Érase una vez en América ( en italiano : C'era una volta in America ) es una película épica de 1984 coescrita y dirigida por el cineasta italiano Sergio Leone , y protagonizada por Robert De Niro y James Woods . La película es una aventura italoestadounidense [3] producida por The Ladd Company , Embassy International Pictures , PSO Enterprises y Rafran Cinematografica, y distribuida por Warner Bros. Basada en la novela The Hoods de Harry Grey , narra las vidas de los mejores amigos David "Noodles" Aaronson y Maximilian "Max" Bercovicz mientras lideran un grupo dejóvenes judíos del gueto que saltan a la fama como gánsteres judíos en el mundo del crimen organizado de la ciudad de Nueva York . La película explora temas de amistades infantiles, amor, lujuria, avaricia, traición, pérdida y relaciones rotas, junto con el ascenso de los mafiosos en la sociedad estadounidense.
Fue la última película dirigida por Leone antes de su muerte cinco años después, y el primer largometraje que dirigió en 13 años. También es la tercera entrega de la trilogía Once Upon a Time de Leone , que incluye Once Upon a Time in the West (1968) y Duck, You Sucker! (1971). [5] La fotografía fue de Tonino Delli Colli y la banda sonora de Ennio Morricone . Leone originalmente concibió dos películas de tres horas, luego una única versión de 269 minutos (4 horas y 29 minutos), pero los distribuidores lo convencieron de acortarla a 229 minutos (3 horas y 49 minutos). Los distribuidores estadounidenses, The Ladd Company, la acortaron aún más a 139 minutos (2 horas y 19 minutos), y reorganizaron las escenas en orden cronológico, sin la participación de Leone.
La edición estadounidense fue un fracaso comercial y crítico en Estados Unidos, y los críticos que habían visto ambas versiones condenaron duramente los cambios realizados. La "edición europea" original sigue siendo una favorita de la crítica y aparece con frecuencia en las listas de las mejores películas de todos los tiempos , especialmente en el género de gánsteres.
En la década de 1930, tres matones buscan a un hombre llamado "Noodles". Noodles se droga en un fumadero de opio con un periódico a su lado que cuenta la muerte de los contrabandistas Patrick Goldberg, Philip Stein y Maximilian Bercovicz. Recuerda que la policía se llevó sus cadáveres, uno de ellos quemado hasta quedar irreconocible. Noodles evita ser capturado y abandona la ciudad.
En la década de 1920, David "Noodles" Aaronson lidera una pandilla compuesta por él y sus tres amigos "Patsy" Goldberg, "Cockeye" Stein y Dominic, que realizan trabajos para el gánster local Bugsy. Conocen a Max cuando éste frustra uno de sus robos, pero el policía corrupto Whitey le roba el botín. Max se une a su pandilla y más tarde chantajean a Whitey y obtienen la misma protección policial que Bugsy.
La pandilla se convierte en un exitoso contrabandista de licor. Depositan sus ganancias en un casillero y le dan la llave a un amigo suyo, Moe. Noodles está enamorado de la hermana de Moe, Deborah, que sueña con convertirse en bailarina. Debido a su socialización como gánster, Deborah no ve futuro para su amor. Bugsy, ahora un rival, tiende una emboscada a la pandilla y mata a tiros a Dominic. Noodles mata a Bugsy y es sentenciado a prisión.
Tras su liberación una década después, Noodles se reincorpora a su banda. Durante un robo de diamantes utilizan a la empleada de joyería Carol como informante. Ella incita a Noodles a golpearla, tras lo cual él la viola; más tarde se convierte en la novia de Max. Noodles se da cuenta de que el robo fue encargado por una figura del sindicato para eliminar la competencia. Esto genera tensiones entre Max y Noodles, que busca la independencia. La banda brinda protección al jefe del sindicato de camioneros O'Donnell, durante el cual intercambian recién nacidos en una clínica, castigando al jefe de la policía cuya esposa acaba de dar a luz a un niño en esa clínica. Esto hace que la policía retire sus acciones contra los trabajadores en huelga.
Noodles invita a Deborah a una lujosa cita. Cuando ella le revela sus planes de seguir una carrera en Hollywood, él se enoja y la viola. Cuando ella se va al día siguiente, él intenta echarle un vistazo sentada en el tren, pero ella evita el contacto visual.
La derogación de la Prohibición obliga a la banda a buscar actividades alternativas. Max sugiere un atraco al Banco de la Reserva Federal de Nueva York , que Noodles y Carol consideran demasiado arriesgado. Carol convence a Noodles de informar a la policía sobre un delito menor, con la esperanza de que un breve encarcelamiento enfríe la ambición de Max. Después de que Noodles llama a la policía, Max lo deja inconsciente. Al recuperar la conciencia, Noodles se entera de que Max, Patsy y Cockeye han sido asesinados por la policía durante el atraco, como se establece al principio de la película. Noodles, lleno de culpa, se esconde en el fumadero de opio. Durante su posterior escape, se da cuenta de que el dinero de la taquilla ha desaparecido.
En la década de 1960, Noodles regresa a Manhattan por primera vez desde la década de 1930 después de recibir una carta que indica que su identidad ha sido descubierta, buscando averiguar quién es el responsable. Se entera de que los cuerpos de sus tres amigos han sido trasladados a Riverdale . Visita su mausoleo en Riverdale y encuentra una llave de un armario de ferrocarril.
El casillero revela una maleta llena de dinero, que se dice que es el anticipo de su próximo trabajo. Noodles se entera de los escándalos de corrupción en torno al senador Christopher Bailey y visita a Carol en una residencia de ancianos dirigida por la Fundación Bailey. Ella le dice que Max los manipuló para que le avisaran a la policía y que Max abrió fuego primero , deseando morir joven. Noodles ve a Deborah en una fotografía conmemorativa, que se ha convertido en una actriz importante, y comienza a sospechar una conexión entre Deborah y Bailey. Rastrea a Deborah y la visita, le cuenta sobre su invitación a una fiesta en la mansión de Bailey y la desafía a que le cuente sobre el misterioso trabajo, así como la identidad de Bailey. Deborah admite ser la amante de Bailey y le ruega a Noodles que abandone la ciudad antes de enfrentar revelaciones dolorosas. Ignorando su consejo, Noodles la deja después de ver al hijo de Bailey, que se parece al joven Max.
Noodles conoce a Bailey, que resulta ser Max. Después de fingir su muerte, Max robó el dinero de la pandilla y se reinventó como un hombre de negocios hecho a sí mismo. También hizo de Deborah su amante, robando así a Noodles todo lo que tenía. Enfrentado a la ruina debido al escándalo de corrupción, Max revela que está detrás del misterioso trabajo, que consiste en que Noodles lo mate. Noodles se niega. Cuando Noodles abandona la finca, pasa un camión de basura y un hombre, presumiblemente Max, camina hacia Noodles hasta que el camión pasa entre ellos. Noodles ve el transportador sinfín del camión moliendo basura, pero el hombre no está a la vista.
Como la película comienza y termina en 1933, con Noodles escondido en un fumadero de opio de los sicarios del sindicato, y la última toma de la película es de Noodles sonriendo, empapado de opio, la película puede interpretarse como si hubiera sido un sueño inducido por las drogas, con Noodles recordando su pasado y visualizando el futuro. En una entrevista de Noël Simsolo publicada en 1987, Leone apoyó esta interpretación, diciendo que las escenas ambientadas en la década de 1960 podrían verse como un sueño de opio de Noodles. [6] En el comentario del DVD de la película, el historiador y crítico de cine Richard Schickel afirma que los consumidores de opio a menudo informan de sueños vívidos, y que estas visiones tienen una tendencia a explorar el pasado y el futuro del consumidor. [7]
Según se informa, el final en el que Max aparece como Noodles saliendo de la mansión de Bailey y luego desaparece repentinamente detrás de un camión solo para que Noodles vea las aspas del camión girando fue dejado ambiguo a propósito. James Woods, quien interpretó a Max, declaró que no sabe si Max saltó al camión o simplemente desapareció. El crítico Carlo Affatigato describió este giro como una " paradoja ", postulando que toda la película trata sobre cómo Noodles pasa la segunda mitad de su vida buscando la verdad de lo que sucedió, solo para descubrirla, no aceptarla y no investigar lo que le sucede a Max al final. Noodles solo quiere creer en la realidad que ha creado para sí mismo, no en una objetiva. Affatigato también cree que esto podría indicar que todo es la imaginación de Noodles. [8]
Mucha gente (incluido Schickel) supone que la escena del frisbee de 1968 , que tiene un corte inmediato y no ofrece ninguna resolución adicional, era parte de una secuencia más larga. [9] Ebert afirmó que el propósito de la escena del disco volador era establecer el marco temporal de la década de 1960 y nada más. [10]
El reparto también incluye a Noah Moazezi como Dominic, James Russo como Bugsy, el productor Arnon Milchan como el chofer de Noodles, Marcia Jean Kurtz como la madre de Max, Joey Faye como un "adorable anciano" y Olga Karlatos como una patrona de wayang. Frank Gio, Ray Dittrich y Mario Brega (un habitual de Leone que había aparecido en Dollars Trilogy ) aparecen respectivamente como Beefy, Trigger y Mandy, un trío de gánsteres que buscan a Noodles. El frecuente colaborador de De Niro, Chuck Low , y la hija de Leone, Francesca, hacen apariciones no acreditadas respectivamente como Fat Moe (y el padre de Deborah) y como la novia de David Bailey. [2] En la restauración de 2012, Louise Fletcher aparece como la directora del cementerio de Riverdale, donde Noodles visita la tumba de sus amigos en 1968. [11]
A mediados de la década de 1960, Sergio Leone había leído la novela The Hoods de Harry Grey , un seudónimo del ex gánster convertido en informante cuyo verdadero nombre era Harry Goldberg. En 1968, después de filmar Once Upon a Time in the West , Leone hizo muchos esfuerzos para hablar con Grey. Habiendo disfrutado de la Trilogía del Dólar de Leone , Grey finalmente respondió y aceptó reunirse con Leone en un bar de Manhattan. [12] Después de esa reunión inicial, Leone se reunió con Grey varias veces durante el resto de la década de 1960 y 1970, y tuvo conversaciones con él para comprender Estados Unidos a través del punto de vista de Grey. [13] [14]
Con la intención de hacer otra trilogía sobre Estados Unidos compuesta por Once Upon a Time in the West , Duck, You Sucker! y Once Upon a Time in America , Leone rechazó una oferta de Paramount Pictures para dirigir El Padrino con el fin de seguir con su proyecto favorito. [13] [14]
En algún momento, Leone consideró a otros colegas, incluidos Miloš Forman y John Milius, para el papel de director, y él solo actuó como productor. [15] Durante algún tiempo, el proyecto estuvo vinculado a los productores franceses André Génovès y Gérard Lebovici y más tarde a Gaumont , con Gérard Depardieu y Jean Gabin supuestamente como actores principales. [16]
La adquisición de los derechos de la novela resultó complicada, ya que habían sido comprados por Dan Curtis , que tenía la intención de rodar la película y rechazó varias ofertas de Leone y de sus patrocinadores para vender los derechos. [17] Curtis finalmente transfirió los derechos a Alberto Grimaldi , a cambio de la producción de Grimaldi de su película Burnt Offerings de 2 millones de dólares . [18]
Inicialmente, solo se hizo un borrador para la escena de apertura de la película, escrito por Ernesto Gastaldi y desarrollado por Robert Dillon, que Dillon finalmente usó en la película de John Frankenheimer 99 and 44/100% Dead , para gran consternación de Leone. [19] Después de que Grimaldi compró los derechos, sintió que necesitaba un guionista estadounidense para capturar fielmente el espíritu de la novela; finalmente hizo un trato con Norman Mailer , cuyo borrador decepcionó enormemente tanto a Grimaldi como a Leone, quien luego describió el borrador de Mailer como "una versión de Mickey Mouse [de la novela]" que carecía de estructura y "no tenía ningún sentido". [20] Algunos elementos de los dos primeros borradores de Norman Mailer eventualmente aparecerían en la película. [21]
Después del fiasco de Mailer, Leone optó por un equipo de guionistas totalmente italiano: Leonardo Benvenuti y Piero De Bernardi se centrarían en la sección de los años 1920, Enrico Medioli en la sección de los años 1930 y Franco "Kim" Arcalli en los cambios de tiempo, con Leone supervisando y Franco Ferrini puliendo el guion. [22] En 1975-6, las ideas de casting de Leone todavía incluían a Depardieu y Gabin, así como a Richard Dreyfuss como Max, James Cagney , Robert Charlebois y apariciones de Henry Fonda , James Stewart , George Raft y Glenn Ford . [23] En 1976, Ennio Morricone ya había compuesto todos los temas principales de la película. [23] Mientras tanto, las relaciones entre Grimaldi y Leone se deterioraron, ya que Grimaldi no estaba convencido de la viabilidad comercial de la película y finalmente abandonó el proyecto, siendo reemplazado en 1980 por Arnon Milchan . [24] En esta etapa, las ideas de casting de Leone incluían a Tom Berenger , Dustin Hoffman , Paul Newman y Liza Minnelli . [25] Un guion de rodaje de 317 páginas se completó a fines de 1981. [26] El guion final, traducido al inglés por Stuart M. Kaminsky , fue aprobado por Leone en mayo de 1982. [27]
En 1981, por sugerencia de Milchan, Leone conoció a Robert De Niro y finalmente le ofreció un papel de su elección entre Noodles y Max. [28] El compromiso de De Niro resultó ser crucial para que Milchan consiguiera el respaldo financiero para la película. [29]
Para el papel de Max, finalmente interpretado por James Woods , se audicionaron alrededor de 200 actores. [30] Elizabeth McGovern fue elegida para el papel de Deborah en contra de la petición de De Niro de tener una nativa de Nueva York con acento de Brooklyn, debido a la apreciación de Leone por su actuación en Ragtime . [30] Joe Pesci fue elegido por Arnon Milchan debido a su papel en Toro salvaje , y se le ofreció un papel secundario de su elección. [30] Tuesday Weld fue elegido como Carol, un papel que Leone había imaginado previamente para Claudia Cardinale , por recomendación de De Niro. [31]
Para los papeles infantiles, Leone encargó la tarea a Cis Corman y le pidió que no tuviera estrellas infantiles y en su lugar tuviera actores que hubieran vivido en el barrio judío de Nueva York y no tuvieran experiencia previa en la actuación; al final, Corman proporcionó en su mayoría actores sin créditos cinematográficos pero con experiencias en el escenario y en la televisión. [32]
El rodaje de Érase una vez en América comenzó en junio de 1982 y terminó en abril del año siguiente. Las localizaciones donde se filmó fueron Estados Unidos, Canadá, Italia y Francia, con un punto focal en la ciudad de Nueva York. [33] Las escenas de interiores se filmaron principalmente en los estudios Cinecittà en Roma. [34]
La escena de la playa, donde Max revela su plan para robar la Reserva Federal, fue filmada en The Don CeSar en St. Pete Beach, Florida . [35] La escena de la "Grand Central Station" de los trenes de Nueva York en los flashbacks de los años treinta fue filmada en la Gare du Nord en París . [36] Los interiores del lujoso restaurante donde Noodles lleva a Deborah en su cita fueron filmados en el Hotel Excelsior en Venecia , Italia. [36] Rodar en Nueva York resultó ser difícil, ya que el sindicato IATSE planteó una fuerte controversia sobre el uso de un equipo extranjero por parte de Leone y lanzó una campaña de protesta pública tan masiva que el presidente Ronald Reagan pidió una investigación del Departamento de Trabajo sobre el asunto. [37]
De Niro filmó sus escenas en continuidad cronológica. [38] Su maquillaje como anciano requirió de cuatro a seis horas de preparación. [38] Después de unas semanas Nilo Jacoponi, Manlio Rocchetti y Gino Zamprioli reemplazaron a Christopher Tucker , cuyo maquillaje fue considerado excesivo y poco realista por Leone. [38]
Al final del rodaje, Leone tenía diez horas de metraje. Con su editor, Nino Baragli , Leone lo redujo a casi seis horas, y originalmente quería estrenar la película en dos partes. [39] Los productores se negaron, en parte debido al fracaso comercial y crítico de 1900 en dos partes de Bernardo Bertolucci , y Leone se vio obligado a acortarla aún más. [40] La película originalmente tenía 269 minutos (4 horas y 29 minutos), pero cuando se estrenó fuera de competencia en el Festival de Cine de Cannes de 1984 , Leone la había reducido a 229 minutos (3 horas y 49 minutos) para apaciguar a los distribuidores, que fue la versión que se mostró en los cines europeos. [41]
La banda sonora fue compuesta por el colaborador de Leone desde hace mucho tiempo, Ennio Morricone . "Deborah's Theme" fue escrita para una película de Franco Zeffirelli , pero fue rechazada. [42] La banda sonora también es notable por la incorporación por parte de Morricone de la música de Gheorghe Zamfir , que toca una flauta de pan . [42] La música de flauta de Zamfir se utilizó con un efecto similar en Picnic at Hanging Rock (1975) de Peter Weir . [39] [43] Morricone también colaboró con la vocalista Edda Dell'Orso en la banda sonora.
Además de la música original, la película utilizó música fuente , entre la que se incluyen: [44]
Mercury Records lanzó un álbum de banda sonora en 1984. [ 45] Esto fue seguido por un lanzamiento de edición especial en 1995, con cuatro pistas adicionales. [46]
Once Upon a Time in America se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 1984 el 20 de mayo de 1984. [47] Recibió una ovación de pie de 15 minutos después de la proyección. [48] En los Estados Unidos, una versión muy editada de la película recibió un amplio lanzamiento en 894 salas de cine el 1 de junio de 1984 y recaudó $ 2.4 millones durante su primer fin de semana. [49] Terminó su carrera de taquilla con una recaudación de poco más de $ 5.3 millones con un presupuesto de $ 30 millones, [50] y se convirtió en un fracaso de taquilla . [51]
Numerosas mujeres en el estreno de la película reaccionaron furiosamente, principalmente debido a las dos escenas de violación. Una de ellas se enfrentó más tarde a Robert De Niro en una conferencia de prensa e hizo comentarios duros sobre la representación de la película, describiéndola como "violencia flagrante y gratuita". [52] En general, las escenas de violación en particular fueron controvertidas. [53] Richard Godden defendió la representación de la violación de Leone, diciendo que "articula la disfunción entre los cuerpos en imágenes y los cuerpos mismos". De la escena en la que el personaje de De Niro viola a su personaje, Elizabeth McGovern dijo que "no glorifica el sexo violento: es extremadamente incómodo de ver y está destinado a serlo". Continuó afirmando: [54]
Y si dices, "esta violencia está mal", tendrías que ampliar eso para decir, "toda violencia en las películas está mal", y entonces tendrías que decir, "sólo puedes hacer películas sobre buenas personas que obedecen la ley y hacen las cosas bien", lo cual a) excluye mucho de lo que es la vida y b) produce películas muy aburridas.
En su libro, el estudioso de Leone Christopher Frayling sostiene que los integrantes del grupo central de la película están emocionalmente atrofiados: "como niños pequeños obsesionados con su equipo que no tienen idea de cómo relacionarse con mujeres de carne y hueso". [55]
La película se estrenó en un número limitado de salas y para los críticos de cine de Norteamérica, donde se recortó ligeramente para conseguir una clasificación "R". Se cortaron dos escenas de violación y algo de la violencia más gráfica del principio. También se eliminó el encuentro de Noodles con Bailey en 1968. La película tuvo una recepción mediocre en varios estrenos anticipados en Norteamérica. Debido a esta reacción temprana del público, el miedo a su duración, su violencia gráfica y la incapacidad de los cines de tener varias proyecciones en un día, The Ladd Company cortó escenas enteras y eliminó aproximadamente 90 minutos de la película, [21] sin la supervisión de Sergio Leone.
Este estreno en Estados Unidos (1984, 139 minutos) fue drásticamente diferente del estreno en Europa, ya que la historia no cronológica fue reorganizada en orden cronológico. Otros cortes importantes involucraron muchas de las secuencias de la infancia, lo que hizo que las secciones de adultos de 1933 fueran más prominentes. La reunión de Noodles de 1968 con Deborah fue eliminada, y la escena con Bailey termina con él disparándose (con el sonido de un disparo fuera de la pantalla) en lugar de la conclusión del camión de basura de la versión de 229 minutos. [56] [ página necesaria ] La hija de Sergio Leone, Raffaella Leone, dijo que Leone había descartado la versión estadounidense como si no fuera su propia película. [57]
En la Unión Soviética , la película se estrenó en cines a finales de los años 1980, junto con otros éxitos de taquilla de Hollywood como las dos películas de King Kong . La historia se reorganizó en orden cronológico y la película se dividió en dos, con las dos partes mostradas como películas separadas, una conteniendo las escenas de la infancia y la otra comprendiendo las escenas de la edad adulta. A pesar de la reorganización, no se realizaron eliminaciones de escenas importantes. [58]
En marzo de 2011, se anunció que la versión original de 269 minutos de Leone sería recreada por un laboratorio cinematográfico en Italia bajo la supervisión de los hijos de Leone, quienes habían adquirido los derechos de distribución italianos, y el editor de sonido original de la película, Fausto Ancillai, para un estreno en 2012 en el Festival de Cine de Cannes o en el Festival de Cine de Venecia . [59] [60]
La película restaurada se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2012, pero debido a problemas de derechos imprevistos para las escenas eliminadas, la restauración tuvo una duración de solo 251 minutos. [61] [62] [63] Sin embargo, Martin Scorsese (cuya Film Foundation ayudó con la restauración) declaró que estaba ayudando a los hijos de Leone a obtener los derechos de los últimos 24 minutos de escenas eliminadas para crear una restauración completa de la versión prevista de Leone de 269 minutos. El 3 de agosto de 2012, se informó que después del estreno en Cannes, la película restaurada fue retirada de circulación, a la espera de más trabajos de restauración. [64]
En América del Norte, Warner Home Video lanzó un VHS de dos cintas con una duración de 226 minutos en febrero de 1985 y 1991. El corte teatral estadounidense también se lanzó al mismo tiempo en febrero de 1985. [65] Una edición especial de dos discos se lanzó el 10 de junio de 2003, con la versión de 229 minutos de la película. [66] Esta edición especial fue relanzada el 11 de enero de 2011, tanto en DVD como en Blu-ray. [67] El 30 de septiembre de 2014, Warner Bros. lanzó un conjunto de dos discos Blu-ray y DVD de la restauración de 251 minutos mostrada en el Festival de Cine de Cannes de 2012, denominada Extended Director's Cut . [68] Esta versión se lanzó previamente en Italia, el 4 de septiembre de 2012. [69]
La respuesta crítica inicial a Once Upon a Time in America fue mixta, debido a las diferentes versiones lanzadas en todo el mundo. Si bien a nivel internacional la película fue bien recibida en su forma original, los críticos estadounidenses estaban mucho más insatisfechos con la versión de 139 minutos lanzada en América del Norte. Esta versión condensada fue un desastre crítico y financiero, [70] y muchos críticos estadounidenses que conocían el corte original de Leone atacaron la versión corta.
Algunos críticos compararon el acortamiento de la película con el acortamiento de las óperas de Richard Wagner , diciendo que las obras de arte que se supone que deben ser largas deben recibir el respeto que merecen. En su reseña de 1984, Roger Ebert le dio a la versión sin cortes cuatro estrellas de cuatro y escribió que era "un poema épico de violencia y avaricia", pero describió la versión teatral estadounidense como una "parodia". [10] Además, le dio a la versión teatral estadounidense una estrella de cuatro, calificándola de "un desastre incomprensible sin textura, ritmo, estado de ánimo o sentido". [71] El crítico de cine para televisión socio de Ebert, Gene Siskel, consideró que la versión sin cortes era la mejor película de 1984 y la versión de estudio lineal y acortada era la peor película de 1984. [72] Vincent Canby de The New York Times criticó la narrativa no lineal que se estructura a lo largo de la película. [73]
Fue sólo después de la muerte de Leone y la posterior restauración de la versión original que los críticos comenzaron a darle el tipo de elogios mostrados en su exhibición original en Cannes. La película original sin cortes se considera muy superior a la versión editada lanzada en los EE. UU. en 1984. [74] Ebert, en su reseña de Los intocables de Brian De Palma , llamó a la versión original sin cortes de Érase una vez en América la mejor película que representa la era de la Prohibición. [75] James Woods , quien la considera la mejor película de Leone, mencionó en el documental en DVD que un crítico calificó la película como la peor de 1984, solo para ver el corte original años después y llamarla la mejor de la década de 1980. [58] Algunos fueron críticos con la violencia gráfica y la crueldad de la película, con Donald Clarke de The Irish Times condenándola como un "puñado de misoginia " y "ofensivamente sexista ". [76]
En el sitio web de agregación de reseñas Rotten Tomatoes , Once Upon a Time in America tiene una calificación de aprobación del 86% basada en 56 reseñas, con una puntuación promedio de 8.60/10. El consenso de críticos del sitio web dice: "El drama criminal épico de Sergio Leone es visualmente impactante, estilísticamente audaz y emocionalmente inquietante, y está lleno de grandes actuaciones de la talla de Robert De Niro y James Woods". [77] En Metacritic , la película tiene una puntuación promedio ponderada de 75 sobre 100 basada en reseñas de 20 críticos, lo que indica "críticas generalmente favorables". [78]
Desde entonces, la película ha sido clasificada como una de las mejores películas del género de gánsteres . En la revista Empire , el crítico Adam Smith comparó la película favorablemente con El Padrino , diciendo: "La película de Leone es posiblemente la mejor de las dos, aunque la menos popular, evitando, como lo hace, el melodrama telenovela de la saga familiar de Coppola en favor de una ambigüedad y un simbolismo menos amigables para el público, pero más intrigantes". [79]
Cuando Sight & Sound preguntó a varios críticos del Reino Unido en 2002 cuáles eran sus películas favoritas de los últimos 25 años, Once Upon a Time in America se ubicó en el puesto número 10. [80] En 2015, la película ocupó el puesto número nueve en la lista de Time Out de las 50 mejores películas de gánsteres de todos los tiempos, [81] mientras que en 2021, The Guardian la citó como la cuarta mejor película de mafiosos jamás realizada. [82] En 2023, The AV Club la clasificó en el séptimo lugar en su lista de las mejores películas de gánsteres de todos los tiempos. [83]
A diferencia de su éxito crítico moderno, el estreno estadounidense inicial no le fue bien con los críticos y no recibió nominaciones al Oscar . [84] La música de la película fue descalificada de la consideración del Oscar por un tecnicismo, [85] ya que el estudio omitió accidentalmente el nombre del compositor de los créditos iniciales al recortar su duración para el estreno estadounidense. [58]