June Claire Wayne (7 de marzo de 1918 – 23 de agosto de 2011) fue una pintora, grabadora, innovadora en tapices, educadora y activista estadounidense. Fundó Tamarind Lithography Workshop (1960-1970), una imprenta sin fines de lucro con sede en California dedicada a la litografía . [1]
Wayne nació en Chicago el 7 de marzo de 1918, hija de Dorothy Alice Kline y Albert Lavine, pero el matrimonio terminó poco después del nacimiento de Wayne y ella fue criada por su madre soltera y su abuela, [2] ambas refugiadas del violento antisemitismo y los pogromos de Bielorrusia y la Rusia Imperial . [3] Wayne tenía aspiraciones de ser artista y abandonó la escuela secundaria a la edad de quince años para perseguir este objetivo. [4] Aunque no tenía formación artística formal, comenzó a pintar y tuvo su primera exposición en la Boulevard Gallery de Chicago en 1935. [1] [2] A los diecisiete años, Wayne exhibió sus acuarelas bajo el nombre de June Claire. [5] Volvió a exhibir pinturas al óleo y acuarela al año siguiente por invitación del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México . [4] En 1938, fue empleada como artista para el WPA Easel Project en Chicago. [4]
En 1939, Wayne se mudó a la ciudad de Nueva York , donde se ganaba la vida como diseñadora de joyas durante el día y continuaba pintando en su tiempo libre. [4] Se casó con el cirujano de la Fuerza Aérea George Wayne en 1940, y en 1942 él fue enviado a servir en el teatro europeo de la Segunda Guerra Mundial . [6] Mientras su esposo estaba en Europa, Wayne se mudó primero a Los Ángeles y aprendió ilustración de producción en Caltech , donde recibió capacitación para trabajar convirtiendo planos en dibujos para la industria aeronáutica . [4] [5] Luego le ofrecieron un trabajo escribiendo programas de continuidad musical y bonos de guerra [7] para la estación de radio WGN en Chicago y se mudó allí. Regresó a Los Ángeles cuando su esposo regresó a los Estados Unidos desde el extranjero en 1944. [6] La pareja se divorció en 1960, pero la artista continuó usando "June Wayne" como su identidad profesional por el resto de su vida. [4] [5] [8]
Cuando terminó la Segunda Guerra Mundial , Wayne regresó a Los Ángeles y se convirtió en un miembro activo de la escena artística de California . Mientras continuaba pintando y exponiendo, comenzó a hacer litografía en 1948 en las instalaciones de Lynton Richards Kistler , produciendo inicialmente litografías basadas en sus pinturas y luego desarrollando nuevas imágenes. [6] En 1957, Wayne viajó a París para colaborar con el maestro impresor francés Marcel Durassier, quien fue el grabador de artistas como Pablo Picasso , Henri Matisse , Salvador Dalí , Marc Chagall y más, [9] primero en litografías que ilustraban los sonetos de amor del poeta inglés John Donne y luego en un libro de artista también basado en la poesía de Donne. [5] [6] "Su libro de artista "Canciones y sonetos", completado en diciembre de 1958, fue uno de los primeros en la tradición parisina en ser producido por un estadounidense, y mucho menos por una mujer estadounidense". [10] Wayne finalmente produjo 123 copias del libro terminado, una de las cuales despertó el interés de Wilson MacNeil "Mac" Lowry, director de los programas de artes y humanidades de la Fundación Ford . [6]
Cuando Wayne se reunió con Lowry en 1958, ella expresó su frustración por tener que viajar a Europa para encontrar colaboradores para sus proyectos de litografía, ya que en ese momento el grabado en los EE. UU. se asociaba más con los carteles que con las bellas artes. Lowry le sugirió que presentara una propuesta a la Fundación Ford en busca de fondos para revitalizar la litografía en los EE. UU. [4] [6] Con la ayuda de la fundación, Wayne abrió el Taller de Litografía Tamarind (llamado así por su ubicación en una calle de Hollywood) en 1960. [5] Wayne actuó como director, apoyado por el pintor y grabador Clinton Adams en el papel de director asociado y Garo Antreasian en el papel de impresor maestro y director técnico. [11]
El tamarindo inspiró un renacimiento [12] en la industria del grabado estadounidense y mundial. [13] Wayne insistió en el uso de papeles finos, ediciones pequeñas e integridad en la publicación, todo ello con la intención de afirmar que las impresiones eran una forma de bellas artes.
Los artistas fueron invitados a residencias de dos a tres meses en Tamarind, donde trabajarían con maestros impresores, tanto estadounidenses como europeos, para producir litografías. [6] Algunos artistas, como el primer artista en residencia de Tamarind, Romas Viesulas, ya tenían experiencia como impresores, mientras que otros que llegaron a Tamarind, como Josef y Anni Albers , Ruth Asawa , Bruce Conner , Richard Diebenkorn , Burhan Doğançay , John Dowell, [14] Claire Falkenstein , Sam Francis , Françoise Gilot , Philip Guston , Richard Hunt , Louise Nevelson , Ed Ruscha , Rufino Tamayo y Charles White , habían trabajado principalmente en otros medios. [5] [6] Tamarind Workshop era una institución educativa destinada a enseñar litografía a impresores y artistas estadounidenses. Wayne, muy consciente de la escasa representación de las mujeres y los afroamericanos en el mundo del arte, se propuso incluir a muchos de ellos en la lista de Tamarind, algo poco común en aquella época. La idea actual de la colaboración entre impresores y artistas estadounidenses comenzó con June Wayne en Tamarind Workshop. [15] En 1970, Wayne sintió que su misión estaba cumplida, renunció a su puesto de directora y organizó el traslado del taller a la Universidad de Nuevo México , donde, con el nombre de Tamarind Institute , continúa hasta hoy. [11]
“Mi método de trabajo es el método científico”, afirmaba June Wayne. “Ser artista es muy parecido a ser detective. La tarea del artista es siempre observar, digerir y comentar lo que está sucediendo. Lo hacemos tanto si somos conscientes de ello como si no. Mi modelo siempre ha sido Sherlock Holmes . Siempre me ha interesado el perro que no ladró durante la noche. ¿Qué significa una forma negativa? Quiero explorar aquello que no conoces”. [16]
"Los extraordinarios avances en la exploración espacial y la genética realizados a mediados del siglo XX fueron esenciales para el proceso artístico y el arte de Wayne, y su exploración de estos nuevos descubrimientos fue única. Su conocimiento científico provenía tanto de su lectura como de sus conexiones personales con científicos destacados. En la década de 1950 se hizo amiga de Harrison Brown , un físico nuclear que enseñaba en el Instituto de Tecnología de California . Le siguieron amistades o asociaciones con otros científicos, incluidos Richard Feynman , Jonas Salk , inventor de la vacuna contra la polio , y una serie de contactos en el Laboratorio de Propulsión a Chorro , que se convirtió en el centro mundial de la exploración espacial en la década de 1960". [17] “La artista deambula por aquellas áreas del pensamiento moderno donde se difuminan las diferencias entre arte y ciencia, arte y música, o arte y escritura. Aquí es donde es probable que ocurran las innovaciones conceptuales y técnicas de Wayne. Imagina los significados estéticos y las formas de las ideas, ya sea en la física cuántica, en las fugas o en las perturbaciones de la percepción debidas a las interferencias ópticas. También se siente estimulada por posibilidades estructurales tan distintas como las que se dan en la composición musical o en el diseño de puentes y aviones. La doble hélice del ADN en sí misma fue una fuente de inspiración para la creación de imágenes de Wayne durante varios años a principios de los años 1970. [18] “Representó los descubrimientos científicos de manera poética en lugar de ilustrativa […] reconociendo que una relación demasiado estrecha con los hechos funciona en contra de los potenciales metafísicos y estéticos” (Jay Belloli) [19]
En 1971, después de la transferencia del Taller de Litografía Tamarind a la Universidad de Nuevo México , Wayne viajó a Francia . Tenía profundos lazos con el país, habiendo creado su serie John Donne en los años 50 allí, y desarrolló amistades con maestros impresores como Marcel Durassier, quien fue el grabador de artistas como Picasso, Matisse, Dalí, Marc Chagall y más. [20] En busca de nuevos medios, y animado por su amiga Madeleine Jarry, Inspecteur Principal du Mobilier National et des Manufactures des Gobelins et de Beauvais , Wayne comenzó a diseñar tapices en Francia en la famosa fábrica Gobelins . [6] [21] “La participación de June Wayne en todos y cada uno de los aspectos del proceso del tapiz fue total, es decir, no solo entregó sus caricaturas de tamaño natural a uno de los tres estudios involucrados en la selección de los hilos de lana y su hilado. “También le preocupaban las decisiones sobre el grosor y el número de capas, así como las cuestiones relativas a la precisión de los matices y tonalidades a la hora de teñir los hilos, el juego de luces y sombras creado a través de las puntadas o puntos individuales y las intersecciones en las que interactuaban los hilos de urdimbre y trama. También hacía los dibujos a escala real, pegándolos sobre una sábana musulmana para que duraran más. Incluso después de haber decidido todos los aspectos, no desaparecía y dejaba a los tejedores solos. En cambio, volvía a menudo para comprobar su trabajo y asegurarse de que todo progresaba como ella lo había previsto”. [22]
Durante el tiempo que colaboró con los talleres franceses, Wayne creó doce imágenes de tapices, todas las cuales tenían menos de cuatro ejemplos, y algunas destruidas por no ser de su agrado. [23] En los diseños de tapices, Wayne continuó expresando su fascinación por las conexiones entre el arte, la ciencia y la política, a menudo creando diseños basados en imágenes que inicialmente había producido en otros medios. [6] Al usar tapices para transmitir temas contemporáneos, Wayne actuó característicamente como la "artista intrépida y multifacética que no aceptaba limitaciones y que se aventuraba hacia cualquier cosa que la intrigara, la fascinara o llamara su atención". (Christa C. Mayer Thurman, "June Wayne's Narrative Tapestries: Tidal Waves, DNA, and the Cosmos", The Art Institute of Chicago, 2010.) "Los tapices de June Wayne, magistrales en su concepción y extraordinarios en su refinada belleza y ejecución, representan sus décadas de investigación en la intersección del arte y la ciencia". James Cuno , como presidente y director del Art Institute of Chicago . [24] El curador Bernard Kester recogió las observaciones de Wayne sobre el tiempo: “Eligió el tapiz porque el elemento del tiempo contenido en el proceso de tejido es acumulativo y permanece implícito en el resultado. El tejido del tapiz es intensivo, rítmico y lento. En estas características, Wayne encontró una forma directa y apropiada por la que podía transmitir al espectador una sensación de paso del tiempo que es interna al proceso. Puede llevar al espectador más allá del tiempo real para leer ciertas obras a un ritmo acelerado, o para percibir otras en un tiempo cósmico extendido”. [25]
En 1984, Wayne volvió a la pintura, el medio con el que había comenzado su carrera en Chicago y Ciudad de México cuando era una joven artista. “En la serie Cognitos (más tarde conocida como el conjunto Djuna), pintó sobre lienzos preparados años antes por Douglass Howell , el consumado fabricante de papel, que construyó superficies gruesas y muy texturizadas a partir de mezclas de yeso, gelatina y papel; la mitad de ellas pintadas sobre pinturas ya existentes”. [26] En general, aluden a atmósferas y topografías planetarias, y a menudo eran monocromáticas. En cuanto a su uso frecuente del color negro, Wayne explicó: “Para mí, el negro es el color más noble. El negro permite que suceda cualquier cosa, y con imaginación. No participa de esos clichés terrenales sobre lo que significa el color: el rojo es sangre, el azul es cielo, el verde es tierra. Tales suposiciones sesgan la forma en que vemos el arte”. [27]
Wayne innovó aún más en el medio pictórico con su "Serie Quake" creada entre 1992 y 1995, explorando los eventos sísmicos que son parte de la vida del sur de California. Wayne ideó sus propias "superficies altamente texturizadas a partir de módulos de estireno utilizados para embalar cajas de envío, el omnipresente "maní" de poliestireno. Fácilmente cortados, moldeados, pegados y pintados, estos módulos le permitieron componer campos que combinan uniformidad y variedad. También continuaron su tradición de usar los objetos más comunes para lograr efectos estéticos poco comunes". Wayne utilizó materiales similares en lienzos posteriores, incluido "Propellar", el lienzo monumental en el que trabajó hasta su muerte en 2011. [28]
Wayne “estaba enfadada por la situación sexista en el mundo del arte: '¿Cuándo van a ser las mujeres sólo artistas en lugar de mujeres-artistas?' ”. [29] Esta convicción motivó la participación de Wayne en el movimiento de arte feminista en California en la década de 1970. Wayne concibió y enseñó una serie de seminarios de profesionalización titulados "Joan of Art" para mujeres jóvenes artistas a partir de 1971. [30] Los seminarios de Wayne cubrían varios temas relacionados con ser un artista profesional, como fijar precios por obra y acercarse a galerías, [31] e incluían juegos de roles y sesiones de debate. [30] También alentaban a devolver a la comunidad feminista, ya que las graduadas de los seminarios de Wayne debían enseñar los seminarios a otras mujeres. [30] La artista Faith Wilding escribió en 1977 que al entrevistar a muchas de las ex alumnas de Wayne, "todas coincidieron en que había marcado una enorme diferencia en sus vidas y carreras profesionales, que de hecho, había sido el punto de inflexión para algunas de ellas al dar el paso de aficionadas a profesionales". [30]
En 1972, Wayne encargó, y Tamarind Lithography Workshop publicó, "Sex Differentials in Art Exhibition Reviews: A Statistical Study" de Rosalie Braeutigam y Betty Fiske, un estudio que mostraba el alcance de la inequidad de género. [32] El estudio de 132 páginas investigó a través de datos empíricos el alcance de la inequidad que enfrentan las mujeres en las artes. Las publicaciones periódicas examinadas incluyeron New York Times , Los Angeles Times , San Francisco Chronicle , Artforum , ARTnews , Art in America y otras. La publicación causó un alboroto, un titular típico que decía "Ella dibuja cuentas en Artworld". Como afirmó Wayne: "En 1959, las mujeres artistas eran cubiertas por una línea de texto crítico por cada 10.000 líneas de los artistas masculinos. ARTnews dio el 99% de su cobertura a los hombres. Lo registramos en Tamarind. Las cosas no han cambiado mucho". [33]
Junto con otras artistas como Sheila Levrant de Bretteville , Ruth Weisberg y otras, Wayne fue miembro fundadora del Consejo de Mujeres en las Artes de Los Ángeles, que buscaba la representación equitativa de mujeres artistas en las exposiciones de los museos. [34] También formó parte del comité de selección de la exposición Contemporary Issues: Works on Paper by Women, que se inauguró en el Woman's Building de Los Ángeles en 1977 y presentó las obras de más de 200 mujeres artistas. [35]
Entre los alumnos de Wayne se encontraba Faith Bromberg , quien luego se involucraría en el movimiento artístico feminista. [36]
La obra de Mary Beth Edelson Some Living American Women Artists / Last Supper (1972) se apropió de La última cena de Leonardo da Vinci , con las cabezas de artistas mujeres notables unidas sobre las cabezas de Cristo y sus apóstoles; Wayne estaba entre esas artistas mujeres notables. Esta imagen, que aborda el papel de la iconografía religiosa e histórica del arte en la subordinación de las mujeres, se convirtió en "una de las imágenes más icónicas del movimiento artístico feminista ". [37] [38]
Desde muy joven, Wayne fue una defensora de la libertad de expresión y una oponente a la censura estatal. Después de que Joseph McCarthy fuera reelegido para el Senado de los Estados Unidos en 1952, el Ayuntamiento de Los Ángeles aprobó una resolución por 13 votos a 1 en la que se calificaba a los artistas modernos de “herramientas involuntarias del Kremlin ” . Wayne asistió a las reuniones del Ayuntamiento para oponerse a la resolución y a las acciones del grupo “Sanity in Art”. [39] En el mismo período, “la ciudad quería obligar a cualquiera que posara para una escuela de arte a demostrar que no era una prostituta”. [39] En 1990, Wayne ayudó a liderar la lucha contra los intentos en el Congreso del representante Philip Crane (Illinois) y otros de abolir el Fondo Nacional para las Artes . Como afirmó Wayne: “Los artistas somos contribuyentes. Tenemos derecho al debido proceso. Tenemos derecho a estar libres de difamación. Las artes de este país se encuentran entre los pocos flujos de efectivo positivos que tenemos en el comercio internacional. Y creo que eso es mucha rendición de cuentas”. [40]
El arte de Wayne se ha exhibido en todo el mundo, entre ellos:
La obra de June Wayne está bien representada en importantes museos y colecciones privadas de todo el mundo. Una lista parcial de las colecciones de museos incluye:
En 1982, Wayne fue una de las primeras receptoras del premio Vesta, un premio anual de nueva creación que el Los Angeles Woman's Building otorgaba a mujeres que habían hecho contribuciones sobresalientes a las artes. [60] En 1999, en el momento de su retrospectiva en LACMA, Wayne fue honrada por el Ayuntamiento de Los Ángeles con la proclamación oficial iniciada y patrocinada por el entonces concejal Joel Wachs . En la década de 1990, Wayne ganó el Premio Art Table por Contribuciones Profesionales a las Artes Visuales, el Premio del Foro Internacional de Mujeres para Mujeres que Marcan la Diferencia y los Premios a la Trayectoria tanto del Museo de Arte Neuberger como de LA ArtCore. [6] En 2003, fue honrada con el Premio Zimmerli a la trayectoria de la Asociación de Arte Universitario y en 2009 recibió premios de tres instituciones: la Fundación Pollock-Krasner , el Centro para el Estudio de Gráficos Políticos y la Escuela de Bellas Artes Roski de la Universidad del Sur de California , así como elogios de la Ciudad de West Hollywood y el Condado de Los Ángeles . [6] Recibió doctorados honorarios de la Escuela de Diseño de Rhode Island , el Moore College of Art and Design , el California College of Arts and Crafts y el Atlanta College of Fine Arts. [4] El 4 de abril de 2011, fue nombrada Chevalier de L'Ordre des Arts et des Lettres por el entonces Ministro de Cultura de Francia, Frédéric Mitterrand . En 2018, en el centenario de su nacimiento, Wayne fue honrada por el Ayuntamiento de Los Ángeles con una proclamación oficial.
A pesar de una década de batalla contra el cáncer, Wayne continuó trabajando activamente en su estudio de arte de Tamarind hasta los noventa años. Entre sus proyectos se encontraba la monumental pintura de estireno “Propellar”, que encarnaba muchas de sus ideas sobre el movimiento, la óptica y el cosmos. [61] En 2002, Wayne se convirtió en profesora de investigación en el Centro Rutgers para la Impresión y el Papel Innovadores . [62] Wayne también donó un grupo de más de 3.300 impresiones, tanto de su trabajo como de otros artistas, al Centro Rutgers para la Impresión y el Papel Innovadores, que estableció el Centro de Estudios y Archivo June Wayne para albergar la colección. [62]
Los amigos y coleccionistas más cercanos de June Wayne en Los Ángeles se reunieron en 1988 para "June in June", un almuerzo por su 80.° cumpleaños en honor a June Wayne. Asistieron David Hockney , Wallis Annenberg y un total de 70 celebrantes. El evento, organizado por Robert y Barbara Barrett [63], se organizó para honrar a Wayne y recaudar fondos para comprar obras de June Wayne para la colección del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles . [64] Diez años después, el LACMA reconocería la amplitud de su trabajo con una retrospectiva. [65] A los 92 años, Wayne asistió a "June Wayne's Narrative Tapestries: Tidal, DNA, and the Cosmos", que se celebró en el Art Institute of Chicago en 2010.
Wayne murió en su estudio de Tamarind Avenue en Hollywood el 23 de agosto de 2011, con su hija y su nieta a su lado. [6] [66]
