John Kirkham Hubley (21 de mayo de 1914 - 21 de febrero de 1977) fue un director de cine de animación , director de arte , productor y escritor estadounidense conocido por su trabajo con United Productions of America (UPA) [1] y su propio estudio independiente, Storyboard, Inc. (más tarde rebautizado como Hubley Studio). [2] Pionero e innovador en la industria de la animación estadounidense , Hubley impulsó películas visual y emocionalmente más complejas que las producidas por contemporáneos como Walt Disney Company y Warner Brothers Animation . [3] Él y su segunda esposa, Faith Hubley (de soltera Chestman), con quien trabajó desde 1953 en adelante, fueron nominados a siete premios Óscar , ganando tres. [4]
Hubley nació en Marinette, Wisconsin , en 1914 y desarrolló un interés por el arte desde una edad temprana, ya que tanto su madre como su abuelo materno eran pintores profesionales. [5] Después de la secundaria, Hubley asistió al ArtCenter College of Design para estudiar pintura. Después de tres años de clases, consiguió un trabajo en el Walt Disney Animation Studio a la edad de 22 años. [6] Aunque su talento fue reconocido por el estudio y le dieron un puesto como director de animación en Fantasía , Hubley se sintió restringido por el estilo de animación conservador del estudio. Hubley dejó Disney en 1941 durante la huelga de animadores de Disney y se unió a la First Motion Pictures Unit , siguiendo más tarde a muchos de sus compañeros artistas de la unidad al recién formado Industrial Poster Service (más tarde rebautizado como United Productions of America ). Hubley desempeñó muchos papeles en UPA y dirigió varios cortometrajes animados nominados al Oscar. El más famoso fue The Ragtime Bear (1949), el debut de Mr. Magoo , un personaje que co-creó.
En 1952, Hubley se vio obligado a abandonar la UPA tras negarse a denunciar el comunismo , lo que llevó a su posterior investigación por parte del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes . Pronto abrió su propio estudio independiente para capitalizar el trabajo comercial para el nuevo mercado de la publicidad televisiva , [7] dirigiendo el exitoso anuncio "I Want My Maypo!" . En 1954, el Museo Solomon R. Guggenheim le encargó que hiciera un cortometraje animado, el primer cortometraje financiado por un museo de arte. [8]
Hubley (junto con su esposa Faith) es considerado a menudo la figura más importante de la animación independiente estadounidense y una de las figuras más importantes en la historia de la animación. La película de los Hubley Moonbird (1959) se convirtió en la primera película independiente en ganar el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación . Hubley colaboró con músicos de jazz como Dizzy Gillespie , Benny Carter y Quincy Jones y a menudo utilizó diálogos improvisados sin guión en sus películas, creando una forma completamente nueva de expresar emociones y sentimientos a través del medio de la animación. Sus películas se consideran importantes en la evolución del modernismo de posguerra en el cine. [9] La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas afirma que las películas de los Hubley "se opusieron al sistema y definieron una era de producción de animación independiente". [10]
Hubley nació el 21 de mayo de 1914 en el 1212 de la calle 11 (ahora Shore Drive) en Marinette, Wisconsin . [11] Su padre, John Raymond Hubley, era secretario en la John B Goodman Company [12] [13] -una empresa maderera- en Marinette, y su madre, Verena Kirkham Hubley, era ama de casa. El abuelo materno de Verena, Jacob Leisen, fue uno de los fundadores de la Leisen & Henes Brewing Company en Menominee, Michigan . [14] [15] La familia Leisen-Kirkham era económicamente estable, lo que permitió a los padres de Verena enviarla al Art Institute of Chicago , donde estudió pintura de 1907 a 1909. El padre de Verena, Richard Archibald Kirkham, también fue pintor [16] y uno de los primeros fotógrafos de Menominee. [17]
Su madre y su abuelo materno alentaron a Hubley a convertirse en artista desde muy joven. En una entrevista de 1974, Hubley declaró: "Solía observar a mi abuelo cuando era pequeño... Siempre estuvo previsto que fuera a la escuela de arte tan pronto como terminara la escuela secundaria". [5] : 1
En 1921, John Raymond Hubley se asoció con su primo Loren O. Robeck y abrió Robeck & Hubley, un concesionario Ford en 1919 Hall Avenue en Marinette. [18] El negocio tuvo un éxito modesto [19] y cerró en 1928, el mismo año en que los Hubley dejaron Marinette y se mudaron a Iron Mountain, Michigan . Hubley asistió a Iron Mountain High School de 1929 a 1932. [20] [21] [22] [23] Mientras era estudiante, Hubley participaría en una amplia gama de actividades extracurriculares, incluido el debate, [24] teatro, [25] a capella, [26] baloncesto, [27] Hi-Y (un grupo solo para hombres asociado con la YMCA ), [28] y clubes de matemáticas. [29] Hubley también escribió para el periódico de la escuela, The Mountaineer , y de 1930 a 1932 proporcionó las ilustraciones para el anuario de la escuela, The Argonaut . Mientras estaba en la escuela secundaria, Hubley trabajó como cajero de banco en Iron Mountain. [30]
En el otoño de 1933, Hubley se matriculó en el ArtCenter College of Design de Los Ángeles , California, para estudiar pintura. [31] Incapaz de mantenerse a sí mismo, Hubley vivió con su tía, Kathleen Kirkham Woodruff , que se había mudado a Los Ángeles por su carrera cinematográfica. Su marido, Harry Woodruff, inspiró el personaje Mr. Magoo . [32] Durante su estancia en la universidad, el recién formado Walt Disney Animation Studio estaba buscando talentos en las escuelas de arte locales. El talento de Hubley para la pintura llamó la atención del estudio, y fue contratado como artista de fondos y maquetación. [5] : 1–2
Hubley comenzó a trabajar en Walt Disney Productions el 1 de enero de 1936. [6] Comenzó como aprendiz en Blancanieves y los siete enanitos (1937), produciendo trazos de fondo y pintando fondos y diseños para animadores. Rápidamente fue ascendido a director de arte en Pinocho (1940).
El 25 de febrero de 1939, el arquitecto Frank Lloyd Wright visitó el estudio con una copia de El cuento del zar Durandai (1934), una película de animación rusa dirigida por Ivan Ivanov-Vano . Wright mostró la película al personal de Disney, incluido Hubley, [33] quien se sintió muy inspirado por las imágenes y la animación estilizadas de la película. [34]
Hubley fue elegido como uno de los tres directores (junto a Dick Kelsey y McLaren Stewart) para manejar el pasaje de "La consagración de la primavera" de Fantasía (1940). Específicamente, Hubley dirigió la sección que cubre la etapa fundida de la creación de la Tierra hasta el enfriamiento en la vegetación. Hubley estaba molesto por la inexactitud de la película, afirmando que "no era científicamente precisa en términos de la desaparición de los reptiles. Era más probable que estuvieran congelados por la edad de hielo . Pero Disney no quería una edad de hielo; quería una secuencia desértica". [5] : 1 Hubley también pintó varios fondos para el segmento "El aprendiz de brujo". Este mismo año, Hubley se mudó de la casa de los Woodruff a su propia casa en 3827 Ronda Vista Place en Los Ángeles. Hubley vivió aquí con el artista y actor John McLeish, compañero de Disney Studios. [35]
En la primavera de 1941, los empleados de Disney Studios estaban descontentos con las desigualdades salariales y el estudio desalentaba la sindicalización . [36] Hubley y su esposa Claudia participaron en la huelga de animadores de Disney de 1941 , [37] con John tomando docenas de fotografías para documentar el evento. Hubley era uno de los empleados mejor pagados del estudio, ganando $ 67.50 por semana [1] : 17 (equivalente a $ 1,367.04 en 2023), pero decidió hacer huelga en apoyo de la sindicalización. La huelga, organizada por el amigo de Hubley, Art Babbitt , fortaleció la relación de Hubley con huelguistas como Bill Littlejohn , Herb Klynn , Stephen Bosustow y Jules Engel , todos los cuales luego trabajaron con Hubley en UPA o Hubley Studios. El 10 de agosto de 1941, John y Claudia fueron dos de los 256 empleados despedidos por el estudio cuando terminó la huelga. [1] : 22
Después de ser despedido de Disney Studios, Hubley trabajó brevemente en Screen Gems de Columbia bajo la dirección de Dave Fleischer . Hubley llamó a Fleischer uno de "uno de los pesos ligeros intelectuales del mundo". [38] A Hubley no le gustaba su trabajo en Screen Gems, pero el desapego de Fleischer hacia los empleados le permitió a Hubley una libertad creativa que no había encontrado en Disney Studio. El 23 de noviembre de 1942, Hubley se alistó en las Fuerzas Armadas de los Estados Unidos para trabajar en la Primera Unidad Cinematográfica , [39] una unidad de producción cinematográfica independiente en la Fuerza Aérea. [40] Aquí, Hubley dirigió películas animadas de entrenamiento relacionadas con la seguridad de vuelo y el equipo de armas de fuego. Aunque no aparece acreditada, Old Blackout Joe (1942) fue la primera vez que Hubley dirigió. [41] El tiempo de Hubley en la Fuerza Aérea fue tranquilo, y "podía ir a casa todas las noches" y "pasaba la mitad [de su] tiempo dibujando [gags] y pasándolos". [38] La Fuerza Aérea tenía pocas expectativas sobre cómo debían verse o sentirse estéticamente las películas, lo que permitió a Hubley y su equipo un control creativo casi completo. Hubley, que se había interesado cada vez más en las obras de artistas modernos como Paul Klee , impulsó sus películas para que tuvieran imágenes planas y abstractas. Dado que las películas a menudo no aparecían en los créditos, se desconoce cuántas películas dirigió Hubley para la Primera Unidad Cinematográfica, pero Flight Safety: Landing Accidents (1946) probablemente fue la última. [ cita requerida ] A Hubley se le atribuyen las animaciones de Tuesday in November (1945), producida por la Oficina de Información de Guerra de los EE. UU. [42]
En 1943, Hubley fue contactado por los Trabajadores Unidos del Automóvil (UAW) , que buscaban contratar a Hubley para producir un cortometraje que respaldara a Franklin D. Roosevelt en las elecciones presidenciales de 1944. [ 38] Hubley llevó el proyecto al recién formado Servicio de Cine Industrial y Pósteres, que pronto pasó a llamarse United Productions of America (UPA) . [1] : 49 La película, Hell-Bent for Election (1944), fue escrita por Hubley y dirigida por Chuck Jones . [43] [38] En UPA, Hubley encontró la libertad creativa que había anhelado durante toda su carrera. La UAW estaba satisfecha con Hell-Bent for Election y contrató a UPA para The Brotherhood of Man (1946), una película sobre las relaciones raciales. [44] Hubley coescribió la película y dirigió el diseño de producción . Con ambas películas de UAW, Hubley impulsó una estética modernista de líneas elegantes, formas planas y colores llamativos que eran completamente exclusivos de las películas de UPA.
En 1947, Hubley había sido ascendido a vicepresidente y director creativo de UPA. [1] : 75 Ese mismo año, el fundador de UPA, Stephen Bosustow, llegó a un acuerdo de distribución con Columbia: UPA produciría varias películas de "prueba" [1] : 75 para el estudio utilizando las estrellas de dibujos animados de Columbia, The Fox y The Crow . Si las películas eran un éxito, Columbia entraría en una asociación de distribución formal con UPA. Hubley fue el encargado de dirigir las primeras películas de "prueba", Robin Hoodlum (1948) y The Magic Fluke (1949).
Hubley y el equipo de UPA se sintieron limitados con los cortos de The Fox y The Crow, y se acercaron a Columbia con una idea para un corto original. [1] : 77 Hubley, inspirado por su tío Harry Woodruff, lanzó una idea para un viejo cascarrabias agresivo y de mal genio. "El personaje estaba basado en un tío mío, Harry Woodruff" [32] : 1 dijo más tarde. Hubley y el escritor Millard Kaufman nombrarían al personaje Mr. Magoo en honor a Point Mugu en Malibú, California . [1] : 78 Si bien a Hubley se le atribuye a menudo ser el único creador de Mr. Magoo, el personaje fue un esfuerzo combinado con Kaufman, quien basó a Magoo parcialmente en su propio tío. [45]
Hubley y el fundador de la UPA, Zachary Schwartz, dejaron claras sus intenciones con la UPA en un número de 1946 de Film Quarterly . Hubley y Schwartz creían que se había vuelto "necesario que los animadores artesanos de la industria cinematográfica analizaran y reevaluaran su medio". [46] Hubley y Schwartz estaban influenciados por su experiencia compartida en la Primera Unidad Cinematográfica haciendo películas de capacitación, específicamente por cómo se estaba utilizando la animación como herramienta educativa, ya que los dos creían que "el uso de la animación en el cine educativo [estaba] singularmente subdesarrollado" [46] : 360 antes de la guerra. Ahora, Hubley y Schwartz comprendían la "significación del cine animado como medio de comunicación" [46] : 363 y apuntaban a crear películas que pudieran "expresar la esencia de una idea" con "línea, forma, color y símbolos". [46] : 363
Hubley se desempeñó como director supervisor de Gerald McBoing-Boing (1950), escrita por Theodor Geisel y dirigida por Robert Cannon. La película le valió a UPA su primer Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Dibujos Animados , lo que "picó" y "realmente sorprendió" a Hubley, afirmó el artista de diseño Bill Hurtz. [1] : 91 Hubley, ahora decidido a ganar su propio Premio de la Academia para el estudio, dirigió Rooty Toot Toot (1952), la película más cara y ambiciosa de UPA en ese momento. [1] : 93 Hubley escribió la película junto a Bill Scott y contrató a Phil Moore para componer la banda sonora. Por recomendación de Art Babbitt , Hubley contrató a la bailarina Olga Lunick para coreografiar los elementos de baile de la película, y gran parte de la animación de la película fue realizada por el creador de Betty Boop, Grim Natwick . [1] : 96 Los temas oscuros de la película de asesinato, sexo, violencia, celos e infidelidad fueron un "momento innovador para la animación". [47] Aunque la película fue nominada al premio de la Academia, [48] perdió ante Los dos mosqueteros . El mismo año, Hubley también dirigió los segmentos animados de The Four Poster (1952) de Irving Reis . [49]
En septiembre de 1951, el diseñador gráfico de la UPA Bernyce Fleury testificó ante el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes que varios artistas de la UPA, incluido Hubley, estaban promoviendo el comunismo a través de sus películas. [50] En respuesta, el siguiente abril Columbia envió a la UPA una lista de ocho empleados sospechosos de ser comunistas, entre los que se encontraba Hubley. Columbia, amenazando con poner fin a su acuerdo de distribución con la UPA, quería que los empleados nombrados confesaran o abandonaran la UPA. [1] : 129 Hubley se negó a denunciar el comunismo y, posteriormente, fue despedido de la UPA el 31 de mayo de 1952. [1] : 131 Al reflexionar sobre su tiempo en la UPA, Hubley diría que "se hizo demasiado grande. Antes de que supiéramos dónde estábamos, nos preocupábamos cada vez más por la administración y menos por la creación". [51]
Tras su despido de la UPA, Hubley fue incluido en la lista negra de la industria de la animación. [1] : 131 Encontró trabajo ilustrando portadas de álbumes para Westminster y Clef Records para artistas como Al Hibbler , [52] Aaron Copland , [53] Slim Gaillard , [54] y Chico O'Farrill . [55] [56] Estas portadas mostraban que el arte de Hubley progresaba aún más hacia el expresionismo abstracto y el modernismo, recibiendo una fuerte influencia de Pablo Picasso .
Todavía "de incógnito" en Hollywood, Hubley fundó Storyboard, Inc. (a veces denominada Storyboard Studios o simplemente Storyboard) en 1953. [1] : 131 Dado que el trabajo televisivo no figuraba en los créditos y tenía una gran demanda, Hubley encontró rápidamente trabajo dirigiendo comerciales animados para empresas como Heinz , [57] Bank of America , [58] y EZ Pop. [59] [60] Dado que muchos de sus clientes buscaban una entrega rápida, el enfoque altamente estilizado de Hubley para la animación limitada y los gráficos audaces se volvió práctico y popular. Para estos primeros comerciales, Hubley volvería a colaborar con animadores como Bill Littlejohn , Emery Hawkins y Rob Scribner . También en 1953, Hubley y el productor Michael Shore comenzaron a desarrollar una adaptación animada del musical Finian's Rainbow . [61] [62] Shore quería que Hubley dirigiera, y Hubley estaba motivado para "desarrollar el arte visual incluso más allá de las películas de UPA". [62] Shore tuvo dificultades para interesar a los estudios con el proyecto debido a los fuertes temas raciales del musical, pero finalmente consiguió financiación y un acuerdo de distribución con la Distributors Corporation of America (DCA) . Frank Sinatra y Ella Fitzgerald fueron contratados para la película, lo que marcó su única colaboración. A fines de 1954, se habían grabado todos los diálogos y la música para la película y Hubley había reunido un gran equipo de colaboradores anteriores, como Littlejohn, Babbitt y Les Goldman. Faith Elliott (de soltera Chestman), más tarde la segunda esposa de Hubley, se desempeñó como supervisora de guion en la película. Si bien Hubley estaba muy emocionado por el proyecto, su "manera tranquila" lo hizo "difícil de trabajar porque no era muy disciplinado". [62] Los escritores del musical, Burton Lane y Yip Harburg (una víctima de la lista negra), vigilaron de cerca a Hubley, y pronto surgieron tensiones sobre la dirección musical de la película y las imágenes de Hubley. [62] También surgieron problemas entre DCA y los miembros del equipo de la película que eran miembros del Screen Cartoonists Guild (SCG) y no de la International Alliance of Theatrical Stage Employees (IATSE) . A DCA le preocupaba que, dado que muchos miembros del equipo no eran miembros de la IATSE, la película no se proyectaría en los cines. Poco después, el presidente de DCA, Fred J. Schwartz, recibió una llamada del representante de la IATSE, Roy Brewer , quien expulsó a Hubley por su negativa a cooperar con laHUAC . Hubley, que seguía negándose a testificar ante el HUAC, hizo que la empresa matriz de DCA dejara de financiar la película. Aunque Schwartz intentó salvar la película contactando a RKO , no sirvió de nada. [62] La película se canceló en 1955 y se incautó el contenido de todo el estudio. [1] : 132
En 1955, tras el colapso de Finian's Rainbow , Hubley trasladó Storyboard, Inc. con él a la ciudad de Nueva York , [63] donde pronto se casó con su segunda esposa, Faith Hubley (née Chestman). Faith, editora y supervisora de guiones en películas como 12 Angry Men (1957), [63] : 5 colaboró estrechamente con su marido en todas sus películas posteriores. Hacia finales de 1954, Hubley y James J. Sweeney, el director del Museo Solomon R. Guggenheim , comenzaron a discutir la posibilidad de que el museo encargara una película a Hubley. [64] Hubley y Sweeney estaban decididos a crear una película que también sirviera como pieza de arte moderno y comunicara la importancia del "juego" y "los placeres sensuales de [acercarse a las imágenes a través de] los ojos en lugar del [placer intelectual] del oído". [65] La película resultante, The Adventures of * [1] (1957) fue el primer cortometraje que Hubley dirigió después de dejar la UPA, así como la primera película animada jamás encargada por un museo de arte. [66] Las imágenes de la película estuvieron fuertemente influenciadas por la colección de arte moderno del Museo Guggenheim, así como por el deseo de Hubley de "transformar [la animación] de la animación de celuloide de líneas duras a estilos nuevos, sutiles y texturizados más conectados con la historia del arte que con el estilo de Disney o la UPA". [67] Benny Carter compuso la banda sonora de la película, incluyendo el vibráfono de Lionel Hampton . La película ganó varios premios, incluido un diploma especial del Festival de Cine de Venecia de 1957 y el Gran Premio en el Festival de Cine de Montevideo de 1958. [ 68 ] En 1957, Hubley también fue contratado por la firma de publicidad Fletcher, Richards, Calkins & Holden para dirigir el exitoso comercial "I Want My Maypo!" . Por primera vez en su carrera, Hubley utilizó la voz de uno de sus hijos, su hijastro Mark, para el comercial. [63] : 10 El comercial provocó un auge de ventas para Maypo , y el personaje de "Marky Maypo" (llamado así por su hijastro) se convirtió en la mascota del cereal. [63] : 10 Al comercial también se le atribuye el inicio de la tendencia de usar animación para vender productos a los niños, ya que "explotaba la capacidad menos desarrollada de los niños para distinguir entre entretenimiento y venta". [69] En esta época, Hubley conoció al músico Dizzy Gillespie a través de su amigo en común Paul Robeson , [70] y los Hubley pronto hicieron su primera película con Gillespie,Una cita con Dizzy(1956). La película contenía muchos de los anuncios que Hubley ya había hecho en Storyboard, Inc., [71] así como un segmento original de un RO Blechman entonces desconocido . [72]
Tras el éxito del anuncio de Maypo, John y Faith centraron su atención en producir más cortometrajes. Su siguiente película, Harlem Wednesday (1957), marcó la primera vez que John y Faith fueron acreditados juntos en pantalla (aunque Faith aparece acreditada como Faith Elliott). La película, un montaje experimental de pinturas de Gregorio Prestopino [73] con una banda sonora de Carter, [74] exploró aún más los deseos de los Hubley de llevar la animación hacia el arte moderno. Su siguiente película, Tender Game (1958), incluyó una pista no utilizada de Fitzgerald de Finian's Rainbow . [62] Hubley experimentó con efectos de exposición múltiple en la película para darle un aspecto y una dimensionalidad distintivos. [56] Mark Hubley comentaría más tarde "la película siempre me ha parecido... como una carta de amor entre [John y Faith], las figuras... parecen mamá y papá". [56] La película ganó el gran premio tanto en el Festival de Cine de Venecia como en el Festival de Cine de Montevideo. [68] Hubley se inspiró en su trabajo anterior en las películas de Mr. Magoo con Jim Backus para experimentar con películas centradas en diálogos improvisados, ya que a menudo alentaba a Backus a improvisar en el estudio. En 1958, Hubley grabó a sus hijos Mark (de 6 años) y Ray (de 3 años) jugando a un juego en el que buscan un "Moonbird", en referencia a un pájaro mascota que la familia había perdido recientemente al dejar una ventana abierta. [56] Faith editó las conversaciones juntas en una narrativa, y John reclutó a Ed Smith y al ex director de UPA Robert Cannon para la animación. La película resultante, Moonbird (1959), marcó uno de los primeros ejemplos de uso de voces de niños reales en una película animada. [75] Moonbird ganó el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación en 1960, convirtiéndose en la primera película independiente en ganar en la categoría. [76] El éxito de Moonbird llamó la atención de Susan Burnett, la directora de cine del Fondo de las Naciones Unidas para la Infancia (UNICEF) , quien encargó a los Hubley que hicieran una película para UNICEF. [77] Por primera vez, Hubley utilizó las voces de todos los hijos de él y Faith, aunque la mayoría de sus voces son gorjeos y murmullos hechos por sus hijas pequeñas Emily y Georgia . La película, Children of the Sun (1960), abordó "cómo el hambre afecta a los niños del mundo". [68] [63] : 10
Hubley quería hacer una película sobre la teoría de la relatividad de Albert Einstein , y se inspiró después de leer De estrellas y hombres (1959) de Harlow Shapley en 1959. [78] Intrigado por los intentos de Shapley de comprender el lugar de la humanidad en el universo, Hubley le escribió a Shapley con la idea de adaptar los temas del libro en una película animada. En lugar de simplemente escribir un guion y obtener la aprobación de Shapley, Hubley y Shapley decidieron colaborar estrechamente en casi todos los aspectos de la película, con Hubley enviando a Shapley esquemas detallados para la estructura de la película [79] y viajando con frecuencia a la casa de Shapley en Peterborough , New Hampshire , para reunirse con él. [80] [81] Hubley y Shapley se hicieron amigos cercanos durante este período, lo que resultó en De estrellas y hombres (1962), el primer largometraje de los Hubley . La película sigue un estilo narrativo muy suelto, apoyándose predominantemente en la narración de Shapley. Los hijos de Hubley volverían a aparecer en la película, con sus conversaciones improvisadas presentadas nuevamente de la misma manera que en Moonbird . Debido a la naturaleza de la presentación de la película, los Hubley, el público y los distribuidores no estaban seguros de si la película podría clasificarse como un documental . En el Festival Internacional de Cine de San Francisco de 1961 , la película ganó el premio al Mejor Documental, y en el Festival de Cine de Venecia, donde las películas de los Hubley se habían proyectado anteriormente como parte de la categoría de animación, la película se colocó en la categoría de largometraje junto con películas de acción en vivo . La autora Sybil DelGaudio cita la película como uno de los primeros ejemplos de un documental animado . [78] : 193 Si bien la película se proyectó en festivales ya en 1962, los Hubley continuarían revisando la película y apelando tanto a Columbia [82] como a Show Corp. para su distribución; sería lanzada al público en general en 1964 por Films, Inc. [ 68]
Mientras buscaban De estrellas y hombres , los Hubley volvieron a colaborar con Gillespie para The Hole (1962). Gillespie y el actor George Matthews improvisaron una conversación entre dos trabajadores de la construcción que discutían sobre la vida y la guerra nuclear. La película reflejaba las ansiedades estadounidenses sobre la Guerra Fría , ya que estaba en producción durante la Crisis de los Misiles de Cuba . [56] La película le valió a los Hubley su segundo Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación, y John y Faith fueron reconocidos por la Academia por primera vez. [83] The Hole llevó a la World Law Foundation [68] a encargar a los Hubley que hicieran The Hat (1964), [84] una especie de sucesor espiritual de The Hole centrada en una conversación improvisada entre Gillespie y Dudley Moore como soldados que debaten la moralidad de la guerra. The Hat surgió de la iniciativa de la World Law Foundation de "llegar... a audiencias más amplias" a través de "las artes y los medios". Tanto The Hole como The Hat utilizan un estilo visual más realista que el expresionismo abstracto de The Adventures of * y Of Stars and Men y abordan temas más serios como la violencia, la guerra nuclear, las ansiedades nucleares y la muerte. The Hat fue la única película de los Hubley distribuida por McGraw-Hill , [68] y también se lanzó como un libro con ilustraciones tomadas de la película. [85] Carter volvería a colaborar con los Hubley en Urbanissimo (1966), una película que examina con humor el impacto de la expansión urbana en el medio ambiente realizada para la Expo 67 en Montreal , Quebec . [86] A Herb Alpert and the Tijuana Brass Double Feature [2] (1966), una película que interpreta la música del músico de jazz Herb Alpert , se estrenó el mismo año. John y Faith ganaron su tercer premio de la Academia por el cortometraje, [87] [88] [89] y la película se considera hoy en día un ejemplo prototípico temprano de un video musical . [90] La película fue distribuida por Paramount , marcando la primera colaboración entre Hubley y un importante estudio de Hollywood luego de su inclusión en la lista negra en 1952.
Hubley comenzó a enseñar cine en Harvard en 1962, convirtiéndose en el primer profesor de animación en el Centro de Artes Visuales de Harvard. [91] Hubley escribió una adaptación de la novela de Edwin Abbot de 1884 Flatland , y colaboró con sus estudiantes, así como con Dudley Moore y varios miembros de Beyond the Fringe . La película resultante, Flatland (1965), fue dirigida por Eric Martin. [91] Ya en 1964, el cineasta Joseph Koenig presentó una película que explicaba la importancia de votar a la National Film Board of Canada (NFB) . [92] Hubley fue elegido [93] para dirigir la película para la NFB, que finalmente se convirtió en The Cruise (1967). La película fue diseñada para ser una herramienta educativa para uso escolar, aunque Hubley tuvo muy poca participación en la creación del plan de estudios que rodeaba a la película. La película se proyectaría en escuelas secundarias y universidades de los Estados Unidos y Canadá durante las décadas de 1960 y 1970. La participación de Hubley en la educación continuaría en la década de 1970, cuando él y Faith se convirtieron en profesores de cine en la Universidad de Yale enseñando animación y "La visualización de temas abstractos". [94]
Los Hubley continuaron haciendo cortometrajes juntos durante el resto de la década de 1960. Su siguiente película, Windy Day (1967), presentó una conversación improvisada entre sus hijas Georgia y Emily "explorando la proyección de la fantasía del niño para representar el romance, el matrimonio y el crecimiento". [68] La película fue nominada al Premio de la Academia de 1968 al Mejor Cortometraje de Animación, pero perdió ante Winnie the Pooh and the Blustery Day de Disney . [95] [96] El Centro para el Estudio de las Instituciones Democráticas encargó a Hubley Zuckerkandl! (1968), un cortometraje que interpreta una rutina cómica de Robert M. Hutchins . [97] El corto también fue lanzado como un libro con ilustraciones de Hubley. [98] [99] Hubley fue encargado nuevamente para la siguiente película de Storyboard, Inc., Of Men and Demons (1969), por IBM para la Expo '70 en Osaka , Japón . La película le valió a John y Faith su quinta nominación al Oscar como Mejor Cortometraje de Animación. [100] [101]
En 1970 se estrenó el decimoquinto crédito como director independiente de Hubley con Eggs (1970). [102] Por primera vez, John y Faith colaboraron con el músico Quincy Jones , quien compuso e interpretó la banda sonora de la película. La película abordó temas de fertilidad y muerte y continúa la racha de Hubley de colaborar con músicos como actores de doblaje, ya que los cantantes Anita Ellis y Grady Tate prestaron sus voces para la película, al igual que el actor David Burns . La película fue completamente animada por Tissa David , [103] una contratación reciente de los Hubley mejor conocida como la segunda mujer en dirigir un largometraje animado, Bonjour Paris! (1953). [104] En esta época, Storyboard, Inc. pasó a llamarse Hubley Studios, Inc. (a veces denominada The Hubley Studio o Hubley Studios), lo que indica la creciente confianza de Hubley en usar su nombre a medida que se desvanecían los efectos de la lista negra .
A pesar de la aclamación crítica que recibieron las películas del estudio, Hubley todavía tenía problemas financieros. "Los cortometrajes parecen ser inevitablemente fracasos financieros, ya que las únicas personas que salen ganando con ellos son los distribuidores. Incluso Moonbird , por ejemplo, recaudó al menos tanto como sus costos de producción (alrededor de $ 25,000), pero solo un tercio de la recaudación terminó en Storyboard, Inc.", [105] reveló un perfil de 1964 de The Harvard Crimson . A principios de la década de 1970, John y Faith entendieron que necesitaban aceptar más trabajo comercial para financiar sus cortometrajes y comenzaron a contribuir con segmentos animados para programas de variedades infantiles con sede en Nueva York, como The Electric Company y Sesame Street . Cabe destacar que Hubley dirigió el segmento "Letter E" para el primer episodio de este último el 10 de noviembre de 1969. [106] Hubley dirigió más de treinta segmentos animados para el programa entre 1969 y 1977. [107] Sus contribuciones más notables serían en The Electric Company , donde Hubley dirigió segmentos de " The Adventures of Letterman " de 1972 a 1977 [108] con Joan Rivers , Gene Wilder y Zero Mostel . [109] Tanto en Sesame Street como en The Electric Company, Hubley volvería a colaborar con artistas como Quincy Jones y Dizzy Gillespie para la actuación de voz y la música. Para ayudar a manejar la nueva carga de trabajo en el estudio, Hubley contrató a varios artistas nuevos, incluidos Tissa David y Michael Sporn . [110]
Mientras trabajaba en segmentos animados para Barrio Sésamo y The Electric Company , Hubley se hizo más reconocido por su trabajo en televisión (ya que no había hecho un comercial de televisión desde fines de la década de 1950). CBS se acercó a los Hubley para producir un programa educativo sobre geología para la estación. [68] Hubley solicitó la ayuda del geocientífico Bruce Heezen para investigar la película. [111] Originalmente titulada "What's Under My Foot?", [112] Dig (1972) se estrenó en CBS el 8 de abril de 1972. [113] La música de la película fue compuesta por Jones y contó con Jack Warden y el hijo de Hubley, Ray. Al año siguiente, la película fue adaptada en un libro coescrito por John y Faith. [114] De la misma manera que The Hole y The Hat fueron piezas complementarias, la siguiente película de Hubley, Cockaboody (1973) fue una pieza complementaria de Windy Day (1967). Hubley volvió a grabar una conversación entre sus hijas Georgia y Emily y le dio vida a través de la animación. [115] A diferencia de Windy Day , John y Faith colaboraron con estudiantes de su clase de animación en la Universidad de Yale para crear la película. Cockaboody fue creada en conjunto con los estudiantes de los Hubley en Yale, así como con el Centro de Estudios Infantiles de Yale . El proceso de realización de Cockaboody en Yale fue filmado por Howard Sayre Weaver para el documental In Quest of Cockaboody (1973). [116] Cockaboody marcó la primera vez que el nombre de The Hubley Studio se usó en una de las películas de Hubley, y la segunda película del estudio animada únicamente por David. John y Faith obtuvieron otra nominación al Premio de la Academia por su siguiente toma, Voyage to the Next (1974), [117] [118] [119] otra colaboración con Gillespie, así como con las actrices Maureen Stapleton y Dee Dee Bridgewater encargada por The Institute for World Order. [120] Continuando con los temas de películas anteriores como Eggs y The Hat , Voyage to the Next aborda temas de ambientalismo, nacionalismo y guerra. El mismo año, el Festival de Cine de Zagreb realizó una retrospectiva de toda la carrera de John y Faith, con John como presidente del jurado del año. [68] [121] En un giro irónico de los acontecimientos, la siguiente película de Hubley, People People People(1975), fue encargado por la Comisión del Bicentenario de los Estados Unidos . [68] Hubley, ahora comisionado por el mismo gobierno que prácticamente lo había obligado a dejar la UPA en 1952, finalmente se libró de los efectos de la lista negra. Ese mismo año, tanto John como Faith recibieron el premio Winsor McCay de ASIFA, el mayor honor que puede recibir un artista en la industria de la animación. [122]
Hubley, que ahora era uno de los artistas más respetados de una industria que lo había incluido en la lista negra solo dos décadas antes, comenzó su proyecto más ambicioso hasta la fecha. Ya en 1973, John y Faith se interesaron en adaptar la Teoría de las ocho etapas de la vida de Erik Erikson en una película animada de larga duración. Como hicieron con Cockaboody , los Hubley planearon hacer la película en conjunto con el Centro de Laboratorio de Cine de Yale. Inicialmente, Erikson desestimó la idea, [123] pero en 1975 estuvo de acuerdo, y CBS se interesó en emitir la película. Inicialmente, CBS y Hubley acordaron que la película constaría de tres episodios de media hora, pero CBS lo cambió a una película de noventa minutos durante los últimos tres meses de producción. [124] John y Faith crearon los guiones gráficos de la película junto con su clase de Yale, supervisados por el profesor Ken Kennison. [125] Hubley eligió a muchos actores desconocidos con pocos o ningún crédito previo para la película, incluyendo a Lawrence Pressman , su entonces novia Lanna Saunders y la estudiante de Yale Meryl Streep en su primer papel como actriz. [126] Los hijos de Hubley también aparecen en la película en diferentes etapas de la vida. Everybody Rides the Carousel (1976) se emitió el 10 de septiembre de 1976. [127] Al igual que las películas anteriores de los Hubley, la película está construida a partir de conversaciones improvisadas entre los actores relacionadas con las etapas de la vida de Erikson. La producción más grande llevó a Hubley Studios a contratar a un puñado de nuevos empleados, incluida la hija de Erikson, Sue Erikson, [38] casualmente una estudiante de los Hubley en Yale. La película fue un éxito y ganó el premio Blue Ribbon en el Festival de Cine Americano de ese año . [68]
En la época en que Hubley comenzó la producción de Everybody Rides the Carousel , el productor Martin Rosen contrató a Hubley para dirigir una adaptación animada de Watership Down (1972) de Richard Adams. [38] Hubley voló a Londres para encontrarse con Rosen en el nuevo estudio que Rosen abrió para la película y los dos viajaron a la campiña inglesa en busca de inspiración, pero el interés de Hubley en el proyecto se desvaneció rápidamente. Rosen y Hubley con frecuencia discrepaban sobre la narrativa de la película, con Rosen presionando por la crudeza y Hubley presionando por un tono más ligero y un estilo visual más abstracto. [128] Hubley había firmado un contrato de exclusividad para trabajar en la película, pero Rosen pronto descubrió que estaba desarrollando en secreto una nueva película, lo que llevó a Rosen a despedir a Hubley de la película y convertirse en el director. [129] El trabajo de Hubley se puede ver en la escena de "fábula" de apertura, [130] animada por Bill Littlejohn , Phil Duncan, Ruth Kissane y Barrie Nelson . [131] Hubley es a menudo acreditado como codirector de la película , pero su nombre no aparece en los créditos. En noviembre de 1976, el dibujante Garry Trudeau se acercó a Hubley con la idea de un especial animado con los personajes de Trudeau de Doonesbury . Hubley y Trudeau ya se conocían, ya que Trudeau fue uno de los estudiantes de Hubley a principios de los años setenta, y Trudeau y los Hubley disfrutaron mucho trabajando juntos. [132] En 1976, Doonesbury era uno de los cómics de periódicos más populares de Estados Unidos, habiendo ganado un premio Pulitzer el año anterior [133] y con frecuencia aparecía en los titulares por haber sido abandonado por los periódicos de todo el país por la decisión de Trudeau de abordar eventos actuales y controvertidos del mundo real. [134] A diferencia de sus películas anteriores, John y Faith compartieron créditos de dirección y producción con Trudeau y siguieron un guion estricto para la película. Hacia la mitad de la producción, en febrero de 1977, Hubley murió, [135] dejando a Faith y Trudeau para que terminaran la película ellos mismos. Un especial de Doonesbury (1977) fue transmitido por NBC el 27 de noviembre de 1977. La película le valió a Hubley una nominación póstuma al premio de la Academia [136] [137] [138] y un premio especial del jurado póstumo en el Festival de Cine de Cannes , empatando con Oh, My Darling del animador holandés Børge Ring . [139]
El 30 de mayo de 1941, Hubley se casó con Claudia Sewell, una de las "chicas de tinta y pintura" de Disney, en Reno, Nevada . [140] La pareja no se fue de luna de miel, y en su lugar se apresuró a regresar a California para participar en la huelga de animadores de 1941 , que había comenzado el día anterior. [141] Los Hubley se mudaron a una casa en 10543 Woodbridge Street en la sección Toluca Lake de Los Ángeles . [142] La primera hija de la pareja, Anne, nació en 1942. John y Claudia tuvieron dos hijos más, Mark y Susan, mientras vivían en 11689 Laurelwood Drive en Los Ángeles. [64] Ambas casas estaban a un corto trayecto en coche del estudio de UPA en Burbank . [143]
En algún momento de la década de 1940, Hubley conoció a Faith Elliott , una directora de escena de la ciudad de Nueva York que había llegado a Los Ángeles para convertirse en asistente de guion en Columbia . [63] : 5 Faith recordó que "conoció a John en Hollywood... cuando estaba en el ejército". [63] : 6 Los dos se hicieron amigos y siguieron siendo amigos durante el tiempo de Hubley en UPA. Cuando Hubley fue despedido de UPA y comenzó a trabajar en Finian's Rainbow , Yip Harburg asignó a Elliott como asistente de Hubley. [1] : 132 Según todos los relatos, la relación entre Hubley y Elliott era platónica , y Elliott dijo que "ambos... controlaron su amistad durante diez años y, después de todo, [Hubley] era un hombre casado con tres hijos". [63] : 9 No obstante, a medida que Elliott y Hubley se acercaban, el propio matrimonio de Hubley se desmoronó. John y Claudia se divorciaron en 1954, y sus hijos se quedaron en Los Ángeles mientras Hubley se fue para centrarse en Storyboard, Inc. en la ciudad de Nueva York .
Hubley se casó con Elliott en 1955. Faith Elliott nació como Faith Chestman en 1924, pero mantuvo el nombre de su primer marido, Melvin Elliott, un locutor de radio en WQXR . [144] [145] Faith ya tenía un hijo, Mark, nacido en 1952. Cuando los Hubley se casaron, prometieron hacer una película al año juntos y cenar con su familia todas las noches. [56] Los Hubley se mudaron al Upper West Side de la ciudad de Nueva York en 110 Riverside Drive, [146] y tuvieron tres hijos más: Raymond, Emily y Georgia . Todos los hijos de los Hubley prestarían su voz a personajes en sus películas, con Mark y Ray apareciendo en Moonbird y Dig , y Emily y Georgia apareciendo en Windy Day y Cockaboody . Los cuatro aparecen en Everybody Rides the Carousel . Raymond Hubley recordó más tarde que "había muchas cosas impuestas... en nuestra familia que [estaban] conectadas con el régimen de trabajo de la relación [de John y Faith]... solían tener una cosa en la que nos reuníamos alrededor de la mesa y contábamos [sobre] nuestro día, y era como una reunión de presentación o algo así". [56] Muchos de los hijos de Hubley continuaron sus propias carreras artísticas, [147] con Raymond convirtiéndose en editor de películas, [148] Emily convirtiéndose en animadora, [149] y Georgia fundando la banda Yo La Tengo con su esposo Ira Kaplan . [150] Dada la naturaleza de la colaboración de John y Faith, Faith a veces era ignorada profesionalmente y la atención y el crédito por sus películas se le daban a su esposo. [56] Hubley luchó activamente contra esto, destacando las contribuciones de Faith y su colaboración siempre que era posible. Después de la victoria en solitario del Premio de la Academia de Hubley [151] por Moonbird , él y Faith serían nominados juntos por el resto de su carrera. En su última entrevista antes de su muerte, Hubley insistió en que el entrevistador Michael Barrier "estaba seguro de escribir [el artículo] en términos de la asociación entre Faith y yo, porque todas las películas, desde el comienzo de nuestro trabajo, desde Guggenheim en adelante, siempre han sido una colaboración muy cercana, creativamente y en todos los demás niveles". [38]
Hubley mantuvo una estrecha relación con varios animadores de UPA y Disney, con muchos de los cuales trabajó en las películas de Storyboard, Inc. Los Hubley también se hicieron amigos cercanos del músico Dizzy Gillespie en la década de 1950, a quien conocieron a través de un amigo en común, Paul Robeson . [70] Gillespie hizo varias películas con Storyboard, Inc., incluida la ganadora del premio Oscar The Hole . Gillespie "los respetaba y apreciaba su creatividad", llamándolos "gente maravillosa, muy cálida y muy generosa" que "parecían verme en cosas que otras personas no ven". [70] Gillespie era una presencia constante en la casa de los Hubley, y Mark Hubley recordaba a John y Faith "haciendo fiestas [con Gillespie]" a menudo, y Gillespie una vez "de cabeza tocando 'Feliz cumpleaños' " para Raymond. [56] Hubley también era cercano a Benny Carter y Quincy Jones . [63] : 13
Hubley fue un demócrata registrado durante toda su vida . [152] En 1951, el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes (HUAC) escuchó el testimonio del artista de diseño de la UPA Bernyce Fleury, quien afirmó que las películas de Hubley promovían el comunismo y Hubley tenía simpatías comunistas. [50] El 25 de abril de 1952, Hubley fue citado formalmente por el HUAC para comparecer en el Edificio Federal de Los Ángeles para ser interrogado. [153] La citación fue entregada al abogado de Hubley el 2 de mayo. [154] Si bien Hubley dejó la UPA, no respondió a la citación y el 2 de febrero de 1953, Hubley fue citado nuevamente al Edificio Federal para ser interrogado. [155] Boyle descubrió que Hubley se había mudado el año anterior antes de recibir la citación, [156] de ahí su falta de respuesta. Por alguna razón desconocida, Hubley no fue citado nuevamente hasta el 4 de mayo de 1955 para comparecer ante el HUAC. [157] Hubley respondió y se programó su comparecencia ante el HUAC el 20 de junio de 1956. [158] El abogado de Hubley, Arthur McNulty, [159] pospuso la audiencia dos veces, primero hasta el 28 de junio, [160] luego hasta el 5 de julio, [161] probablemente porque Hubley ya se había mudado a la ciudad de Nueva York.
El 5 de julio de 1956, Hubley compareció ante el HUAC en la Sala 227 del Edificio Federal de Los Ángeles con McNulty como su abogado. [159] : 5809 Los representantes de California Clyde Doyle y Donald L. Jackson presidieron la audiencia. Cuando se le preguntó si tenía simpatías comunistas, Hubley respondió: "Creo que en el área de la política... no creo personalmente que su comité deba pedirme que revele o hable sobre estos asuntos, ya sea con mis opiniones o asociaciones... No estoy de acuerdo en que sea una pregunta adecuada para una persona como yo". [159] : 5811 Hubley invocó la Quinta Enmienda durante el resto de la audiencia. [159] : 5812 Cuando se le preguntó si sus películas en la UPA promovían ideas comunistas, Hubley respondió:
Tengo muchas opiniones sobre el arte... Es una obra pública y cualquiera puede examinarla y observarla, y yo me mantengo firme en mi obra, no en mis opiniones. Mis opiniones pueden cambiar, y las he cambiado muchas veces a lo largo de mi vida, y me gusta el derecho que tenemos a poder cambiarlas. Pero la obra permanece. No me avergüenzo de ello. Si alguien quiere examinarla, está ahí... Mi obra ha sido mi propia obra, y mi propio talento, y mis propias opiniones. [159] : 5814
Hubley nunca fue acusado formalmente por la HUAC, pero la investigación lo incluyó en la lista negra de Hollywood. Bautizó su nuevo estudio como Storyboard, Inc. por miedo a usar su propio nombre.
Mientras estaba en la UPA, las películas de Hubley eran más planas y gráficas que las de Disney Studios o Warner Bros. Cartoons . Hubley estuvo muy influenciado por The Tale of Czar Durandai (1934) de Ivan Ivanov-Vano , [33] que utilizó animación limitada y composiciones planas para crear un mundo increíblemente estilizado. Si bien las primeras películas de Hubley para la UPA que presentan a The Fox and the Crow animan a los personajes principales en un estilo similar al de Disney Studios, los fondos de las películas muestran la influencia de Hubley del diseño europeo. Punchy De Leon comienza con una toma panorámica de un fondo gráfico altamente estilizado que usa perspectiva sesgada, grandes bloques de color y un lenguaje de formas exagerado. También se pueden ver indicios de la estilización de Hubley de las perspectivas de fondo y las tomas de cuervos en Robin Hoodlum y The Magic Fluke .
Después de que UPA terminó su prueba con Columbia en 1950, las películas de Hubley se volvieron más ambiciosas visualmente. Como director supervisor de Gerald McBoing-Boing , Hubley supervisó las imágenes únicas de la película proporcionadas por el diseñador Bill Hurtz [162] y los coloristas Herb Klynn y Jules Engel . Rooty Toot Toot usa un bloqueo de color complejo para contar su historia visualmente e implementa una perspectiva sesgada aún más fuerte y fondos de arte lineal estilizado. A diferencia de Gerald Mc-Boing Boing , que usa bloques abstractos de color en sus fondos, Rooty Toot Toot experimentó con diferentes patrones y tipos de pincel. [163] El último acto de la película está ilustrado en el estilo de pintura con esponja, inspirándose en artistas expresionistas abstractos europeos . Este impulso hacia la reproducción de pinceladas y grabados en los fondos se extendió a los segmentos animados que Hubley dirigió para The Four Poster .
Para su debut como director independiente, Las aventuras de * , Hubley se inspiró en gran medida en el estilo visual de artistas como Paul Klee , Joan Miró y Pablo Picasso . [63] : 13 Los fondos de la película fueron pintados con esponjas y pinceles gruesos para darles textura. Los personajes fueron dibujados con crayón amarillo sobre papel negro para darles un aspecto más único y hecho a mano. [164] En películas posteriores, Hubley experimentaría con acuarelas , bolígrafo y marcadores de tela para dar a sus películas visuales distintivas. Hubley usó tanto celuloide como el método Xerox (popularizado por Ub Iwerks en la película de 1961 Cien y un dálmatas ) [165] dependiendo de la película. Para Cockaboody , los personajes fueron dibujados en papel por Tissa David , luego recortados y colocados en celuloide. Hubley a veces optaba por utilizar iluminación subyacente [166] -en la que el dibujo o celuloide se ilumina desde abajo en lugar de desde arriba- para hacer que las películas fueran más nítidas, y a menudo utilizaba exposición múltiple para elementos más complejos, como el río en Tender Game [56] o la sección de color abstracto en Everybody Rides the Carousel .
Mientras dirigía The Ragtime Bear , Hubley alentó al actor Jim Backus a improvisar su diálogo y divagar como lo haría su personaje, el Sr. Magoo . [32] : 18 La actuación vocal única de Bauckus convertiría al Sr. Magoo en un éxito, convirtiéndose en el personaje insignia de UPA. La idea de usar diálogos improvisados en animación no fue creada por Hubley, ya que Dave Fleischer a menudo alentaba a sus actores a inventar sus propios diálogos para sus cortos de Popeye y Betty Boop , [167] pero el éxito de Bauckus como el Sr. Magoo inspiró a Hubley a buscar la improvisación de flujo de conciencia para sus películas independientes. Hubley llevó la idea un paso más allá al grabar a sus hijos jugando juntos, interpretando sus conversaciones a través de la animación [168] después de que Faith los hubiera editado juntos en una historia. Películas como The Hat , The Hole y Everybody Rides the Carousel consisten completamente en conversaciones improvisadas entre actores, y Zuckerlandl! es una interpretación animada de una rutina de comedia de Robert M. Hutchins .
Muchas de las películas de Hubley en Storyboard, Inc. con su esposa exploran la guerra y la naturaleza del conflicto. The Hat , The Hole , Eggs , Voyage to the Next y Urbanissimo abordan la industrialización , la guerra, la superpoblación y el medio ambiente , todos temas que preocupaban mucho a los Hubley. Hubley, un ávido lector de libros de psicología, también buscó explorar teorías psicológicas complejas en sus películas, ya que creía que la animación era el medio perfecto para visualizar ideas tan intrincadas. [169] Oportunamente, los Hubley impartieron una clase en Yale llamada "La visualización de temas abstractos". [38] Hubley también estaba fascinado con la forma en que los niños discutían la vida y sus propias experiencias, lo que se puede ver en Moonbird , Windy Day y Cockaboody .
Durante la producción de A Doonesbury Special , Hubley fue al Centro Médico Yale New Haven para lo que se pensó que era un procedimiento cardíaco estándar . Hubley murió durante la cirugía el 21 de febrero de 1977, a la edad de 62 años. [94] A Doonesbury Special fue completado por su esposa y Garry Trudeau , lo que le valió a John Hubley una nominación póstuma al Premio de la Academia y la Palma de Oro . [170] Hubley fue incinerado y sus cenizas se esparcieron sobre el Océano Atlántico.
Durante su vida y después de su muerte, se han realizado retrospectivas y proyecciones de las películas de Hubley en todo el mundo. El Museo de Arte Moderno realizó una importante exposición en dos partes sobre las películas y obras de arte de los Hubley en 1997 y 1998, [171] y la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas realizó un homenaje a Hubley en 2011. [172] Mr. Magoo , un personaje co-creado por Hubley, se convertiría en uno de los personajes de dibujos animados más famosos de todos los tiempos, ocupando el puesto número 29 en la lista de "50 mejores personajes de dibujos animados de todos los tiempos" de TV Guide en 2002. [173] Hubley es citado a menudo como una de las figuras más influyentes en la historia de la animación, influyendo en artistas como Michael Sporn , [174] Gene Deitch , [175] y su propia hija, Emily Hubley . El 2 de octubre de 2022, Doonesbury de Garry Trudeau publicó una tira que animaba a los lectores a ver Windy Day de Hubley . [176]
Ocho de las películas de Hubley ( Moonbird , The Hole , A Herb Alpert & The Tijuana Brass Double Feature , Windy Day , Of Men and Demons , Voyage to the Next , A Doonesbury Special y A Smattering of Spots - un carrete de comerciales de Storyboard, Inc.) se conservan en el Academy Film Archive . [177] Los documentos de la vida de Hubley se conservan en el Museo Solomon R. Guggenheim , la Biblioteca de la Universidad de Harvard , la Biblioteca de la Universidad de Yale , el Museo de Arte Moderno y la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. En 2013, The Hole fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". [178] Las obras de arte de Moonbird , Windy Day , Cockaboody y varias otras de las películas de los Hubley se exhiben en el Museo de la Academia de Cine en Los Ángeles . [179]
En 2021, una campaña de financiación colectiva encabezada por la Animation Education Association para colocar un marcador histórico estatal de Wisconsin para Hubley en Marinette, Wisconsin , alcanzó su objetivo. [180] El marcador se inauguró el 20 de mayo de 2023. [181] Para coincidir con la inauguración, el alcalde de Marinette, Steve Genisot, proclamó el 20 de mayo de 2023 como el "Día de John y Faith Hubley" en Wisconsin. [182]
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