Billy Apple ONZM (nacido Barrie Bates ; [1] [2] 31 de diciembre de 1935 - 6 de septiembre de 2021) fue un artista neozelandés cuyo trabajo está asociado con las escuelas de arte pop de Londres, Auckland y Nueva York en la década de 1960 y el movimiento de arte conceptual de Nueva York en la década de 1970. Trabajó junto a artistas como Andy Warhol y David Hockney antes de abrir el segundo de los siete espacios sin fines de lucro de Nueva York en 1969. Su obra se encuentra en las colecciones permanentes de la Tate Britain , la Galería Nacional Escocesa de Arte Moderno , el Museo de Arte de Filadelfia , el Museo Guggenheim , el Museo de Arte Chrysler , el Instituto de Artes de Detroit , la Galería Nacional de Australia , Te Papa , la Galería de Arte de Auckland , la Galería de Arte de Christchurch , la Universidad de Auckland y el Stedelijk Museum voor Actuele Kunst en Bélgica.
Barrie Bates nació en el suburbio de Auckland de Royal Oak el 31 de diciembre de 1935, el hijo mayor de Marija (née Petrie, originalmente Petrich, de origen croata ) y Albert Bates. [3] [4] [5] Asistió a la Mount Albert Grammar School , pero abandonó la escuela secundaria a los 15 años sin calificaciones. Aceptó un trabajo como técnico para un fabricante de pinturas en 1951, donde desarrolló un sistema proporcional de mezcla de pintura en lugar de igualar el color a ojo. Luego trabajó como junior en diseño y publicidad, en particular diseñando el logotipo de Farmers Department Store. Bates asistió a clases nocturnas en Elam School of Fine Arts , donde conoció a Robert Ellis , un graduado del Royal College of Art de Londres. [4]
En 1959 abandonó Nueva Zelanda con una beca del Gobierno de Nueva Zelanda para estudiar en el Royal College of Art de Londres, [6] de 1959 a 1962. [7] Durante su estancia en la RCA, Apple se hizo amigo de sus compañeros de estudios Ridley Scott y David Hockney y pasó a convertirse en uno de los miembros de una nueva generación de artistas pop , que incluía, entre otros, a Derek Boshier , Frank Bowling y Pauline Boty . Durante este tiempo, expuso con frecuencia en las exposiciones Young Contemporaries y Young Commonwealth Artists junto a Frank Bowling, Jonathan Kingdon, Bill Culbert , Jan Bensemann y Jerry Pethick. [ cita requerida ] . Su relación con la novelista Ann Quin, entonces secretaria de la escuela de pintura de la RCA, y con David Hockney son los temas del libro de Anthony Byrt, The Mirror Seemed Over: Love and Pop in London, 1962 , [8] que descubre un panorama más interesante y complicado del desarrollo del arte pop.
Bates concibió una nueva personalidad artística y el día de Acción de Gracias, el 22 de noviembre de 1962, se decoloró el cabello y las cejas con Lady Clairol Instant Cremé Whip y se convirtió en Billy Apple. [9] Anunció su cambio de nombre de marca personal públicamente en 1963 en su primera exposición individual - Apple Sees Red: Live Stills - en la Galería Uno de Victor Musgrave , Londres. Se mudó a la ciudad de Nueva York en 1964. [10] [2]
Un acontecimiento decisivo en su carrera fue la exposición de 1964 "The American Supermarket", una muestra que tuvo lugar en la galería Upper East Side de Paul Bianchini. La muestra se presentó como un entorno típico de un pequeño supermercado, excepto que todo lo que había en ella (los productos, los alimentos enlatados, la carne, los carteles en la pared, etc.) había sido creado por destacados artistas pop de la época, entre ellos Apple, Andy Warhol , Claes Oldenburg , Tom Wesselmann , Jasper Johns , Mary Inman , James Rosenquist y Robert Watts . [4]
Apple fue uno de los artistas pioneros en el uso del neón en el arte. [11] Esto se vio en las exposiciones de 1965 Apples to Xerox y Neon Rainbows , ambas en la Galería Bianchini. Luego, en 1967, la exposición Unidentified Fluorescent Objects ( UFOs ), que mostraba una colección de esculturas de luz de neón, se llevó a cabo en la Galería Howard Wise, precursora de la organización Electronic Arts Intermix (EAI). [12] Uno de los ovnis de Apple se incluyó en una exposición de 2013 que reconsideró la influencia de la Galería Howard Wise. [13] [14]
En 1969, el artista fundó Apple , uno de los primeros espacios alternativos de exposición en la ciudad de Nueva York en 161 West Twenty-third Street con el fin, como él mismo afirmó, de "ofrecer un espacio alternativo independiente y experimental para la presentación de [su] propio trabajo y el trabajo de otros". Inicialmente, el espacio de exposición formaba parte de su propio estudio. Durante sus cuatro años, Apple produjo 35 obras en el lugar y acogió el trabajo de otros artistas, entre ellos Geoff Hendricks, Mac Adams , Davi Det Hompson , Larry Miller y Jerry Vis. El espacio se consideraba tanto un espacio de exposición como un foro para el arte y el discurso. [15]
En 1974, la primera gran exposición de Apple se celebró en la Serpentine Gallery de Londres: From Barrie Bates to Billy Apple . En 1975, Apple regresó a Nueva Zelanda por primera vez en dieciséis años. [16] Durante la visita, se embarcó en una gira de exposiciones nacionales con el apoyo del Queen Elizabeth II Arts Council . El mismo año, Apple instaló su instalación Neon Accumulation [17] en la escalera principal de la Govett-Brewster Art Gallery, en ese momento bajo la dirección de Ron O'Reilly . La controversia siguió cuando el Departamento de bomberos local pidió que se eliminara [18] y nuevamente cuando O'Reilly dispuso que Neon Accumulation se convirtiera en parte de la colección permanente de la galería [19]. Apple fue invitado a una gira nuevamente durante el verano de 1979 y 1980. La exposición que recorrió se llamó The Given as an Art Political Statement . Durante cada gira, expuso en espacios de todo el país. [20]
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Durante la década de 1980, la práctica de Apple se centró en la economía del mundo del arte. La exposición Art for Sale en la galería Peter Webb en 1980 se compuso de una serie de obras de arte que eran recibos reales por el pago dado al artista. Este trabajo progresó a una serie llamada Transactions . Otras series importantes de obras de Apple que comenzaron en la década de 1980 incluyen la serie Golden Rectangle y From the Collection . En 1983 produjo una manzana de oro macizo para el ex director de Auckland Coin & Bullion Exchange, Ray Smith, valorada en $ (NZ) 85,000, la obra más cara realizada por un neozelandés vivo en ese momento [21] y un precursor significativo de la calavera de diamantes de Damien Hirst de 2007 titulada For the Love of God . La manzana de oro se exhibió más tarde en Artspace , Auckland en 2004 como parte de una instalación desarrollada con el colaborador habitual y escritor, Wystan Curnow. [22]
En 1990 regresó a Nueva Zelanda de manera permanente [2] y vivió en Auckland. En 1991, la Wellington City Art Gallery organizó un estudio de diez años de su obra: As Good as Gold: Billy Apple Art Transactions 1981–1991 . Actualmente, Saatchi & Saatchi y el centro de investigación de horticultura de Nueva Zelanda están negociando el desarrollo de una manzana que podría llamarse "Billy Apple". En 2001, Apple creó una empresa, "Billy Apple Ltd", con la expectativa de obtener la licencia de los derechos de comercialización de esta nueva manzana. [23]
En los Honores de Año Nuevo de 2005 , Apple fue nombrado Oficial de la Orden del Mérito de Nueva Zelanda , por sus servicios al arte. [24]
El artista tenía un interés y una participación de larga data en las carreras de autos, que se reconoció con dos vehículos de su propia colección en la encuesta As Good as Gold de 1991 y la publicación que la acompañaba. [25] Este interés salió a la luz con The Art Circuit , una obra de performance sonora que incorpora motos y pilotos famosos, puesta en escena en la explanada de la Auckland Art Gallery en 2007. A esto le siguió la exposición individual de 2008, The Bruce and Denny Show , [26] presentada en Two Rooms en 2008 como un homenaje a la marca McLaren , y en particular a los triunfos automovilísticos de Bruce McLaren y Denny Hulme de 1967 a 1969. La exposición incluía el coche de carreras McLaren M8A-2 de Hulme de 1,5 millones de dólares y obras de texto que hacen referencia a las pistas en las que se corrió y a la decoración de los coches de los dos pilotos. [27]
En 2008, Apple fue el protagonista de un largometraje documental titulado Being Billy Apple . Producido por Spacific Films y dirigido por la galardonada cineasta Leanne Pooley , el documental cuenta la historia de la vida de Billy Apple desde su período POP hasta su participación en el movimiento de arte conceptual en la ciudad de Nueva York durante la década de 1970 y sus actuales emprendimientos "hortícolas/artísticos" en Apple. [28]
En 2009, la Adam Art Gallery de Wellington organizó la exposición Billy Apple: New York 1969-1973 , que abarca las actividades realizadas por el artista en la galería sin fines de lucro que dirigía desde 161 West 23rd Street. [29] Más tarde, en 2009, el Centro de Arte Contemporáneo Witte de With (ahora conocido como Kunstinstituut Melly ) en Ámsterdam presentó una importante exposición en dos partes, comisariada por Nicolaus Schafhausen ; la primera, Billy Apple: A History of the Brand , examinó toda la práctica del artista desde sus inicios como su propia marca hasta la actualidad; [30] la segunda, Revealed/Concealed , se centró en sus obras que critican el lugar del arte a través de intervenciones arquitectónicas. [31]
En 2015, Apple fue objeto de una importante exposición retrospectiva en la Auckland Art Gallery Toi o Tamaki , comisariada por Tina Barton . [32] Apple tuvo presencia en toda la ciudad durante la retrospectiva con muchas otras instituciones y galerías de la ciudad que realizaron presentaciones independientes del trabajo del artista al mismo tiempo, incluyendo Artspace NZ , [33] Te Uru Waitakere Contemporary Gallery , [34] Melanie Roger Gallery, [35] Starkwhite, [36] Gow Langsford Gallery, [37] así como Bergman Gallery en asociación con Starkwhite, Rarotonga , Islas Cook . [38] La ocasión de la retrospectiva también vio el lanzamiento comercial de Billy Apple Ciders y una aplicación desarrollada por la Junta Local de Albert Eden llamada Billy Apple Compass que podría usarse para navegar por las esculturas públicas del artista. [39]
Desde su muerte en 2021, Apple sigue realizando exposiciones individuales en todo el mundo, como Billy Apple®: Rainbows 1965, The Mayor Gallery, Londres en 2022, [40] New York Rainbows , Bergman Gallery , Rarotonga, Islas Cook en 2022, [41] y Billy Apple®: Divine Proportion , Starkwhite, Auckland , Nueva Zelanda en 2023. [42]
A partir de sus estudios en el Royal College of Art , Billy Apple exploró y puso a prueba el espacio entre la concepción y la implementación de un objeto o proyecto artístico. [43] Por ejemplo, cuando llegó el momento de escribir la presentación de su tesis, le pidió a Ann Quin , una amiga cercana suya, que la escribiera por él. [44] También se basó en su experiencia temprana en publicidad para adaptar algunas de las técnicas de producción colaborativa de la industria y comenzó a subcontratar la realización de su propio trabajo a profesionales altamente calificados. [45]
Aunque muchos artistas recurren a fabricantes [46] para realizar sus obras, a Apple siempre le fascinó la idea de que se difuminaran más los límites convencionales entre los artistas y la infraestructura artística. Como lo expresó la historiadora del arte Christina Barton , no solo le fascinaba la creación de arte, sino "toda su ecología". [47] Un ejemplo es el desarrollo de la relación de Apple con Terry Maitland, un rotulista de Auckland. Maitland recuerda haber trabajado por primera vez con Apple en un trabajo publicitario en 1981 y poco después de eso comenzó su larga asociación durante la cual Maitland produjo todos los lienzos con el estilo característico de Apple. [48]
El colaborador más cercano y de mayor trayectoria de Apple fue Wystan Curnow , un crítico de arte, curador y poeta que enseñaba en la Universidad de Auckland . Comenzaron a trabajar juntos a fines de la década de 1970 y Curnow colaboró en muchas de las obras que Apple realizó mientras estuvo en Nueva Zelanda. [49] Curnow , que actuó como "cuidador", asesor, redactor y comentarista, [50] trabajó con Apple en el desarrollo de ideas y estrategias como The Given as an Art Political Statement , [51] Sold , [52] y The artist has to live like everybody else . [53]
Apple y Curnow desarrollaron por primera vez la frase El artista tiene que vivir como todos los demás en 1985. [54] También se utilizó como texto en una gran obra del tamaño de una valla publicitaria en el centro de Róterdam en 2009 como parte de la exposición de dos partes de Apple en el Centro de Arte Contemporáneo Witte de With . Seis años más tarde, las mismas palabras fueron elegidas como título de la exposición de Apple comisariada por Christina Barton en la Galería de Arte de Auckland. Una versión grande del texto en la tipografía familiar de Apple se montó en la entrada de la galería. En reconocimiento a la estrecha colaboración detrás de su creación y presentación durante 35 años, esta vez una línea de crédito incluía el nombre de Curnow junto al de Apple. [32] (Ver también: Wystan Curnow habla sobre Billy Apple )
En 2009, Apple donó sangre al artista y científico neozelandés Dr. Craig Hilton , lo que dio lugar a una serie de tres proyectos científicos/artísticos de Hilton. En The Immortalisation of Billy Apple® (2010), se creó una línea celular a partir de las células de Apple utilizando un virus para alterar las células de Apple, de modo que siguieran regenerándose para siempre. [55] [56] Las líneas celulares, llamadas formalmente Billy Apple®, se conservan en la Facultad de Ciencias Biológicas de la Universidad de Auckland y en la American Type Culture Collection , Virginia , en los Estados Unidos. En el segundo trabajo, Hilton encargó a New Zealand Genomics Ltd, con sede en la Universidad de Otago, la secuenciación del genoma completo de Apple para The Digitisation of Billy Apple . En la tercera de las obras de Hilton, The Analysis of Billy Apple's Genome (2014), el artista presenta la información genética personal de Apple en un diagrama de Circos . Hilton dice que las obras están diseñadas para provocar un debate en torno a los avances científicos y los desafíos éticos que crean. [57] [58] [59] En un artículo publicado en la revista Metro , el crítico de arte Anthony Byrt opinó: [60] "Es el proyecto más complejo y radical en el que Apple ha participado desde el cambio de nombre. También es la forma en que la marca sobrevivirá a la carrocería".
En 2018, Apple fue nombrada Ícono por la Fundación de las Artes de Nueva Zelanda , un honor limitado a 20 neozelandeses vivos. [61]
Apple murió la mañana del 6 de septiembre de 2021 tras una "breve enfermedad". [62] Tenía 85 años. [3]
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