¡Vaya! es una pintura díptico de 1963 del artista estadounidense Roy Lichtenstein . Es una de las obras de arte pop más conocidas y una de las pinturas más importantes de Lichtenstein. [1] ¡Vaya! Se exhibió por primera vez en la Galería Leo Castelli de la ciudad de Nueva York en 1963 y fue adquirido por la Tate Gallery de Londres en 1966. Ha estado en exhibición permanente en la Tate Modern desde 2006.
El panel de la izquierda muestra un avión de combate disparando un cohete que, en el panel de la derecha, impacta contra un segundo avión que explota en llamas. Lichtenstein adaptó la imagen de varios paneles de cómics , siendo la fuente principal un panel ilustrado por Irv Novick de un cómic de guerra de 1962 . Lichtenstein transformó la fuente presentándola como un díptico alterando al mismo tiempo la relación de los elementos gráficos y narrativos. ¡Vaya! es considerado por la integración temporal, espacial y psicológica de sus dos paneles. El título de la pintura es parte integral de la acción y el impacto de la pintura y se muestra en una gran onomatopeya en el panel derecho.
Lichtenstein estudió artista antes y después de servir en el ejército de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial . Practicó ejercicios antiaéreos durante el entrenamiento básico y fue enviado a recibir entrenamiento de piloto, pero el programa fue cancelado antes de comenzar. Entre los temas que abordó después de la guerra estuvieron el romance y la guerra . Representó combates aéreos en varias obras. ¡Vaya! forma parte de una serie sobre la guerra en la que trabajó entre 1962 y 1964, y junto con Mientras abrí fuego (1964) es una de sus dos grandes pinturas de temática bélica.
En 1943 Lichtenstein abandonó sus estudios de pintura y dibujo en la Universidad Estatal de Ohio para servir en el ejército estadounidense, donde permaneció hasta enero de 1946. Después de ingresar en programas de formación en idiomas, ingeniería y pilotaje, todos los cuales fueron cancelados, sirvió como ordenanza, dibujante y artista en roles no combatientes. [2] [3] Una de sus tareas en Camp Shelby era ampliar los dibujos animados de Barras y estrellas de Bill Mauldin . [2] Fue enviado a Europa con un batallón de ingenieros, pero no entró en combate activo. [2] Como pintor, finalmente se decidió por un estilo expresionista abstracto con elementos paródicos. [4] Alrededor de 1958 comenzó a incorporar imágenes ocultas de personajes de dibujos animados como Mickey Mouse y Bugs Bunny en sus obras abstractas. [5]
Una nueva generación de artistas surgió a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960 con un enfoque más objetivo y "cool" caracterizado por los movimientos artísticos conocidos hoy como minimalismo , [6] pintura de bordes duros , [7] pintura de campo de color , [8] el movimiento neodadá , [9] Fluxus , [10] y el arte pop , todos los cuales redefinieron el arte contemporáneo de vanguardia de la época. El arte pop y el neodadá reintrodujeron y cambiaron el uso de las imágenes al apropiarse de temas del arte comercial, los bienes de consumo, la historia del arte y la cultura dominante. [11] [12] Lichtenstein logró reconocimiento internacional durante la década de 1960 como uno de los iniciadores del movimiento de arte pop en Estados Unidos. [13] Con respecto a su uso de imágenes, la curadora del MoMA, Bernice Rose, observó que Lichtenstein estaba interesado en "desafiar la noción de originalidad tal como prevalecía en ese momento". [14]
Las primeras obras de Lichtenstein basadas en cómics, como Look Mickey, se centraron en personajes animados populares. En 1963 había avanzado hacia temas más serios y dramáticos, centrándose típicamente en situaciones románticas o escenas de guerra. [15] Los cómics como género eran tenidos en baja estima en ese momento. La antipatía pública llevó en 1954 a examinar las supuestas conexiones entre los cómics y la delincuencia juvenil durante las investigaciones del Senado sobre la delincuencia juvenil ; [16] a finales de esa década, los cómics eran considerados como material del "tipo comercial e intelectual más bajo", según Mark Thistlethwaite del Museo de Arte Moderno de Fort Worth . [16] Lichtenstein no era un entusiasta del cómic cuando era joven, [17] pero se sintió atraído como artista por el desafío de crear arte basado en un tema alejado de la típica "imagen artística". [18] Lichtenstein admitió que estaba "muy entusiasmado y muy interesado en el contenido altamente emocional pero al mismo tiempo distante e impersonal del manejo del amor, el odio, la guerra, etc., en estas imágenes de dibujos animados". [15]
Las obras de Lichtenstein basadas en cómics de guerra y romance tomaron temas heroicos de pequeños paneles y los monumentalizaron. [19] ¡Vaya! Es comparable en tamaño a los lienzos generalmente grandes pintados en aquella época por los expresionistas abstractos. [20] Es una de las muchas obras de Lichtenstein con temática aeronáutica. [21] Dijo que "los héroes representados en los cómics son tipos fascistas, pero no los tomo en serio en estas pinturas; tal vez tenga sentido no tomarlos en serio, un punto político. Los uso con fines puramente formales". razones." [22]
¡Vaya! adapta un panel de Irv Novick de la historia "Star Jockey" del número 89 de All-American Men of War de DC Comics (febrero de 1962). [23] [24] [25] El original forma parte de una secuencia de sueños en la que el piloto ficticio del Mustang P-51 de la Segunda Guerra Mundial, Johnny Flying Cloud, "el as navajo ", se prevé pilotando un avión de combate mientras derriba otros aviones a reacción. . [26] [27] En la pintura de Lichtenstein, tanto el avión atacante como el objetivo son reemplazados por diferentes tipos de aviones. Paul Gravett sugiere que Lichtenstein sustituyó el avión atacante por un avión de "Wingmate of Doom" ilustrado por Jerry Grandenetti en el número siguiente (#90, abril de 1962), [28] y que el avión objetivo fue tomado prestado de Russ Heath [29 ] dibujo en el tercer panel de la página 3 de la historia "Aces Wild" en el mismo número No. 89. [28] La pintura también omite el bocadillo de diálogo de la fuente en el que el piloto exclama "El enemigo se ha convertido en una estrella llameante !" [30]
Una pintura al óleo más pequeña de un solo panel de Lichtenstein casi al mismo tiempo, Tex! , tiene una composición similar, con un avión en la parte inferior izquierda disparando un misil aire-aire a un segundo avión que está explotando en la parte superior derecha, con una burbuja de palabras. [31] El mismo número de All-American Men of War fue la inspiración para al menos otras tres pinturas de Lichtenstein, Okay Hot-Shot, Okay! , Brattata y Blam , además de Whaam! y Texas! [32] El boceto a lápiz de grafito, Jet Pilot , también fue de ese número. [33] Varias de las otras obras de Lichtenstein basadas en cómics están inspiradas en historias sobre Johnny Flying Cloud escritas por Robert Kanigher e ilustradas por Novick, incluyendo Okay Hot-Shot, Okay! , Jet Pilot y Von Karp . [27]
Lichtenstein representó repetidamente combates aéreos entre Estados Unidos y la Unión Soviética . [3] A principios y mediados de la década de 1960, produjo esculturas de "explosión", tomando temas como la "liberación catastrófica de energía" de pinturas como Whaam! y representándolos en formas independientes y en relieve. [34] En 1963, parodiaba una variedad de obras de arte, desde publicidad y cómics hasta obras maestras modernas de " gran arte " de Cézanne , Mondrian , Picasso y otros. En ese momento, Lichtenstein señaló que "las cosas que aparentemente he parodiado, en realidad las admiro". [35]
La primera exposición individual de Lichtenstein se celebró en la Galería Leo Castelli de la ciudad de Nueva York, del 10 de febrero al 3 de marzo de 1962. Se agotó antes de su inauguración. [36] La exposición incluyó Look Mickey , [37] Anillo de compromiso , Blam y El refrigerador . [38] Según el sitio web de la Fundación Lichtenstein, ¡ Whaam! fue parte de la segunda exposición individual de Lichtenstein en la Galería Leo Castelli del 28 de septiembre al 24 de octubre de 1963, que también incluyó Drowning Girl , Baseball Manager , In the Car , Conversation y Torpedo...Los! [2] [36] Los materiales de marketing para la exposición incluyeron la obra de arte litográfica , Crak! [39] [40]
El sitio web de la Fundación Lichtenstein dice que Lichtenstein comenzó a utilizar su técnica de proyector opaco en 1962. [2] en 1967 describió su proceso para producir arte basado en cómics de la siguiente manera:
Los hago lo más directo posible. Si estoy trabajando a partir de una caricatura, una fotografía o lo que sea, hago un dibujo pequeño, del tamaño que cabe en mi proyector opaco... No hago un dibujo para reproducirlo, lo hago para recomponerlo. eso... Voy desde tener mi dibujo casi como el original hasta inventarlo por completo. [41]
¡Vaya! fue comprado por la Tate Gallery en 1966. [2] En 1969, Lichtenstein donó su dibujo inicial de grafito sobre papel para ' Whaam! ' , describiéndolo como un "garabato a lápiz". [42] Según la Tate, Lichtenstein afirmó que este dibujo representaba su "primera visualización de Whaam! y que fue ejecutado justo antes de comenzar a pintar". [43] Aunque había concebido una obra de arte unificada en un solo lienzo, hizo el boceto en dos hojas de papel del mismo tamaño, que medían 14,9 cm × 30,5 cm (5,9 pulgadas × 12,0 pulgadas). [43] La pintura se ha exhibido en la Tate Modern desde 2006. [44] En 2012-13, ambas obras se incluyeron en la retrospectiva de Lichtenstein más grande jamás exhibida, visitando el Instituto de Arte de Chicago , la Galería Nacional de Arte en Washington, DC. , la Tate Modern de Londres y el Centro Pompidou . [45]
¡Vaya! muestra un avión de combate en el panel izquierdo disparando un cohete contra un avión enemigo en el panel derecho, que se desintegra en una vívida explosión roja y amarilla. El estilo de los dibujos animados se enfatiza con el uso de las letras onomatopéyicas "¡WHAAM!" en el panel derecho y un título en un recuadro amarillo con letras negras en la parte superior del panel izquierdo. La exclamación textual "¡WHAAM!" Puede considerarse el equivalente gráfico de un efecto de sonido . [46] Esto se convertiría en una característica de su obra, como otras de sus pinturas onomatopéyicas que contienen exclamaciones como Bratatat! y Varoom! [47]
¡Vaya! es una de las series de imágenes de guerra de Lichtenstein, que normalmente combina colores vibrantes con una narrativa expresiva. [48] ¡Vaya! es muy grande, mide 1,7 m × 4,0 m (5 pies 7 pulgadas × 13 pies 4 pulgadas). [23] Es menos abstracto que Mientras abrí fuego , otra de sus escenas de guerra. [46] Lichtenstein emplea su estilo habitual de cómic: imágenes estereotipadas en colores primarios brillantes con contornos negros, junto con imitaciones de los puntos Ben-Day de la impresora mecánica . [49] El uso de estos puntos, que fueron inventados por Benjamin Day para simular variaciones de color y sombreado, se considera el "método característico" de Lichtenstein. [50] ¡Vaya! Se aparta de los dípticos anteriores de Lichtenstein, como Step-on-Can with Leg y Like New , en que los paneles no son dos variaciones de la misma imagen. [25]
Aunque Lichtenstein se esforzó por permanecer fiel a las imágenes originales, construyó sus pinturas de manera tradicional, comenzando con un boceto que ajustó para mejorar la composición y luego proyectó sobre un lienzo para hacer la pintura terminada. [51] En el caso de ¡ Whaam! , el boceto está en dos hojas de papel y la obra terminada está pintada con acrílico Magna y pintura al óleo sobre lienzo. [31] Aunque la transformación de una concepción de un solo panel a una pintura díptico se produjo durante el boceto inicial, el trabajo final varía del boceto en varios aspectos. El boceto sugiere que el mensaje "¡WHAAM!" El motivo sería de color blanco, aunque en la obra terminada es amarillo. [42] [43] Lichtenstein amplió el tema gráfico principal de cada panel (el plano de la izquierda y las llamas de la derecha), acercándolos como resultado. [43]
Lichtenstein construyó la imagen con múltiples capas de pintura. La pintura se aplicó utilizando un cepillo y una pantalla de metal hecha a mano para producir puntos Ben-Day mediante un proceso que dejó evidencia física. [52] [53] La técnica de puntos de Ben-Day permitió a Lichtenstein dar a sus obras una sensación de reproducción mecánica. Lichtenstein dijo que se supone que la obra "parece falsa, y creo que lo logra". [50]
Lichtenstein dividió la composición en dos paneles para separar la acción de su consecuencia. [25] El panel izquierdo presenta el plano de ataque, colocado en diagonal para crear una sensación de profundidad, debajo del globo de texto, que Lichtenstein ha relegado al margen sobre el plano. [25] En el panel derecho, el avión que explota, representado de frente, está delineado por las llamas, acompañado de la audaz exclamación "¡WHAAM!". [25] Aunque separados, con un panel que contiene el lanzamiento del misil y el otro su explosión, lo que representa dos eventos distintos, [54] los dos paneles están claramente vinculados espacial y temporalmente, sobre todo por el rastro de humo horizontal del misil. [55] Lichtenstein comentó sobre esta pieza en una carta del 10 de julio de 1967: "Recuerdo que me preocupaba la idea de hacer dos pinturas casi separadas que tuvieran pocos indicios de conexión compositiva y que cada una tuviera un carácter estilístico ligeramente separado. Por supuesto, existe la conexión humorística de un panel disparando al otro." [56]
Lichtenstein alteró la composición para hacer la imagen más convincente, haciendo que el avión explosivo fuera más prominente en comparación con el avión atacante que en el original. [25] La estela de humo del misil se convierte en una línea horizontal. Las llamas de la explosión dominan el panel derecho, [25] pero el piloto y el avión en el panel izquierdo son el foco narrativo. [46] Ejemplifican los minuciosos detalles de Lichtenstein de características físicas como la cabina del avión. [57] El otro elemento del contenido narrativo es un globo de texto que contiene el siguiente texto: "Presioné el control de fuego... y delante de mí cohetes ardieron a través del cielo..." [52] Esto se encuentra entre el texto Se cree que fue escrito por el editor de All-American Men of War, Robert Kanigher . [28] [58] [59] La palabra amarilla "¡WHAAM!", modificada del rojo en el panel original del cómic y del blanco en el boceto a lápiz, vincula el amarillo de la explosión debajo con el cuadro de texto a la izquierda y las llamas del misil debajo del avión atacante.
Los préstamos de Lichtenstein de los cómics imitaron su estilo y adaptaron su tema. [60] Explicó que "los carteles y las historietas son temas interesantes. Hay ciertas cosas que son utilizables, contundentes y vitales en el arte comercial". Rebecca Bengal de PBS escribió que ¡Whaam! La claridad gráfica ejemplifica el estilo ligne claire asociado con Hergé , un caricaturista cuya influencia Lichtenstein reconoció. [61] Lichtenstein se sintió atraído por el uso de un estilo formal y fresco para representar temas emotivos, dejando que el espectador interpretara la intención del artista. [51] Adoptó una combinación de colores simplificada y técnicas similares a las de la impresión comercial. La técnica prestada consistía en "representar variaciones tonales con patrones de círculos de colores que imitaban las tramas de medios tonos de los puntos de Ben Day utilizados en la impresión de periódicos, y rodearlos con contornos negros similares a los que se utilizan para ocultar imperfecciones en papel de periódico barato". [60] Lichtenstein dijo una vez sobre su técnica: "Tomo un cliché y trato de organizar sus formas para hacerlo monumental". [52]
La pintura fue, en su mayor parte, bien recibida por los críticos de arte cuando se exhibió por primera vez. Una reseña de la revista de arte de noviembre de 1963 realizada por Donald Judd describió ¡Whaam! como una de las "pinturas amplias y poderosas" de la exposición de 1963 en la Galería Castelli. [36] En su reseña de la exposición, el crítico de arte del New York Times Brian O'Doherty describió la técnica de Lichtenstein como "puntillismo de máquina de escribir... que laboriosamente elabora momentos como los de un avión derribando a otro con un gran BLAM". Según O'Doherty, el resultado "ciertamente no fue arte, [pero] el tiempo puede hacerlo", dependiendo de si podía ser "racionalizado... y colocado en línea para que el futuro lo asimilara como historia, lo cual demuestra". cada señal de hacerlo." [62] La Tate Gallery de Londres adquirió la obra en 1966, lo que provocó acaloradas discusiones entre sus administradores y algunos miembros del público. La compra se realizó a la marchante de arte Ileana Sonnabend , cuyo precio de venta de £4.665 (£92.449 en moneda de 2024) se redujo mediante negociación a £3.940 (£78.081 en moneda de 2024). [63] Algunos administradores de la Tate se opusieron a la adquisición, entre ellos la escultora Barbara Hepworth , el pintor Andrew Forge y el poeta y crítico Herbert Read . [63] Al defender la adquisición, el historiador de arte Richard Morphet, entonces asistente de mantenimiento de la Tate, sugirió que la pintura aborda varios temas y estilos pictóricos al mismo tiempo: "la pintura histórica, la extravagancia barroca y el fenómeno cotidiano de la circulación masiva". historietas." [64] The Times en 1967 describió la adquisición como una "pintura muy grande y espectacular". [65] El director de la Tate, Norman Reid , dijo más tarde que la obra despertó más interés público que cualquiera de sus adquisiciones desde la Segunda Guerra Mundial. [66]
En 1968, ¡zas! se incluyó en la primera exposición individual de la obra de Lichtenstein en la Tate. [66] La muestra atrajo a 52.000 visitantes y se organizó con el Museo Stedelijk de Ámsterdam, [63] que posteriormente acogió la exposición del 4 de noviembre al 17 de diciembre de 1967, antes de que viajara a otros tres museos. [2]
Para José Pierre, ¡zas! representa la expansión de Lichtenstein en 1963 "hacia la vena 'épica'". [67] Keith Roberts, en un artículo de la revista Burlington de 1968 , describió la explosión como una combinación de " elegancia art nouveau con una energía nerviosa que recuerda al expresionismo abstracto". [68] Wendy Steiner cree que la obra es la composición basada en cómics más exitosa y armoniosa de Lichtenstein. Ella considera que los elementos narrativos y gráficos son complementarios: la acción y la alineación espacial guían la mirada del espectador de izquierda a derecha para enfatizar la relación entre la acción y su explosiva consecuencia. Las elipses del globo de texto presentan una progresión que culmina con un "¡WHAAM!". La "coincidencia del orden pictórico y verbal" es clara para el espectador occidental con el texto explicativo que comienza en la parte superior izquierda y el vector de acción que se mueve desde el primer plano izquierdo hasta el fondo derecho, culminando en una explosión gráfica junto con una exclamación narrativa. [69] Steiner dice que la sorprendente incongruencia de los dos paneles (el panel izquierdo parece estar "truncado", mientras que el derecho representa una explosión centralizada) realza el poder narrativo de la obra. [69]
La técnica de Lichtenstein ha sido caracterizada por Ernst A. Busche como "la ampliación y unificación de su material original... sobre la base de estrictos principios artísticos". [60] Extraída de una narrativa más amplia, la imagen estilizada resultante se convirtió en algunos casos en una "abstracción virtual". Al recrear sus técnicas gráficas minimalistas, Lichtenstein reforzó la naturaleza artificial de las historietas y los anuncios. La magnificación que Lichtenstein hizo de su material original hizo que sus motivos dibujados impersonalmente parecieran aún más vacíos. Busche también dice que aunque en estas imágenes se puede leer una crítica de la América industrial moderna, Lichtenstein "parecería aceptar el medio ambiente revelado por su material de referencia como parte de la cultura industrial capitalista estadounidense". [60]
David McCarthy contrastó la presentación "desapasionada, distante y extrañamente incorpórea" del combate aéreo de Lichtenstein con el trabajo de HC Westermann , para quien la experiencia del servicio militar en la Segunda Guerra Mundial inculcó la necesidad de horrorizar y conmocionar. Por el contrario, Lichtenstein registra su "comentario sobre la civilización estadounidense" ampliando imágenes de cómics de varios centímetros de alto a las dimensiones descomunales de la pintura histórica . [3] Laura Brandon vio un intento de transmitir "la trivialización de la cultura endémica en la vida estadounidense contemporánea" al representar una impactante escena de combate como un acto banal de la Guerra Fría. [70]
Carol Strickland y John Boswell dicen que al ampliar los paneles del cómic a un tamaño enorme con puntos, "Lichtenstein abofeteó al espectador con su trivialidad". [49] HH Arnason señaló que ¡Whaam! presenta "colores planos limitados y dibujos duros y precisos", que producen "una pintura de tema duro que documenta mientras parodia suavemente las imágenes familiares de los héroes de la América moderna". [71] El estilo plano y muy acabado de las pinceladas planificadas puede verse como la reacción del arte pop contra la laxitud del expresionismo abstracto. [72] Alastair Sooke dice que la obra puede interpretarse como un autorretrato simbólico en el que el piloto en el panel izquierdo representa a Lichtenstein "venciendo a sus competidores en un dramático combate aéreo en el mundo del arte" disparando un misil a la colorida "parodia de pintura abstracta" en el panel derecho. [64]
Según Ernesto Priego, si bien la obra adapta una fuente cómica, el cuadro no es ni un cómic ni una viñeta de cómic, y "su significado es únicamente referencial y post hoc ". Dirige la atención de su audiencia a características como el género y los métodos de impresión. Visual y narrativamente, el panel original fue el elemento culminante de una composición de página dinámica. Lichtenstein enfatiza la onomatopeya mientras resta importancia al habla articulada quitando el globo de diálogo. Según Priego, "al despojar el panel del cómic de su contexto narrativo, ¡ Whaam! es representativo en el ámbito de las bellas artes de la preferencia de la imagen-icono sobre la imagen-narrativa". [59]
¡Vaya! A veces se dice que pertenece al mismo género pacifista que el Guernica de Picasso , sugerencia rechazada por Bradford R. Collins. En cambio, Collins ve la pintura como una fantasía de venganza contra Isabel, la primera esposa de Lichtenstein, concebida tal como fue durante su amarga batalla por el divorcio (la pareja se separó en 1961 y se divorció en 1965). [73]
Marla F. Prather observó que ¡ Whaam! La gran escala y la representación dramática contribuyeron a su posición como una obra histórica de arte pop. [72] Con Mientras abrí fuego , la otra pintura de guerra monumental de Lichtenstein, ¡ Whaam! Según Diane Waldman, se considera la culminación de los dramáticos cómics de guerra de Lichtenstein. [74] Se describe ampliamente como la obra más famosa de Lichtenstein, [75] [76] [77] o, junto con Drowning Girl , como una de sus dos obras más famosas. [78] [79] Andrew Edgar y Peter Sedgwick lo describen, junto con los grabados de Marilyn Monroe de Warhol , como una de las obras más famosas del arte pop. [80] Gianni Versace una vez vinculó las dos imágenes icónicas del arte pop a través de sus diseños de vestidos . [81] Según Douglas Coupland , la World Book Encyclopedia utilizó imágenes de Monroes y Whaam! para ilustrar su entrada de arte pop. [82]
Los cómics, a su vez, se vieron afectados por el impacto cultural del arte pop. A mediados de la década de 1960, algunos cómics mostraban un nuevo énfasis en los colores llamativos, los efectos de sonido enfáticos y los diálogos forzados (los elementos del estilo del cómic que habían llegado a considerarse camp ) en un intento de atraer a personas mayores y universitarias. Lectores de edad que apreciaban el arte pop. [83] Gravett observó que "la simplicidad y la obsolescencia [de los cómics] estaban listas para ser objeto de burla". [28]
¡Vaya! fue una de las obras clave expuestas en una importante retrospectiva de Lichtenstein en 2012-2013 que fue diseñada, según Li-mei Hoang, para demostrar "la importancia de la influencia de Lichtenstein, su compromiso con la historia del arte y su legado duradero como artista". [84] En su reseña de la Retrospectiva de Lichtenstein en la Tate Modern , Adrian Searle de The Guardian , que en general no estaba entusiasmado con el trabajo de Lichtenstein, le dio crédito al título de la obra por describir con precisión su contenido gráfico: "¡Whaam! Va la pintura, como el cohete". Golpea y el caza enemigo explota en un lívido rugido de cómic". [85] El crítico del Daily Telegraph, Alastair Smart, escribió una crítica despectiva en la que reconocía la reputación de Lichtenstein como figura destacada en "el descarado asalto del arte pop a los fanfarrones y engreídos expresionistas abstractos", cuyas obras Smart dijo ¡ Whaam! imitado por su enorme escala. Smart dijo que la obra no era ni un comentario positivo sobre el espíritu de lucha estadounidense ni una crítica, pero se destacaba por marcar "el impacto incendiario de Lichtenstein en la escena artística estadounidense". [20]
Los detractores han expresado su preocupación por la apropiación de Lichtenstein , ya que hace referencia directa a imágenes de otras fuentes [86] en Whaam! y otras obras de la época. [28] Algunos lo han denigrado como una mera copia, a lo que otros han respondido que Lichtenstein alteró sus fuentes de manera significativa y creativa. [64] En respuesta a las acusaciones de plagio, la Fundación Roy Lichtenstein ha señalado que los editores nunca han demandado por infracción de derechos de autor y que nunca plantearon la cuestión cuando el trabajo de Lichtenstein derivado de los cómics llamó la atención por primera vez en la década de 1960. [87] Otras críticas se centran en la falta de crédito de Lichtenstein a los artistas originales de sus fuentes; [64] [88] [89] Ernesto Priego implica a Periódicos Nacionales en el caso Whaam! , ya que los artistas nunca fueron acreditados en los cómics originales. [59]
En el documental de la BBC Four de 2013 de Alastair Sooke que tuvo lugar frente a Whaam! En la Tate Modern, el dibujante de cómics británico Dave Gibbons cuestionó la afirmación de Sooke de que la pintura de Lichtenstein mejoraba el panel de Novick, diciendo: "Esto me parece plano y abstracto, hasta el punto de que a mis ojos es confuso. Mientras que el original tiene tiene una cualidad tridimensional, tiene espontaneidad, tiene emoción y una forma de involucrar al espectador de la que ésta carece". [28] Gibbons ha parodiado la derivación de Lichtenstein de la obra de Novick. [28] [90]
Tradujo una de las pinturas más famosas de Roy Lichtenstein poniendo letras gigantes que deletreaban "¡WHAAM!" con un vestido de noche amarillo clevore. Adornó un vestido de seda con cuello halter con las célebres imágenes de Marilyn Monroe de Andy Warhol...
