Chaim Koppelman (17 de noviembre de 1920 - 6 de diciembre de 2009) fue un artista, educador de arte y consultor de realismo estético estadounidense. Más conocido como grabador , también produjo esculturas, pinturas y dibujos. Miembro de la Academia Nacional de Diseño desde 1978, fue presidente de la Sociedad de Artistas Gráficos Estadounidenses (SAGA), que le otorgó un Premio a la Trayectoria en 2004. [1] Fundó el Departamento de Grabado de la Escuela de Artes Visuales en 1959, y enseñó allí hasta 2007. [2]
Koppelman fue uno de los primeros estudiantes del realismo estético, la filosofía fundada en 1941 por Eli Siegel , que se basa en el principio de que «toda belleza es una unión de opuestos, y la unión de opuestos es lo que buscamos en nosotros mismos». [3] Este principio influyó en el arte de Koppelman, en su enseñanza y en su trabajo como consultor de realismo estético. Sobre la importancia de este principio para el arte y la vida, Koppelman afirmó: «Cuando Eli Siegel demostró que lo que hace bella a una obra de arte –la unión de los opuestos– es lo mismo que lo que cada individuo desea, fue uno de los logros más poderosos y generosos de la mente humana». [4] [5]
El arte de Koppelman se destaca por su originalidad, técnica magistral, humor y poder. [1] Está representado en la mayoría de las colecciones de grabados más importantes, incluido el Museo de Arte Moderno de Nueva York , el Museo Guggenheim , el Museo Whitney , el Museo Metropolitano , la Biblioteca Pública de Nueva York , el Museo de Brooklyn , el Museo de Arte de Filadelfia , la Galería Nacional , el Instituto Smithsonian y el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn en Washington, DC, y el Museo Victoria y Alberto en Londres. [1] Una exposición retrospectiva en el Museo Napoleonico en Roma (2011-12) expuso su trabajo a una audiencia internacional. [6]
Chaim Koppelman nació en Brooklyn , Nueva York, hijo de Sam y Sadie Koppelman, cuyas imágenes aparecen en varias de sus obras. A la edad de 9 años, dibujó un perfil de Napoleón en un libro de geografía, y las imágenes del Emperador reaparecerían a lo largo de su larga carrera. [7] Comenzó sus estudios de arte en las clases de Works Progress Administration (WPA) en el Museo de Brooklyn en 1936, y continuó en el Brooklyn College , la Educational Alliance y la American Artists School . Estudió escultura con William Koss, pintura abstracta con Carl Holty y litografía con Eugene Morley. En la Art Students League, estudió escultura con Jose de Creeft y grabado con Martin Lewis y Will Barnet . [8]
A principios de la década de 1940, Koppelman trabajó en el Museo de Pintura No Objetiva de la calle 54 de Manhattan (que más tarde se convirtió en el Museo Guggenheim) con, entre otros, Jackson Pollock , Robert De Niro, Sr. , Rolph Scarlett, Lucia Autorino y Ward Jackson. Dos de sus primeros dibujos abstractos en pluma y tinta se encuentran en la colección Guggenheim. [9] La primera exposición registrada de la obra de Koppelman se celebró en la Galería Lounge del Eighth Street Playhouse en 1942, e incluyó dibujos, pinturas y esculturas. [10] Al año siguiente, realizó una exposición individual en la Galería Outlines de Pittsburgh. [11]
En 1940, Koppelman comenzó a asistir a clases de poesía con Eli Siegel, [12] el poeta y crítico estadounidense que llamó la atención nacional por primera vez en 1925, cuando su poema "Hot Afternoons Have Been in Montana" ganó el prestigioso premio de poesía de The Nation . [13] Este poema, afirmó Siegel más tarde, surgió de una forma de ver que en 1941 se convirtió en el realismo estético, [14] la filosofía de que la realidad es estética y que "la resolución del conflicto en uno mismo es como la creación de uno de opuestos en el arte". [15] En opinión de Koppelman, Siegel fue "el filósofo más importante del siglo XX, tal vez de todos los tiempos". [5]
En las clases y lecciones de realismo estético, Koppelman aprendió que los problemas éticos son también problemas artísticos. Sentía que su obra sufría una lucha entre la rigidez y la flexibilidad. Aprendió que podía buscar la precisión en el estudio como penitencia por haber sido descuidado en otros momentos, queriendo alejarse de las cosas. A medida que la libertad y el orden, la verdad y la imaginación se integraron más en su vida, su arte se volvió más imaginativo. "Siempre había tenido una inclinación clásica en mi trabajo", escribió. "Pero también había un salvajismo en mí que no se había reflejado en mi trabajo lo suficiente o con gracia". Como resultado de su estudio, Koppelman señaló que "la rigidez y el abandono, lo clásico y lo salvaje, incluso lo conservador y lo rebelde parecían funcionar mejor juntos", lo que dio como resultado un arte que era "más imaginativo, más libre en concepto". [16] La audacia de la imaginación y un sentido infalible del detalle fueron dos cualidades por las que se hizo famoso el trabajo de Koppelman. [8]
También aprendió que el arte no surge del sufrimiento o la depresión, sino más bien de la esperanza de respetar y amar honestamente al mundo al ver los opuestos como uno solo. Este, según el realismo estético, es el deseo más profundo de cada persona, pero se opone al deseo de desprecio, la falsa noción de que uno se agrega a sí mismo al disminuir el valor de otras cosas. El arte de Koppelman está impregnado de su comprensión de este conflicto. Sus obras son a menudo alegorías que señalan la discrepancia entre opuestos como el orgullo y la humildad, la generosidad y el egoísmo, el idealismo y el cinismo, y la necesidad de integrarlos. "El hecho de que el arte pueda ser un vehículo para comprender el comportamiento individual parece haber inspirado siempre el proceso creativo de Koppeman", escribió John B. Ravenal, del Museo de Bellas Artes de Virginia, señalando que sus obras "ofrecen una representación íntima de detalles observados de cerca, mediante los cuales, paradójicamente, evocan verdades universales". [17]
Siegel: Hay una tendencia por tu parte a separar la percepción profunda de la realidad. Y una de las cosas que tienes que buscar es sentir que cuando te sientes bien eres tan profundo como cuando te sientes mal. Y no creo que esto lo hayas sentido todavía. Tomemos la lucha entre Delacroix e Ingres. Ingres buscaba contornos y formas y algo comparativamente restringido, y Delacroix buscaba mucho movimiento y color. ¿Es esa la guerra que llevas dentro?Koppelman: Sí.Siegel: Adopta muchas formas. No serás libre en lo que respecta al arte hasta que tu movimiento, tu ondulación, tu fluidez se perciban como lo mismo que tu exactitud, tu rigidez, tu crudeza. Creo que crees que eres más profundo cuando sufres. ¿Entiendes lo que quiero decir?
–de una lección de realismo estético de Chaim Koppelman con Eli Siegel, 2 de junio de 1949
Chaim Koppelman, This Is the Way I See Aesthetic Realism ( Esta es la manera en que veo el realismo estético ) (Nueva York: Terrain Gallery & Definition Press, 1969) [18]
En noviembre de 1942, Koppelman fue reclutado por el ejército de los Estados Unidos y en 1943 se casó con la pintora Dorothy Myers. Trabajó como meteorólogo por radio durante la Segunda Guerra Mundial, guiando a los barcos a través de las agitadas aguas del Canal de la Mancha , que fue una parte crítica de la invasión de Normandía . Manejó una ametralladora antiaérea en el desembarco del Día D en la playa de Omaha y más tarde, como sargento, fue galardonado con una Estrella de Bronce . [19] Antes de la invasión, había podido estudiar en el Art College of Western England en Bristol, y más tarde en la École des Beaux-Arts en Reims. Mientras estaba de permiso, visitó el estudio de Picasso en París, y fueron Picasso y Louis Aragon quienes le dijeron a Koppelman que la guerra en Europa había terminado. Las cartas que describen su experiencia en tiempos de guerra se encuentran en los documentos de Chaim y Dorothy Koppelman en los Archivos Smithsonian de Arte Americano. [20]
Al regresar a Nueva York, Koppelman continuó sus estudios de Realismo Estético y, bajo el GI Bill , estudió en la Escuela Amédée Ozenfant y se convirtió en asistente de Ozenfant. [2] Mientras continuaba exhibiendo esculturas y dibujos, [21] también comenzó a hacer grabados, un medio que, dijo, combina la calidad de tallado de la escultura con las sutilezas de la luz y la sombra en el dibujo y la pintura. [22]
El grabado es a la vez crítico y amable, y eso me gustó mucho. Tiene una cualidad penetrante, crítica y mordaz. Sin embargo, también puede producir efectos de luces y sombras muy suaves. El grabado es a la vez suave y agudo, y yo quería unir estos opuestos en mí. [23] Cuando tomo la aguja de grabado en mi mano, el cambio se vuelve fijo, lo intermedio definido, lo oscuro claro, lo oculto visto, lo provocativo a pleno pulmón. [24]
Chaim Koppelman
A principios de la década de 1950, Koppelman formó parte del taller Stanley William Hayter Atelier 17 en Nueva York. Más tarde trabajó en el taller de grabado fundado por Robert Blackburn y Will Barnet. [25] Blackburn atribuyó a Koppelman el mérito de haber salvado el taller cuando este afrontó dificultades financieras en 1956, al transformarlo en una cooperativa de artistas de siete miembros con cuotas anuales para mantener sus puertas abiertas. [26]
Blackburn, Chaim y Dorothy Koppelman [27] y Leo Katz –el director del Atelier 17 después de Hayter– estuvieron entre los artistas que asistieron a las Conferencias de Belleza y las Investigaciones Artísticas dirigidas por Eli Siegel, clases en las que discutía el trabajo actual de artistas contemporáneos con los artistas presentes y participantes. “La profundidad de las discusiones que tuvieron lugar”, escribió Koppelman más tarde, “animó a los artistas a comprender más profundamente de qué trataba su trabajo y cuál era su intención”. [16]
En 1955, la Terrain Gallery abrió con Dorothy Koppelman como directora fundadora. [20] Ella y Chaim Koppelman, como curador de grabados, fueron responsables de importantes exposiciones de grabados que incluyeron el trabajo de Roy Lichtenstein , Claes Oldenburg , Alex Katz , Ad Reinhardt , Fay Lansner, John von Wicht, Leonard Baskin , Robert Conover, Will Barnet, Harold Krisel, Vincent Longo y otros. [28] El lema de la Terrain era la declaración de Siegel: "En realidad, los opuestos son uno; el arte lo demuestra". La galería realizó exposiciones de arte contemporáneo, con obras frecuentemente acompañadas por los comentarios de los artistas sobre las quince preguntas de Siegel, ¿Es la belleza la creación de opuestos?, publicada por la Terrain y reimpresa en The Journal of Aesthetics and Art Criticism . [29] Después de exposiciones individuales en el Terrain, tanto Chaim como Dorothy Koppelman tuvieron trabajos incluidos en la exposición de 1962 "Recent Painting USA: The Figure" en el Museo de Arte Moderno. [20] [30]
Koppelman abrió su propio estudio y taller gráfico en 1964 en el 498 de Broome Street, siendo pionero en la comunidad de artistas del SoHo. [22] El taller de Broome Street permaneció abierto durante más de cuarenta años, y fue utilizado y cuidado por varios artistas, entre ellos Michael DiCerbo, Sally Brody, Carl Shishido, Reynolds Tenezias y otros. [28]
En 1967, la Terrain Gallery organizó una exposición en beneficio de los niños vietnamitas quemados y lisiados por el napalm. Titulada Todo el arte es por la vida y contra la guerra de Vietnam, incluía el trabajo de 105 pintores, escultores, grabadores y fotógrafos. "Vietnam", una aguatinta de Koppelman que originalmente se encontraba en la exposición Terrain, [31] está incluida en The Indignant Eye: The Artist as Social Critic in Prints and Drawings from the Fifteenth Century to Picasso , de Ralph E. Shikes, que cita a Koppelman sobre su intención artística: "Quería un sentido de la dignidad de una madre en medio de la tragedia". [32]
"Nuestra injusticia, Vietnam", una impresión en relieve con pintura metálica sobre papel, descrita como una "cruda declaración política" en The New York Times, [33] se encuentra en las colecciones del Museo Whitney de Arte Estadounidense y el Museo de Brooklyn.
En 1968, Koppelman recibió el encargo de entrevistar a Roy Lichtenstein, Richard Anuszkiewicz y Clayton Pond sobre la relevancia de la teoría de los opuestos de Siegel para su obra. Las grabaciones de estas entrevistas forman parte de los Archivos Smithsonian de Arte Americano. [20] Al año siguiente, aparecieron ensayos de Dorothy y Chaim Koppelman en el libro Aesthetic Realism: We Have Been There – Six Artists on the Siegel Theory of Opposites (Nueva York: Definition Press, 1969).
Después de haber probado sus conceptos estéticos en literalmente miles de obras de diferentes períodos, en diferentes estilos, en diferentes medios, durante más de veinte años, digo que la Teoría de los Opuestos de Eli Siegel es la clave de lo que es bueno o bello en el arte. He visto que cuanto mayor es la obra de arte, más rico, sorprendente y sutil es el juego y la fusión de las cualidades opuestas en ella. En una mala obra de arte, los opuestos están presentes, pero o luchan demasiado, o están ahí sin fuerza... El desprecio es el mayor enemigo del arte... El desprecio, según el Realismo Estético, es la diferencia entre lo que una cosa merece y lo que le damos... La belleza sólo puede surgir de una mente que es justa, que quiere ver las cosas exactamente y darles todo el significado que merecen. No se puede pasar del desprecio fuera al respeto en el estudio y salirse con la suya.
Realismo estético: hemos estado allí [34]
Los grabados de Koppelman fueron comparados con los de William Blake y Francisco de Goya . [35] ARTnews escribió sobre su "magnífico uso de la alegoría". [36] Los críticos elogiaron su trabajo en la Terrain Gallery, [37] [38] [39] la Kennedy Gallery, [40] la RoKo Gallery, [41] [42] el Brooklyn Museum, [43] la National Academy of Design, [44] y la National Gallery en Washington, DC. [45] "La preocupación de Koppelman es el hombre, el bien y el mal... Es un técnico magnífico cuyo trabajo tiene grandeza e impacto emocional", escribió Bennett Schiff. [46] "Chaim Koppelman trae un concepto y una técnica totalmente nuevos al campo del arte gráfico", escribió el crítico y director de la galería Sylvan Cole, Jr. "La teoría de los opuestos de Siegel ha tenido un profundo efecto en su trabajo". [8] Una Johnson , curadora emérita de grabados y dibujos del Museo de Brooklyn, dijo: "Ha aplicado sus habilidades y su imaginería sin pestañear a los problemas problemáticos y a menudo controvertidos de nuestros tiempos". Su colega artista Will Barnet dijo: "Fue brillante, tanto en el grabado como en la pintura. Su obra tiene un sentido de oscuridad y luz que es único... Había esta profundidad en él, y este sentido de humanidad. Y se desarrolló a través del realismo estético". [1]
Koppelman recibió el Premio SAGA Markel en 1956, [47] y las Becas Tiffany en 1967 y 1969. Representó a los Estados Unidos en la exposición Documenta II, Kassel, Alemania Occidental en 1969. En la exposición anual SAGA de 1967, el grabado de Koppelman "Éxodo" recibió el Premio Vera List. Al año siguiente, su trabajo se mostró y se discutió en el Canal 31, WNYC-TV. En 1976, ganó una Beca CAPS (Servicio Público de Artistas Creativos) del Estado de Nueva York para una serie de litografías titulada Cercanía y choque en parejas y vida doméstica . [2] En 1998, su dibujo al carboncillo "Los ángeles oscuros" ganó el Premio Gladys Emerson Cook a la excelencia general de la Academia Nacional. [48] En 1992, Koppelman, Blackburn y Barnet recibieron un Premio de Equidad de Artistas de Nueva York por su dedicado servicio a la comunidad de grabadores. Leyendas del taller de grabado , una exposición de 2011 en el Museo LaGrange en Georgia, presentó grabados de los tres artistas y Tom Laidman, seleccionados por la colección de Wesley Cochran y que ahora forman parte de ella. [49]
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En 1959, Koppelman comenzó el Departamento de Grabado en la Escuela de Artes Visuales, donde enseñó hasta 2007. También enseñó en la Academia Nacional, la Universidad de Nueva York , SUNY New Paltz , la Rhodes Preparatory School y la 92nd Street Y. [ 1] En 1971, se convirtió en consultor de la facultad de la Fundación de Realismo Estético sin fines de lucro. [50] Como parte del trío, The Kindest Art, dio consultas a artistas y otros, enseñando que el arte responde a la pregunta más profunda de la vida: cómo ser plenamente uno mismo siendo justo con el mundo exterior. Enseñó El arte del dibujo: superficie y profundidad . Estudió realismo estético con Eli Siegel hasta 1978, y luego en clases profesionales con la presidenta de Educación, Ellen Reiss. [2]
Sus escritos académicos como consultor de realismo estético que muestran la relación entre el arte y la vida incluyen consideraciones sobre las vidas y obras de los escultores Augustus Saint-Gaudens y Jacques Lipchitz ; los pintores René Magritte , Giorgio de Chirico , Henri Matisse , Rembrandt , Fernand Léger , Henri de Toulouse-Lautrec , Masaccio ; y muchos grabadores estadounidenses. Es autor de The Art of the Print , ensayos sobre obras de Picasso, Daumier , Munch , Hogarth y Duane Hanson . [51] Sus dibujos ilustran el libro de Siegel, Damned Welcome: Aesthetic Realism Maxims (Nueva York: Definition Press, 1972, 2011). [52]
Aunque es conocido principalmente por su trabajo en blanco y negro, el interés pictórico de Koppelman por el color adquirió una nueva forma en la década de 1970, cuando comenzó a utilizar el color en sus grabados. Después de 1980, trabajó cada vez más con pasteles y acuarelas. [22]
La obra de Koppelman aparece en importantes colecciones de grabados, entre ellas el Museo de Arte Moderno, los museos Metropolitan, Whitney, Brooklyn y Guggenheim; el Museo Peabody Essex , la Galería de Arte de la Universidad de Yale , la Galería Nacional, la Colección Pennell-Biblioteca del Congreso, el Instituto de Arte de Minneapolis , el Museo del Condado de Los Ángeles , el Centro de Arte Walker , el Museo Victoria and Albert de Londres, el Museo de Bellas Artes de Anchorage y el Museo de Bellas Artes de Caracas. [8] Tanto Chaim como Dorothy Koppelman mantuvieron "libros de objetos" iniciados en 1949, que contenían bocetos de objetos ordinarios junto con, por sugerencia de Eli Siegel, tres oraciones descriptivas sobre cada objeto. [53] Estos bocetos y notas continuaron hasta el año 2000, y algunos volúmenes se encuentran entre los documentos de Chaim y Dorothy Koppelman en la colección de Archivos de Arte Americano del Instituto Smithsonian. [20]
En 2000, se realizó una exposición retrospectiva de las obras de Koppelman en papel en la galería Beatrice Conde. [54] Chaim Koppelman murió el 6 de diciembre de 2009, por causas naturales en el Centro Médico Beth Israel en Manhattan , Ciudad de Nueva York. [2] Una exposición conmemorativa que abarca siete décadas de su trabajo se realizó en la Galería Terrain en 2010. [55]
A lo largo de la extensa carrera de Koppelman, la imagen de Napoleón es recurrente, y se realizó una exposición retrospectiva de más de ochenta obras y estudios que trataban sobre Napoleón en el Museo Napoleonico de Roma (del 11 de octubre de 2011 al 6 de mayo de 2012). [6] Titulada Napoleon Entering New York: Chaim Koppelman and the Emperor, Works 1957–2007 (Napoleón entrando en Nueva York: Chaim Koppelman y el Emperador, obras 1957–2007 ), incluía pinturas, pasteles, dibujos, collages, acuarelas, grabados en huecograbado, linograbados y muchas de las notas del artista sobre papel. La exposición también incluyó selecciones de una conferencia que Siegel dio en 1951, Napoleon Bonaparte: or, Orderly Energy (Napoleón Bonaparte: o, energía ordenada), a la que Koppelman había asistido y a la que atribuyó la inspiración de gran parte de la obra expuesta. [7]
Napoleón tenía un deseo feroz de orden, y su deseo de orden lo hizo muy enérgico... Napoleón sentía profundamente que todos los hombres tenían que ver entre sí y que las injusticias del pasado debían transformarse en algo que exigiera las capacidades de todas las personas. Por un lado, vemos en él un tremendo deseo de democracia, y por el otro, un tremendo ego, un tremendo deseo de poder. Las confusiones... señalan las confusiones en nosotros. Queremos ser bienvenidos por las masas, pero queremos alimentar nuestras almas egoístas.
Eli Siegel [56]
En su reseña "Chaim Koppelman's Napoleon Entering Brighton Beach, Coney Island" , el artista Richard Sloat, expresidente de SAGA, escribió: "En su arte, Chaim Koppelman fue un creador de historias sobre nuestro yo interior... Que Napoleón esté liderando a su ejército en retirada por el paseo marítimo de Coney Island es un poco heroico, un poco trágico, un poco divertido, un poco absurdo, pero también glorioso. ¿No es esta una maravillosa metáfora de nuestra forma de vivir esta vida?" [57]
Al reseñar esta exposición, el diario italiano Corriere della Sera describió a Koppelman como "uno de los más grandes grabadores estadounidenses". [58]
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