Edward Ralph Kienholz (23 de octubre de 1927 - 10 de junio de 1994) fue un artista de instalaciones y escultor de ensamblajes estadounidense cuyo trabajo fue muy crítico con aspectos de la vida moderna. A partir de 1972, reunió gran parte de su obra de arte en estrecha colaboración con su socia artística y quinta esposa, [1] [2] Nancy Reddin Kienholz . A lo largo de gran parte de su carrera, el trabajo de los Kienholz fue más apreciado en Europa que en su Estados Unidos natal, aunque los museos estadounidenses han presentado su arte de manera más destacada desde la década de 1990.
El crítico de arte Brian Sewell llamó a Edward Kienholz "el artista estadounidense menos conocido, más descuidado y olvidado de la Generación Beat de Jack Kerouac de los años 1950, un contemporáneo de los escritores Allen Ginsberg , William Burroughs y Norman Mailer , su imaginería visual al menos tan sombría, áspera, sórdida y deprimente como su vocabulario literario". [2]
Edward Ralph Kienholz nació en Fairfield, Washington , en la parte seca del este del estado. Creció en una granja de trigo, aprendiendo carpintería , dibujo y habilidades mecánicas. Su padre era estricto y su madre era una fundamentalista religiosa ; el hijo rebelde anhelaba escapar de este entorno restringido. [3] Estudió arte en Eastern Washington College of Education y brevemente, en Whitworth College en Spokane , pero no recibió ningún título formal. [4] Después de una serie de trabajos ocasionales, trabajando como ordenanza en un hospital psiquiátrico , gerente de una banda de baile, vendedor de autos usados, proveedor de catering, decorador y vendedor de aspiradoras, Kienholz se estableció en Los Ángeles , donde se involucró con la escena artística de vanguardia de la época.
En 1956, Kienholz abrió la Galería NOW, para la cual Michael Bowen diseñó el letrero; [5] ese año conoció al estudiante de posgrado Walter Hopps , propietario de la Galería Syndell. Coorganizaron el Festival de Arte de la Ciudad, [6] luego, en 1957, con el poeta Bob Alexander, abrieron la Galería Ferus en North La Cienega Boulevard. [7] La Galería Ferus pronto se convirtió en un foco de arte y cultura de vanguardia en el área de Los Ángeles.
A pesar de su falta de formación artística formal, Kienholz comenzó a emplear sus habilidades mecánicas y de carpintería para realizar pinturas de collage y relieves ensamblados a partir de materiales rescatados de los callejones y aceras de la ciudad. [8] En 1958 vendió su parte de la Galería Ferus para comprar una casa y un estudio en Los Ángeles y concentrarse en su arte, creando cuadros ambientales independientes y a gran escala. Continuó participando en las actividades de la Galería Ferus y montó una muestra de sus primeras obras de ensamblaje en 1959.
En 1961, Kienholz completó su primera instalación a gran escala, Roxy's , un entorno del tamaño de una habitación que mostró en la Galería Ferus en 1962. Ambientada en el año 1943, Roxy's representa los recuerdos de Kienholz de sus encuentros juveniles en un burdel de Nevada con muebles antiguos, una máquina de discos de los años 30 , artículos diversos de época y personajes satíricos ensamblados a partir de piezas de chatarra desechadas. [9] Esta obra de arte más tarde causó revuelo en la exposición documenta 4 en 1968. [10]
Una exposición de 1966 en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) provocó una considerable controversia por su montaje, Back Seat Dodge '38 (1964). La Junta de Supervisores del Condado de Los Ángeles la calificó de "repugnante, pornográfica y blasfema", [6] y amenazó con retener la financiación para el museo a menos que el cuadro fuera retirado de la exposición. [11] Se llegó a un acuerdo según el cual la puerta del coche de la escultura permanecería cerrada y vigilada, y se abriría solo a petición de un cliente del museo mayor de 18 años, y solo si no había niños presentes en la galería. El alboroto provocó que más de 200 personas hicieran cola para ver la obra el día de la inauguración de la exposición. Desde entonces, Back Seat Dodge '38 ha atraído multitudes. [11] El LACMA no adquirió formalmente la obra hasta 1986. [12]
En 1966, Kienholz comenzó a pasar los veranos en Hope, Idaho , mientras mantenía un espacio de estudio en Los Ángeles. También en esa época, produjo una serie de cuadros conceptuales , que consistían en descripciones de texto enmarcadas de obras de arte que aún no existían. Vendía estas obras de arte conceptual temprano (aunque el término no se usaba mucho en ese momento) por una suma modesta, dando al comprador el derecho (previo pago de una tarifa mayor) de que Kienholz realmente construyera la obra de arte. [13] [14] Vendió una serie de cuadros conceptuales , pero solo The State Hospital progresó hasta convertirse en una obra de arte completa. [15]
Los ensamblajes de objetos encontrados de Kienholz —los restos de la existencia moderna, que a menudo incluyen figuras moldeadas del natural— son a veces vulgares, brutales y horripilantes, y plantean al espectador preguntas sobre la existencia humana y la inhumanidad de la sociedad del siglo XX. En relación con los materiales encontrados, dijo en 1977: "Realmente empiezo a entender cualquier sociedad al recorrer sus tiendas de chatarra y sus mercados de pulgas . Para mí es una forma de educación y orientación histórica. Puedo ver los resultados de las ideas en lo que una cultura desecha". [6]
Kienholz incorporaba ocasionalmente radios o televisores en desuso o en funcionamiento en sus obras, a veces añadiendo sonido e imágenes en movimiento al efecto general. Se incluyeron animales vivos de forma selectiva como elementos cruciales en algunas instalaciones, proporcionando movimiento y sonido que contrastaban marcadamente con cuadros congelados de decadencia y degradación. Por ejemplo, The Wait , una escena lúgubre de una mujer esquelética solitaria rodeada de recuerdos y esperando la muerte, incorpora una jaula con un periquito vivo que gorjea y salta alegremente. El pájaro se considera una parte integral de la instalación, pero requiere una atención especial para garantizar que se mantenga saludable y activo, como se describe en el catálogo y el vídeo en línea del Museo Whitney . [16] Otra obra conocida, The State Hospital , incorpora un par de peces de colores negros nadando en cada una de dos peceras de vidrio que representan la cabeza de un interno que sufre una enfermedad mental . [17]
La obra de Kienholz se refería ferozmente al racismo, el envejecimiento, las enfermedades mentales, los estereotipos sexuales, la pobreza, la codicia, la corrupción, el imperialismo, el patriotismo, la religión, la alienación y, sobre todo, la hipocresía moral . Debido a sus tonos satíricos y antisistema , sus obras a menudo se han vinculado al movimiento artístico funk que surgió en San Francisco en la década de 1960. [18]
Aunque era ateo y despreciaba la religiosidad fingida, Keinholz conservó cuidadosamente un altar anónimo en el escaparate de una tienda descubierto en Spokane, Washington . Keinholz llamó a esta obra de arte ajena The Jesus Corner y la exhibió en un museo de Spokane en 1984, y luego la mostró en el Museo de Arte Moderno de San Francisco . Diez años después, Keinholz insistió en venderla a un precio reducido al Museo de Arte de Missoula en Missoula, Montana , para asegurarse de que se exhibiría en un entorno en el que se sintiera cómodo. [19]
En 1981, Ed Kienholz declaró oficialmente que todo su trabajo a partir de 1972 debía entenderse retrospectivamente como coautor y cofirmado por su quinta esposa y colaboradora, la ex fotoperiodista Nancy Reddin Kienholz . [1] [12] En conjunto, se los conoce como "Kienholz". Su trabajo ha sido ampliamente aclamado, particularmente en Europa . [3]
A principios de los años 1970, Kienholz recibió una beca que le permitió trabajar en Berlín . Sus obras más importantes durante este período se basaron en los Volksempfängers (aparatos receptores de radio de canal fijo del período nacionalsocialista en Alemania ). En 1973 fue artista invitado del Servicio Alemán de Intercambio Académico en Berlín. En 1974, Edward Kienholz actuó con Jannis Kounellis , Wolf Vostell y otros artistas en Berlín en la ADA - Aktionen der Avantgarde . [20]
En 1973, Kienholz y Reddin se mudaron de Los Ángeles a Hope, Idaho , y durante los siguientes veinte años dividieron su tiempo entre Berlín e Idaho. En 1976 recibió una beca Guggenheim . En 1977 abrió "The Faith and Charity in Hope Gallery" en su estudio de Idaho, y expuso tanto artistas consagrados como emergentes, entre ellos Francis Bacon , Jasper Johns , Peter Shelton y Robert Helm. [1] Los Keinholz continuaron produciendo sus propias nuevas instalaciones y esculturas para exposiciones.
Edward Kienholz murió repentinamente en Idaho el 10 de junio de 1994, de un ataque al corazón después de caminar por las montañas cerca de su casa. Era un fumador crónico que había estado luchando contra la diabetes , lo que afectó progresivamente el uso de sus extremidades. [3] [19] Fue enterrado en una instalación auténtica de Kienholz; Robert Hughes escribió: "[S]u cuerpo corpulento y embalsamado fue encajado en el asiento delantero de un cupé Packard marrón de 1940. Había un dólar y una baraja de cartas en su bolsillo, una botella de Chianti de 1931 a su lado y las cenizas de su perro Smash en la parte trasera. Estaba listo para la otra vida. Al son de las gaitas , el Packard, conducido por su viuda Nancy Reddin Kienholz, rodó como una barcaza funeraria hacia el gran agujero". [21]
Después de la muerte de Edward, Nancy Reddin Kienholz continuó administrando su patrimonio artístico conjunto, organizando muestras y exposiciones, [22] hasta su propia muerte en 2019.
Las retrospectivas de la obra de Kienholz han sido poco frecuentes debido a la dificultad y el gasto que supone reunir esculturas e instalaciones frágiles, literalmente del tamaño de una sala, procedentes de colecciones muy dispersas por todo el mundo. La obra de Kienholz ha sido a menudo difícil de ver, tanto por su temática como por la logística de su exposición.
Relativamente pocas de las obras principales habían sido exhibidas en los EE. UU., la tierra natal de los Kienholz, aunque los museos estadounidenses ahora han comenzado a presentar su trabajo de manera más destacada, especialmente después de una importante exposición retrospectiva (póstuma) en 1996 en el Museo Whitney de Arte Estadounidense . El Museo Bowers (Santa Ana, California), el Instituto de Arte de Dayton , el Museo de Arte de Honolulu , la Galería Nacional de Arte (Washington, DC), el Museo de Oakland de California , el Museo de Arte Moderno de San Francisco , el Museo Smithsonian de Arte Estadounidense , el Museo de Arte de la Universidad de Arizona , el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA), el Museo de Arte Weisman en la Universidad de Minnesota, Minneapolis y el Museo Whitney de Arte Estadounidense (Nueva York) se encuentran entre las colecciones públicas que albergan obras de Kienholz. [23]
Los diversos materiales y métodos improvisados libremente utilizados en las obras de Kienholz plantean un desafío inusual para los conservadores de arte que intentan preservar la intención y la apariencia originales del artista. El tratamiento de Back Seat Dodge '38 contra las polillas de la ropa presentó una situación incómoda, que fue abordada hábilmente por el Getty Conservation Institute y el J. Paul Getty Museum en nombre del LACMA, el propietario de la obra de arte. [24]
En 2009, la National Gallery de Londres montó una exposición de The Hoerengracht (en holandés: Canal de las putas ), una instalación de paisaje urbano de la década de 1980 que retrata el barrio rojo de Ámsterdam, Países Bajos . [2] [22] Del 6 de mayo al 19 de junio de 2010, Roxy's (1960) de Kienholz fue reconstruida meticulosamente y visible a través de la abertura de dos ventanas panorámicas en la galería David Zwirner en la ciudad de Nueva York . [9] [25]
En 2011, la obra de Kienholz fue visitada con renovada atención en Los Ángeles en parte como resultado de la serie de exposiciones Pacific Standard Time , [26] que vio su poderosa instalación de 1972 Five Car Stud reinstalada en el LACMA. [27] La instalación de gran tamaño está enmarcada por cinco vehículos estacionados en un círculo, sus faros iluminando una cruda escena de castración por odio racial . Se exhibió en Los Ángeles y Alemania en 1972, luego fue comprada por un coleccionista japonés y se mantuvo almacenada durante casi 40 años, conocida solo a través de fotos documentales de esas exposiciones. En septiembre de 2011, fue reinstalada en el LACMA. [27] En Art Basel 2012, fue comprada por la Fundación Prada . [28]
La obra de Kienholz titulada The Jesus Corner ahora está en exhibición en el Museo de Artes y Cultura de Spokane, Washington.
Kienholz es reconocido como pionero, ya en 1960 con Roxy's , de lo que llegó a conocerse como arte de instalación y arte de ensamblaje . También produjo obras tempranas de arte conceptual con su serie Concept Tableau a mediados de la década de 1960. En 1968, el comportamiento cuidadosamente documentado y conscientemente escandaloso de Ed Kienholz en lo que se ha llamado el "Incidente TWA" reveló aspectos de lo que más tarde se llamaría " arte de performance ". [4] A pesar de sus afirmaciones de ser simplemente un rudo carpintero y mecánico de clase trabajadora, Kienholz era muy consciente de su posición en la escena del arte contemporáneo y actuó de manera asertiva para dar forma a su imagen y legado. [4]
El libro Le mur du pacifique , del filósofo francés Jean-François Lyotard , es una meditación extensa sobre la instalación Five Card Stud de Keinholz . [29]
