Urs Fischer (nacido el 2 de mayo de 1973) es un artista visual contemporáneo nacido en Suiza que vive en la ciudad de Nueva York y Los Ángeles. La práctica de Fischer incluye escultura, instalación, fotografía e imágenes mediadas digitalmente.
El estudio actual de Fischer ocupa un gran almacén en la sección Red Hook de Brooklyn , cerca del paseo marítimo. [1] También tiene un estudio en el barrio Frogtown de Los Ángeles . [2]
Nacido de dos médicos como el segundo de dos hijos en 1973, [1] Fischer comenzó su carrera en Suiza, donde estudió fotografía en la Schule für Gestaltung de Zurich. [3] Después del curso básico de primer año de arte y diseño, se matriculó en el departamento de fotografía de la escuela y se mantuvo trabajando como portero en clubes nocturnos y fiestas en casas de Zurich. [1]
Fischer se mudó a Ámsterdam en 1993, a la edad de diecinueve años, y tuvo su primera exposición individual en una galería de Zurich en 1996. Posteriormente vivió en Londres, Los Ángeles y Berlín antes de mudarse a Nueva York. [1] En Berlín y Nueva York, compartió estudios con el también artista Rudolf Stingel . [1]
Fischer trabaja en escultura, fotografía, dibujo, pintura, publicaciones y arte digital. El artista emplea una variedad de materiales y procesos en su trabajo, [4] incluidos novedosos sistemas de computación e inteligencia artificial , [5] dando como resultado una obra que “resiste una fácil clasificación”. [6] Su enfoque subversivo y metafísico del arte a menudo se considera influenciado por movimientos anti-arte como Neo-Dada, Lost Art o la Internacional Situacionista. [7] Desde que Fischer comenzó a mostrar su trabajo en Europa a mediados de la década de 1990, ha producido una enorme cantidad de objetos, dibujos, collages e instalaciones del tamaño de una habitación. [1] Fischer ha sido descrito por la revista de arte y cultura Vault como “internacionalmente célebre” y uno de los artistas contemporáneos más importantes que trabajan en la actualidad, [8] con precios de venta globales que alcanzan los 6,8 millones de dólares. [9]
En 1996, Fischer realizó su primera exposición individual en la Galerie Walcheturm de Zurich. [10] En 1999, fue seleccionado para ser artista residente en la Fundación Delfina en Londres, junto a Keith Tyson , Mark Wallinger y Sonia Boyce . [11]
En 2002, Fischer tuvo su primera exposición institucional en los EE. UU. en el Museo de Arte de Santa Mónica , que incluía una de las primeras esculturas de cera, ¿Qué debería hacer un búho con un tenedor ? [12]
En 2010, Fischer lanzó una publicación con su colega artista Darren Bader, titulada The Bearded Island / The Artists Lament . La publicación fue un proyecto paralelo a la exposición colectiva de 2009 “Recordando el show de Henry” en la Fundación Brant en Greenwich, Connecticut. El texto es un examen minucioso del miedo y las obsesiones que impregnan la vida de un artista, frente a una serie de imágenes. [4]
En Death of a Moment (2007), dos paredes enteras están equipadas con espejos del piso al techo y se ponen en movimiento mediante un sistema hidráulico, para crear el efecto surrealista de una habitación en constante cambio, transformándose en forma y tamaño. [13]
En 2011, Fischer creó una reproducción en cera a escala de El rapto de las sabinas del escultor flamenco-italiano Giambologna para la Bienal de Venecia. La escultura fue realizada en la fundición suiza The Kunstgiesserei. La obra original de Giambologna en la Piazza della Signoria se digitalizó mediante un escáner óptico y la imagen se utilizó para crear un modelo 3D en espuma de poliuretano. Se hizo un negativo a partir del modelo de espuma y se rellenó con cera pigmentada para imitar el efecto del mármol. Se desarrolló un sistema de mecha para permitir que la obra, Sin título 2011, se derritiera como una vela durante la Bienal. La exposición incluyó otra escultura de cera del amigo y colega artista de Fischer, Rudolf Stringel, y una creación en cera de la propia silla de oficina de Fischer. [14] La obra fue descrita como un punto culminante de la Bienal de Venecia por la revista Vault. [8] Pinturas problemáticas
En 2012, Fischer exhibió su primera exposición en Gagosian , “Beds & Problem Paintings”, que presentaba fotografías publicitarias antiguas de Hollywood de gran tamaño obstruidas por imágenes serigrafiadas de objetos mundanos. [15]
"El 'problema' es que un objeto orgánico o inorgánico obstruye cada rostro. Las remolachas, una llave inglesa o un plátano: cada obstáculo es cotidiano, pero con este tamaño, para algunos son tan grandes como un pony, son inmediatamente icónicos". - Revista del New York Times [16]
En 2012, Fischer lanzó su propio sello editorial, Kiito-San, cuyos libros son distribuidos por DAP [17] y Buchhandlung Walther König. El sello ha publicado catálogos de exposiciones de Fischer, así como libros sobre la obra de Spencer Sweeney, Peter Regli y Darren Bader. En 2015, Kiito-San publicó un libro de cocina llamado Cooking for Artists, escrito por Mina Stone, quien prepara el almuerzo en el estudio de Fischer.
En 2018, concibió PLAY , con coreografía de Madeline Hollander , una exposición del tamaño de una sala que combina coreografía y escultura en la que los miembros de la audiencia pueden interactuar con sillas de oficina robóticas equipadas con sensores de movimiento y motores que se mueven por sí solos y reaccionan a las acciones de los participantes. en la galería. [18]
Ese mismo año, Fischer comenzó a explorar la pintura en un iPad: "Es mucho más parecido a tocar un instrumento: tu toque directo se transfiere inmediatamente a lo que es, en lugar de tener que mover el material". Sus pinturas para iPad, que recuerdan a las de David Hockney , [19] se exhibieron en la sede de Sadie Coles en Londres y en Gagosian en Beverly Hills.
En 2019, Fischer expuso "SIRENS" en la Galerie Max Hetzler de Berlín, una serie de nuevas pinturas que se basaron en la estética de sus anteriores Problem Paintings, utilizando fotogramas clásicos de Hollywood como base para explorar la forma y el color. [20]
HEADZ , que según el New York Times “resucitó el espíritu de Andy Warhol's Factory”, [21] era un salón semanal de comida, música y creatividad de boca en boca en el estudio de Spencer Sweeney en Chinatown en la ciudad de Nueva York. Abierto al público, los invitados fueron invitados a comer, escuchar música de improvisación y crear sus propias obras de arte para colgar en las paredes del estudio. Después de nueve meses, cuando expiró el contrato de arrendamiento de Sweeney, se fotografiaron las paredes del estudio y Fischer las recreó 1:1 como un papel tapiz conmemorativo que se exhibió in situ como una instalación en Beirut en 2020 (la primera exposición de Fischer en Medio Oriente). [22]
Mientras estaba encerrado en Los Ángeles durante la pandemia de COVID, Fischer creó una nueva serie de pinturas inspiradas en la vida hogareña (incluidas su casa, jardín, estudio y fotografías de la infancia), La inteligencia de la naturaleza , que se exhibió en la sede de Sadie Coles en 2021. [23]
A lo largo de su carrera, Fischer ha utilizado la tecnología digital para mezclar imágenes reutilizadas con imágenes generadas. [24] En 2021, exploró a fondo la escultura digital por primera vez con CHAOS , una serie que contiene 1000 objetos físicos cotidianos recreados y escaneados digitalmente (como un huevo y un encendedor) emparejados para interactuar entre sí.
Lanzado como una serie de 500 NFT individuales y culminando con una pieza final, CHAOS #501 , el proyecto tardó más de dos años en completarse e involucró a un equipo global de expertos en modelado 3D, animación y captura de movimiento. Fischer eligió los objetos porque fueron "diseñados, cultivados o fabricados por humanos". [25]
En abril de 2021, CHAOS #1–#500 se lanzó al público a través de subastas en línea en Fair Warning y Makers Place. CHAOS #1 se vendió por casi 100.000 dólares [26] a un comprador desconocido. [27] En septiembre de 2022, CHAOS #501 , la culminación de la serie, se exhibió en la exposición "Denominator" en Gagosian en la ciudad de Nueva York en una pantalla de pared micro LED de última generación de 14' x 30' con Paso de 0,84 píxeles. [28] La pantalla presentaba los 1000 objetos digitales interactuando en un solo espacio.
En la misma exposición, Fischer presentó dos nuevas piezas: People , una recreación de la Sala 43 de la Galería Nacional que presenta réplicas de pinturas de artistas como Van Gogh , con clips de cabezas recortadas de personas influyentes en videos de YouTube proyectadas sobre ella. La instalación fue comparada con “ la serie Gazing Ball de Jeff Koons , donde la participación del espectador en la obra se convierte en parte de su imagen”. [5] Denominator era un cubo de pantallas LED de 12' x 12' que mostraba videoclips de comerciales de televisión generados algorítmicamente, almacenados en un nuevo tipo de base de datos de videos diseñada por Fischer con ingenieros de software.
“El resultado es una extraña fusión de imágenes que muestra sistemas de tiempo y valores descompuestos por nuevos modos de procesamiento. En lugar de construir una estructura interpretativa para estas imágenes que explore su significado y comprensión mediante la cognición humana, Fischer deja que el código haga lo que quiera y permite que surjan nuevas interpretaciones... Es como si Fischer estuviera preguntando cuál es el significado de una audiencia. en la era moderna, e incluso, tal vez, si esa audiencia necesita ser humana”. [5]
A finales de 2022, Fischer lanzó su línea de ropa, UF, en la Galería Jeffrey Deitch de la ciudad de Nueva York. [29]
En Sin título (La casa del pan) (2004-2005), Fischer construyó un chalet de estilo suizo con hogazas de pan. ¡ Su mal momento, chuleta de cordero! (2004-2005), muestra una silla gigante de madera (en realidad, de aluminio fundido) que se cruza con un paquete de cigarrillos medio vacío y de escala dramáticamente aumentada.
Entre 2005 y 2006, creó Untitled (Lamp/Oso) , una edición de tres osos de bronce de 23 pies de alto y 20 toneladas (dos son amarillos, el tercero es azul) intersecados con lámparas funcionales genéricas que parecen surgir. de sus cabezas; [3] En 2011, una de las piezas estuvo expuesta durante cinco meses en la plaza del Seagram Building antes de ser subastada en Christie's , donde José Mugrabi la vendió por 6 millones de dólares. [30] Actualmente se exhibe en el Aeropuerto Internacional Hamad en Doha , Qatar . [31] [32] La versión azul, conocida cariñosamente como "Blueno", se instaló en la Universidad de Brown en Providence, Rhode Island de 2016 a 2020. [33] [34] [35]
Para su exposición de 2007 en Gavin Brown's Enterprise en Nueva York, Fischer excavó la sala principal de la galería, contrató a contratistas para cavar un hoyo de dos metros y medio donde había estado el piso y llamó al resultado Tú . [1] La obra fue descrita por el crítico de arte Jerry Saltz como “experimentalmente rica, llena de energía y entropía, repleta de caos y contradicciones”. [36]
Las esculturas de cera artísticas temporales de Fischer se han convertido en un icono de la práctica del artista. Fischer comenzó a hacer esculturas de cera a principios de la década de 2000, lo que dio como resultado formas femeninas anónimas y de corte tosco. Hoy en día, sus esculturas de cera son retratos refinados de figuras importantes del mundo del arte que se encienden como velas y se derriten durante la exposición. Las obras de cera son casi exclusivamente retratos escultóricos de sujetos humanos, y el proceso de fusión se presta a la contemplación del existencialismo y el significado último del arte y su legado. [4]
Francesco 2017 es una escultura de cera de cuatro metros de altura del curador italiano Francesco Bonami , amigo personal cercano del artista. La Galería Nacional de Australia adquirió Francesco en 2018, la primera adquisición bajo el liderazgo del nuevo director Nick Mitzevich. [37] Es la primera obra de Fischer que se incorpora a una colección en el hemisferio sur. [8]
Francesco 2017 muestra a Bonami encima de un refrigerador abierto repleto de frutas y verduras. El frigorífico actúa como un pedestal, una sátira de la elevación escultórica de hombres importantes sobre pedestales de mármol. La figura mira fijamente su teléfono inteligente, en una posición “emblemática de nuestra era”. [6] La cera derretida y las frutas y verduras en el refrigerador son una referencia al memento mori de la pintura holandesa del siglo XVII, donde motivos como comida, velas, relojes de arena y calaveras se utilizan como recordatorio de la mortalidad. [38] El artista no establece parámetros estrictos para la quema de la escultura. Las mechas se insertan en varios lugares de la obra; Se pueden encender todas las mechas a la vez para acelerar el proceso o se puede prolongar la vida útil de la obra limitando el número de mechas encendidas a la vez. La obra puede estar encendida de forma continua o esporádica. Una vez que la figura se haya derretido por completo, los restos serán devueltos a la fundición suiza donde fue realizada para ser refundido y devuelto al museo para la siguiente instalación. [8]
Mitzevich describió la adquisición a The Australian como “[encarna] lo que representa esta generación de arte”. [37] En otra entrevista con el Canberra Times, Mitzevich dice que la escultura demuestra que el arte contemporáneo “no es estático, está vivo y siempre cambiando, reflejando el mundo en el que vivimos”. [39]
La primera exposición individual a gran escala de Fischer fue Kir Royal en 2004 en el Kunsthaus Zurich en 2004. [6]
La primera exposición individual de Fischer en un museo estadounidense fue 'Urs Fischer: Marguerite de Ponty, expuesta en tres pisos del New Museum en 2009. La exposición, curada por el artista, presentó "instalaciones inmersivas y entornos alucinatorios" . Tras un amplio estudio de las obras escultóricas e instalaciones de Fischer, la exposición fue descrita como “elegante e impresionantemente sobria” [41] y fue bien recibida por la crítica.
En 2012, el Palazzo Grassi exhibió una retrospectiva de la obra de Fischer, concebida por la artista y curadora Caroline Bourgeois. La exposición fue una nueva puesta en escena del estudio del artista en Londres e incluyó un estudio de modelos, bocetos, notas, mobiliario y obras de arte. [4] Fischer fue el primer artista vivo que recibió una exposición monográfica en el Palazzo Grassi. [42]
En 2013, MOCA llevó a cabo una gran retrospectiva del trabajo de Fischer en sus dos ubicaciones, The Geffen Contemporary y MOCA Grand Avenue. Esto incluyó la curación de las propias obras de Fischer, así como intervenciones físicas en el espacio, como You (2007), donde el artista cortó enormes agujeros en la pared del museo, y una pieza interactiva Yes (2013) que consistió en muchos "experimentos escultóricos" en arcilla creados. por los visitantes de la exposición. [43] Michelle Kuo , escribiendo para Artforum, describió las intervenciones como un desafío a los métodos “serias y uniformes” de la curación contemporánea. [44] La cobertura en la época de Los Ángeles fue más crítica, comentando que el trabajo de Fischer se derivaba en gran medida de artistas anteriores, como Robert Gober, Marcel Duchamp y Bruce Nauman; y que la sátira del mundo del arte parecía vacía teniendo en cuenta que la gran mayoría de las obras eran prestadas de galerías y colecciones privadas. [45]
Las instalaciones y esculturas de Fischer se han exhibido en algunas exposiciones colectivas y bienales en todo el mundo, incluida Manifesta 3 [46] y la Bienal de Venecia en 2003, 2007 y 2011. [47] Su exposición individual en la Kunsthaus Zürich en 2004, titulada "Kir Royal ", fue su primera exposición individual a gran escala en un museo. [48] Las principales exposiciones recientes incluyen "Ni mi casa ni mi fuego", Espace 315, Centro Pompidou , París (2004); "Mary Poppins", Galería Blaffer , Museo de Arte de la Universidad de Houston, Houston, Texas (2006); "Urs Fischer: Marguerite de Ponty", Nuevo Museo de Arte Contemporáneo , Nueva York (2009-2010); [49] "Skinny Sunrise", Kunsthalle Wien , Viena (2012); [50] "Madame Fisscher", Palazzo Grassi , Venecia (2012); "Urs Fischer", Museo de Arte Contemporáneo , Los Ángeles (2013); y "YES", Proyecto Espacial de la Fundación Deste , Hydra, Grecia (2013); [51] “Play”, Gagosian West 21st Street, Nueva York, 2018, “Maybe”, The Modern Institute, Glasgow (2018); “Dasha”, Gagosian, Davies Street, Londres (2018); “Big Clay #4 y 2 hombres toscanos”, Piazza della Signoria, Florencia (2017); “Lo público y lo privado”, Museo Legion of Honor, San Francisco (2017); “SIRENAS”, Galería Max Hetzler (2019); e “Imágenes”, Gagosian, Beverly Hills (2019). [52]
En abril de 2022, Fischer inauguró su primera exposición institucional en América Latina en el Museo Jumex de la Ciudad de México. [53] [54] Las nuevas obras de velas creadas para la exposición presentan a los artistas Spencer Sweeney, Kembra Pfahler , la marchante de arte Esthella Provas y el fundador Eugenio López Alonso . [55] La exposición fue comisariada por Francesco Bonami. [56] Ganó el PREMIO GNMH en 2016.
Un perfil del New Yorker de 2009 decía: "El arte del propio Fischer, como el propio Fischer, es muy memorable pero difícil de precisar". [57] El New York Times destacó la naturaleza progresista de su trabajo: “Implícitamente duchampianas pero maravillosamente experienciales, estas piezas han parecido señalar el fin del arte de instalación, como las pinturas monocromáticas a veces parecen advertir el fin de la pintura”. [58]
Desde principios de la década de 2000, Fischer vive en una casa de la década de 1920 en el barrio de Solano Canyon de Los Ángeles. [59]
Fischer tenía una relación con Cassandra MacLeod; En 2009 nació su hija Charlotte. [57]
A finales de 2014, Fischer se casó con Tara Subkoff . [60]
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