaves, formas orgánicas y geométricas, y estructura e improvisación. [55] Estas pinturas collage representan el alejamiento de Krasner de la abstracción no objetiva . A partir de este período, creó arte metafórico y cargado de contenido que aludía a figuras orgánicas o paisajes. [51]
Entre 1951 y 1953, la mayoría de sus obras se hicieron a partir de dibujos rasgados realizados en tinta negra o aguada de manera figurativa. Al rasgar el papel en lugar de cortarlo, los bordes de las figuras son mucho más suaves en comparación con las formas geométricas y de bordes duros de sus obras anteriores. [54] Entre 1953 y 1954, creó pinturas de collage de menor tamaño que se componían de fragmentos de obras no deseadas. [56] Algunas de las obras descartadas que utilizó fueron pinturas salpicadas realizadas por Pollock. Muchos académicos han expresado diferentes interpretaciones sobre por qué utilizó los lienzos no deseados de su pareja. Algunos afirman que demostró simultáneamente su admiración por su arte y, al mismo tiempo, recontextualizó su fisicalidad agresiva al manipular sus imágenes en forma de collage. [28] [57] Otros creen que estaba creando una sensación de intimidad entre ellos, que faltaba en su relación real en este período de tiempo, al combinar sus obras. [58] En 1955, realizó pinturas de collage a mayor escala y varió el material que utilizó como soporte, utilizando masonita , madera o lienzo. [51] Estas obras fueron exhibidas por primera vez por Eleanor Ward en la Stable Gallery en 1955 en la ciudad de Nueva York, pero recibieron poca aclamación del público aparte de una buena crítica de Clement Greenberg . [53] [59]
Durante el verano de 1956, Krasner comenzó su serie Earth Green. Si bien comenzó a hacer este trabajo antes de la muerte de Pollock, se considera que reflejan sus sentimientos de ira, culpa, dolor y pérdida que experimentó sobre su relación antes y después de su muerte. [60] La intensa emoción que sintió durante este tiempo hizo que su arte se desarrollara a lo largo de líneas más liberadas de su autoexpresión y empujó los límites de los conceptos convencionales y desarrollados del arte. [61] A través de estas pinturas de acción a gran escala, Krasner representa figuras híbridas que se componen de formas orgánicas similares a plantas y partes anatómicas, que a menudo aluden a partes del cuerpo tanto masculinas como femeninas. [60] Estas formas dominan el lienzo, lo que hace que esté abarrotado y densamente lleno de formas que estallan y se abultan. El dolor que experimentó durante este período se ilustra a través del uso principal de tonos de piel con acentos de color rojo sangre en las figuras que sugieren heridas. Las gotas de pintura en su lienzo muestran su velocidad y su voluntad de renunciar al control absoluto, ambas necesarias para retratar sus emociones. [62]
En 1957, Krasner siguió creando formas abstractas figurativas en su obra, pero éstas sugieren más elementos florales que anatómicos. Utilizaba colores más brillantes que eran más vibrantes y contrastaban con otros colores de la composición. También diluía la pintura o utilizaba un pincel seco para hacer que los colores fueran más transparentes. [63]
En 1958, Krasner recibió el encargo de crear dos murales abstractos para un edificio de oficinas en el número 2 de Broadway, en Manhattan. Según la historiadora de arte estadounidense Barbara Rose , trabajar en las maquetas de collage como preparación para los murales le proporcionó a Krasner "un medio para traducir sus formas aladas, florales y orgánicas en abstracciones monumentales a escala pública". [64]
Las pinturas de la serie Umber de Krasner fueron creadas durante una época en la que la artista sufría de insomnio . Como trabajaba durante la noche, tenía que pintar con luz artificial en lugar de luz diurna , lo que hacía que su paleta cambiara de tonos brillantes y vibrantes a colores monocromáticos apagados. [65] También seguía lidiando con la muerte de Pollock y la reciente muerte de su madre, lo que la llevó a utilizar un estilo agresivo al crear estas imágenes. [66] Estas pinturas de acción del tamaño de un mural contrastan severamente la oscuridad y la luz, ya que el blanco, los grises, el negro y el marrón son los colores predominantes utilizados. [67] La evidencia de su pincelada animada se puede ver a través de las gotas y salpicaduras de pintura en el lienzo. No hay un punto central en el que el espectador se concentre en estas obras, lo que hace que la composición sea muy dinámica y rítmica. [67] Para pintar a una escala tan grande, Krasner clavaba el lienzo en una pared. [65] Estas imágenes ya no implicaban formas orgánicas, sino que a menudo se interpretan como paisajes violentos y turbulentos. [68]
En 1962, comienza a usar colores brillantes y aluden a formas florales y vegetales. [69] Estas obras son compositivamente similares a sus imágenes monocromáticas debido a su gran tamaño y naturaleza rítmica sin un punto focal central. [70] Sus paletas a menudo contrastan entre sí y aluden a paisajes tropicales o plantas. [71] Continuó trabajando en este estilo hasta que sufrió un aneurisma , se cayó y se rompió la muñeca derecha en 1963. [70] [72] Como todavía quería trabajar, comenzó a pintar con su mano izquierda. Para superar el trabajo con su mano no dominante, a menudo aplicaba pintura directamente de un tubo al lienzo en lugar de usar un pincel, lo que provocaba que hubiera grandes parches de lienzo blanco en las superficies de las imágenes. El gesto y la fisicalidad de estas obras son más comedidos. [70]
Después de recuperarse de su brazo roto, Krasner comenzó a trabajar en pinturas brillantes y decorativas que son menos agresivas que sus pinturas de la serie Earth Green y Umber. A menudo, estas imágenes recuerdan la caligrafía o la ornamentación floral que no están claramente relacionadas con el estado emocional conocido de Krasner. [73] Las formas florales o caligráficas dominan el lienzo, conectando pinceladas variables en un solo patrón. [74]
En la segunda mitad de la década de 1960, los críticos comenzaron a reevaluar el papel de Krasner en la Escuela de Nueva York como pintora y crítica que influyó enormemente en Pollock y Greenberg. [75] [76] [77] Antes de esto, su estatus como artista era típicamente pasado por alto por críticos y académicos debido a su relación con Pollock. [75] Dado que sirvió como una figura tan importante en el movimiento expresionista abstracto, todavía es a menudo difícil para los académicos discutir su trabajo sin mencionar a Pollock de alguna manera. [78] Esta reevaluación se refleja en su primera exposición retrospectiva de sus pinturas que se celebró en Londres en la Whitechapel Gallery en 1965. Esta exposición fue mejor recibida por los críticos en comparación con sus exposiciones anteriores en Nueva York. [75] [77]
En 1969, Krasner se concentró principalmente en crear obras sobre papel con gouache . Estas obras se llamaban Tierra, Agua, Semilla o Jeroglíficos y a menudo parecían similares a una prueba de Rorschach . Algunos académicos afirman que estas imágenes eran una crítica a la teoría de Greenberg sobre la importancia de la naturaleza bidimensional del lienzo. [79]
A lo largo de las décadas de 1960 y 1970, la obra del pintor estuvo significativamente influenciada por el arte posmoderno y enfatizó los problemas inherentes del arte como forma de comunicación. [80]
A partir de 1970, Krasner comenzó a realizar grandes pinturas horizontales compuestas de líneas de bordes duros y una paleta de unos pocos colores brillantes que contrastaban entre sí. [81] Pintó en este estilo hasta aproximadamente 1973. Tres años después, comenzó a trabajar en su segunda serie de imágenes de collage. Comenzó a trabajar en ellas después de limpiar su estudio y descubrió algunos dibujos al carboncillo, principalmente estudios de figuras que completó entre 1937 y 1940. Después de guardar algunos, Krasner decidió usar el resto en una nueva serie de collages. En esta obra, las formas negras y grises de los estudios de figuras se yuxtaponen contra el lienzo en blanco o la adición de pintura de colores brillantes. [79] Las formas de bordes duros de los dibujos recortados se reconstruyen en formas curvilíneas que recuerdan patrones florales. La textura se induce a través del contraste del papel liso y el lienzo rugoso. [82] Dado que los estudios de figuras se recortan y reorganizan sin tener en cuenta su intención o mensaje original, las diferencias entre los dibujos antiguos y las nuevas estructuras son muy exageradas. [83] Los títulos de todos los collages de esta serie son tiempos verbales diferentes interpretados como una crítica a la insistencia de Greenberg y Michael Fried en la actualidad del arte moderno. [84] Esta serie fue muy bien recibida por un gran público cuando se exhibió en 1977 en la Galería Pace . También se considera una declaración sobre cómo los artistas necesitan reexaminar y reelaborar su estilo para seguir siendo relevantes a medida que envejecen. [85]
Aunque mucha gente cree que Krasner dejó de trabajar en la década de 1940 para cuidar la vida familiar y la carrera de Pollock, en realidad nunca dejó de crear arte. [10] Mientras su relación se desarrollaba, ella cambió su enfoque de su propio arte al de Pollock para ayudarlo a ganar más reconocimiento debido al hecho de que ella creía que él tenía "mucho más para dar con su arte que ella con el de ella". [86]
A lo largo de su carrera, Krasner atravesó períodos de lucha en los que experimentaba con nuevos estilos que satisfacían sus medios de expresión y criticaba, revisaba o destruía duramente el trabajo que producía. Debido a esta autocrítica, hay períodos de tiempo en los que existe poca o ninguna obra suya, específicamente a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950. [10]
Krasner y Pollock tuvieron un inmenso efecto en sus respectivos estilos artísticos y carreras. Dado que Krasner había aprendido de Hans Hofmann mientras que Pollock recibió formación de Thomas Hart Benton , cada uno adoptó diferentes enfoques para su trabajo. Krasner aprendió de Hofmann la importancia de la abstracción de la naturaleza y de enfatizar la naturaleza plana del lienzo, mientras que la formación de Pollock destacó la importancia del diseño complejo a partir del dibujo automático. El amplio conocimiento de Krasner sobre el arte moderno ayudó a Pollock, ya que lo puso al día con lo que debería ser el arte contemporáneo. Por lo tanto, pudo hacer obras más organizadas y cosmopolitas. Además, Krasner fue responsable de presentar a Pollock a muchos artistas, coleccionistas y críticos que apreciaban el arte abstracto, como Willem de Kooning , Peggy Guggenheim y Clement Greenberg . A través de su amistad con el coleccionista y artista Alfonso Ossorio , Pollock también conoció a Ossorio y Joseph Glasco . [87] Pollock ayudó a Krasner a ser menos comedida al hacer su trabajo. La inspiró a dejar de pintar a partir de modelos humanos y de naturaleza muerta para liberar sus emociones interiores y volverse más espontánea y gestual a través de su trabajo. [88]
Krasner tuvo problemas con la recepción que el público le daba a su identidad, tanto como mujer como esposa de Pollock. Cuando ambas expusieron en una muestra llamada "Artistas: hombre y mujer" en 1949, un crítico de ARTnews afirmó: "Hay una tendencia entre algunas de estas esposas a 'ordenar' el estilo de sus maridos. Lee Krasner (la señora Jackson Pollock) toma la pintura y los esmaltes de su marido y cambia sus líneas desenfrenadas y amplias en pequeños cuadrados y triángulos prolijos". [89] Incluso después del auge del feminismo en los años 1960 y 1970, la carrera artística de Krasner siempre se puso en relación con Pollock, ya que los comentarios que se hacían sobre su trabajo a menudo comentaban cómo se había convertido en una artista exitosa al salir de la sombra de Pollock. [90] En los artículos sobre su trabajo, se hace referencia a Pollock continuamente. A Krasner todavía se la conoce a veces como la "viuda de la acción", un término acuñado en 1972 por el crítico de arte BH Friedman , que acusó a las parejas femeninas supervivientes de artistas expresionistas abstractos de dependencia artística de sus parejas masculinas. [91] Por lo general, en las décadas de 1940 y 1950, Krasner tampoco firmaba obras en absoluto, firmaba con las iniciales sin género "LK" o mezclaba su firma con la pintura para no enfatizar su condición de mujer y de esposa de otro pintor. [92]
Some Living American Women Artists / Last Supper (1972) de Mary Beth Edelson se apropió de La última cena de Leonardo da Vinci , con las cabezas de artistas mujeres notables, incluida la de Krasner, unidas sobre las cabezas de Cristo y sus apóstoles. La imagen, que aborda el papel de la iconografía religiosa e histórica del arte en la subordinación de las mujeres, se convirtió en "una de las imágenes más icónicas del movimiento artístico feminista ". [93] [94]
Krasner murió el 19 de junio de 1984, a los 75 años, en el Hospital de Nueva York. Krasner tuvo una exitosa carrera comercial y estaba a cargo del patrimonio de su esposo, que en el momento de su muerte valía más de 20 millones de dólares. [95]
Seis meses después de su muerte, el Museo de Arte Moderno ( MoMA ) de la ciudad de Nueva York realizó una exposición retrospectiva de su obra. Una reseña en The New York Times señaló que "define claramente el lugar de Krasner en la Escuela de Nueva York" y que ella "es una importante artista independiente de la generación pionera del expresionismo abstracto, cuyo conmovedor trabajo ocupa un lugar destacado entre los producidos aquí en el último medio siglo". [96] En 2008, Krasner es una de las cuatro únicas artistas mujeres que han tenido una exposición retrospectiva en esta institución. Las otras tres mujeres son Louise Bourgeois (1982), Helen Frankenthaler (1989) y Elizabeth Murray (2004). [97]
Sus documentos fueron donados a los Archivos de Arte Americano en 1985; fueron digitalizados y publicados en la web para investigadores. [98]
Después de su muerte, su propiedad en East Hampton se convirtió en la Casa y Estudio Pollock-Krasner , y está abierta al público para visitas. En 1985 se creó una organización independiente, la Fundación Pollock-Krasner . La Fundación funciona como el patrimonio oficial tanto de Krasner como de Pollock, y también, según los términos de su testamento, sirve "para ayudar a artistas individuales que trabajan con mérito y que tienen necesidades económicas". [99] El representante de derechos de autor en Estados Unidos para la Fundación Pollock-Krasner es la Artists Rights Society . [100]
El 11 de noviembre de 2003, Celebration, un gran cuadro de 1960, se vendió al Museo de Arte de Cleveland por 1,9 millones de dólares y, en mayo de 2008, Polar Stampede se vendió por 3,2 millones de dólares. "Hoy en día nadie podría persistir en llamarla un talento secundario", dijo el crítico Robert Hughes . [101]
En 2016 su obra fue incluida en la exposición Mujeres del expresionismo abstracto organizada por el Museo de Arte de Denver . [102]
En 2017, Krasner fue uno de los protagonistas del libro Ninth Street Women: Lee Krasner, Elaine de Kooning, Grace Hartigan, Joan Mitchell y Helen Frankenthaler: Five Painters and the Movement That Changed Modern Art de Mary Gabriel. [103]
En 2023 su obra fue incluida en la exposición Action, Gesture, Paint: Women Artists and Global Abstraction 1940-1970 en la Whitechapel Gallery de Londres. [104]
Krasner fue interpretada por Marcia Gay Harden en la película Pollock (2000), que trata sobre la vida de su marido Jackson Pollock . Harden ganó un premio Oscar a la mejor actriz de reparto por su actuación en la película.
En la novela de John Updike , Seek My Face (2002), una parte importante de la vida del personaje principal se basa en la de Krasner.
Krasner y Jackson Pollock iniciaron una relación en 1942, después de que ambos expusieran en la galería McMillen. A ella le intrigaba su obra y el hecho de que no supiera quién era, a pesar de que conocía a muchos pintores abstractos en Nueva York. Fue a su apartamento para conocerlo. [23] [105] En 1945, se mudaron a The Springs, en las afueras de East Hampton, Nueva York. En el verano de ese año, se casaron en una iglesia con dos testigos. [106]
Mientras ambos vivían en la casa de campo de The Springs, siguieron creando arte. Trabajaban en estudios separados: Krasner, en un dormitorio del piso superior de la casa, y Pollock, en el granero del patio trasero. Cuando no trabajaban, los dos pasaban el tiempo cocinando, horneando, haciendo jardinería, manteniendo la casa organizada y entreteniendo a sus amigos. [107]
En 1956, su relación se volvió tensa a medida que enfrentaban ciertos problemas. Pollock había comenzado a luchar contra su alcoholismo y estaba teniendo una relación extramatrimonial con Ruth Kligman . Krasner se fue en el verano a visitar a unos amigos en Europa, pero tuvo que regresar rápidamente cuando Pollock murió en un accidente automovilístico mientras ella estaba fuera. [108]
Krasner se crió en un hogar judío ortodoxo durante su infancia y adolescencia. Su familia vivía en Brownsville, Brooklyn, que tenía una gran población de inmigrantes judíos pobres. Su padre pasaba la mayor parte del tiempo practicando el judaísmo y su madre se ocupaba de la casa y del negocio familiar. [109] Krasner apreciaba aspectos del judaísmo como la escritura hebrea , las oraciones y las historias religiosas.
En su adolescencia, se volvió crítica con lo que percibía como misoginia en el judaísmo ortodoxo. En una entrevista posterior, Krasner recuerda haber leído la traducción de una oración y haber pensado que era "de hecho una oración hermosa en todos los sentidos, excepto por el cierre de la misma... si eres un hombre dices: 'Gracias, Señor, por crearme a tu imagen'; y si eres una mujer dices: 'Gracias, Señor, por crearme como Tú quisiste'". [110] También comenzó a leer filosofías existencialistas durante este período, lo que la hizo alejarse aún más del judaísmo. [111]
Aunque se casó con Pollock en una iglesia, Krasner siguió identificándose como judía, pero decidió no practicar la religión. Su identidad como mujer judía ha afectado la forma en que los académicos interpretan el significado de su arte. [111]
El Museo Metropolitano de Arte , Nueva York
El Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York
Otras instituciones:
En una subasta de Christie's en Nueva York en 2003, la composición horizontal en óleo sobre lienzo de Lee Krasner, Celebration (1960), multiplicó su estimación de preventa más de cuatro veces al finalizar su trayectoria ascendente en 1,9 millones de dólares. [130] En 2019, Sotheby's estableció un nuevo récord de subasta para Krasner cuando The Eye is the First Circle (1960) se vendió por 10 millones de dólares a Robert Mnuchin . [131]
Lee Krasner es un miembro vital e influyente de la primera generación de la Escuela de Nueva York.
Pollock murió en un accidente automovilístico, tras tomar el volante en estado de ebriedad, en 1956, a la edad de 44 años. Aunque él y Krasner ya estaban algo distanciados (...), ella se sintió abrumada por el dolor; hay quienes creen que nunca se recuperó por completo del shock.
Krasner recibió poca atención de los museos hasta que cumplió 60 años, y rara vez ha salido de la sombra de Jackson Pollock, su esposo desde 1945 hasta su temprana muerte en 1956.
