La danza (también conocida como Bacchante ) es una pintura al óleo creada alrededor de 1906 por el artista y teórico francés Jean Metzinger (1883-1956). Bacchante es unaobra precubista o protocubista ejecutada en un estilo divisionista muy personal durante el apogeo del período fauve . Bacchante fue pintada en París en una época en la que Metzinger y Robert Delaunay pintaban retratos el uno del otro, exponiendo juntos en el Salón de Otoño y en la galería Berthe Weill . Bacchante se exhibió en París durante la primavera de 1907 en el Salón de los Independientes (n.º 3460), junto con Coucher de soleil y otras cuatro obras de Metzinger. [1]
El cuadro fue adquirido por el historiador de arte y coleccionista Wilhelm Uhde y formó parte de su colección hasta que fue confiscado por el gobierno francés justo antes de la Primera Guerra Mundial . El 30 de mayo de 1921, Bacchante era propiedad del pintor francés André Lhote . El cuadro apareció en la casa de subastas Hôtel Drouot , donde presumiblemente fue comprado por Kröller-Müller y publicado en el Catálogo de las pinturas de la colección de Helene Kröller-Müller . [2] El cuadro forma parte de la colección permanente del Museo Kröller-Müller . [3] [4]
La danza (Bacchante) es una pintura al óleo sobre lienzo con dimensiones de 73 cm × 54 cm (29 in × 21 in). La obra representa a una mujer desnuda en una composición que contiene una amplia variedad de elementos geométricos exóticos. El uso audaz del color de Metzinger característico de su trabajo entre 1904 y 1907 es muy notable en Bacchante . Sus pinceladas son prácticamente todas del mismo tamaño, pero sus direcciones y colores varían dando ritmo a la obra general. La profundidad de campo es aplanada; el primer plano se mezcla con los componentes del fondo. El tema es clásico, que recuerda a Jean Auguste Dominique Ingres (un artista al que Metzinger admiraba mucho), pero su tratamiento es todo menos clásico.
Esta obra temprana en el estilo divisionista representa a una bacante (o ménades ). En la mitología griega , las ménades eran las seguidoras femeninas de Dioniso (Baco en el panteón romano), los miembros más importantes de los Tías . Su nombre se traduce literalmente como "las delirantes". A menudo, las ménades eran retratadas como inspiradas por Dioniso (también conocido como Baco) en un estado de frenesí extático, a través de una combinación de baile e intoxicación alcohólica . [5] En este estado perderían todo autocontrol, comenzarían a gritar excitadamente y participarían en un comportamiento sexual descontrolado. Muchos artistas eligieron este tema a lo largo de los siglos, probablemente debido a estas características dramáticas.
Su cuerpo está representado desnudo, visto de frente, con reflejos amarillos y blancos y turquesas, siendo la referencia mitológica el pretexto del desnudo. Ella es el tema principal de la obra y está enmarcada en un entorno exótico que acentúa la curva arqueada de su espalda. Tiene una "profunda voluptuosidad", como en las obras de Ingres (por utilizar el término de Baudelaire), pero su inmovilidad atemporal la hace de alguna manera casta. La escena es aparentemente tranquila y lujosa al mismo tiempo.
La búsqueda temprana de Metzinger de una "imagen total" explica la falta de profundidad ilusoria, la luz profusa y la negativa a representar una marcada diferencia entre el primer plano, el fondo y el cuerpo de la mujer. Metzinger añadió un entorno marcadamente tropical, presumiblemente bajo la influencia de Mahana no atua, El día de los dioses (1894) de Paul Gauguin o de Le Rêve de Henri (Le Douanier) Rousseau (dos pintores más a los que el artista admiraba mucho). Bacante ya es típica del estilo de Metzinger, con sus texturas suntuosas, la armonía sinuosa de las líneas (por ejemplo, los árboles y el follaje arqueados) y la representación de la actitud serena y la sensualidad casta del cuerpo de la Bacante, todo ello alistado en la búsqueda de Metzinger de la perfección absoluta. [6]
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En 1903 Jean Metzinger llegó a París (Montmartre) donde residiría hasta 1912. En esta época expuso en el Salón de los Independientes y poco después en la galería de Berthe Weill , con Raoul Dufy (1903-1904), con Robert Delaunay (principios de 1907), con Marie Laurencin (1908) y más tarde con André Derain , Georges Rouault , Kees van Dongen (1910). En la galería de Weill conoció a Max Jacob (1907), quien le presentó a Pablo Picasso, Juan Gris , y a Guillaume Krotowsky, que ya firmaba sus obras Guillaume Apollinaire . [7] En 1908 Metzinger participó en una exposición colectiva en la galería Wilhelm Uhde en la rue Notre-Dame-des-Champs con Georges Braque , Sonia Delaunay , André Derain , Raoul Dufy , Auguste Herbin , Jules Pascin y Pablo Picasso .
En la primavera de 1906, Georges Braque expuso sus obras por primera vez en el Salón de los Independientes. En la exposición de 1907 se exhibieron seis pinturas de Braque. Cinco fueron adquiridas por Wilhelm Uhde . La sexta obra fue comprada presumiblemente por el comerciante de arte Kahnweiler . [8] Fue en esta época cuando Braque conoció a Kahnweiler y Guillaume Apollinaire le presentó a Picasso . Las obras de Braque todavía eran de naturaleza fauve. No fue hasta el otoño de 1907 en L'Estaque cuando Braque comenzó su transición de tonos brillantes a colores más tenues, posiblemente como resultado de la exposición conmemorativa de la obra de Cézanne en el Salón de Otoño de 1907. [9]
No está claro exactamente cuándo Uhde compró Bacchante , pero es probable que Metzinger y Uhde se conocieran alrededor de 1906, aproximadamente en la época en que Delaunay pintó un retrato de Uhde en el mismo estilo que Bacchante de Metzinger .
Al estallar la Primera Guerra Mundial , las posesiones de muchos ciudadanos alemanes que vivían en Francia fueron confiscadas por el estado francés. La colección de Uhde en 1914 incluía obras de Georges Braque , Raoul Dufy , Juan Gris , Auguste Herbin , Marie Laurencin , Fernand Léger , Jean Metzinger (entre ellos Bacchante ), Pablo Picasso , Jean Puy y Henri Rousseau . Estas obras fueron confiscadas por el estado francés y vendidas siete años después en la casa de subastas Hôtel Drouot en París el 30 de mayo de 1921. [10]
El Museo Kröller-Müller incluyó a André Lhote en la lista de procedencia de este cuadro (París, 30 de mayo de 1921). [11]
La técnica fauvista - divisionista de Jean Metzinger de 1905-06 tuvo su paralelo en la literatura. Para él, había una alianza emblemática entre los escritores simbolistas y el neoimpresionismo . Cada pincelada de color equivalía a una palabra o "sílaba". Juntos, los cubos de pigmentos formaban oraciones o "frases" que traducían diversas emociones. Este es un aspecto importante de la obra de Metzinger de este período, su obra protocubista , y un aspecto importante de toda la producción artística de Metzinger (como pintor, escritor, poeta y teórico). Antes de la llegada del cubismo, Metzinger combinó la teoría del color simbolista/neoimpresionista con la perspectiva de Cézann , más allá de las preocupaciones de Paul Signac y Henri-Edmond Cross , y también más allá de las preocupaciones de su entorno inmediato. [12]
"No pido a la pincelada dividida la reproducción objetiva de la luz, sino iridiscencias y ciertos aspectos del color todavía ajenos a la pintura. Hago una especie de versificación cromática y para las sílabas utilizo trazos que, variables en cantidad, no pueden diferir en dimensión sin modificar el ritmo de una fraseología pictórica destinada a traducir las diversas emociones que suscita la naturaleza." (Metzinger, 1907)
"Lo que Metzinger quiso decir", escribe el historiador de arte Robert L. Herbert, "es que cada pequeña pieza de pigmento tiene dos vidas: existe como un plano donde el mero tamaño y la dirección son fundamentales para el ritmo de la pintura y, en segundo lugar, también tiene un color que puede variar independientemente del tamaño y la ubicación". (Herbert, 1968) [3] [13]
Además, cada cuadrado individual de pigmento se asocia con otro de forma y color similares para formar un grupo; cada agrupación de colores se yuxtapone con una colección adyacente de colores diferentes; de la misma manera que las sílabas se combinan para formar oraciones, y las oraciones se combinan para formar párrafos, y así sucesivamente. Ahora, el mismo concepto que antes se relacionaba con el color se ha adaptado a la forma. Cada faceta individual asociada con otra forma adyacente forma un grupo; cada agrupación yuxtapuesta con una colección adyacente de facetas se conecta o se asocia con una organización mayor, de la misma manera que la asociación de sílabas se combina para formar oraciones, y las oraciones se combinan para formar párrafos, y así sucesivamente, formando lo que Metzinger describió como la "imagen total". [7] [12]
Robert Herbert escribe: "Los artistas de los años 1910-1914, entre ellos Mondrian y Kandinsky, así como los cubistas, se apoyaron en uno de sus principios centrales: que la línea y el color tienen la capacidad de comunicar ciertas emociones al observador, independientemente de la forma natural". Y continúa: "La teoría del color neoimpresionista tuvo un heredero importante en la persona de Robert Delaunay. Había sido neoimpresionista en el período fauve y conocía íntimamente los escritos de Signac y Henry. Sus famosos discos solares de 1912 y 1913 son descendientes de la concentración de los neoimpresionistas en la descomposición de la luz espectral". [12]
El apogeo de la obra neoimpresionista de Metzinger se produjo en 1906 y 1907, cuando él y Delaunay pintaron retratos uno del otro en prominentes rectángulos de pigmento. En el cielo del Coucher de soleil n.° 1 de Metzinger , 1906-1907 (Rijksmuseum Kröller-Müller), se encuentra el disco solar que Delaunay convertiría más tarde (durante sus fases cubista y orfista) en un emblema personal. [12]
La imagen vibrante del sol en la pintura de Metzinger, y también en Paysage au disque de Delaunay , "es un homenaje a la descomposición de la luz espectral que se encuentra en el corazón de la teoría del color neoimpresionista..." (Herbert, 1968) (Véase, Jean Metzinger, Rijksmuseum Kröller-Müller, Otterlo) [14]
Metzinger, seguido de cerca por Delaunay (los dos pintaron juntos a menudo en 1906 y 1907), desarrollarían un nuevo estilo de neoimpresionismo que incorporaba grandes pinceladas cúbicas dentro de composiciones altamente geometrizadas que tuvieron gran importancia poco después en el contexto de sus obras cubistas. Tanto Gino Severini como Piet Mondrian desarrollaron una técnica cubodivisionista similar al mosaico entre 1909 y 1911. Los futuristas posteriores (1911-1916) incorporarían el estilo, bajo la influencia de las obras parisinas de Gino Severini , en sus pinturas y esculturas "dinámicas". [12]
En el Salón de los Independientes de 1906, los miembros elegidos del comité de exposición incluyeron a Matisse, Signac y Metzinger. Después del Salón de Otoño de 1905, que marcó el comienzo del fauvismo, el Salón de los Independientes de 1906 marcó la primera vez que todos los fauvistas expondrían juntos. La pieza central de la exposición fue la monumental Le Bonheur de Vivre (La alegría de vivir) de Matisse . [15] La composición triangular está estrechamente relacionada con Las bañistas de Cézanne; una serie que pronto se convertiría en una fuente de inspiración para Les Demoiselles d'Avignon de Picasso . Los críticos se horrorizaron por la planitud, los colores brillantes, el estilo ecléctico y la técnica mixta de Le Bonheur de Vivre .
Tanto Robert Delaunay como Jean Metzinger pintaron entre 1905 y 1907 en un estilo divisionista con grandes cuadrados o planos rectangulares de color (véase también Dos desnudos en un paisaje exótico ). Al escribir sobre el Salón de los Independientes de 1906, el crítico de arte Louis Chassevent los diferenció de otros fauvistas y neoimpresionistas. Su uso del término "cubo" para describir su obra sería posteriormente retomado por Louis Vauxcelles para bautizar el cubismo. Chassevent escribe:
Al año siguiente, Metzinger y Delaunay, con quienes compartió una exposición en la galería de Berthe Weill en 1907, fueron señalados por Louis Vauxcelles como divisionistas que usaban grandes "cubos" tipo mosaico para construir composiciones pequeñas pero altamente simbólicas. [12] [17] [18]
Un año y medio después, en noviembre de 1908, Vauxcelles, en su breve reseña de la exposición de Georges Braque en la galería Kahnweiler , llamó a Braque un hombre atrevido que desprecia la forma, "reduciendo todo, lugares, figuras y casas, a esquemas geométricos, a cubos". [19]