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El combate escénico , la técnica de lucha [1] o la coreografía de lucha es una técnica especializada en teatro diseñada para crear la ilusión de un combate físico sin causar daño a los intérpretes. Se emplea en obras de teatro en vivo , así como en producciones de ópera y ballet . Con la llegada del cine y la televisión, el término se ha ampliado para incluir también la coreografía de secuencias de lucha filmadas , a diferencia de las anteriores actuaciones en vivo en el escenario. Está estrechamente relacionado con la práctica de acrobacias y es un campo de estudio común para los actores . Los actores famosos por sus habilidades de lucha escénica con frecuencia tienen antecedentes en danza , gimnasia o entrenamiento en artes marciales .
La historia de las luchas escénicas y los combates simulados se remonta a la antigüedad, con Aristóteles citado señalando que la tragedia es un conflicto entre personas [2] o, de hecho, se puede rastrear hasta los orígenes de la especie humana y la conducta de exhibición de los primates . La exhibición de aptitud marcial es una ocurrencia natural en las sociedades guerreras , y las formas ritualizadas de combate simulado a menudo evolucionan hacia danzas de guerra . Ya sea la lucha entre los hombres y las mujeres de Lisístrata de Aristófanes en la Antigua Grecia o el Antiguo Egipto, donde Heródoto en sus Historias habla de un festival religioso en el que se golpean entre sí con bastones pero nadie muere, el combate escenificado siempre ha existido [ cita requerida ] . [3] Como no tiene sentido sacrificar ciudadanos en rituales, muchas civilizaciones antiguas recurrieron a gestos simbólicos de combate a través del baile o llevando un arma a la garganta o el cuello de alguien sin tocarlo realmente para simbolizar la muerte o un acto de violencia. [ cita requerida ]
Las luchas organizadas para el entretenimiento también pueden ser serias para los combatientes, como era el caso de los gladiadores romanos , y cualquier duelo público , como el duelo judicial de la Edad Media europea . El torneo y la justa medievales son ejemplos clásicos de combate simulado ritualizado competitivo. La justa de la época de Maximiliano I se convirtió en un deporte con un enorme costo involucrado para cada caballero y un prestigio correspondientemente alto, comparable a las carreras de Fórmula Uno contemporáneas , al mismo tiempo que minimiza el peligro de lesiones con un equipo altamente especializado.
A finales de la Edad Media , las escenificaciones de combates de esgrima, con o sin coreografía, se hicieron populares en las escuelas de esgrima . Algunos fechtbuch ("manuales de combate", literalmente 'lucha' o 'libro de esgrima') alemanes tienen secciones dedicadas a técnicas extravagantes para emplear en tales Klopffechten ("lucha a golpes"), que serían poco prácticas en un combate serio, y los maestros alemanes de la Baja Edad Media distinguen entre combates simulados ( fechten zu schimpf , 'lucha descontrolada') y combate real ( fechten zu ernst , 'lucha seria').
La historia del combate teatral europeo tiene sus raíces en el teatro medieval y se hace tangible en el drama isabelino . Richard Tarlton , que fue miembro tanto de la compañía de actores de William Shakespeare como del gremio de armas de los Maestros de la Defensa de Londres, fue uno de los primeros directores de lucha en el sentido moderno. [4] Los duelos de espadas representados en las obras mostraron lo popular que era el pasatiempo en la vida real. Antes de 1615 en Inglaterra, muchas obras presentaban duelos y los duelos se consideraban lo más destacado del espectáculo. A diferencia de después de 1615, cuando los duelos fueron condenados públicamente por el rey Jaime y los duelos se utilizaron como último recurso con respecto a la trama. [5]
A finales del siglo XVII y principios del XVIII, el combate escénico estilizado ha sido una característica básica de las artes escénicas tradicionales durante siglos, como en el teatro Kabuki japonés (como tachimawari "escenas de lucha"), la Ópera de Pekín de China y el teatro indio.
Los maestros de esgrima de Europa comenzaron a investigar y experimentar con técnicas de esgrima históricas , con armas como la espada de dos manos , el estoque y la espada corta , y a instruir a los actores en su uso. Entre ellos se destacó George Dubois, un director de lucha y artista marcial parisino que creó estilos de esgrima de representación basados en el combate de gladiadores , así como en la esgrima con estoque y daga del Renacimiento . Egerton Castle y el capitán Alfred Hutton de Londres también participaron tanto en la recuperación de los sistemas de esgrima antiguos como en la enseñanza de estos estilos a los actores. [6]
A finales del siglo XIX y principios del XX, las escenas de esgrima en producciones teatrales itinerantes por toda Europa, la Mancomunidad Británica y los Estados Unidos se creaban típicamente combinando varias rutinas genéricas ampliamente conocidas, conocidas como "combates estándar", identificadas por nombres como "Round Eights" y "Glasgow Tens".
La esgrima cinematográfica tiene sus raíces en la década de 1920, con las películas de Douglas Fairbanks . Uno de los directores de lucha más célebres que surgieron en esta época fue Paddy Crean , que revolucionó el combate escénico, específicamente el juego de espadas, para la pantalla grande y el teatro. Paddy creó el estilo extravagante de juego de espadas que se puede ver en las películas de Errol Flynn , entre otras. Promovió el uso de la seguridad por encima de todas las cosas y luego se centró en la historia de la lucha. [7] BH Barry y J. Allen Suddeth, estudiantes de Paddy Crean, son dos maestros de la lucha que han seguido desarrollando el legado de Paddy. Barry ayudó a fundar la Sociedad de Directores de Lucha Británicos y luego vino a los Estados Unidos para darle a la dirección de lucha una forma más específica. [8] J. Allen Suddeth fundó el Programa Nacional de Capacitación de Directores de Lucha en los Estados Unidos y escribió el libro "Dirección de Lucha para el Teatro" (1996). [9] Las películas de artes marciales surgen como un género distinto a partir de la década de 1940, popularizado por Bruce Lee y Sonny Chiba a partir de la década de 1960.
A partir de mediados de la década de 1960, John Waller , pionero en el resurgimiento de las artes marciales históricas europeas (HEMA) inglesas, fue director de lucha para teatro y cine, y más tarde profesor de combate escénico en escuelas de teatro de Londres, con énfasis en el realismo histórico. [10] Los gremios informales de coreógrafos de lucha comenzaron a tomar forma en la década de 1970 con el establecimiento de la Sociedad de Directores de Lucha Británicos, de 1969 a 1996. La formación se estableció en los Estados Unidos con la formación de la Sociedad de Directores de Lucha Estadounidenses en 1977.
Español Después de esto, se han establecido más academias y asociaciones en todo el mundo para defender la artesanía, la formación y la calidad del trabajo en la forma de arte del combate escénico a nivel nacional e internacional, incluyendo: La Academia Británica de Combate Escénico y Cinematográfico (BASSC) y Fight Directors Canada (FDC) en 1993; la Sociedad de Directores de Lucha de Australia Inc. (SAFDi) en 1994; la Sociedad Nórdica de Lucha Escénica (NSFS) y la Sociedad de Combate Escénico de Nueva Zelanda en 1995; la Academia Británica de Combate Dramático (BADC, anteriormente conocida como la Sociedad de Directores de Lucha Británicos) en 1996; Art of Combat en 1997; New York Combat for Stage & Screen en 1999; Stage Combat Deutschland en 2004; y la Asociación Australiana de Combate Escénico (ASCA) en 2010; El Gremio Británico de Combate Escénico en 2015. A partir de 2005, la Escuela de Actuación East 15 de Londres ofreció una Licenciatura (con honores) en Actuación y Combate Escénico. Muchas de las sociedades ofrecen programas de certificación para diferentes armas, lo que se utiliza como un indicador de cuánto entrenamiento ha tenido un actor. Durante la primera parte de la pandemia de Covid 19, varias organizaciones hicieron avances en la capacitación a distancia/virtual, incluidos talleres virtuales internacionales. [11]
El entrenamiento de combate escénico incluye habilidades de combate sin armas, como bofetadas ilusorias, puñetazos, patadas, técnicas de lanzamiento y agarre; adaptaciones teatrales de varias formas de esgrima , como el estoque y la daga , la espada corta y la espada ancha , así como el uso de otras armas, en particular el bastón y los cuchillos ; y habilidades más especializadas, como la lucha libre profesional y diferentes estilos de artes marciales . Sin embargo, el combate escénico puede incluir cualquier forma de violencia coreografiada y las opciones están limitadas solo por las preocupaciones de seguridad y la capacidad de los participantes involucrados. Como nota, la mayoría de estas técnicas se extraen de técnicas de lucha reales, pero se modifican para que sean más seguras para los actores. Por ejemplo, aunque hay varias formas de crear la ilusión segura de una bofetada en la cara (que obviamente es algo que realmente podría hacerse en combate), ninguna de ellas implica hacer contacto real con la cara de la víctima.
La preocupación primordial es la seguridad de los actores y del público. Este requisito ha llevado a la adaptación de muchas técnicas de esgrima y artes marciales estándar específicamente para la actuación. [12] [13] Por ejemplo, muchos ataques básicos con espada y paradas deben modificarse para garantizar que los actores no acerquen las puntas de sus armas más allá de la cara de su compañero o pongan en riesgo inadvertidamente la salud y el bienestar del otro actor. Las acciones de ataque en el combate escénico se extienden más allá del cuerpo del compañero de actuación o apuntan lejos de sus objetivos aparentes. Del mismo modo, mientras que sus personajes pueden estar involucrados en un feroz combate sin armas, los actores deben operar con un alto nivel de complicidad y comunicación para garantizar una escena de lucha segura y emocionante. En muchas formas de combate escénico, la distancia es un factor clave en la técnica. Muchos ataques se realizan "fuera de distancia" para que no haya ninguna posibilidad de que un intérprete golpee accidentalmente al otro. Se requiere un considerable juicio profesional para determinar qué nivel técnico puede ser apropiado para un intérprete determinado, teniendo en cuenta el tiempo de ensayo asignado y las expectativas del director.
Otro elemento importante del combate escénico es el sonido. El sonido aumenta la credibilidad de una acción para el público. Hay dos tipos de sonidos que se pueden producir. Uno son las reacciones vocales. Al añadir un jadeo, un gemido o un gruñido cuando se golpea, los combatientes hacen que los movimientos cobren vida. El otro tipo de sonido es un golpe o un sonido de percusión que se produce al golpear una parte resonante del cuerpo. [14] Esto se sincroniza con el momento en que se produciría un impacto y se escenifica de modo que quede oculto a la vista del público. Esto permite que el público crea que se ha producido un golpe o una bofetada real porque oye un sonido correspondiente y ve una reacción.
La fase de combate de un ensayo de una obra se conoce como ensayo de lucha . La coreografía se aprende típicamente paso a paso y se practica al principio muy lentamente antes de aumentar la velocidad a una velocidad que sea dramáticamente convincente y segura para los intérpretes y su público. [15] Incluso el combate en el escenario es arriesgado, y es preferible que los actores tengan la mayor formación y experiencia posible. Antes de cada representación se realiza un "llamado de lucha" o un breve ensayo, reservado para que los actores "marquen" la lucha para aumentar su memoria muscular . Un espectáculo que incluye coreografía de lucha normalmente será entrenado y supervisado por un coreógrafo de lucha profesional y también puede incluir un capitán de lucha , que dirige los llamados de lucha y se asegura de que los actores permanezcan seguros durante toda la duración del espectáculo. [16]
Los estilos de lucha de las películas ambientadas en la Edad Media o el Renacimiento pueden ser poco realistas e históricamente inexactos. La mayoría de los coreógrafos de lucha utilizan una mezcla de artes marciales asiáticas y esgrima deportiva para recrear escenas de lucha. Esto se debe generalmente al aspecto que pide el director para la lucha. Si el director quiere que la historia fluya de una determinada manera, entonces el director de lucha coreografiará las peleas para que se ajusten a ese estilo y cuenten la historia.
Para el combate escénico, todos los bordes deben estar desafilados y las puntas romas para que no haya riesgo de lesiones graves si alguien es apuñalado accidentalmente. Además, las armas que se utilizan, y no solo para exhibirlas, deben estar certificadas como aptas para el combate, lo que evitará accidentes por rotura accidental de las hojas.
Las armas cuerpo a cuerpo se utilizan en grandes escenas de batalla y pueden incluir lanzas , hachas , mazas , mayales y más. Estas son otras armas que se utilizan mejor en espacios de juego grandes donde hay espacio para trabajar a una distancia segura.
Los bastones se utilizan en espectáculos que se realizan en grandes espacios de juego debido al gran tamaño del arma. Una de las peleas con bastones más populares es la que se libra entre Robin Hood y Little John en el cuento de Robin Hood de la balada del siglo XVII. La coreografía moderna con bastones también ha integrado las técnicas del bastón bō del arte marcial japonés Tenshin Shōden Katori Shintō-ryū , que se originó alrededor de 1447. Se pueden ver ejemplos de este estilo en la famosa obra de Kabuki Yoshitsune Senbon Zakura , escrita en 1748. [ cita requerida ]
La reproducción de las artes marciales asiáticas en el escenario es a menudo una imitación de su representación cinematográfica y, a menudo, implica crear la ilusión de habilidades de alto nivel que los propios intérpretes no poseen. [17] A menudo, están coreografiadas con movimientos estilizados que se inspiran en el cine de artes marciales asiáticas más que en las prácticas marciales reales.
La compañía de teatro Vampire Cowboys , dirigida por Qui Nguyen y Robert Ross Parker, ha construido un género en parte alrededor de la puesta en escena de elaboradas escenas de lucha derivadas de las artes marciales.
La obra de Lanford Wilson Burn This también incluye una escena de lucha cuyo guión incluye elementos de aikido y kárate . Si bien la obra en sí no se centra en las artes marciales, su inclusión es importante en un momento crucial de la obra. Un ejemplo de artes marciales centradas en una escena de teatro musical se puede encontrar en Company (musical) de Stephen Sondheim , durante la canción "The Little Things You Do Together". También aparecen en algunas de las obras de David Henry Hwang .
Pan Asian Rep produjo Shogun MacBeth dos veces, que transpuso la obra de Shakespeare al Japón feudal, con el estilo apropiado de manejo de la espada. También adaptando la misma obra a un entorno japonés, Ping Chong creó una versión teatral de El trono de sangre de Kurosawa .
En términos del teatro asiático, las escenas de lucha en géneros como el Kabuki suelen estar muy estilizadas.
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La espada ancha, una espada de gran tamaño que se usaba habitualmente en la Alta Edad Media en Europa, destacaba por su gran empuñadura , que permitía manejarla con ambas manos debido a su tamaño y peso. Esta arma, que se usa para cortar en lugar de apuñalar, se utiliza en obras ambientadas en este período, como Macbeth de Shakespeare , y también se la ve en epopeyas fantásticas como El señor de los anillos .
La primera escuela que enseñaba el uso correcto del estoque en Inglaterra fue fundada en 1576 por Rocco Bonetti, de Italia. [18] Bonetti se hizo cargo del contrato de arrendamiento del dramaturgo John Lyly para abrir su escuela en Blackfriars . [19] El estoque tiene la ventaja de la estocada sobre el corte, lo que significa que podría ser un arma mucho más pequeña y ligera que la espada ancha. Es popular en obras de Shakespeare como Romeo y Julieta y Hamlet, donde se realizan duelos, y se puede utilizar en combinación con una daga.
La espada corta se puso de moda en Inglaterra y Francia a finales del siglo XVII. [18] Se utilizaba como arma de estocada, por lo que los movimientos de la espada se mantenían mínimos para encontrar la abertura por la que pudiera asestarse una estocada. La mayoría de los hombres de la época llevaban espadas cortas como accesorios de moda, por lo que la mayoría estaban elegantemente ornamentadas. Un ejemplo de un duelo con espadas cortas se puede ver en Les Liaisons Dangereuses de Christopher Hampton escrito en 1985, basado en la novela de 1782 del mismo nombre .
Existen muchos estilos de lucha con cuchillos, desde el cuchillo Bowie hasta la navaja automática . Las peleas con cuchillos suelen tener movimientos rápidos y bruscos. Un ejemplo de esto se puede ver en la pelea de West Side Story entre Riff y Bernardo. Sin embargo, en las obras de teatro, a menudo es un actor con un cuchillo contra alguien que está desarmado, como en el Acto I de la ópera Carmen de Georges Bizet , escrita en 1875.
LLyg La espada y los escudos utilizados en el combate escénico suelen ser redondos y lo suficientemente fuertes como para que puedan utilizarse como arma defensiva y ofensiva. Un elemento importante en el uso de un escudo es sostener el brazo del escudo en una diagonal superior de modo que el puño esté más alto que el codo para que la parte superior del escudo no se mueva cuando se golpea, y se pueda evitar el peligro de ser golpeado en la cara con el escudo o el arma utilizada para golpearlo. Se pueden encontrar espadas y escudos en escenas de batalla como en las obras históricas de Shakespeare La Guerra de las Rosas .
Un elemento básico de las películas de acción modernas debido a su espectáculo visual, resultado de una coreografía y acrobacias a menudo impresionantes. [20]
Consiste en un combate cuerpo a cuerpo sin armas. Los elementos del combate sin armas incluyen bofetadas, puñetazos, patadas, agarres, estrangulamientos, caídas, volteretas, agarres, entre otros. Muchos directores de lucha recurren a combinaciones de lucha callejera desordenada y artes marciales como el aikido y el jiu-jitsu brasileño para crear peleas de esta naturaleza. Generalmente es más común en obras contemporáneas modernas, después de que las espadas hayan pasado de moda, pero también se ve en obras más antiguas como Otelo de Shakespeare cuando Otelo estrangula a Desdémona.
Los objetos encontrados son objetos que no son armas tradicionales pero que pueden usarse como tales en el contexto de la escena. Un ejemplo clásico de esto es romper una botella en la cabeza de alguien. Como en todo combate escénico, los objetos están manipulados de manera que no representen ningún peligro para los destinatarios. En el caso de botellas o platos, se utilizan moldes de vidrio de azúcar en lugar de botellas de vidrio reales.
La coreografía de lucha puede variar ampliamente, desde el verdadero realismo hasta la fantasía absoluta , dependiendo de los requisitos de una producción en particular. Una de las principales razones por las que los directores de lucha teatral a menudo no apuntan al realismo estricto es que el público en vivo no podría seguir fácilmente la "historia" de la acción si los cuerpos y las espadas se movieran de la manera en que los moverían los luchadores entrenados. Por ejemplo, una producción de Cyrano de Bergerac , de Edmond Rostand , utilizando espadas del siglo XVII, podría mostrar a Cyrano realizando muchos ataques de corte circular. Pero un ataque más eficiente y práctico sería tomar una línea más rápida y directa hacia el cuerpo del oponente. Pero el director de lucha sabe que el público no podría seguir la acción tan bien si los ataques fueran más rápidos (el público podría difícilmente ver las delgadas espadas atravesar el aire), por lo que la mayoría de los coreógrafos de lucha tomarían decisiones para ayudar al público a seguir la historia. Por supuesto, esto depende de la producción, el director y otras elecciones estilísticas.
Una escuela de pensamiento coreográfico de lucha dice que un aspecto inusual del combate escénico en vivo, como en una obra de teatro, es que el público reaccionará negativamente incluso a la violencia simulada si teme que los actores estén siendo lastimados: por ejemplo, si un actor recibe una bofetada en la cara, el público dejará de pensar en el personaje y, en cambio, se preocupará por el intérprete. El público también puede temer por su propia seguridad si las grandes escenas de combate parecen estar fuera de control. Por lo tanto, el combate escénico no es simplemente una técnica de seguridad, sino que también es importante para que el público mantenga una suspensión ininterrumpida de la incredulidad .
El combate escénico, que tiene sus raíces en el teatro medieval , entra en la coreografía del teatro clásico con el drama isabelino ( la sencilla y frecuentemente vista dirección escénica de Shakespeare , ellos luchan ).
Obras de teatro clásicas con escenas de lucha con espadas:
El cine heredó el concepto de luchas coreografiadas directamente de la lucha teatral. Douglas Fairbanks en 1920 fue el primer director de cine que pidió a un maestro de esgrima que le ayudara a producir una escena de esgrima en el cine. [21] Una segunda ola de películas de capa y espada se desencadenó con Errol Flynn en 1935. El renovado interés por las películas de capa y espada surgió en la década de 1970, a raíz de Los tres mosqueteros (1973). Los directores de esta etapa buscaban una cierta cantidad de precisión histórica, aunque, como dice la Encyclopædia Britannica de 2007 , "la esgrima cinematográfica sigue siendo una representación pobre de la técnica de esgrima real". Las películas de Star Wars , cuyas peleas están coreografiadas por Bob Anderson y Peter Diamond (Episodios IV, V y VI) y Nick Gillard (Episodios I, II y III), tienden a representar su combate con sables de luz utilizando técnicas de esgrima extraídas de artes marciales existentes, pero realizadas con armas de fantasía como sables de luz o la Fuerza , mientras que la acción presentada en El Señor de los Anillos , también coreografiada por Bob Anderson, empleó armas de fantasía y estilos de lucha, diseñados por Tony Wolf .
Durante las décadas de 1970 y 1980, Bruce Lee , Sonny Chiba , Jackie Chan y Sammo Hung se hicieron famosos tanto por coreografiar como por actuar en películas de acción de artes marciales, y fueron influyentes en el desarrollo del combate escénico en el cine. El coreógrafo de lucha con sede en Hong Kong, Yuen Woo-ping, es conocido por su trabajo en Crouching Tiger, Hidden Dragon y la trilogía Matrix , en la que las técnicas de lucha a menudo poco realistas se complementan con técnicas de dirección como el tiempo bala . Ching Siu-tung es particularmente conocido en el campo del cine de acción de Hong Kong por su uso de elegantes técnicas de wire fu . Por el contrario, películas como The Duellists , lucha dirigida por William Hobbs, Once Were Warriors , lucha dirigida por Robert Bruce y Troy & Ironclad , lucha dirigida por Richard Ryan son ampliamente famosas por incluir escenas de combate realistas y crudas. Ryan también es conocido por su creatividad al idear estilos como el de Batman en The Dark Knight y el estilo de "previsión" de Sherlock Holmes en las dos películas de Sherlock Holmes de Guy Ritchie .
La recreación de combate es una faceta de la recreación histórica que tiene como objetivo representar acontecimientos de batalla, normalmente un enfrentamiento específico en la historia, pero también batallas no previstas en un guión en las que el "ganador" no está predeterminado.