Las Grand Central Art Galleries eran el espacio administrativo y de exposición de la Asociación de Galerías de Pintores y Escultores, una organización sin fines de lucro, una cooperativa de artistas establecida en 1922 por Walter Leighton Clark junto con John Singer Sargent , Edmund Greacen y otros. [1] Los artistas estrechamente asociados con las Grand Central Art Galleries incluyeron a Hovsep Pushman , George de Forest Brush y especialmente Sargent, cuya exposición póstuma tuvo lugar allí en 1928. [2]
Las Galerías estuvieron activas desde 1923 hasta 1994. [3] Durante 29 años estuvieron ubicadas en el sexto piso de Grand Central Terminal . En su inauguración en 1923, las galerías cubrían 14.000 pies cuadrados (1.300 m 2 ) y ofrecían nueve áreas de exposición y una sala de recepción, [4] descrita como "la galería de arte de ventas más grande del mundo". [5] En 1958 las Galerías se trasladaron al segundo piso del Hotel Biltmore , donde contaban con seis salas de exposición y una oficina. [6] Permanecieron en el Biltmore durante 23 años, hasta que se convirtió en un edificio de oficinas. [7] Las Galerías luego se trasladaron al 24 West 57th Street, donde permanecieron hasta que cesaron su actividad. [8]
Además de sus oficinas principales, Grand Central Art Galleries dirigía otras empresas. Lanzaron la Grand Central School of Art en 1923, abrieron una galería sucursal en la Quinta Avenida y la calle 51 en 1933, [9] y en 1947 establecieron Grand Central Moderns [10] para mostrar obras no figurativas. Las Grand Central Art Galleries también fueron responsables de la creación, diseño y construcción del Pabellón de Estados Unidos en la Bienal de Venecia . [11]
La Asociación de Galerías de Pintores y Escultores fue fundada en 1922 por Walter Leighton Clark junto con John Singer Sargent , Edmund Greacen y otros. Como se indica en el catálogo de las Galerías de 1934, su objetivo era "dar un campo más amplio al arte estadounidense; exhibir de manera más amplia a un público más numeroso, no sólo en Nueva York sino en todo el país, mostrando así al mundo la valor inherente que sin duda posee nuestro arte." [9]
Los fundadores imaginaron una organización cooperativa sin fines de lucro, pero firmemente respaldada por los mejores principios comerciales [12]. A Greacen, un artista, se le atribuye haber sugerido la estructura financiera de las Galerías: los artistas que deseaban unirse debían donar una obra de arte. cada año durante tres años como cuota de iniciación, después de lo cual se convirtieron en miembros vitalicios. Los no artistas (denominados "miembros laicos") acordaron donar una suma de dinero (inicialmente 600 dólares, el equivalente a 7.500 dólares en 2008) para comprar una de las obras donadas, pero sólo estará disponible después del primer año. Como escribió Clark: "La belleza de este plan de operación es que logra resultados de manera práctica y está libre del aguijón de la caridad porque los artistas en realidad están financiando su propia organización". [9] El interés inicial fue fuerte, y muchos artistas y miembros laicos se unieron a la nueva organización. "Teníamos más de cien nombres en cada una de las listas anteriores", escribió Clark. [9]
El consejo de administración original estaba formado por Walter Sherman Gifford ; el arquitecto de las galerías, William Adams Delano ; Robert W. DeForest , presidente del Museo Metropolitano de Arte; Frank Logan, vicepresidente del Art Institute of Chicago; [13] Irving T. Bush , presidente de Bush Terminal Company ; y el artista y empresario Walter Leighton Clark . Los estatutos y estatutos de la asociación fueron escritos por Gifford y John G. Agar , presidente del National Arts Club . [14] Clark fue elegido presidente, DeForest vicepresidente y Gifford se convirtió en secretario y tesorero. Erwin S. Barrie , director de la colección de arte de Carson Pirie Scott , fue contratado como director. [15]
La junta buscó una ubicación en Manhattan que fuera central y de fácil acceso. Gracias al apoyo de Alfred Holland Smith , presidente del Ferrocarril Central de Nueva York , la parte superior de la Grand Central Terminal estuvo disponible. La dirección oficial era 15 Vanderbilt Avenue. La Asociación de Pintores y Escultores de la Galería firmó un contrato de arrendamiento por 10 años [9] y, junto con la compañía ferroviaria, invirtió más de 100.000 dólares en los preparativos. [5] Las galerías se extendían sobre la mayor parte del sexto piso de la terminal, 14.000 pies cuadrados (1.300 m 2 ), y ofrecían ocho salas de exposición principales, una galería de vestíbulo y un área de recepción. [4] En total se crearon 20 salas de exposición para lo que debía ser "la galería de arte más grande del mundo". [5] El arquitecto fue Delano, mejor conocido por diseñar el Sterling Quadrangle de Yale Divinity School .
Las Grand Central Art Galleries se inauguraron oficialmente el 23 de marzo de 1923. [4] El evento contó con pinturas de Sargent, Charles W. Hawthorne , Cecilia Beaux , Wayman Adams y Ernest Ipsen . Los escultores incluyeron a Daniel Chester French , Herbert Adams , Robert Aitken , Gutzon Borglum y Frederic MacMonnies , quienes mostraron una fuente, El niño y el pez. [4] El evento de gala atrajo a 5.000 personas y recibió una crítica positiva del New York Times :
"La exposición inicial, vista por sí misma, es una belleza. Cada artista parece haberse dado cuenta de que es una ocasión para presentar su mejor trabajo, y su mejor trabajo no podría mostrarse más favorablemente al público. Incluso las galerías Los museos más nuevos no son tan favorables." [4]
De acuerdo con la concepción de los fundadores de las Galerías como una organización comercial y artística, la mayoría de las obras expuestas estaban a la venta. Los precios oscilaban entre 100 y 10.000 dólares, siendo el más caro el de Hawthorne; La contribución de Sargent fue valorada en 5.000 dólares. En 1934, Clark estimó que las ventas oscilaban entre 500.000 y 600.000 dólares al año. Las ventas totales hasta ese año fueron de aproximadamente $4.000.000. Dos tercios de los ingresos de las ventas comerciales se distribuyeron entre artistas. [9]
Las Grand Central Art Galleries se fundaron con la idea de una relación respetuosa y mutuamente beneficiosa entre los artistas y aquellos interesados en el arte. Los miembros artistas donaron una obra al año durante tres años como cuota de iniciación; Los miembros laicos daban una suma anual a cambio de una obra de arte después del primer año de membresía. Las obras donadas por los artistas se distribuyeron entre los miembros laicos en un sorteo anual. Un catálogo anual indicaba las obras que se distribuirían en un sorteo y recepción en la galería.
Según se describe en el catálogo de 1934, el procedimiento fue el siguiente:
"[El sorteo] se realizará colocando el nombre de cada miembro laico en un trozo de papel dentro de un frasco sellado que se agitará bien. Luego, ante todo el público, se romperá el sello y un niño dibujará los nombres, uno a la vez, y se leerán en voz alta y se anotarán en una lista. El primer nombre sorteado tendrá la primera opción entre todas las obras de arte aportadas. El segundo nombre sorteado tendrá libre elección después de que el número uno haya hecho su selección y el El tercer nombre tendrá entonces el privilegio de hacer su elección entre todas las obras que queden, y así sucesivamente hasta el apellido." [9]
Las obras disponibles se exhibieron antes del sorteo y se pidió a los miembros no profesionales que "hicieran una lista de treinta opciones, organizándolas en el orden de su preferencia". Esta preselección permitiría anunciar los cuadros premiados la noche del sorteo. Debido a la amplia gama de obras que se ofrecían, el dibujo (y, en particular, una selección temprana) era importante.
Un año después de la apertura de las galerías, la Asociación de Galerías de Pintores y Escultores estableció la Escuela de Arte Grand Central , que ocupaba 7.000 pies cuadrados (650 m 2 ) en el séptimo piso del ala este de la Grand Central Terminal . La escuela fue dirigida por John Singer Sargent y Daniel Chester French ; sus profesores de primer año incluyeron a los pintores Edmund Greacen , Wayman Adams, Jonas Lie , George Elmer Browne, Nicolai Fechin y Sigurd Skou; el escultor Chester Beach ; el ilustrador Dean Cornwell ; la diseñadora de vestuario Helen Dryden ; George Pearse Ennis, que trabajó en vidrieras y acuarelas; y el muralista Ezra Winter . [21] [22]
La escuela inscribió a más de 400 estudiantes en su primer año; pronto creció a 900, lo que lo convirtió en uno de los programas de arte más grandes de la ciudad de Nueva York. En 1925, Edmund Greacen contrató como instructor a Arshile Gorky , uno de los profesores más destacados de la escuela; permaneció en la escuela hasta 1931. [23] Estuvo en funcionamiento durante casi 20 años, incluido un programa de verano en Maine, que cerró en 1944.
A lo largo de su historia, las Grand Central Art Galleries realizaron regularmente exposiciones grandes y pequeñas. Ya sea que los eventos fueran gratuitos o la entrada fuera de pago, ayudaron a dar a conocer las galerías y a promover la causa de las artes que defendían.
Qué semana ha sido en las Grand Central Galleries, con treinta y tres "radicales" de la Downtown Gallery ocupando "una manzana entera" y los agregados de Grand Central andando, por así decirlo, alegremente de puntillas, exclamando tácitamente: " ¡Nos sentimos realmente diabólicos al hacer algo como esto!". y el señor Clark , el presidente, sonríe y observa abiertamente: "¡Vaya, es un éxito, es un éxito!". y Holger Cahill dando una conferencia informal de última hora a los vendedores sobre "cómo vender arte moderno", y casi una docena de cuadros vendidos el día de la inauguración, e importantes coleccionistas estadounidenses presentes que probablemente hasta ese momento nunca habían puesto un pie en el local. , y para la recepción del lunes se sacó la mejor porcelana de la galería, se sirvió té en cantidades que rara vez son exigentes, y platos llenos de los tipos de pastel más especiales, y todo el mundo intentó, generalmente en vano, ver el arte durante un Caliban mar de hombros. [42]
"Por fin las cosas están empezando a hacerse a lo grande aquí", escribió Jewell más tarde en la reseña de "33 Moderns", que estaba programada para exhibirse durante tres semanas en las Galerías. [42]
Las Galerías también organizaron espectáculos itinerantes en "todas las principales ciudades estadounidenses" para promover y vender el trabajo de sus artistas miembros. Si bien esta práctica disminuyó a finales de la década de 1940 a medida que el sistema ferroviario de los Estados Unidos fue desmantelado progresivamente y los costos de envío aumentaron, continuó al menos hasta la década de 1980. [56] Durante la era de los barcos de vapor, las Galerías también colocaron obras en transatlánticos y barcos que pasaban por el Canal de Panamá. "Como alguien ha señalado, se trata de exposiciones a las que la gente asiste sin querer", escribió Clark en 1934. [9] Entre otros lugares, se mantuvo una exposición permanente de obras en el Hotel Boca Raton. [57]
Después de haber trabajado incansablemente para promover el arte estadounidense en el país durante la década de 1920, en 1930 Walter Leighton Clark y las Grand Central Art Galleries encabezaron la creación del Pabellón de Estados Unidos en la Bienal de Venecia . [58] Hasta entonces no había ningún lugar en la Bienal dedicado al arte estadounidense, y Clark sintió que era crucial para establecer las credenciales de los artistas de la nación en el extranjero. [59] Los arquitectos del pabellón fueron William Adams Delano , quien también diseñó las galerías de arte Grand Central, y Chester Holmes Aldrich . La compra del terreno, el diseño y la construcción fueron pagados por las Galerías y supervisados personalmente por Clark. Como escribió en el catálogo de 1934:
"Persiguiendo nuestro propósito de poner el arte americano en un lugar destacado ante el mundo, los directores asignaron hace unos años la suma de 25.000 dólares para la construcción de un edificio de exposiciones en Venecia en el terreno de la Bienal Internacional. Los señores Delano y Aldrich donaron generosamente los planos. "Por este edificio que está construido con mármol de Istria y ladrillo rosa y que se destaca de los otros veinticinco edificios del parque propiedad de los distintos gobiernos europeos". [9]
El pabellón, propiedad de las Galerías y operado por ellas, se inauguró el 4 de mayo de 1930. Clark seleccionó aproximadamente 90 pinturas y 12 esculturas para exhibirlas en la exposición inaugural. Los artistas destacados incluyeron a Max Boehm , Hector Caser, Lillian Westcott Hale, Edward Hopper , Abraham Poole, Julius Rolshoven , Joseph Pollett, Eugene Savage , Elmer Shofeld, Ofelia Keelan y el artista afroamericano Henry Tanner . El embajador estadounidense John W. Garrett inauguró el espectáculo junto con el duque de Bérgamo. [11]
Las Grand Central Galleries no participaron en la Bienal de 1936 en protesta por el ascenso del fascismo en Italia. [60] En 1948, después del final de la guerra, las Galerías enviaron 79 pinturas a Venecia. [61] Dirigió el pabellón hasta la década de 1950, invitando a organizaciones como el Museo de Arte Moderno y el Museo Whitney de Arte Americano a presentar exposiciones. [59]
Las Galerías habían construido el pabellón con la esperanza de que, al igual que los otros edificios de la Bienal de Venecia, eventualmente fuera administrado por la nación cuyo arte mostraba. Sin embargo, el apoyo del gobierno de Estados Unidos no llegó y en 1954 las Galerías vendieron el pabellón al Museo de Arte Moderno . A lo largo de las décadas de 1950 y 1960, el Modern, el Art Institute of Chicago y el Baltimore Museum of Art organizaron exposiciones . The Modern se retiró de la Bienal en 1964, y la Agencia de Información de Estados Unidos dirigió el Pabellón hasta 1983, cuando fue vendido al Museo Guggenheim gracias a los fondos proporcionados por la Colección Peggy Guggenheim . [62] En 2009, el Guggenheim vendió el Pabellón al Museo de Arte de Filadelfia .
En 1933, las Grand Central Art Galleries abrieron una segunda ubicación en la Quinta Avenida y en la calle 51 en el antiguo edificio del Union Club de la ciudad de Nueva York . La ampliación fue posible gracias a Jeremiah Milbank, propietario de la propiedad en ese momento. [9] Como escribió Clark:
"Estas hermosas galerías nuevas, con sus numerosas ventanas en la Quinta Avenida y en la Calle 51, han presentado durante los últimos ocho meses un panorama en constante cambio del arte estadounidense que ha sido visto por más de cien mil personas diariamente. Un buen número de pinturas y Los bronces han sido comprados por nuevos clientes."
El antiguo edificio del Union Club se utilizó durante seis años, hasta 1939, cuando la "división alta" de Galleries se trasladó al segundo piso del Gotham Hotel en la Quinta Avenida. Se mostraron obras de ochenta artistas en la inauguración de la nueva ubicación el 9 de diciembre, incluidas las de Eugene Higgins, Wayman Adams, John Johansen , Albert Sterner , Sidney Dickenson, Carl Rungius , Randall Davey , John Follinsbee, Robert Brackman , Robert Philipp y Leopold Seyffert. . [63]
Para mostrar arte moderno, en 1947 las Grand Central Art Galleries establecieron Grand Central Moderns. Fundada por Erwin S. Barrie , [64] fue dirigida desde 1951 hasta 1965 por Colette Roberts. [65] [66] Después de que la galería "vagó durante varios años", se instaló en 130 East 56th Street [10] en 1950. Los artistas representados por Grand Central Moderns incluyeron a Byron Browne, Lamar Dodd , Jennett Lam y Louise Nevelson . Grand Central Moderns cerró en 1967.
Si bien se fundaron durante el auge de la década de 1920, las Grand Central Art Galleries se estructuraron para que pudieran resistir las crisis económicas. Se previeron tres fuentes de financiación: las cuotas de los miembros, que en los primeros años proporcionaban la mayor parte de los ingresos; comisiones de ventas; y los ingresos por la venta de entradas. Los ingresos restantes después de los gastos están salvaguardados en un "fondo de amortización" (reserva) administrado de forma conservadora que establecieron los fundadores. Esta estrategia sirvió bien a la galería, pero cinco años después de la Depresión, la dirección de las Galerías sintió la necesidad de medidas extraordinarias:
"Aunque la cuota de suscripción de los miembros laicos ha sido de 600 dólares anuales durante los diez años de existencia de las Galerías, la dirección consideró necesario reducir esta suscripción a 350 dólares para 1933 y 1934, e invitamos urgentemente a aquellos interesados en el arte americano y Los artistas estadounidenses se convertirán en miembros este año sobre esta nueva base". [9]
La prosperidad volvió a las Galerías a medida que los efectos de la Depresión disminuyeron: en 1936, su membresía laica había vuelto a 115, más del doble de lo que habían tenido en cualquier año desde 1929. [19] Sin embargo, el tiempo trajo nuevos desafíos: Walter Leighton Clark había muerto en 1935, [67] y Greacen siguió en 1949. Con la disminución del tráfico ferroviario después de la Segunda Guerra Mundial , el Ferrocarril Central de Nueva York buscó maximizar el valor del terreno en el que se encontraba Grand Central Terminal . En 1954, el desarrollador William Zeckendorf propuso reemplazar la terminal con una torre de 80 pisos diseñada por IM Pei . Si bien este plan fracasó, en 1958 la compañía firmó un acuerdo con el desarrollador Erwin S. Wolfson para demoler el edificio con columnas de seis pisos en el extremo norte de la terminal y construir el edificio Pan Am de 59 pisos en su lugar. [68] La decisión empujó a las Galerías de Arte Grand Central fuera de la terminal de la que habían tomado su nombre.
Erwin S. Barrie , quien se había desempeñado como director de las Galerías desde la fundación de 1922, supervisó su traslado en 1958 al cercano Hotel Biltmore , en 40 Vanderbilt Avenue. La nueva ubicación, en el segundo piso del hotel, ofrecía seis salas de exposición, un almacén de reserva y una oficina. [6] En 1977, después de 19 años en Biltmore, se llevó a cabo una subasta de 500 lotes de obras de arte no reclamadas donadas por miembros a lo largo de los años. Las obras tuvieron una vista previa de dos días y luego se vendieron en beneficio del programa de membresía de artistas. [69] Las galerías permanecieron en Biltmore durante 23 años, hasta que la estructura fue destruida y convertida en un edificio de oficinas. [7] El espectáculo final fue " Anita Loos and Friends". Al describir el final de la exposición final de Biltmore y Grand Central Art Galleries allí, John Russell de The New York Times escribió:
"Apenas desde que Sansón derribó el gran templo de Gaza ha desaparecido un edificio tan rápidamente como el Hotel Biltmore. Pero la gente ha mostrado una rara persistencia en estos últimos días o dos al abrirse paso escaleras arriba en la entrada de la Avenida Vanderbilt hasta donde se encuentra el Grand Central. Las galerías se han mantenido firmes". [70]
Barrie se jubiló en 1975, después de haber dirigido las Galerías durante más de 50 años, y Gerry Thomas asumió temporalmente el cargo de gerente. En 1976, James D. Cox se convirtió en director, sólo el segundo en la historia de las Galerías. [57] [71] Cox dirigió su segunda reubicación, esta vez a 24 West 57th Street. [8] Allí las Galerías ocupaban todo el segundo piso, 9.000 pies cuadrados (840 m 2 ), extendiéndose desde las calles 57 a 56. La entrada de la calle 57 tenía una escalera mecánica, mientras que la de la calle 56 estaba al nivel de la calle. Allí, Cox trabajó para ajustar el enfoque de las galerías a los tiempos, realizando exposiciones como "La Femme: La influencia de Whistler y los maestros del grabado japonés en el arte estadounidense, 1880-1917". [52]
James D. Cox dejó las Grand Central Art Galleries en diciembre de 1989. Después de su partida, fueron administradas por John Evans, un vendedor de toda la vida, hasta que cerraron en 1994. [3]
Los archivos de las galerías, así como los de Edmund Greacen, se encuentran en los Archivos Smithsonian de Arte Americano. [72] [73] Los archivos de Grand Central Moderns se encuentran en la Universidad de Syracuse [74] y en el Smithsonian. [64] Los archivos de la firma de William Adams Delano y Chester Holmes Aldrich se encuentran en el Departamento de Dibujos y Archivos de la Biblioteca Avery de Arquitectura y Bellas Artes de la Universidad de Columbia ; La Biblioteca Avery de Arquitectura y Bellas Artes de la universidad también tiene una importante colección de la correspondencia de Chester Holmes Aldrich .
Durante su funcionamiento , The New York Times y otras publicaciones a menudo se referían incorrectamente a las Grand Central Art Galleries como "Grand Central Galleries", "Grand Central Gallery" y "Grand Central Art Gallery". Las búsquedas en los archivos del Times revelarán muchas noticias, eventos y exposiciones enumerados bajo esos nombres. Tenga en cuenta que la "Grand Central Gallery" en Palm Beach, Florida, y el " Grand Central Art Center " en Fullerton, California, no tienen relación con las Grand Central Art Galleries, ni pasadas ni presentes.
40°45′10″N 73°58′36″O / 40,7528°N 73,9768°W / 40,7528; -73.9768