Un museo de arte o galería de arte es un edificio o espacio para la exhibición de arte , generalmente de la propia colección del museo . Puede ser de propiedad pública o privada, ser accesible para todos o tener restricciones. Aunque se ocupan principalmente de las artes visuales , los museos de arte se utilizan a menudo como lugar para otros intercambios culturales y actividades artísticas, como conferencias, joyería, artes escénicas , conciertos de música o lecturas de poesía . Los museos de arte también suelen albergar exposiciones temporales temáticas, que a menudo incluyen artículos prestados de otras colecciones.
Una institución dedicada a la exhibición de arte puede denominarse museo de arte o galería de arte, y los dos términos pueden usarse indistintamente. [1] [2] [3] Esto se refleja en los nombres de instituciones de todo el mundo, algunas de las cuales se consideran galerías de arte, como la National Gallery de Londres y la Neue Nationalgalerie de Berlín , y otras se consideran museos. incluido el Museo Metropolitano de Arte y el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York y el Museo Nacional de Arte Occidental de Tokio .
La frase "galería de arte" también se utiliza a veces para describir empresas que exhiben arte para la venta, pero no son museos de arte. [2]
A lo largo de la historia, las obras de arte grandes y costosas generalmente han sido encargadas por instituciones religiosas o líderes políticos y se han exhibido en templos, iglesias y palacios . Aunque estas colecciones de arte no estaban abiertas al público en general, a menudo estaban disponibles para que las pudiera ver una sección del público. En la época clásica , las instituciones religiosas comenzaron a funcionar como una forma temprana de galería de arte. Los ricos coleccionistas romanos de gemas grabadas y otros objetos preciosos, como Julio César , a menudo donaban sus colecciones a los templos. No está claro qué tan fácil fue en la práctica para el público ver estos elementos.
En Europa, desde la Baja Edad Media en adelante, las zonas de los palacios reales, castillos y grandes casas de campo de la élite social a menudo se hacían parcialmente accesibles a sectores del público, donde se podían ver las colecciones de arte. En el Palacio de Versalles , la entrada estaba restringida a personas de determinadas clases sociales a las que se les exigía llevar la vestimenta adecuada, que normalmente incluía los accesorios adecuados, hebillas de zapatos plateadas y una espada , que se podía alquilar en las tiendas exteriores. Los tesoros de las catedrales y las grandes iglesias, o partes de ellas, a menudo se exponían para su exhibición y veneración públicas. Las personas respetables podían visitar muchas de las casas de campo inglesas más importantes a cambio de una propina para el ama de llaves, durante los largos períodos en que la familia no estaba en la residencia.
Se hicieron arreglos especiales para permitir al público ver muchas colecciones reales o privadas ubicadas en galerías, como ocurre con la mayoría de las pinturas de la Colección Orleans , que se encontraban en un ala del Palacio Real de París y podían visitarse durante la mayor parte del tiempo. el siglo XVIII. En Italia, el turismo artístico del Grand Tour se convirtió en una industria importante a partir del siglo XVIII y las ciudades se esforzaron por hacer accesibles sus obras clave. Los Museos Capitolinos comenzaron en 1471 con una donación de escultura clásica a la ciudad de Roma por parte del Papado , mientras que los Museos Vaticanos , cuyas colecciones todavía son propiedad del Papa, remontan su fundación a 1506, cuando el recientemente descubierto Laocoonte y sus hijos fue poner en exhibición pública. A lo largo de los siglos siguientes se abrieron una serie de museos sobre diferentes temas, y muchos de los edificios del Vaticano fueron construidos expresamente como galerías. Uno de los primeros tesoros reales abiertos al público fue la Bóveda Verde del Reino de Sajonia en la década de 1720.
A partir del siglo XVII comenzaron a establecerse museos de financiación privada abiertos al público, a menudo basados en una colección del tipo gabinete de curiosidades . El primer museo de este tipo fue el Museo Ashmolean de Oxford , inaugurado en 1683 para albergar y exhibir los artefactos de Elias Ashmole que fueron entregados a la Universidad de Oxford como legado.
El Kunstmuseum Basel , a través de su linaje que se remonta al Gabinete Amerbach , que incluía una colección de obras de Hans Holbein el Joven y adquirida por la ciudad de Basilea en 1661, [4] está considerado como el primer museo de arte abierto al público. el público en el mundo.
En la segunda mitad del siglo XVIII, muchas colecciones privadas de arte se abrieron al público, y durante y después de la Revolución Francesa y las Guerras Napoleónicas , muchas colecciones reales fueron nacionalizadas, incluso donde la monarquía permaneció vigente, como en España y Baviera . .
En 1753, se estableció el Museo Británico y se le donó la colección de manuscritos de la Antigua Biblioteca Real para que la viera el público. En 1777, el diputado John Wilkes presentó una propuesta al gobierno británico para comprar la colección de arte del difunto Sir Robert Walpole , que había acumulado una de las mayores colecciones de este tipo en Europa , y albergarla en un ala especialmente construida del edificio. Museo Británico para visualización pública. Después de mucho debate, la idea finalmente fue abandonada debido al gran gasto, y veinte años más tarde, la colección fue comprada por la zarina Catalina la Grande de Rusia y alojada en el Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo . [5]
La colección real de Baviera (ahora en la Alte Pinakothek de Múnich) se abrió al público en 1779 y la colección de los Medici en Florencia alrededor de 1789 [6] (como Galería de los Uffizi ). La apertura del Museo del Louvre durante la Revolución Francesa en 1793 como museo público para gran parte de la antigua colección real francesa marcó una etapa importante en el desarrollo del acceso público al arte al transferir la propiedad a un estado republicano; pero fue una continuación de tendencias ya bien establecidas. [7]
El edificio que ahora ocupa el Prado en Madrid fue construido antes de la Revolución Francesa para la exhibición pública de partes de la colección de arte real, y galerías reales similares se abrieron al público en Viena , Munich y otras capitales. En Gran Bretaña, sin embargo, la correspondiente Colección Real permaneció en manos privadas del monarca, y las primeras galerías de arte nacionales construidas expresamente fueron la Dulwich Picture Gallery , fundada en 1814 y la National Gallery de Londres abierta al público una década después. en 1824. De manera similar, la Galería Nacional de Praga no se formó abriendo al público una colección de arte real o principesca existente, sino que se creó desde cero como un proyecto conjunto de algunos aristócratas checos en 1796.
Generalmente se considera que la Galería de Arte Corcoran en Washington, DC fue el primer museo de arte de los Estados Unidos. [8] Originalmente estaba ubicado en la Galería Renwick , construida en 1859. Ahora parte de la Institución Smithsonian , el Renwick albergaba la colección de arte americano y europeo de William Wilson Corcoran . El edificio fue diseñado por James Renwick, Jr. y finalmente terminado en 1874. [9] [10] Está ubicado en 1661 Pennsylvania Avenue NW. [11] Renwick lo diseñó después de la ampliación de las Tullerías del Louvre . [12] En el momento de su construcción, era conocido como "el Louvre americano". [13] [14]
Los museos y galerías de arte universitarios constituyen colecciones de arte desarrolladas, propiedad y mantenidas por todo tipo de escuelas, colegios comunitarios, colegios y universidades. Este fenómeno existe en Occidente y Oriente, lo que lo convierte en una práctica global. Aunque es fácil pasarlo por alto, sólo en Estados Unidos hay más de 700 museos de arte universitarios. Este número, en comparación con otros tipos de museos de arte, hace que los museos de arte universitarios sean quizás la categoría más grande de museos de arte del país. Si bien la primera de estas colecciones se remonta a colecciones de aprendizaje desarrolladas en academias de arte de Europa occidental, ahora están asociadas y alojadas en centros de educación superior de todo tipo.
Siendo la palabra galería originalmente un término arquitectónico , [15] las salas de exhibición de los museos a menudo se denominan galerías públicas . También con frecuencia se hace referencia a una serie de salas dedicadas a períodos históricos específicos (por ejemplo, el Antiguo Egipto ) u otras agrupaciones temáticas significativas de obras (por ejemplo, la gipsoteca o la colección de vaciados de yeso como en el Museo Ashmolean ) dentro de un museo con una colección más variada. como galerías específicas, por ejemplo, Galería Egipcia o Galería Cast .
Las obras sobre papel, como dibujos , pasteles , acuarelas , grabados y fotografías , normalmente no se exhiben permanentemente por razones de conservación . En cambio, el acceso público a estos materiales lo proporciona una sala de impresión dedicada ubicada dentro del museo. Los murales o mosaicos a menudo permanecen donde fueron creados ( in situ ), aunque muchos también han sido trasladados a galerías. Varias formas de arte del siglo XX, como el land art y el performance art , también suelen existir fuera de una galería. Sin embargo, en las galerías a menudo se muestran registros fotográficos de este tipo de arte. La mayoría de los museos y grandes galerías de arte poseen más obras de las que tienen espacio para exhibir. El resto se conserva en colecciones de reserva , dentro o fuera del sitio.
Un jardín de esculturas es similar a una galería de arte y presenta esculturas en un espacio al aire libre. La escultura ha ganado popularidad con esculturas instaladas en espacios abiertos de forma permanente y temporal.
La mayoría de las pinturas más grandes de alrededor de 1530 en adelante fueron diseñadas para ser vistas en iglesias o palacios, y muchos edificios construidos como palacios ahora funcionan exitosamente como museos de arte. En el siglo XVIII, las ampliaciones a palacios y casas de campo a veces estaban pensadas específicamente como galerías para ver arte, y se diseñaban teniendo eso en mente. La forma arquitectónica de todo el edificio destinado únicamente a ser una galería de arte fue posiblemente establecida por Sir John Soane con su diseño para la Dulwich Picture Gallery en 1817. Esto estableció la galería como una serie de salas interconectadas con espacios en las paredes en gran medida ininterrumpidos para colgar cuadros. e iluminación indirecta procedente de tragaluces o faroles de techo .
A finales del siglo XIX se produjo un auge en la construcción de galerías de arte públicas en Europa y América, convirtiéndose en una característica cultural esencial de las ciudades más grandes. Más galerías de arte surgieron junto con museos y bibliotecas públicas como parte de la campaña municipal para la alfabetización y la educación pública.
A mediados y finales del siglo XX, los estilos arquitectónicos anteriores empleados en los museos de arte (como el estilo Beaux-Arts del Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York o la arquitectura neogótica y renacentista del Rijksmuseum de Ámsterdam) sucumbieron a los estilos modernos , como como Deconstructivismo . Ejemplos de esta tendencia incluyen el Museo Guggenheim de Nueva York de Frank Lloyd Wright , el Museo Guggenheim de Bilbao de Frank Gehry , el Centro Pompidou-Metz de Shigeru Ban y el rediseño del Museo de Arte Moderno de San Francisco de Mario Botta . Algunas críticas [ ¿cuáles? ] argumentan que estas galerías frustran sus propósitos porque sus dramáticos espacios interiores distraen la vista de las pinturas que se supone deben exhibir.
Los museos son más que simples "estructuras fijas diseñadas para albergar colecciones". Su propósito es dar forma a la identidad y la memoria, el patrimonio cultural, las narrativas destiladas y las historias atesoradas. [16] Muchos museos de arte a lo largo de la historia han sido diseñados con un propósito cultural o han estado sujetos a intervención política. En particular, se cree que las galerías de arte nacionales incitan sentimientos de nacionalismo . Esto ha ocurrido tanto en países democráticos como en países no democráticos, aunque históricamente los regímenes autoritarios han ejercido más control sobre la administración de los museos de arte. Por ejemplo, Ludwig Justi fue despedido como director de la Alte Nationalgalerie (Antigua Galería Nacional) de Berlín en 1933 por las nuevas autoridades nazis por no ser políticamente adecuado. [17]
La cuestión del lugar del museo de arte en su comunidad ha sido objeto de debate durante mucho tiempo. Algunos ven los museos de arte como instituciones fundamentalmente elitistas, mientras que otros los ven como instituciones con potencial para la educación y el mejoramiento de la sociedad. John Cotton Dana , bibliotecario y director de museo estadounidense, así como fundador del Museo de Newark , veía el museo de arte tradicional como una institución pública inútil, que se centraba más en la moda y la conformidad que en la educación y la elevación. De hecho, el museo ideal de Dana sería el más adecuado para un uso activo y vigoroso por parte del ciudadano medio, situado cerca del centro de su movimiento diario. Además, la concepción de Dana del museo perfecto incluía una variedad más amplia de objetos que el museo de arte tradicional, incluidas herramientas industriales y artesanías que fomentan la imaginación en áreas tradicionalmente consideradas mundanas. Esta visión del museo de arte lo visualiza como uno bien adaptado a un mundo industrial, e incluso lo mejora. Dana consideraba que las pinturas y esculturas eran mucho menos útiles que los productos industriales, comparando el museo con unos grandes almacenes. Además, alentó el préstamo activo de los objetos recopilados de un museo para mejorar la educación en las escuelas y ayudar en el desarrollo cultural de los miembros individuales de la comunidad. Finalmente, Dana vio las sucursales de museos en toda la ciudad como un buen método para garantizar que todos los ciudadanos tengan acceso a sus beneficios. La visión de Dana sobre el museo ideal buscaba involucrar a una variedad más amplia de personas en él, y conscientemente no era elitista. [18]
Desde la década de 1970, varios teóricos políticos y comentaristas sociales han señalado las implicaciones políticas de los museos de arte y las relaciones sociales. Pierre Bourdieu , por ejemplo, argumentó que a pesar de la aparente libertad de elección en las artes, las preferencias artísticas de las personas (como la música clásica, el rock, la música tradicional) están fuertemente vinculadas con su posición social. El llamado capital cultural es un factor importante en la movilidad social (por ejemplo, conseguir un trabajo mejor remunerado y de mayor estatus). El argumento afirma que ciertos museos de arte tienen como objetivo perpetuar los ideales de gusto aristocráticos y de clase alta y excluyen a segmentos de la sociedad que no tienen las oportunidades sociales para desarrollar ese interés. Las bellas artes perpetúan así la desigualdad social al crear divisiones entre diferentes grupos sociales. Este argumento también se relaciona con la teoría marxista de la mistificación y la cultura de élite . [19]
Además, determinadas galerías de arte, como la Galería Nacional de Londres y el Louvre de París, están situadas en edificios de considerable impacto emocional. El Louvre de París, por ejemplo, está situado en el antiguo Castillo Real del antiguo régimen y, por tanto, está claramente diseñado con una agenda política. Se ha argumentado que tales edificios crean sentimientos de subyugación y contribuyen a la mistificación de las bellas artes . [20] Las investigaciones sugieren que el contexto en el que se presenta una obra de arte tiene una influencia significativa en su recepción por parte del público, y los espectadores a quienes se les muestran obras de arte en un museo las califican más que cuando se exhiben en un entorno de "laboratorio" [21]
La mayoría de los museos de arte tienen colecciones en línea limitadas, pero algunos museos, así como algunas bibliotecas y agencias gubernamentales, han desarrollado catálogos en línea sustanciales. Los museos, bibliotecas y agencias gubernamentales con importantes colecciones en línea incluyen:
Hay una serie de galerías y catálogos de arte en línea que se han desarrollado independientemente del apoyo de cualquier museo individual. Muchos de ellos, como American Art Gallery, son intentos de desarrollar galerías de obras de arte con un enfoque enciclopédico o histórico, mientras que otros son esfuerzos comerciales para vender el trabajo de artistas contemporáneos.
Un número limitado de estos sitios tienen importancia independiente en el mundo del arte. Las grandes casas de subastas, como Sotheby's , Bonhams y Christie's , mantienen grandes bases de datos en línea sobre las obras de arte que han subastado o están subastando. Bridgeman Art Library sirve como fuente central de reproducciones de obras de arte, con acceso limitado a museos, marchantes de arte y otros profesionales u organizaciones profesionales.
También hay galerías en línea que han sido desarrolladas gracias a una colaboración de museos y galerías que están más interesadas en la categorización del arte. Están interesados en el uso potencial de la folksonomía dentro de los museos y los requisitos para el posprocesamiento de los términos que se han recopilado, tanto para probar su utilidad como para implementarlos de manera útil.
steve.museum es un ejemplo de un sitio que está experimentando con esta filosofía colaborativa. Las instituciones participantes incluyen el Museo Guggenheim , el Museo de Arte de Cleveland , el Museo Metropolitano de Arte y el Museo de Arte Moderno de San Francisco .
Hay relativamente pocas organizaciones locales/regionales/nacionales dedicadas específicamente a los museos de arte. La mayoría de los museos de arte están asociados con organizaciones locales/regionales/nacionales de artes , humanidades o museos en general. Muchas de estas organizaciones se enumeran a continuación:
