El nacimiento de Venus ( italiano : Nascita di Venere [ˈnaʃʃita di ˈvɛːnere] ) es una pintura del artista italiano Sandro Botticelli , probablemente ejecutada a mediados de la década de 1480. Representa a la diosa Venus llegando a la orilla después de su nacimiento, cuando ya había emergido del mar ya adulta (llamada Venus Anadyomene y a menudo representada en el arte). El cuadro se encuentra en la Galería de los Uffizi de Florencia , Italia.
Aunque los dos no son pareja, la pintura inevitablemente se discute con la otra pintura mitológica de gran tamaño de Botticelli, la Primavera , también en los Uffizi. Se encuentran entre las pinturas más famosas del mundo y son iconos de la pintura del Renacimiento italiano ; De los dos, el Nacimiento es más conocido que la Primavera . [1] Como representaciones de temas de la mitología clásica a gran escala, prácticamente no tenían precedentes en el arte occidental desde la antigüedad clásica , al igual que el tamaño y la prominencia de una figura femenina desnuda en el Nacimiento . Antes se pensaba que ambos fueron encargados por el mismo miembro de la familia Medici, pero ahora esto es incierto.
Han sido analizados infinitamente por los historiadores del arte , siendo los temas principales: la emulación de los pintores antiguos y el contexto de las celebraciones nupciales (generalmente acordado), la influencia del neoplatonismo renacentista (algo controvertido) y la identidad de los comisionados ( no acordado). La mayoría de los historiadores del arte coinciden, sin embargo, en que el Nacimiento no requiere un análisis complejo para decodificar su significado, como probablemente lo requiere la Primavera . Si bien hay sutilezas en la pintura, su significado principal es un tratamiento sencillo, aunque individual, de una escena tradicional de la mitología griega , y su atractivo es sensorial y muy accesible, de ahí su enorme popularidad. [2]
En el centro, la diosa Venus recién nacida aparece desnuda en una concha de vieira gigante . El tamaño del caparazón es puramente imaginario y también se encuentra en las representaciones clásicas del tema. [3] A la izquierda, el dios del viento Céfiro sopla hacia ella, y el viento se muestra mediante líneas que irradian desde su boca. Está en el aire y lleva a una hembra joven, que también sopla, pero con menos fuerza. Ambos tienen alas. Probablemente Vasari tenía razón al identificarla como " Aura ", personificación de una brisa más ligera. [4] Sus esfuerzos conjuntos hacen volar a Venus hacia la orilla y el cabello y la ropa de las otras figuras a la derecha. [5]
A la derecha, una figura femenina que puede estar flotando ligeramente sobre el suelo sostiene una rica capa o vestido para cubrir a Venus cuando llegue a la orilla, como está a punto de hacerlo. Ella es una de las tres Horas u Horas, diosas menores griegas de las estaciones y de otras divisiones del tiempo, y asistentes de Venus. La decoración floral de su vestido sugiere que ella es la Hora de la Primavera. [6] Ella se encuentra en una pose de contrapposto , similar a Venus, ya que parece relajada y feliz de que Venus haya llegado.
Las identificaciones alternativas para las dos figuras femeninas secundarias involucran las que también se encuentran en la Primavera ; la ninfa retenida por Céfiro puede ser Cloris , una ninfa de las flores con la que se casó en algunas versiones de su historia, y la figura en tierra puede ser Flora . [7] Flora es generalmente el equivalente romano del griego Cloris; en la Primavera , Cloris se transforma en la figura de Flora junto a ella, siguiendo los Fasti de Ovidio , [8] pero es difícil ver que tal transformación se prevea aquí. Sin embargo, las rosas sopladas junto con las dos figuras voladoras serían apropiadas para Cloris.
El tema no es estrictamente el "Nacimiento de Venus", título dado a la pintura sólo en el siglo XIX (aunque Vasari lo dio como tema ), sino la siguiente escena de su historia, donde ella llega a tierra, arrastrada por el viento. La tierra probablemente representa Citera o Chipre , ambas islas mediterráneas consideradas por los griegos como territorios de Venus. [9]
La pintura es grande, pero un poco más pequeña que la Primavera , y cuando se trata de una pintura sobre panel , es sobre el soporte más barato de lienzo. El lienzo estaba ganando popularidad, quizás especialmente para las pinturas seculares de las villas de campo, que estaban decoradas de manera más simple, barata y alegre que las de los palacios de la ciudad , y estaban diseñadas para el placer más que para el entretenimiento ostentoso. [10]
La pintura está sobre dos lienzos, cosidos entre sí antes de comenzar, con un fondo de yeso teñido de azul. Hay diferencias con la técnica habitual de Botticelli, que trabaja sobre soportes de paneles, como la falta de una primera capa verde debajo de las zonas de carne. Hay una serie de arrepentimientos revelados por las pruebas científicas modernas. La Hora originalmente tenía "sandalias bajas clásicas", y el cuello de la capa que sostiene es una idea de último momento. Se cambió el cabello de Venus y la pareja voladora. Se utiliza mucho el oro como pigmento para mechas, en el cabello, las alas, los textiles, la concha y el paisaje. Al parecer, todo esto se aplicó después de que se enmarcara la pintura. Estaba acabado con un "barniz gris frío", probablemente usando yema de huevo. [11] [12]
Al igual que en Primavera , el pigmento verde (utilizado para las alas de Zephyr, el compañero de Zephyr, y las hojas de los naranjos de la tierra) se ha oscurecido considerablemente con la exposición a la luz a lo largo del tiempo, distorsionando un poco el equilibrio de colores previsto. Partes de algunas hojas en la esquina superior derecha, normalmente cubiertas por el marco, se han visto menos afectadas. [13] Los azules del mar y del cielo también han perdido su brillo. [14]
Aunque la pose de Venus es clásica en algunos aspectos y toma prestada la posición de las manos del tipo Venus Pudica de las esculturas grecorromanas (ver sección más abajo), el tratamiento general de la figura, descentrada con un cuerpo curvo de líneas largas y fluidas, proviene en muchos aspectos del arte gótico . Kenneth Clark escribió: "Sus diferencias con las formas antiguas no son fisiológicas, sino rítmicas y estructurales. Todo su cuerpo sigue la curva de un marfil gótico. Carece por completo de esa cualidad tan apreciada en el arte clásico, conocida como aplomo; es decir, digamos, el peso del cuerpo no está distribuido uniformemente a ambos lados de una plomada central... Ella no está de pie sino flotando... Sus hombros, por ejemplo, en lugar de formar una especie de arquitrabe con respecto a su torso, como en el desnudo antiguo, corre hacia sus brazos en la misma corriente ininterrumpida de movimiento que su cabello flotante". [15]
El cuerpo de Venus es anatómicamente improbable, con cuello y torso alargados. Su postura es imposible: aunque se encuentra en una postura clásica de contrapposto , su peso está demasiado desplazado sobre la pierna izquierda para poder mantener la postura. Las proporciones y posturas de los vientos de la izquierda no tienen mucho sentido y ninguna de las figuras proyecta sombras. [16] La pintura representa el mundo de la imaginación en lugar de preocuparse mucho por la representación realista. [17]
Ignorando el tamaño y la posición de las alas y extremidades de la pareja voladora de la izquierda, que molestan a otros críticos, Kenneth Clark las llama:
...quizás el ejemplo más bello de movimiento extático de toda la pintura. ... la suspensión de nuestra razón se logra mediante los intrincados ritmos de las cortinas que barren y fluyen irresistiblemente alrededor de las figuras desnudas. Sus cuerpos, mediante una complejidad infinita de abrazos, sostienen la corriente de movimiento, que finalmente baja por sus piernas y se dispersa como una carga eléctrica. [18]
El arte de Botticelli nunca estuvo plenamente comprometido con el naturalismo; En comparación con su contemporáneo Domenico Ghirlandaio , Botticelli rara vez dio peso y volumen a sus figuras y rara vez utilizó un espacio de perspectiva profundo. [16] Botticelli nunca pintó fondos de paisajes con gran detalle o realismo, pero este es especialmente el caso aquí. Los laureles y la hierba debajo de ellos son verdes con reflejos dorados, la mayoría de las olas son patrones regulares y el paisaje parece fuera de escala con las figuras. [19] Los grupos de juncos en el primer plano izquierdo están fuera de lugar aquí, ya que provienen de una especie de agua dulce. [20]
Durante mucho tiempo se ha sugerido que Botticelli recibió el encargo de pintar la obra de la familia Medici de Florencia, tal vez de Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici (1463-1503), un importante mecenas de Botticelli, bajo la influencia de su primo Lorenzo de' Medici . "El Magnífico". Esto fue sugerido por primera vez por Herbert Horne en su monografía de 1908, la primera obra moderna importante sobre Botticelli, y seguida durante mucho tiempo por la mayoría de los escritores, pero más recientemente ha sido ampliamente puesta en duda, aunque algunos todavía lo aceptan. Varias interpretaciones de la pintura se basan en este origen para su significado. Aunque las relaciones quizás siempre fueron bastante tensas entre el Magnífico y sus jóvenes primos y pupilos, Lorenzo di Pierfrancesco y su hermano Giovanni di Pierfrancesco de' Medici , puede haber sido político encargar una obra que glorificara al Lorenzo mayor, como dicen algunas interpretaciones. . Puede haber una ambigüedad deliberada en cuanto a qué Lorenzo se pretendía evocar. En años posteriores, la hostilidad entre las dos ramas de la familia se hizo manifiesta.
Horne creía que la pintura fue encargada poco después de la compra en 1477 de la Villa di Castello , una casa de campo en las afueras de Florencia, por Lorenzo y Giovanni, para decorar su nueva casa, que estaban reconstruyendo. Este fue el año después de que su padre muriera a la edad de 46 años, dejando a los jóvenes bajo la tutela de su primo Lorenzo il Magnifico, de la rama principal de la familia Medici y gobernante de facto de Florencia. [21] No hay constancia del encargo original, y Vasari menciona por primera vez la pintura , quien la vio, junto con la Primavera , en Castello, algún tiempo antes de la primera edición de sus Vidas en 1550, probablemente entre 1530 y 1540. . En 1550 Vasari estaba pintando en la villa, pero es muy posible que la hubiera visitado antes. Pero en 1975 se supo que, a diferencia de la Primavera , el Nacimiento no figura en el inventario, aparentemente completo, realizado en 1499 de las obras de arte pertenecientes a la rama de la familia de Lorenzo di Pierfrancesco. Ronald Lightbown concluye que sólo pasó a ser propiedad de los Medici después de eso. El inventario no se publicó hasta 1975 y invalidó muchas suposiciones anteriores. [22]
Horne fechó la obra en algún momento después de la compra de la villa en 1477 y antes de la partida de Botticelli a Roma para unirse a la pintura de la Capilla Sixtina en 1481. Los estudiosos recientes prefieren una fecha de alrededor de 1484-86 debido al lugar de la obra en el Desarrollo del estilo de Botticelli. La Primavera suele fecharse ahora antes, después del regreso de Botticelli de Roma en 1482 y quizás alrededor de la época de la boda de Lorenzo di Pierfrancesco en julio de 1482, [23] pero algunos aún antes de la partida de Botticelli. [24]
Siempre que los dos cuadros se unieron en Castello, han permanecido juntos desde entonces. Permanecieron en Castello hasta 1815, cuando fueron trasladados a los Uffizi. Durante algunos años, hasta 1919, se conservaron en la Galleria dell'Accademia , otro museo gubernamental de Florencia. [25]
Aunque existen textos antiguos y modernos que son relevantes, ningún texto proporciona las imágenes precisas de la pintura, lo que ha llevado a los estudiosos a proponer muchas fuentes e interpretaciones. [26] Muchos historiadores del arte que se especializan en el Renacimiento italiano han encontrado que las interpretaciones neoplatónicas , de las cuales Edgar Wind y Ernst Gombrich han articulado dos versiones diferentes , [27] son la clave para comprender la pintura. Botticelli representó la idea neoplatónica del amor divino en la forma de una Venus desnuda. [28]
Para Platón –y también para los miembros de la Academia Platónica Florentina– Venus tenía dos aspectos: era una diosa terrenal que despertaba a los humanos al amor físico o era una diosa celestial que les inspiraba el amor intelectual. Platón argumentó además que la contemplación de la belleza física permitía a la mente comprender mejor la belleza espiritual. Entonces, mirar a Venus, la más bella de las diosas, podría al principio generar una respuesta física en los espectadores que luego elevarían sus mentes hacia lo divino. [29] Una lectura neoplatónica del Nacimiento de Venus de Botticelli sugiere que los espectadores del siglo XV habrían mirado la pintura y habrían sentido sus mentes elevadas al reino del amor divino.
La composición, con una figura central desnuda y otra a un lado con un brazo levantado sobre la cabeza del primero, y seres alados presentes, habría recordado a sus espectadores renacentistas la iconografía tradicional del Bautismo de Cristo , marcando el inicio. de su ministerio en la tierra. De manera similar, la escena que se muestra aquí marca el inicio del ministerio de amor de Venus, ya sea en un sentido simple o en el significado ampliado del neoplatonismo renacentista. [30]
Más recientemente, han surgido dudas sobre el neoplatonismo como sistema intelectual dominante en la Florencia de finales del siglo XV, [31] y los estudiosos han indicado que podría haber otras formas de interpretar las pinturas mitológicas de Botticelli. En particular, tanto Primavera como El nacimiento de Venus han sido vistos como pinturas de bodas que sugieren comportamientos apropiados para los novios. [32]
Los laureles de la derecha y la corona de laurel que lleva la Hora son referencias en juegos de palabras al nombre "Lorenzo", aunque no está claro si se refiere a Lorenzo il Magnifico , el gobernante efectivo de Florencia, o a su joven primo Lorenzo di Pierfrancesco . Del mismo modo, las flores que flotan en el aire alrededor de Zephyr y en los tejidos que porta y porta la Hora evocan el nombre de Florencia. [33]
Generalmente se acepta que el precedente más cercano a esta escena se encuentra en uno de los primeros himnos homéricos griegos antiguos , publicado en Florencia en 1488 por el refugiado griego Demetrios Chalkokondyles :
Este poema probablemente ya era conocido por el contemporáneo florentino de Botticelli y poeta de la corte de Lorenzo di Medici , Angelo Poliziano . La iconografía de El nacimiento de Venus es similar a una descripción de un relieve del acontecimiento en el poema de Poliziano Stanze per la giostra , que conmemora una justa de los Medici en 1475, que también puede haber influido en Botticelli, aunque existen muchas diferencias. Por ejemplo, Poliziano habla de múltiples Horas y céfiros. [35] Los escritores más antiguos, siguiendo a Horne, postularon que "su mecenas Lorenzo di Pierfrancesco le pidió que pintara un tema que ilustrara las líneas", [36] y eso sigue siendo una posibilidad, aunque difícil de mantener con tanta confianza hoy en día. Otro poema de Politian habla de Zephyr haciendo florecer las flores y esparciendo su aroma sobre la tierra, lo que probablemente explica las rosas que sopla con él en la pintura. [37]
Tener un gran desnudo femenino de pie como foco central no tenía precedentes en la pintura occidental posclásica y ciertamente se inspiró en las esculturas clásicas que estaban saliendo a la luz en este período, especialmente en Roma, donde Botticelli había pasado entre 1481 y 1482 trabajando en las paredes. de la Capilla Sixtina . [38] La pose de la Venus de Botticelli sigue el tipo de Venus Pudica ("Venus de la Modestia") de la antigüedad clásica , donde las manos se sostienen para cubrir los senos y la ingle; en el arte clásico esto no está asociado con la recién nacida Venus Anadyomene . Lo que se convirtió en un ejemplo famoso de este tipo es la Venus de' Medici , una escultura de mármol que estaba en una colección de los Medici en Roma en 1559, que Botticelli pudo haber tenido la oportunidad de estudiar (la fecha en que se encontró no está clara). [39]
El pintor y los eruditos humanistas que probablemente le aconsejaron habrían recordado que Plinio el Viejo había mencionado una obra maestra perdida del célebre pintor griego antiguo, Apeles , que representaba a Venus Anadiomene ( Venus surgiendo del mar ). Según Plinio, Alejandro Magno ofreció a su amante, Campaspe , como modelo para la Venus desnuda y más tarde, al darse cuenta de que Apeles se había enamorado de la muchacha, se la entregó al artista en un gesto de extrema magnanimidad. Plinio continuó señalando que la pintura de Apeles de Pankaspe como Venus fue posteriormente "dedicada por Augusto en el santuario de su padre César ". Plinio también afirmó que "la parte inferior del cuadro estaba dañada y era imposible encontrar a alguien que pudiera restaurarlo... Este cuadro se descompuso por el tiempo y la podredumbre, y Nerón ... lo sustituyó por otro cuadro hecho a mano. de Doroteo". [40]
Plinio también notó una segunda pintura de Apeles de Venus "superior incluso a la anterior", que había sido iniciada por el artista pero que quedó inacabada. Las imágenes romanas en diversos medios que muestran a la Venus recién nacida en un caparazón gigante bien pueden ser versiones burdas derivadas de estas pinturas. Botticelli no pudo haber visto los frescos desenterrados más tarde en Pompeya , pero bien pudo haber visto pequeñas versiones del motivo en terracota o gemas grabadas . La "Casa de Venus" en Pompeya tiene un fresco de tamaño natural de Venus acostada en la concha, que también se ve en otras obras; en la mayoría de las otras imágenes, ella está de pie con las manos en el cabello, escurriendo el agua, con o sin concha.
La bidimensionalidad de esta pintura puede ser un intento deliberado de evocar el estilo de la pintura de vasijas griega antigua o los frescos en las paredes de las tumbas etruscas , [41] los únicos tipos de pintura antigua conocidos por Botticelli.
.JPG/1280px-Wiki_Loves_Art_-_Morlanwelz_-_Mus%C3%A9e_Royal_de_Mariemont_-_Statuette_de_V%C3%A9nus_sortant_de_l'onde_(4).JPG)
Otra interpretación del Nacimiento de Venus la proporciona el historiador del arte y autor Charles R. Mack. [42] Esta interpretación toma mucho de lo que generalmente se acepta, pero Mack continúa explicando la pintura como una alegoría que ensalza las virtudes de Lorenzo de' Medici . [43] Esto no ha sido adoptado por los historiadores del arte del Renacimiento en general, [44] y sigue siendo problemático, ya que depende de que la pintura sea encargada por los Medici, sin embargo, la obra no está documentada en manos de los Medici hasta bien entrado el siglo siguiente. .
Mack considera que la escena está inspirada tanto en el Himno homérico como en las pinturas antiguas. Pero es probable que algo más que un himno homérico redescubierto estuviera en la mente del miembro de la familia Medici que encargó esta pintura a Botticelli. Una vez más, se podría considerar que Botticelli, en su versión del Nacimiento de Venus, completa la tarea iniciada por su antiguo predecesor Apeles, incluso superándolo. Un apoyo adicional a esta interpretación de Botticelli como un Apeles renacido es el hecho de que esa misma afirmación fue expresada en 1488 por Ugolino Verino en un poema titulado "Sobre la alabanza de la historia de Florencia". [45]
Si bien Botticelli bien podría haber sido celebrado como un Apeles revivificado, su Nacimiento de Venus también atestigua la naturaleza especial del principal ciudadano de Florencia, Lorenzo de' Medici . Aunque ahora parece que la pintura fue ejecutada para otro miembro de la familia Medici, probablemente tenía como objetivo celebrar y halagar a su líder, Lorenzo de' Medici. La tradición asocia la imagen de Venus en el cuadro de Botticelli con la famosa belleza Simonetta Cattaneo Vespucci , de quien la leyenda popular afirma que tanto Lorenzo como su hermano menor, Giuliano , eran grandes admiradores. Simonetta posiblemente nació en la ciudad costera de Liguria de Portovenere ('el puerto de Venus'). Así, en la interpretación de Botticelli, Pankaspe (el antiguo prototipo viviente de Simonetta), la amante de Alejandro Magno (el predecesor laurentiano), se convierte en el hermoso modelo de la Venus perdida ejecutada por el famoso pintor griego Apeles (renacido gracias a los talentos recreativos de Botticelli), que acabó en Roma, instalada por el emperador Augusto en el templo dedicado al supuesto fundador de Florencia, Julio César .
En el caso de El nacimiento de Venus de Botticelli , las referencias sugeridas a Lorenzo, respaldadas por otros indicadores internos como el grupo de arbustos de laurel a la derecha, habrían sido exactamente el tipo de cosas que los eruditos humanistas florentinos habrían apreciado. En consecuencia, por implicación abierta, Lorenzo se convierte en el nuevo Alejandro Magno, con un vínculo implícito tanto con Augusto, el primer emperador romano, como con el legendario fundador de Florencia, el propio César. Lorenzo, además, no sólo es magnífico sino, como lo fue Alejandro en la historia de Plinio, también magnánimo. En última instancia, estas lecturas del Nacimiento de Venus halagan no sólo a los Medici y Botticelli sino a toda Florencia, hogar de los dignos sucesores de algunas de las figuras más importantes de la antigüedad, tanto en el gobierno como en las artes. [46]
Estas lecturas esencialmente paganas del Nacimiento de Venus de Botticelli no deberían excluir una más puramente cristiana, que puede derivarse de la lectura neoplatónica del cuadro antes indicada. Vista desde un punto de vista religioso, la desnudez de Venus sugiere la de Eva antes de la Caída, así como el amor puro del Paraíso. Una vez aterrizada, la diosa del amor se vestirá con el traje terrenal del pecado mortal, un acto que conducirá a la Nueva Eva, la Virgen cuya pureza está representada por la Venus desnuda. Una vez envuelta en ropas terrenales, se convierte en una personificación de la Iglesia cristiana que ofrece un transporte espiritual de regreso al amor puro de la salvación eterna. En este caso, la concha de vieira sobre la que se encuentra esta imagen de Venus/Eva/Madonna/Iglesia puede verse en su contexto de peregrinación tradicionalmente simbólica. Además, la amplia extensión del mar sirve como recordatorio del título de la Virgen María stella maris , en alusión tanto al nombre de la Virgen (Maria/maris) como al cuerpo celeste (Venus/stella). El mar da a luz a Venus así como la Virgen da a luz al máximo símbolo del amor, Cristo. [47]
En lugar de elegir una de las muchas interpretaciones ofrecidas para la representación de Botticelli del nacimiento (¿llegada?) de Venus, tal vez sería mejor verlo desde una variedad de perspectivas. Se pretendía adoptar este enfoque estratificado (mitológico, político y religioso). [48]
Botticelli, o más probablemente su taller, repitió la figura de Venus en otra pintura de alrededor de 1490. Esta obra de tamaño natural representa una figura y una pose similares, parcialmente vestida con una blusa clara y contrastada con un fondo oscuro y liso. Está en la Galleria Sabauda de Turín . [49] [50] Hay otro taller similar a Venus en Berlín, y muy probablemente otros fueron destruidos en la " Hoguera de las Vanidades ". Parece que se exportaron ejemplos a Francia y Alemania, probablemente influyendo en Lucas Cranach el Viejo, entre otros. [51]
Más de una década después, Botticelli adaptó la figura de Venus para una personificación desnuda de la "Verdad" en su Calumnia de Apeles . Aquí se levanta una mano, apuntando al cielo en busca de justificación, y la mirada de la figura también mira hacia arriba; todo el efecto es muy diferente. [52]
_-_Venus_Rising_from_the_Sea_('Venus_Anadyomene')_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Titian_(Tiziano_Vecellio)_-_Venus_Rising_from_the_Sea_('Venus_Anadyomene')_-_Google_Art_Project.jpg)
