Las Grand Central Art Galleries fueron el espacio administrativo y de exhibición de la Asociación de Galerías de Pintores y Escultores, una cooperativa de artistas sin fines de lucro establecida en 1922 por Walter Leighton Clark junto con John Singer Sargent , Edmund Greacen y otros. [1] Entre los artistas estrechamente asociados con las Grand Central Art Galleries se encontraban Hovsep Pushman , George de Forest Brush y, especialmente, Sargent, cuya muestra póstuma tuvo lugar allí en 1928. [2]
Las Galerías estuvieron activas desde 1923 hasta 1994. [3] Durante 29 años estuvieron ubicadas en el sexto piso de Grand Central Terminal . En su apertura en 1923, las Galerías cubrían 14.000 pies cuadrados (1.300 m2 ) y ofrecían nueve áreas de exhibición y una sala de recepción, [4] descrita como "la galería de ventas de arte más grande del mundo". [5] En 1958 las Galerías se mudaron al segundo piso del Hotel Biltmore , donde tenían seis salas de exhibición y una oficina. [6] Permanecieron en el Biltmore durante 23 años, hasta que se convirtió en un edificio de oficinas. [7] Las Galerías luego se mudaron al 24 West 57th Street, donde permanecieron hasta que cesaron su actividad. [8]
Además de sus oficinas principales, las Grand Central Art Galleries dirigían una serie de otras empresas. Lanzaron la Grand Central School of Art en 1923, abrieron una galería sucursal en la Quinta Avenida y la calle 51 en 1933, [9] y en 1947 establecieron Grand Central Moderns [10] para mostrar obras no figurativas. Las Grand Central Art Galleries también fueron responsables de la creación, el diseño y la construcción del Pabellón de los Estados Unidos en la Bienal de Venecia . [11]
La Asociación de Galerías de Pintores y Escultores fue fundada en 1922 por Walter Leighton Clark junto con John Singer Sargent , Edmund Greacen y otros. Como se indica en el catálogo de las Galerías de 1934, su objetivo era "dar un campo más amplio al arte estadounidense; exponer de una manera más amplia a un público más numeroso, no solo en Nueva York sino en todo el país, mostrando así al mundo el valor inherente que nuestro arte sin duda posee". [9]
Los fundadores imaginaron una organización cooperativa sin fines de lucro, pero firmemente sustentada en los mejores principios empresariales [12]. A Greacen, un artista, se le atribuye haber sugerido la estructura financiera de las Galerías: los artistas que deseaban unirse debían donar una obra de arte cada año durante tres años como cuota de iniciación, después de lo cual se convertían en miembros vitalicios. Los no artistas (denominados "miembros laicos") accedían a donar una suma de dinero (inicialmente 600 dólares, el equivalente a 7.500 dólares en 2008) para comprar una de las obras donadas, pero sólo estaba disponible después del primer año. Como escribió Clark: "La belleza de este plan de operaciones es que logra resultados de una manera práctica y está libre del aguijón de la caridad porque los artistas están financiando realmente su propia organización". [9] El interés inicial fue fuerte, y muchos artistas y miembros laicos se unieron a la nueva organización. "Teníamos más de cien nombres en cada una de las listas anteriores", escribió Clark. [9]
La junta directiva original estaba formada por Walter Sherman Gifford ; el arquitecto de las galerías, William Adams Delano ; Robert W. DeForest , presidente del Museo Metropolitano de Arte; Frank Logan, vicepresidente del Instituto de Arte de Chicago; [13] Irving T. Bush , presidente de la Bush Terminal Company ; y el artista y empresario Walter Leighton Clark . Los estatutos y reglamentos de la asociación fueron escritos por Gifford y John G. Agar , presidente del National Arts Club . [14] Clark fue elegido presidente, DeForest vicepresidente y Gifford se convirtió en secretario y tesorero. Erwin S. Barrie , gerente de la colección de arte de Carson Pirie Scott , fue contratado como director. [15]
La junta buscó una ubicación en Manhattan que fuera central y de fácil acceso. Gracias al apoyo de Alfred Holland Smith , presidente de la New York Central Railroad , se puso a disposición la parte superior de la Grand Central Terminal . La dirección oficial era 15 Vanderbilt Avenue. La Asociación de Galerías de Pintores y Escultores firmó un contrato de arrendamiento de 10 años, [9] y junto con la compañía ferroviaria, invirtió más de $100,000 en preparativos. [5] Las galerías se extendían por la mayor parte del sexto piso de la terminal, 14,000 pies cuadrados (1,300 m 2 ), y ofrecían ocho salas de exhibición principales, una galería de vestíbulo y un área de recepción. [4] Se crearían un total de 20 salas de exhibición para lo que se pretendía que fuera "la galería de ventas de arte más grande del mundo". [5] El arquitecto fue Delano, mejor conocido por diseñar el Sterling Quadrangle de la Yale Divinity School .
Las Grand Central Art Galleries se inauguraron oficialmente el 23 de marzo de 1923. [4] El evento contó con pinturas de Sargent, Charles W. Hawthorne , Cecilia Beaux , Wayman Adams y Ernest Ipsen . Entre los escultores se encontraban Daniel Chester French , Herbert Adams , Robert Aitken , Gutzon Borglum y Frederic MacMonnies , que mostró una fuente, El niño y el pez. [4] El evento de gala atrajo a 5000 personas y recibió una crítica positiva de The New York Times :
"La exposición inicial, vista por sí misma, es una belleza. Todos los artistas parecen haber comprendido que es una ocasión para mostrar sus mejores obras, y sus mejores obras no podrían mostrarse de forma más favorable al público. Ni siquiera las galerías de los museos más nuevos son tan favorables". [4]
En consonancia con la concepción de los fundadores de las Galerías como una organización comercial y artística, la mayoría de las obras expuestas estaban a la venta. Los precios oscilaban entre 100 y 10.000 dólares, siendo la más cara la de Hawthorne; la contribución de Sargent se valoró en 5.000 dólares. En 1934, Clark estimó que las ventas eran de entre 500.000 y 600.000 dólares al año. Las ventas totales hasta ese año fueron de aproximadamente 4.000.000 de dólares. Dos tercios de las ganancias de las ventas comerciales se distribuyeron entre los artistas. [9]
Las Grand Central Art Galleries se fundaron sobre la idea de una relación respetuosa y mutuamente beneficiosa entre los artistas y los interesados en el arte. Los miembros artistas donaban una obra al año durante tres años como cuota de iniciación; los miembros laicos donaban una suma anual a cambio de una obra de arte después del primer año de membresía. Las obras donadas por los artistas se distribuían entre los miembros laicos en un sorteo anual. Un catálogo anual indicaba las obras que se distribuirían en un sorteo y una recepción en la galería.
Como se describe en el catálogo de 1934, el procedimiento fue el siguiente:
“[El sorteo] se realizará colocando el nombre de cada miembro laico en una hoja de papel dentro de un frasco sellado que se agitará vigorosamente. Luego, ante toda la audiencia, se romperá el sello y un niño sacará los nombres, uno a la vez, y se leerán en voz alta y se anotarán en una lista. El primer nombre sacado tendrá la primera opción de todas las obras de arte aportadas. El segundo nombre sacado tendrá la libertad de elegir después de que el número uno haya hecho su selección y el tercer nombre tendrá entonces el privilegio de hacer su elección entre todas las obras que queden, y así sucesivamente hasta el último nombre.” [9]
Las obras disponibles se expusieron antes del sorteo y se pidió a los miembros no profesionales que "hicieran una lista de treinta opciones, ordenándolas según su preferencia". Esta preselección permitiría anunciar las pinturas premiadas la noche del sorteo. Debido a la amplia gama de obras que se ofrecían, el sorteo -y, en particular, una selección temprana- era importante.
Un año después de la apertura de las galerías, la Asociación de Galerías de Pintores y Escultores estableció la Grand Central School of Art , que ocupaba 7000 pies cuadrados (650 m² ) en el séptimo piso del ala este de la Grand Central Terminal . La escuela estaba dirigida por John Singer Sargent y Daniel Chester French ; sus profesores de primer año incluyeron a los pintores Edmund Greacen , Wayman Adams, Jonas Lie , George Elmer Browne, Nicolai Fechin y Sigurd Skou; el escultor Chester Beach ; el ilustrador Dean Cornwell ; la diseñadora de vestuario Helen Dryden ; George Pearse Ennis, que trabajó en vidrieras y acuarelas; y el muralista Ezra Winter . [21] [22]
En su primer año, la escuela contaba con más de 400 alumnos matriculados, cifra que pronto aumentó a 900, convirtiéndose en uno de los programas de arte más importantes de la ciudad de Nueva York. En 1925, Edmund Greacen contrató como instructor a Arshile Gorky , uno de los profesores más destacados de la escuela, quien permaneció en ella hasta 1931. [23] Estuvo en funcionamiento durante casi 20 años, incluido un programa de verano en Maine, que cerró en 1944.
A lo largo de su historia, las Grand Central Art Galleries organizaban regularmente exposiciones grandes y pequeñas. Ya fueran gratuitas o con entrada de pago, ayudaban a dar publicidad a las galerías y a promover la causa de las artes que defendían.
¡Qué semana ha sido la de las Grand Central Galleries, con treinta y tres "radicales" de la Downtown Gallery ocupando "una manzana entera de la ciudad", y los agregados de la Grand Central yendo de puntillas, por así decirlo, alegremente, exclamando tácitamente: "¡Nos sentimos realmente diabólicos por estar haciendo una cosa así!" y el señor Clark , el presidente, todo sonrisas, observando con bastante franqueza: "¡Vaya, es un éxito, es un éxito!" y Holger Cahill dando una conferencia informal de última hora a los vendedores sobre "cómo vender arte moderno", y casi una docena de cuadros vendidos el día de la inauguración, y coleccionistas estadounidenses importantes presentes que probablemente nunca hasta ese momento habían puesto un pie en las instalaciones, y para la recepción del lunes se sacó la mejor porcelana de la galería, y se sirvió té en cantidades que rara vez son exigentes, y platos apilados de los tipos de pastel más especiales, y todo el mundo tratando, generalmente en vano, de ver el arte por encima de un mar de hombros calibaneses . [42]
"Por fin se están empezando a hacer cosas a lo grande aquí", escribió Jewell más tarde en la reseña de "33 Moderns", que estaba previsto que se exhibiera durante tres semanas en las Galerías. [42]
Las galerías también organizaban exposiciones itinerantes en "todas las principales ciudades estadounidenses" para promover y vender las obras de sus miembros artistas. Si bien esta práctica declinó a fines de la década de 1940, cuando el sistema ferroviario de los Estados Unidos se desmanteló progresivamente y los costos de envío aumentaron, continuó hasta al menos la década de 1980. [56] Durante la era de los barcos de vapor, las galerías también colocaron obras en transatlánticos y barcos que pasaban por el Canal de Panamá. "Como alguien ha señalado, estas son exposiciones a las que la gente asiste sin querer", escribió Clark en 1934. [9] Entre otros lugares, se mantuvo una exhibición permanente de obras en el Hotel Boca Raton. [57]
Después de haber trabajado incansablemente para promover el arte estadounidense en su país durante la década de 1920, en 1930 Walter Leighton Clark y las Grand Central Art Galleries encabezaron la creación del Pabellón de los Estados Unidos en la Bienal de Venecia . [58] Hasta entonces no había ningún lugar en la Bienal dedicado al arte estadounidense, y Clark sintió que era crucial para establecer las credenciales de los artistas de la nación en el extranjero. [59] Los arquitectos del pabellón fueron William Adams Delano , quien también diseñó las Grand Central Art Galleries, y Chester Holmes Aldrich . La compra del terreno, el diseño y la construcción fueron pagados por las Galerías y supervisados personalmente por Clark. Como escribió en el catálogo de 1934:
"En pos de nuestro objetivo de poner el arte americano en un lugar destacado ante el mundo, los directores destinaron hace unos años la suma de 25.000 dólares para la construcción de un edificio de exposiciones en Venecia, en el terreno de la Bienal Internacional. Los señores Delano y Aldrich donaron generosamente los planos de este edificio, construido con mármol de Istria y ladrillo rosa, que está a la altura de los otros veinticinco edificios del parque, propiedad de los distintos gobiernos europeos". [9]
El pabellón, propiedad de las Galerías y operado por ellas, abrió sus puertas el 4 de mayo de 1930. Clark seleccionó aproximadamente 90 pinturas y 12 esculturas para ser exhibidas en la exposición inaugural. Entre los artistas que participaron se encontraban Max Boehm , Hector Caser, Lillian Westcott Hale, Edward Hopper , Abraham Poole, Julius Rolshoven , Joseph Pollett, Eugene Savage , Elmer Shofeld, Ofelia Keelan y el artista afroamericano Henry Tanner . El embajador de los Estados Unidos, John W. Garrett, inauguró la muestra junto con el duque de Bérgamo. [11]
Las Grand Central Galleries no participaron en la Bienal de 1936 como protesta por el ascenso del fascismo en Italia. [60] En 1948, tras el fin de la guerra, las Galerías enviaron 79 pinturas a Venecia. [61] Gestionaron el pabellón hasta la década de 1950, invitando a organizaciones como el Museo de Arte Moderno y el Museo Whitney de Arte Americano a presentar exposiciones. [59]
Las Galerías habían construido el pabellón con la esperanza de que, al igual que los otros edificios de la Bienal de Venecia, con el tiempo sería administrado por la nación cuyo arte exhibiera. Sin embargo, el apoyo del gobierno de los EE. UU. no llegó y en 1954 las Galerías vendieron el pabellón al Museo de Arte Moderno . A lo largo de las décadas de 1950 y 1960, las exposiciones fueron organizadas por el Modern, el Art Institute of Chicago y el Baltimore Museum of Art . El Modern se retiró de la Bienal en 1964, y la Agencia de Información de los Estados Unidos administró el Pabellón hasta 1983, cuando fue vendido al Museo Guggenheim cortesía de fondos proporcionados por la Colección Peggy Guggenheim . [62] En 2009, el Guggenheim vendió el Pabellón al Museo de Arte de Filadelfia .
En 1933, las Grand Central Art Galleries abrieron una segunda sucursal en la Quinta Avenida y la calle 51 en el antiguo edificio del Union Club de la ciudad de Nueva York . La expansión fue posible gracias a Jeremiah Milbank, propietario del inmueble en ese momento. [9] Como escribió Clark:
"Estas hermosas galerías nuevas, con sus numerosos escaparates en la Quinta Avenida y en la calle 51, han presentado durante los últimos ocho meses un panorama en constante cambio del arte estadounidense, que ha sido visto por más de cien mil personas diariamente. Un buen número de pinturas y bronces han sido adquiridos por nuevos clientes."
El antiguo edificio del Union Club se utilizó durante seis años, hasta 1939, cuando la "división de la zona alta" de las Galerías se trasladó al segundo piso del Hotel Gotham en la Quinta Avenida. En la inauguración del nuevo local el 9 de diciembre se exhibieron las obras de ochenta artistas, entre ellos las de Eugene Higgins, Wayman Adams, John Johansen , Albert Sterner , Sidney Dickenson, Carl Rungius , Randall Davey , John Follinsbee, Robert Brackman , Robert Philipp y Leopold Seyffert . [63]
Para mostrar arte moderno, en 1947 las Grand Central Art Galleries fundaron Grand Central Moderns. Fundada por Erwin S. Barrie , [64] fue dirigida desde 1951 hasta 1965 por Colette Roberts. [65] [66] Después de que la galería "vagara por varios años", se estableció en 130 East 56th Street [10] en 1950. Los artistas representados por Grand Central Moderns incluyeron a Byron Browne, Lamar Dodd , Jennett Lam y Louise Nevelson . Grand Central Moderns cerró en 1967.
Aunque se fundaron durante el boom de la década de 1920, las Grand Central Art Galleries se estructuraron de forma que pudieran soportar las crisis económicas. Se previeron tres fuentes de financiación: las cuotas de los miembros, que en los primeros años proporcionaban la mayor parte de los ingresos; las comisiones de venta; y los ingresos procedentes de la venta de entradas. Los ingresos que quedaban después de los gastos se salvaguardaban en un "fondo de amortización" (reserva) gestionado de forma conservadora que establecieron los fundadores. Esta estrategia funcionó bien para la galería, pero cinco años después de la Depresión, la dirección de las galerías sintió la necesidad de tomar medidas extraordinarias:
"Aunque la cuota de suscripción para miembros laicos ha sido de $600 anuales durante los diez años de existencia de las Galerías, la administración consideró necesario reducir esta suscripción a $350 para 1933 y 1934, e invitamos urgentemente a aquellos interesados en el arte y los artistas estadounidenses a hacerse miembros para este año sobre esta nueva base". [9]
La prosperidad regresó a las Galerías a medida que los efectos de la Depresión disminuyeron: para 1936, su membresía laica había regresado a 115, más del doble de lo que habían tenido en cualquier año desde 1929. [19] Sin embargo, el tiempo trajo nuevos desafíos: Walter Leighton Clark había muerto en 1935, [67] y Greacen lo siguió en 1949. Con el declive del tráfico ferroviario después de la Segunda Guerra Mundial , el Ferrocarril Central de Nueva York buscó maximizar el valor del terreno en el que se encontraba Grand Central Terminal . En 1954, el desarrollador William Zeckendorf propuso reemplazar la terminal con una torre de 80 pisos diseñada por IM Pei . Si bien este plan no llegó a nada, en 1958 la compañía firmó un acuerdo con el desarrollador Erwin S. Wolfson para demoler el edificio de seis pisos con columnas en el extremo norte de la terminal y construir el Edificio Pan Am de 59 pisos en su lugar. [68] La decisión expulsó a las Grand Central Art Galleries de la terminal de la que habían tomado su nombre.
Erwin S. Barrie , que había sido director de las Galerías desde su fundación en 1922, supervisó su traslado en 1958 al cercano Hotel Biltmore , en el 40 de la Avenida Vanderbilt. La nueva ubicación, en el segundo piso del hotel, ofrecía seis salas de exposición, una sala de almacenamiento de reserva y una oficina. [6] En 1977, después de 19 años en el Biltmore, se realizó una subasta de 500 lotes de obras de arte no reclamadas donadas por los miembros a lo largo de los años. Las obras se exhibieron durante dos días y luego se vendieron para beneficiar al programa de membresía de artistas. [69] Las Galerías permanecieron en el Biltmore durante 23 años, hasta que la estructura fue destripada y convertida en un edificio de oficinas. [7] La muestra final fue " Anita Loos and Friends". Al describir el final del Biltmore y la muestra final de las Galerías de Arte Grand Central allí, John Russell de The New York Times escribió:
"Desde que Sansón derribó el gran templo de Gaza, casi nunca ha desaparecido un edificio tan rápidamente como el Hotel Biltmore. Pero la gente ha demostrado una persistencia poco común en los últimos dos días abriéndose paso a empujones por las escaleras de la entrada de la Avenida Vanderbilt, donde las Grand Central Galleries se han mantenido firmes." [70]
Barrie se jubiló en 1975, tras haber dirigido las Galerías durante más de 50 años, y Gerry Thomas asumió temporalmente el cargo de gerente. En 1976, James D. Cox se convirtió en director, solo el segundo en la historia de las Galerías. [57] [71] Cox dirigió su segunda reubicación, esta vez al 24 West 57th Street. [8] Allí, las Galerías tenían todo el segundo piso, 9000 pies cuadrados (840 m2 ) , que se extendía desde la calle 57 hasta la 56. La entrada en la calle 57 tenía una escalera mecánica, mientras que la de la 56 estaba al nivel de la calle. Allí, Cox trabajó para ajustar el enfoque de las Galerías a los tiempos, organizando exposiciones como "La Femme: The Influence of Whistler and Japanese Print Masters on American Art, 1880-1917". [52]
James D. Cox abandonó las Grand Central Art Galleries en diciembre de 1989. Después de su marcha, las galerías quedaron gestionadas por John Evans, un antiguo vendedor, hasta que cerraron en 1994. [3]
Los archivos de las Galerías, así como los de Edmund Greacen, se encuentran en los Archivos Smithsonian de Arte Americano. [72] [73] Los archivos de los Grand Central Moderns se encuentran en la Universidad de Syracuse [74] y en el Smithsonian. [64] Los archivos de la firma de William Adams Delano y Chester Holmes Aldrich se conservan en el Departamento de Dibujos y Archivos de la Biblioteca de Arquitectura y Bellas Artes Avery de la Universidad de Columbia ; la Biblioteca de Arquitectura y Bellas Artes Avery de la universidad también tiene una importante colección de correspondencia de Chester Holmes Aldrich .
Durante su funcionamiento, The New York Times y otras publicaciones solían referirse incorrectamente a las Grand Central Art Galleries como "Grand Central Galleries", "Grand Central Gallery" y "Grand Central Art Gallery". Las búsquedas en los archivos del Times revelarán muchas noticias, eventos y exposiciones que figuran bajo esos nombres. Tenga en cuenta que la "Grand Central Gallery" en Palm Beach, Florida, y el " Grand Central Art Center " en Fullerton, California, no tienen relación con las Grand Central Art Galleries, pasadas o presentes.
40°45′10″N 73°58′36″O / 40.7528, -73.9768