Albert Ayler ( / ˈaɪlər / ; 13 de julio de 1936 - 25 de noviembre de 1970) fue un saxofonista, cantante y compositor de jazz de vanguardia estadounidense . [ 1]
Después de sus primeras experiencias tocando R&B y bebop , Ayler comenzó a grabar música durante la era del free jazz de los años 1960. Sin embargo, algunos críticos sostienen que, si bien el estilo de Ayler es innegablemente original y poco ortodoxo, no se adhiere a la comprensión crítica generalmente aceptada del free jazz. [2] De hecho, el estilo de Ayler es difícil de categorizar de cualquier manera, y evocó reacciones increíblemente fuertes y dispares tanto de los críticos como de los fanáticos. [3] Sus innovaciones han inspirado a músicos de jazz posteriores. [2]
Sus discos de trío y cuarteto de 1964, como Spiritual Unity y The Hilversum Session , lo muestran llevando las nociones improvisadas de John Coltrane y Ornette Coleman a reinos abstractos donde el timbre completo , y no solo la armonía con la melodía , es la columna vertebral de la música. Su música extática de 1965 y 1966, como "Spirits Rejoice" y "Truth Is Marching In", ha sido comparada por los críticos con el sonido de una banda de metales , e incluía temas simples, similares a marchas, que se alternaban con improvisaciones grupales salvajes y se consideraban como una recuperación de las raíces del jazz anteriores a Louis Armstrong . [4]
Nacido en Cleveland , Ohio, y criado en Shaker Heights , [5] Ayler aprendió a tocar el saxofón alto de su padre Edward, que era un saxofonista y violinista semiprofesional. Edward y Albert tocaban dúos de saxofón alto en la iglesia y a menudo escuchaban discos de jazz juntos, incluido el jazz de la era del swing y los nuevos álbumes de bop de entonces. [3] La educación de Ayler en la iglesia tuvo un gran impacto en su vida y su música, y gran parte de su música puede entenderse como un intento de expresar su espiritualidad, incluido el acertadamente titulado Spiritual Unity y su álbum de espirituales, Goin' Home , que presenta solos "serpenteantes" que están destinados a ser tratados como meditaciones sobre textos sagrados y, en algunos puntos, como "hablar en lenguas" con su saxofón. [6] La experiencia de Ayler en la iglesia y su exposición a artistas de jazz swing también impactaron su sonido: su vibrato amplio era similar al de los saxofonistas gospel, que buscaban un sonido más vocal con sus instrumentos, y al de los músicos de metales en las bandas de swing de Nueva Orleans. [6]
Ayler asistió a la escuela secundaria John Adams en el East Side de Cleveland y se graduó en 1954 a la edad de 18 años. Más tarde estudió en la Academy Music de Cleveland con el saxofonista de jazz Benny Miller. Ayler también tocaba el oboe en la escuela secundaria. Cuando era adolescente, la comprensión de Ayler del estilo bebop y su dominio del repertorio estándar le valieron el apodo de "Little Bird", en honor a Charlie "Bird" Parker , en la pequeña escena de jazz de Cleveland. [7]
En 1952, a la edad de 16 años, Ayler comenzó a tocar el saxofón tenor estilo R&B con el cantante de blues y armonicista Little Walter , pasando dos vacaciones de verano con la banda de Walter. [8] En 1958, después de graduarse de la escuela secundaria, Ayler se unió al Ejército de los Estados Unidos, donde cambió del saxo alto al tenor y tocó con otros músicos alistados, incluido el saxofonista tenor Stanley Turrentine . Ayler también tocó en la banda del regimiento, junto con el futuro compositor Harold Budd . [9] En 1959 fue destinado a Francia, donde estuvo más expuesto a la música marcial que sería una influencia central en su trabajo posterior. Después de su baja del ejército, Ayler intentó encontrar trabajo en Los Ángeles y Cleveland, pero su forma de tocar cada vez más iconoclasta, que se había alejado de la armonía tradicional, no fue bien recibida por los tradicionalistas. [8]
Ayler se mudó a Suecia en 1962, donde comenzó su carrera discográfica, liderando grupos suecos y daneses en sesiones de radio y tocando como miembro no remunerado de la banda de Cecil Taylor en el invierno de 1962-63. (Las cintas de Ayler tocando con el grupo de Taylor, que se rumoreaban desde hacía tiempo, fueron lanzadas por Revenant Records en 2004, como parte de un set de 10 CD ). [10] El álbum My Name Is Albert Ayler es una sesión de standards grabada para una estación de radio de Copenhague con músicos locales, incluidos Niels-Henning Ørsted Pedersen y el baterista Ronnie Gardiner, con Ayler tocando tenor y soprano en temas como " Summertime ".
En 1963, Ayler regresó a los EE. UU. y se estableció en la ciudad de Nueva York, donde continuó desarrollando su estilo personal y ocasionalmente tocó junto al pianista de free jazz Cecil Taylor. [3] 1964 fue el año mejor documentado de la carrera de Ayler, durante el cual grabó muchos álbumes, el primero de los cuales fue Spirits (reeditado más tarde como Witches and Devils ) en marzo de ese año. [11] Ayler también comenzó su rica relación con ESP-Disk Records en 1964, grabando su álbum revolucionario (y el primer álbum de jazz de ESP) Spiritual Unity para el entonces incipiente sello discográfico. ESP-Disk llegó a desempeñar un papel integral en la grabación y difusión del free jazz. Spiritual Unity presentó al trío que Ayler acababa de reunir ese verano, incluido el bajista Gary Peacock y el baterista Sunny Murray . Las notas del álbum Spiritual Unity incluyen una breve descripción de los músicos ese día, 10 de julio de 1964, en el Variety Arts Recording Studio: [12]
El 17 de julio de 1964, los miembros de este trío, junto con el trompetista Don Cherry , el saxofonista alto John Tchicai y el trombonista Roswell Rudd , colaboraron en la grabación de New York Eye and Ear Control , una banda sonora improvisada para la película del mismo nombre del artista y cineasta canadiense Michael Snow . [12] Durante este tiempo, Ayler comenzó a atraer cierta atención de los críticos, aunque no pudo fomentar una gran cantidad de seguidores. Sin embargo, más tarde en 1964, Ayler, Peacock, Murray y Cherry fueron invitados a viajar a Europa para una breve gira escandinava, que también produjo algunas grabaciones nuevas, incluidas The Copenhagen Tapes , Ghosts (reeditado más tarde como Vibrations ) y The Hilversum Session .
Ayler grabó Bells el 1 de mayo de 1965. Es una improvisación de 20 minutos de ritmo feroz que presenta sus melodías características con influencias de marcha militar. Spirits Rejoice se grabó el 23 de septiembre de 1965 en el Judson Hall de la ciudad de Nueva York y presenta una banda mucho más grande que el trío escaso de su álbum anterior Spiritual Unity . La Enciclopedia de Música Popular describe Spirits Rejoice como una "celebración desenfrenada, enormemente emotiva y asombrosamente creativa de la necesidad de hacer ruido". [13] Ambos álbumes presentan al hermano de Albert, el trompetista Donald Ayler , quien tradujo el enfoque expansivo de su hermano a la improvisación a la trompeta. Donald tocó con Albert hasta que experimentó una crisis nerviosa debilitante en 1967. [14]
En 1966, Ayler firmó con Impulse Records a instancias de Coltrane, la estrella del sello en ese momento. [15] Pero incluso en Impulse, la música radicalmente diferente de Ayler nunca encontró una audiencia considerable. El primer set de Ayler para Impulse se grabó unas semanas antes de Navidad en 1966, titulado Albert Ayler in Greenwich Village . Ayler actuó con su hermano, Michel Samson, Beaver Harris , Henry Grimes y Bill Folwell, mientras Coltrane estaba presente. Para una melodía titulada "For John Coltrane", Ayler regresó al saxofón alto por primera vez en años. [15]
Ayler cantó por primera vez en una grabación de una versión de "Ghosts" interpretada en París en 1966, en la que su estilo vocal era similar al de su saxofón, con un extraño desprecio por el tono. [16] Ayler continuó experimentando con la voz durante el resto de su carrera (véase, por ejemplo, la vocalización sin palabras cerca del final de "Love Cry" del álbum del mismo nombre ); sin embargo, su canto en álbumes posteriores como New Grass y Music Is the Healing Force of the Universe ha sido objeto de cierta burla. Val Wilmer se refirió a su canto como "tortuoso", [17] y los críticos han declarado que "sus palabras y su forma de cantar son verdaderamente aterradoras", [18] describiéndolo como alguien que tenía "una voz rugiente y sin entrenamiento que vacilaba en su forma más controlada", [19] y que pronunciaba las letras en "un gemido maníaco". [19]
En 1967, John Coltrane murió de cáncer de hígado y se le pidió a Ayler que actuara en su funeral. [20] (Uno de los últimos deseos de Coltrane fue que Ayler y Ornette Coleman tocaran en su funeral. [21] ) Se dice que durante su actuación, Ayler se arrancó el saxofón de la boca en dos momentos: una vez, para emitir un grito de angustia, la otra un grito de alegría para simbolizar la ascensión de su amigo y mentor al cielo. [15] Ayler recordó más tarde: "John era como un visitante de este planeta. Llegó en paz y se fue en paz; pero durante su tiempo aquí, siguió tratando de alcanzar nuevos niveles de conciencia, de paz, de espiritualidad. Es por eso que considero la música que tocaba como música espiritual: la forma de John de acercarse cada vez más al Creador". [22] En las notas del álbum Love Cry de Ayler , Frank Kofsky escribió que Ayler dijo lo siguiente sobre el álbum Meditations de Coltrane : "El padre, el hijo y el espíritu santo. Lo que Coltrane estaba diciendo allí -tal vez era un término bíblico: él era el padre, el Faraón era el hijo y yo era el espíritu santo. Y sólo él podía decirme cosas así". [23]
Durante los siguientes dos años y medio, Ayler comenzó a pasar de un estilo predominantemente improvisado a uno que se centraba más en las composiciones. [24] Esto fue en gran medida el resultado de las presiones de Impulse que, a diferencia de ESP-Disk, puso mayor énfasis en la accesibilidad que en la expresión artística. [25] En 1967 y 1968, Ayler grabó tres LP que presentaban las letras y la voz de su novia Mary Maria Parks e introdujeron cambios de acordes regulares, ritmos funky e instrumentos electrónicos. [26]
El propio Ayler cantó en su álbum New Grass , que evocaba sus raíces en el R&B cuando era adolescente. Sin embargo, este álbum no tuvo éxito, despreciado tanto por los fanáticos de Ayler como por los críticos. [26] Ayler afirmó firmemente que quería moverse en esta dirección de R&B y rock and roll, y que no estaba simplemente sucumbiendo a las presiones de Impulse y la música popular de ese momento, y es cierto que Ayler enfatiza mucho la espiritualidad que parece definir la mayor parte de su trabajo. [25] (Sin embargo, según Gary Giddins , "En las entrevistas, Ayler no dejó ninguna duda sobre quién era responsable de New Grass : 'Me dijeron que hiciera esto. Bob Thiele . ¿Crees que haría eso? Dijo: "Mira Albert, tienes que estar con la generación joven ahora " . ' " [27] ) New Grass comienza con la canción "Message from Albert", en la que Ayler habla directamente a su oyente, explicando que este álbum no se parecía en nada a los anteriores, que era de "una dimensión diferente en [su] vida". Afirma que, "a través de la meditación, los sueños y las visiones, [él ha] sido convertido en un Hombre Universal, a través del poder del Creador..."
En esa época, había indicios de que Ayler se estaba volviendo emocionalmente inestable y se culpaba a sí mismo por la crisis de su hermano. [28] En 1969, envió una apasionada y confusa carta abierta a la revista Cricket titulada "Al señor Jones: tuve una visión", en la que describía sorprendentes visiones espirituales apocalípticas. [25] "Vio en una visión la nueva Tierra construida por Dios saliendo del Cielo", e imploró a los lectores que compartieran el mensaje del Apocalipsis, insistiendo en que "Esto es muy importante. El momento es ahora". [29] Noah Howard recordó haber visto a Ayler ese verano, con guantes y un abrigo de piel largo a pesar del calor, con la cara cubierta de vaselina y diciendo "Tengo que protegerme". [30]
Su último álbum, Music Is the Healing Force of the Universe , contó con la participación de músicos de rock como Henry Vestine de Canned Heat junto a músicos de jazz como el pianista Bobby Few . Este fue un regreso a sus raíces de blues con influencias de rock muy fuertes, pero presentó más variaciones de timbre características de Ayler y solos enérgicos que el fallido New Grass .
En julio de 1970, Ayler regresó al estilo del free jazz para un grupo de espectáculos en Francia (incluido en la Fondation Maeght , documentado en Nuits de la Fondation Maeght ), pero la banda que pudo reunir (Call Cobbs, el bajista Steve Tintweiss y el baterista Allen Blairman ) no fue considerada del calibre de sus grupos anteriores. [31]
Ayler desapareció el 5 de noviembre de 1970 y fue encontrado muerto en el East River de la ciudad de Nueva York el 25 de noviembre, un presunto suicidio. [2] Durante algún tiempo después, circularon rumores de que Ayler había sido asesinado, con una leyenda urbana de larga data de que la mafia lo había vinculado a una máquina de discos. [32]
Ayler exhibió rutinariamente su estilo personal y poco tradicional de saxofón en contextos musicales muy convencionales, incluyendo canciones infantiles, melodías de marchas e himnos gospel. [2] Sin embargo, la energía salvaje de Ayler y sus intensas improvisaciones los transformaron en algo casi irreconocible. Ayler adoptó un enfoque deconstructivo para su música, que era característico de la era del free jazz. Phil Hardy dice que Ayler "desmanteló" la melodía y la armonía para explorar más profundamente "las propiedades físicas" de su saxofón. [33] Ayler deseaba liberarse a sí mismo y a sus compañeros de banda para improvisar, relacionarse entre sí y relacionarse con sus instrumentos en un nivel más crudo, "primario". [34]
El aspecto intensamente espiritual de la música de Ayler estaba claramente alineado con las creencias del saxofonista de jazz John Coltrane , quien se vio profundamente afectado por los sonidos "de otro mundo" de la música de Ayler. Este efecto es especialmente evidente en los álbumes de Coltrane Meditations y Stellar Regions . [6] (Coltrane sirvió como mentor durante toda la vida de Ayler, brindándole apoyo financiero y profesional. [35] ) Esta intensidad, los extremos a los que Ayler llevó su saxofón tenor, es el aspecto más definitorio de su sonido. Su estilo se caracteriza por variaciones de timbre , incluyendo chirridos, bocinazos e improvisación en registros muy altos y muy bajos. [36] Poseía un tono profundo y abrasador, logrado mediante el uso de las cañas rígidas de plástico Fibrecane n.º 4 [37] en su saxofón tenor , y usaba un vibrato amplio y lleno de patetismo . [34]
Ayler experimentó con la microtonalidad en sus improvisaciones, buscando explorar los sonidos que caen entre las notas de una escala tradicional. [36] Esta técnica se mostró mejor cuando tocó, como solía hacer, sin piano, respaldado solo por el bajo y la batería. Ayler también se resistió al ritmo swing estándar y, en cambio, generó impulso a través de la velocidad frenética de sus líneas improvisadas, que sopló con fuerza con su saxofón. [8] El historiador de jazz Ted Gioia describe a Ayler como un "virtuoso de lo burdo y anómalo", y afirma que Ayler tenía como objetivo romper con las limitaciones de tocar notas y, en cambio, "entrar en un nuevo reino en el que el saxofón creaba " sonido "." [38]
En ningún momento de su carrera Ayler tuvo la comodidad de contar con un público estable. A pesar de recibir una recepción crítica en gran medida positiva, permaneció pobre durante toda su vida y a menudo buscó el apoyo financiero de su familia y de otros músicos, incluido Coltrane. [24]
Sin embargo, la influencia de Ayler todavía se siente, y no solo entre los músicos de jazz. Su sonido salvaje presagió los estilos contemporáneos de hardcore, noise y rock experimental. [2] Albert Ayler es una de las figuras históricas más veneradas en el género del free jazz junto con figuras como Sun Ra , Cecil Taylor, John Coltrane, Ornette Coleman y Milford Graves (quien tocó la batería con Ayler). Hasta el día de hoy, sus álbumes se encuentran entre los más vendidos en el estrecho género del "free jazz", junto con las leyendas antes mencionadas. Los llamados "titanes" del free jazz en el siglo XXI que tocan el saxofón, como Charles Gayle , [39] Ken Vandermark , [40] Peter Brötzmann , [41] y el fallecido David S. Ware , [42] fueron todos fuertemente influenciados por Albert Ayler. Ayler también fue una influencia crucial en algunos de sus contemporáneos de renombre, como Frank Lowe , el reverendo Frank Wright , Charles Tyler (en el álbum de Ayler Bells ), Marion Brown y Frank Smith (en ESP-Disk Burton Greene Quartet ).
Ayler desarrolló una estrecha amistad con John Coltrane , y ambos se influyeron mutuamente en su forma de tocar. Coltrane dijo que Ayler "llenó un área en la que yo no había llegado. Creo que lo que está haciendo parece llevar la música a frecuencias aún más altas". [43] Ayler afirmó: "cuando él [Coltrane] empezó a tocar, tuve que escuchar sólo su tono... Escucharlo tocar era como si me estuviera hablando, diciendo: 'Hermano, recupérate espiritualmente. Sólo un sonido: así de profundo era este hombre...'" [23] Según Val Wilmer , "la relación entre los dos hombres era muy especial. Hablaban constantemente por teléfono y por telegrama y Coltrane estaba muy influenciado por el hombre más joven". [44] Coltrane escuchó a Ayler por primera vez en 1962, después de lo cual le dijo a Ayler que "se había oído tocar así en un sueño una vez". [45] En febrero del año siguiente, Ayler se sentó con el grupo de Coltrane por primera vez durante un concierto en el Jazz Temple en Cleveland, Ohio . [46] A partir de ese año, "Coltrane y Ayler, cuando ambos estaban en Nueva York, a menudo estaban en la misma habitación. Varios recuerdos han situado a Coltrane viendo a Ayler y Cecil Taylor en el Take 3 Coffeehouse en el West Village en el otoño de 1963; viendo a Ayler y Eric Dolphy juntos en el Half Note en algún momento de ese año; invitando a Ayler al escenario en el Half Note en marzo de 1964; escuchando al grupo de Ayler con Rashied Ali en un pequeño espacio de actuación en 27 Cooper Square a principios de 1965". [47] Después de la grabación de Ascension en junio de 1965 (después de que Ayler le hubiera enviado copias de sus álbumes Ghosts y Spiritual Unity ), Coltrane "llamó a Ayler y le dijo: 'Grabé un álbum y descubrí que estaba tocando como tú'". La respuesta de Albert: “No, hombre, ¿no lo ves? Estabas tocando como tú mismo. Estabas sintiendo lo que yo siento y clamabas por la unidad espiritual”. [21] Un mes después, mientras estaba en Antibes, Coltrane “se quedó... en su habitación de hotel, practicando como de costumbre, tocando al ritmo de una cinta de un concierto de Ayler”. [48]
El cineasta sueco Kasper Collin se sintió tan inspirado por la música y la vida de Ayler que produjo un documental, My Name Is Albert Ayler , que incluye entrevistas con el fundador de ESP-Disk, Bernard Stollman , junto con entrevistas con la familia de Ayler, novias y compañeros de banda. [49] La película incluye imágenes de Albert Ayler (de 1962, 1964, 1966 y 1970) y está construida alrededor de su música y grabaciones de su voz (de entrevistas realizadas entre 1963 y 1970).
En su álbum Folkjokeopus de 1969 , el guitarrista/cantautor inglés Roy Harper dedicó la canción «One for All» (« Uno para Al ») a Albert Ayler, «a quien conocí y amé durante mi estancia en Copenhague». [50] [51] Harper consideraba a Ayler como «uno de los principales jazzistas de la época». [52] En las notas del álbum Folkjokeopus , Harper afirma: «En muchos sentidos, él [Ayler] era el rey».
La videoinstalación Hors-champs (que significa "fuera de pantalla") del artista canadiense Stan Douglas aborda el contexto político del free jazz en la década de 1960, como una extensión de la conciencia negra . [53] Improvisando "Spirits Rejoice" de Ayler, cuatro músicos estadounidenses, George E. Lewis (trombón), Douglas Ewart (saxofón), Kent Carter (bajo) y Oliver Johnson (batería), que vivieron en Francia durante el período del free jazz en la década de 1960, actúan en la instalación, una recreación de la televisión francesa de 1960. [54]
En 1990, el pianista Giorgio Gaslini lanzó Ayler's Wings , un CD que consiste enteramente en interpretaciones solistas de las composiciones de Ayler. [55] En 1999, John Lurie de Lounge Lizards lanzó una pieza titulada "The Resurrection of Albert Ayler". [56] El compositor y guitarrista Marc Ribot grabó un álbum dedicado a Ayler's Spiritual Unity en 2005 con el ex bajista de Ayler y líder de free jazz Henry Grimes . [57]
La melodía de Ayler "Ghosts" ha sido grabada por varios músicos, entre ellos Gary Lucas , [58] David Moss , [59] Crazy Backwards Alphabet , [60] Lester Bowie , [61] Eugene Chadbourne , [62] y Gary Windo . [63]
Albert Ayler es el 'fantasma de un jazzman' titular en la novela de ciencia ficción de 2009 de Maurice G. Dantec Comme le fantôme d'un jazzman dans la station Mir en deroute.
A partir de 2018, el saxofonista de Chicago Mars Williams ha grabado y lanzado cuatro CD en una serie llamada "Mars Williams Presents An Ayler Xmas", que documenta los conciertos navideños anuales en vivo, grabados en Chicago, Viena, Cracovia y la ciudad de Nueva York y que presentan estándares navideños entrelazados y música de Albert Ayler. [64]
[68] (esta lista está incompleta)
Biografía de Holy Ghost de Richard Koloda. https://www.amazon.com/Holy-Ghost-Death-Pioneer-Albert/dp/1911036939?dplnkId=ad708e19-599f-4023-9da0-8b563c96548b&nodl=1 [1]