Doug Aitken (nacido en 1968) es un artista multidisciplinario estadounidense. El trabajo de Aitken abarca desde la fotografía, los medios impresos, la escultura y las intervenciones arquitectónicas hasta las películas narrativas, el sonido, las obras de video monocanal y multicanal, las instalaciones y las performances en vivo. [1] Actualmente vive en Venice, California , y en la ciudad de Nueva York. [2]
Doug Aitken nació en 1968 en Redondo Beach, California . [3] En 1987, estudió inicialmente ilustración de revistas [4] con Philip Hays en el Art Center College of Design en Pasadena antes de graduarse en Bellas Artes en 1991.
Se mudó a Nueva York en 1994, donde realizó su primera exposición individual en la Galería 303. [4]
El trabajo de Aitken abarca desde la fotografía, los medios impresos, la escultura y las intervenciones arquitectónicas hasta películas narrativas, sonido, trabajos de video de un solo canal y de múltiples canales, instalaciones y presentaciones en vivo. [5] [6] [7] Las obras de video de Aitken han tenido lugar en sitios con tanta carga cultural como Jonestown en Guyana, las minas de diamantes del suroeste de África y Bollywood en la India . [8]
Aitken ha creado una serie de instalaciones específicas para cada lugar, en las que a veces sintetiza medios interactivos con arquitectura. [9] Una obra específica para cada lugar reciente, New Horizon , giraba en torno a un globo aerostático reflectante y una góndola que se transformaban en una escultura de luz cinética. La escultura del globo se presentó en una serie de eventos que tuvieron lugar en julio de 2019 en todo el estado de Massachusetts. [10] Otro proyecto fue Underwater Pavilions (2016), que consistía en tres esculturas temporales que estaban amarradas al fondo del océano frente a la isla Catalina, California. De diseño geométrico, las esculturas creaban entornos que reflejaban y refractaban la luz, abriendo un portal que conectaba físicamente al espectador con la extensión del océano y, al mismo tiempo, alteraba las ideas visuales preconcebidas del mundo acuático. Al fusionar el lenguaje de la arquitectura contemporánea, el arte terrestre y la investigación y conservación del océano, los Underwater Pavilions eran una obra de arte viviente dentro de un ecosistema vibrante. [11] En contraste con las áreas de la escultura que tienen una superficie áspera y similar a una roca, las secciones reflejadas reflejaban el paisaje marino y, al acercarse, se activaban para convertirse en un observatorio caleidoscópico. Los entornos creados por las esculturas cambiaban y se ajustaban con las corrientes y la hora del día, centrando la atención del espectador en el ritmo del océano y sus ciclos de vida. La obra de arte creó una variedad de encuentros perceptivos convergentes que jugaban con la fluidez del tiempo y el espacio, lo que resultó en una mayor conciencia del mundo físico. Las esculturas se crearon en asociación con Parley for the Oceans y el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles . [12] Otro proyecto específico del sitio, titulado Mirage , se estrenó en Desert X , cerca de Palm Springs, CA, del 25 de febrero al 30 de abril de 2017, y evolucionó con presentaciones en Detroit, MI, como Mirage Detroit (2018), [13] y Suiza como Mirage Gstaad (2019). [14]
Desde mediados de los años 90, Aitken ha creado instalaciones empleando múltiples pantallas en entornos arquitectónicamente provocativos. Diamond Sea (1997), por ejemplo, incluye tres proyecciones de video, un monitor de video suspendido y una fotografía de transparencia iluminada a todo color en un espacio con poca luz. Múltiples altavoces crean una experiencia de sonido envolvente; la película de múltiples pantallas explora una región protegida en el desierto de Namib en el suroeste de África conocida como Diamond Area 1 y 2. El territorio, estimado en más de 40.000 millas cuadradas y sellado desde 1908, contiene la mina de diamantes controlada por computadora más grande y más rica del mundo. Hysteria (1998-2000) utiliza material fílmico de las últimas cuatro décadas que muestra al público de conciertos de pop y rock trabajando hasta el frenesí en cuatro pantallas en formación de X. [15] Filmada y fotografiada en los polvorientos escenarios de sonido y sets de películas de Bombay, Into the Sun (1999) se centra en la frenética actividad de Bollywood , recreando los escenarios de sonido de la industria cinematográfica india con pantallas de proyección de lona, un piso de tierra roja y video mostrado en un bucle ininterrumpido de veinticuatro horas. [16] Diamond Sea se presentó en la Bienal Whitney de 1997 y su instalación Electric Earth , una experiencia poscinemática de ocho proyecciones en varias salas, atrajo la atención internacional y le valió el Premio Internacional en la Bienal de Venecia en 1999. [6] Su ambiciosa muestra New Ocean , que incluía múltiples obras de sonido, fotografía y video, comenzó con una transformación de la Serpentine Gallery de Londres y viajó por el mundo a Austria, Italia y Japón, cada vez en una nueva configuración. En 2010, Aitken exhibió su obra House , un estudio de destrucción que presenta a los padres del artista. [17] En 2017, el artista exhibió una instalación de video de tres canales titulada Underwater Pavilions en Art Basel Unlimited, que documenta esculturas del mismo nombre. [18] Aitken ha exhibido NEW ERA , una instalación de video caleidoscópica multicanal en una sala hexagonal con espejos, en varios lugares del mundo, desde Nueva York [19] hasta Zúrich, [20] Dinamarca, Pekín, [21] California [22] y Londres. [23] La obra de arte mapea la creación del teléfono celular en un paisaje de repetición y ajuste de cuentas filosófico con su efecto en el mundo. [24] En 2023 en Zúrich, mostró una instalación de video de cinco canales titulada HOWLdonde "las torres de perforación de petróleo divisan las ondulantes colinas blanqueadas por el sol de un valle desolado en el centro de California mientras los tableros de madera contrachapada cierran las tiendas locales. Intercalados con estas representaciones de espacios abiertos, los residentes ofrecen fragmentos de audio sobre las circunstancias de vida en esta ciudad moribunda. Hablan de sus esperanzas para la zona, su historia de auge petrolero, sus vidas y el futuro más amplio". [25]
En 1998, Glass Horizon , una instalación que comprendía la proyección de un par de ojos sobre la fachada del edificio de la Secesión de Viena después de que cerrara por la noche, mostró un interés en las estructuras arquitectónicas y en el arte que interactúa con los entornos urbanos. [26] En 2001, la exposición de Aitken en la Serpentine Gallery de Londres utilizó todo el edificio para la compleja instalación New Ocean, incluida la transformación de la torre del museo en un faro funcional por la noche. [27]
En 2004, después de haber trabajado juntos en Berlín, Doug Aitken y Klaus Biesenbach co-curaron Hard Light , una exposición grupal en el MoMA PS1 . [28] En el invierno de 2007, la instalación a gran escala de Aitken Sleepwalkers , curada por Klaus Biesenbach en colaboración con Creative Time , se presentó en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. El proyecto incluyó actores como Donald Sutherland y Tilda Swinton , así como los músicos Seu Jorge y Cat Power . [29] Cinco viñetas entrelazadas mostradas a través de ocho proyecciones se exhibieron en las paredes exteriores del museo para que fueran visibles desde la calle. Simultáneamente con la exposición, Aitken también presentó un "happening" dentro del museo que contó con bateristas y subastadores en vivo, y una actuación de Cat Power. En el mismo año, creó una mesa de música interactiva: "knockout". [30]
En 2008, Aitken produjo otra instalación cinematográfica al aire libre a gran escala, titulada Migration, para la 55.ª edición de la muestra internacional Carnegie titulada "Life on Mars" en Pittsburgh, Pensilvania. La primera entrega de una trilogía de tres partes titulada Empire , la obra presenta animales salvajes migratorios de América del Norte que pasan y habitan curiosamente habitaciones de hotel vacías y desoladas. [31]
Continuando con el trabajo de Aitken en instalaciones de video al aire libre a gran escala, su obra de arte "SONG 1" (2012), creada para el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn , desafió el estándar del arte público en Washington DC. La obra de arte, que deconstruyó la popular canción " I Only Have Eyes for You ", creó una pantalla de 360 grados a partir de la fachada circular del museo. En lugar de utilizar una superficie cóncava más típica para tal proyección, Aitken proyectó la película sobre el exterior convexo del museo creando una experiencia cinematográfica que requería moverse por el edificio y que nunca podría verse completamente desde una ubicación. [32]
Otro ejemplo de lo que el artista ha llamado "arquitectura líquida", su instalación independiente ALTERED EARTH (2012) explora la región de Camargue , en el sur de Francia, en una disposición fluida y laberíntica de doce grandes proyecciones en la Grande Halle, con forma de hangar, del Parc des Ateliers de Arles. La obra también inspiró una aplicación creada por el artista y POST para el iPad de Apple. [33]
Mirror (2013), encargado por el mecenas Bagley Wright , es una gran pantalla LED que rodea la esquina del Museo de Arte de Seattle con finas tiras de luces verticales. Para el proyecto, Aitken había estado filmando durante cinco años, capturando imágenes del centro de Seattle y de sus alrededores. Un programa informático selecciona qué partes del metraje proyectar en respuesta a una transmisión en vivo de información que va desde el clima hasta la densidad del tráfico en las calles de Seattle. [34]
En 2006, Aitken produjo Broken Screen: 26 Conversations with Doug Aitken ( Distributed Art Publishers , 2006), un libro de entrevistas con veintiséis artistas que tienen como objetivo explorar y desafiar las convenciones de la narrativa lineal. Las entrevistas incluyeron a Robert Altman , Claire Denis , Werner Herzog , Rem Koolhaas , Kenneth Anger y otros. The Idea of the West (2010) presenta la respuesta colectiva de 1000 personas en la calle a quienes se les preguntó "¿Cuál es tu idea de Occidente?" para crear un manifiesto a partir de las citas y comentarios de individuos al azar. Otro proyecto de entrevistas, Patterns & Repetition (2011) es una serie de conversaciones filmadas sobre la creatividad en el siglo XXI en las que Aitken lleva a cabo conversaciones breves con pioneros de diferentes disciplinas artísticas, incluidos Devendra Banhart , Thomas Demand , Jack White , James Murphy , Mike Kelley , Jacques Herzog , Fischli & Weiss , Yayoi Kusama , Stephen Shore y Dan Graham . Continuando con su interés en el intercambio de ideas, la obra de Aitken "THE SOURCE" (2012) explora la raíz de la creatividad. Seis proyecciones en un pabellón diseñado por David Adjaye , recorren muchas más entrevistas con artistas, arquitectos y músicos como Adjaye, Liz Diller, William Eggleston , Philippe Parreno , Paolo Soleri , Tilda Swinton y Beck , entre otros.
Aitken ha dirigido muchos "happenings" en vivo, incluidos sus " Happenings" Broken Screen de 2006 en Los Ángeles y Nueva York. [6] En 2009, Aitken orquestó una ópera en tiempo real titulada "The Handle Comes Up, The Hammer Comes Down" que reunió a subastadores que actuaban al ritmo de su Sonic Table , en Il Tempo del Postino, en el Teatro de Basilea . [35]
También en 2009, junto con su instalación de video a gran escala, Frontier , presentada en la Isola Tiberina del río Tíber en el corazón de Roma, Aitken presentó un evento con el mismo título. La película presentaba a un protagonista interpretado por el icónico artista estadounidense Ed Ruscha , tal como se lo ve atrapado en un paisaje entre ficción y no ficción. La obra crea un viaje futurista del día a la noche en un mundo donde la realidad se pone en tela de juicio. [36] En el evento, los intérpretes de la película, como un chasqueador de látigos profesional, cobran vida en la instalación mientras están rodeados por el público. Black Mirror , que se mostró por primera vez en el espacio de proyectos de la Fundación Deste "Slaughterhouse" en la isla griega de Hydra , se muestra en cinco pantallas reflejadas "hasta el infinito" a través de espejos negros y estrellas como Chloë Sevigny, unida solo por breves conversaciones por teléfono y mediante una voz en off en lugares tan dispares como México, Grecia y América Central. [37] "Black Mirror" también fue un evento de cuatro noches realizado en una barcaza personalizada, que nuevamente contó con artistas de la película: Leo Gallo, Tim McAfee-Lewis, No Age y Chloë Sevigny . [38]
Aitken es bien conocido por sus numerosas fotografías, que a menudo exploran la disrupción espacial y temporal y la sugerencia narrativa como sus instalaciones. [39] Por ejemplo, Passenger , un grupo de fotografías fijas realizadas en 1999, muestra aviones en vuelo, la mayoría de las cuales se centran en las tenues trazas de despegues y aterrizajes sobre paisajes desolados de aeropuertos. [40] Más recientemente, Aitken ha creado cajas de luz de aluminio que combinan imagen fotográfica y texto. Extendiendo el tema del texto y la imagen, Aitken ha producido esculturas de materiales tan diversos como plantas dentro de acrílico transparente y espejos caleidoscópicos. [41] Otras esculturas, como sunset (black and white) (Atardecer (blanco y negro) , 2012, emplean el uso de espuma tallada a mano, epoxi y acrílico serigrafiado a mano. [42]
Interesado en la incómoda intersección de la naturaleza y la cultura o la variabilidad narrativa, el artista ha incorporado a sus partituras lo que él llama "grabaciones de campo", como los ruidos de la jungla de Jonestown, Guyana (en su Monsoon de 1995 ), y las reverberaciones de los temblores generados por la erupción del volcán Soufrière Hills en la isla caribeña de Montserrat (en Eraser , 1998). En 1996, para la organización de arte público Creative Time , Aitken concibió una pieza de instalación en el Anchorage, un espacio cavernoso dentro de la base del Puente de Brooklyn , que utilizó grabaciones de los ruidos del tráfico en lo alto. En 2004, completó una escultura sonora para el Pabellón de Barcelona compuesta por un poste central que sostenía unas pocas ramas de acero que giraban mientras unos altavoces altamente direccionales al final de cada rama reproducían fragmentos de una conversación con guión. En octubre de 2009, el Pabellón Sónico de Aitken abrió al público. El pabellón está ubicado en las colinas boscosas de Brasil, en Inhotim . El Pabellón Sónico ofrece un espacio comunitario para escuchar los sonidos de la tierra tal como se graban a través de micrófonos de alta sensibilidad enterrados a casi una milla de profundidad en el suelo y se llevan de regreso al pabellón a través de varios parlantes. El sonido que se escucha dentro del pabellón es el sonido amplificado del interior en movimiento de la tierra. [43] Aitken ha colaborado en sus películas con una amplia variedad de músicos, desde el artista de hip hop André 3000 de Outkast, quien estuvo en Interiors de Aitken en 2002, hasta bandas independientes como Lichens y No Age , que contribuyeron a su banda sonora para su película Migration de 2008 y Black Mirror de 2011 , respectivamente.
Aitken también es productor de libros: I AM A BULLET: Scenes from an Accelerating Culture (2000) una colaboración con el escritor Dean Kuipers ; Doug Aitken: AZ Book (Fractals) (2003), el alfabeto sirve como estructura para organizar el trabajo de fotografía y video de Aitken, junto con textos y entrevistas; Broken Screen (2005), un libro de entrevistas con 26 artistas que empujan los límites de la narrativa lineal; Alpha , publicado en 2005 por el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris ; Sleepwalkers (2007), publicado por el Museo de Arte Moderno , en correspondencia con la instalación de película y video del mismo nombre; 99 Cent Dreams (2008), una colección de fotografías que captura "momentos entre la interacción" para crear un diario de viaje nómada del siglo XXI; [44] Write In Jerry Brown President (2008), un libro de artista plegado publicado por el Museo de Arte Moderno ,; [45] The Idea of the West (2010), que preguntó a 1.000 personas sobre su idea del oeste, y fue producido en conjunto con un acontecimiento en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles ; [46] Black Mirror (2011), presenta a una Chloë Sevigny nómada, producida en conjunto con una instalación de vídeo y una actuación teatral en vivo en una barcaza; [47] SONG 1 (2012), acompañó una exposición del mismo nombre en el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn, el libro toma la forma del propio Hirshhorn, mientras examina la obra de arte que explora la idea de la comunicación pura a través de la canción pop I Only Have Eyes for You . [48]
Dos libros de estilo monográfico contienen información completa sobre la carrera del artista: Doug Aitken: 100 YRS , publicado por Rizzoli [49] y Doug Aitken: Electric Earth , publicado por Prestel. [50]
Station to Station es un “ happening ” nómada que tuvo lugar por primera vez en el otoño de 2013 en un tren transcontinental. Funcionó como una plataforma móvil para la experimentación artística con paradas en ciudades, pueblos y lugares remotos de todo Estados Unidos. Station to Station , un proyecto creado por artistas, abarcó historias en constante cambio, encuentros inesperados y colisiones creativas entre la música, el arte y el cine. [51]
El proyecto contó con el apoyo de una amplia gama de instituciones, entre ellas MoMA PS1 , Carnegie Museum of Art, MCA Chicago, Walker Art Center, SITE Santa Fe, LACMA y SFMOMA. [52] Todas las ganancias del evento se destinaron a financiar programas de arte de varios museos a lo largo de 2014.
Las obras de arte y las actuaciones musicales cambiaban con cada parada. El tren viajó desde la ciudad de Nueva York a San Francisco, haciendo un total de 9 paradas en estaciones de tren en todo el país: Nueva York; Pittsburgh; Chicago; Minneapolis/St. Paul; Santa Fe/Lamy, Nuevo México; Winslow, Arizona; Barstow, California; Los Ángeles; y Oakland. [53] El proyecto actuó como un estudio e incubadora cultural, creando momentos no planificados y colisiones artísticas. Los artistas que participaron incluyeron a Kenneth Anger , Olaf Breuning , Peter Coffin , Thomas Demand , Urs Fischer , Meschac Gaba , Liz Glynn, Fischli & Weiss , Fritz Haeg , Carsten Höller , Olafur Eliasson , Christian Jankowski , Aaron Koblin , Ernesto Neto , Nam June Paik , Jorge Pardo , Jack Pierson , Nicolas Provost , Stephen Shore , Rirkrit Tiravanija y Lawrence Weiner . Entre los músicos se encontraban Beck , The Black Monks of Mississippi, Boredoms , Jackson Browne , Cat Power , Cold Cave , The Congos , Dan Deacon , Eleanor Friedberger , The Handsome Family , Lia Ices , Kansas City Marching Cobras, Lucky Dragons , Thurston Moore , Giorgio Moroder , Nite Jewel , No Age , Patti Smith , Ariel Pink 's Haunted Graffiti, Savages (banda) , Mavis Staples , Suicide (banda) , Sun Araw , Thee Satisfaction , Twin Shadow y otros. Entre los colaboradores del material impreso se encontraban Taylor-Ruth Baldwin, Yto Barrada , Sam Durant , Karen Kilimnik , Urs Fischer , Catherine Opie , Jack Pierson , Raymond Pettibon y Josh Smith . La comida fue proporcionada por Alice Waters y el Edible Schoolyard Project y el chef Leif Hedendal.
Del 27 de junio al 26 de julio de 2015, Aitken presentó Station to Station: A 30 Day Happening en el Barbican Centre de Londres. Concebida como una exposición viviente, toda la instalación multidisciplinaria se convirtió en un evento multidisciplinario a gran escala, con más de 100 artistas, entre ellos Olafur Eliasson , Martin Creed y Terry Riley . [54] [55]
El 21 de agosto de 2015 se estrenó en Los Ángeles un largometraje dirigido por Aitken, filmado con imágenes de los acontecimientos de 2013, titulado Station to Station . La película, de formato experimental, fue descrita como "...una colección visceral y llena de textura de 62 cortos que capturan momentos durante el viaje de tres semanas..." [56] [57]
Aitken ha participado en más de 200 exposiciones de arte en todo el mundo. [58] Su trabajo ha sido presentado en numerosas exposiciones colectivas en instituciones como el Museo Whitney de Arte Americano , el Museo de Arte Moderno y el Centro Georges Pompidou de París. Entre otros, ha tenido exposiciones individuales en la Schirn Kunsthalle , Frankfurt, [59] el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn , [60] el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris , la Serpentine Gallery , Londres, Kunsthalle de Zúrich , Suiza, Kunsthaus Bregenz , Austria, el Museo de Arte Moderno , Nueva York, Deste Foundation , Grecia y la Tokyo Opera City Art Gallery, Japón. En 2006, el Museo de Arte de Aspen montó la primera exposición dedicada exclusivamente a la fotografía de Aitken. [61]
Del 10 de septiembre de 2016 al 15 de enero de 2017, el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles , en el Geffen Contemporary del MOCA, exhibió Doug Aitken: Electric Earth , la primera muestra norteamericana de mitad de carrera del artista. [62] [63] La exposición viajó al Museo de Arte Moderno de Fort Worth , Texas, del 28 de mayo de 2017 al 20 de agosto de 2017. [64]
Aitken está representada por 303 Gallery , Nueva York; [65] Regen Projects, Los Ángeles; Galerie Eva Presenhuber , Zúrich; y Victoria Miro Gallery , Londres.
Grosenick, Uta; Riemschneider, Burkhard, eds. (2005). Art Now (edición del 25 aniversario). Colonia: Taschen. págs. 16-19. ISBN 9783822840931.OCLC 191239335 .
