J-pop (ジェーポップ, jēpoppu ) (a menudo estilizado en mayúsculas ; una forma abreviada de «música popular japonesa»), también conocido de forma nativa simplemente como pops (ポップス, poppusu ) , es el nombre de una forma de música popular que entró en la corriente principal musical de Japón en la década de 1990. El J-pop moderno tiene sus raíces en la música tradicional de Japón , y significativamente en la música pop y rock de la década de 1960. El J-pop reemplazó al kayōkyoku («Música cantada lírica»), un término para la música popular japonesa desde la década de 1920 hasta la de 1980 en la escena musical japonesa. [2]
Las bandas de rock japonesas como Happy End fusionaron el rock al estilo de los Beatles y los Beach Boys con la música japonesa en los años 1960 y 1970. [3] El J-pop se definió aún más por los actos de new wave y fusión crossover de finales de los años 1970, como Yellow Magic Orchestra y Southern All Stars . [4] Los estilos populares de música pop japonesa incluyen el city pop y el technopop durante los años 1970 y 1980, y el J-Euro (como Namie Amuro ) [5] y el Shibuya-kei durante los años 1990 y 2000.
El country japonés también tuvo popularidad durante la popularidad internacional de los westerns en los años 1960 y 1970, y todavía tiene atractivo debido al trabajo de músicos como Charlie Nagatani y Tomi Fujiyama , junto con lugares como Little Texas en Tokio . [6] [7] El hip hop japonés se volvió popular con el productor Nujabes durante los años 1990 y 2000, especialmente su trabajo en Samurai Champloo , [8] y la cultura pop japonesa a menudo se ve con anime en el hip hop . [9] Además, la música latina , CCM y la música gospel tienen escenas dentro del J-pop. [10] [11]
Se dice que el origen del J-pop moderno es la música rock en japonés inspirada en artistas como The Beatles . [3] A diferencia del género musical japonés llamado kayōkyoku , el J-pop usa un tipo especial de pronunciación, que es similar a la del inglés . [12] Un cantante notable que lo hace es Keisuke Kuwata , quien pronunció la palabra japonesa karada ("cuerpo") como kyerada . [12] Además, a diferencia de la música occidental, la segunda mayor ( sol y la ) generalmente no se usaba en la música japonesa, excepto en la música artística , antes de que la música rock se volviera popular en Japón. [13] Cuando el género Group Sounds , que se inspiró en el rock occidental, se hizo popular, la música pop japonesa adoptó la segunda mayor, que se usó en los sonidos finales de la canción de The Beatles " I Want to Hold Your Hand " y la canción de The Rolling Stones " (I Can't Get No) Satisfaction ". [13] Aunque la música pop japonesa cambió con el tiempo desde la música basada en la escala pentatónica japonesa y el tetracordio distorsionante a la música más occidental, la música que se inspiró en el estilo de canto japonés tradicional siguió siendo popular (como la de Ringo Shiina ). [13]
Al principio, el término J-pop se usaba solo para músicos de estilo occidental en Japón, como Pizzicato Five y Flipper's Guitar , justo después de que se estableciera la estación de radio japonesa J-Wave . [2] Por otro lado, Mitsuhiro Hidaka de AAA de Avex Trax dijo que el J-pop se derivó originalmente del género Eurobeat . [14] Sin embargo, el término se convirtió en un término general , que abarca otros géneros musicales, como la mayoría de la música rock japonesa de la década de 1990. [2]
En 1990, la filial japonesa de Tower Records definió el J-pop como toda la música japonesa perteneciente a la Asociación de la Industria Discográfica de Japón, excepto la música independiente japonesa (a la que denominan "J-indie"); sus tiendas comenzaron a utilizar clasificaciones adicionales, como J-club, J-punk, J-hip-hop , J-reggae , J-anime y Visual kei en 2008, después de que los músicos independientes comenzaran a lanzar obras a través de sellos importantes. [15] Ito Music City, una tienda de discos japonesa, adoptó clasificaciones ampliadas que incluyen sonidos grupales, ídolos de los años 1970 y 1980, enka , folk y músicos establecidos de los años 1970 y 1980, además de los principales géneros de J-pop. [15]
Mientras que los músicos de rock en Japón generalmente odian el término "pop", Taro Kato, miembro de la banda de pop punk Beat Crusaders , señaló que la música pop codificada , como el arte pop , era más pegadiza que el "J-pop" y también dijo que el J-pop era la música pops (ポップス, poppusu ) , memorable por su frecuencia de reproducción, en una entrevista cuando la banda completó su primer álbum de estudio de larga duración bajo un sello importante, POA: Pop on Arrival , en 2005. [16] Debido a que la banda no quería interpretar música J-pop, su álbum presentó el Pop de MTV de los años 80. [16] Según su compañero de banda Toru Hidaka, la música de los años 90 que lo influenció (como Nirvana , Hi-Standard y Flipper's Guitar ) no era escuchada por los fanáticos de otra música en Japón en ese momento. [16]
En contraste con esto, aunque muchos músicos de rock japoneses hasta finales de la década de 1980 no respetaban la música kayōkyoku , muchas de las bandas de rock japonesas de la década de 1990, como Glay , asimilaron el kayōkyoku en su música. [2] Después de finales de la década de 1980, el breakbeat y los samplers también cambiaron la escena musical japonesa, donde los bateristas expertos habían tocado un buen ritmo porque la música tradicional japonesa no tenía el ritmo basado en el rock o el blues. [2]
Hide of Greeeen describió abiertamente su género musical como J-pop. Dijo: "También me encanta el rock, el hip hop y los breakbeats, pero mi campo es siempre el J-pop. Por ejemplo, los músicos de hip hop aprenden 'la cultura del hip hop' cuando comienzan su carrera. No somos como esos músicos y nos encanta mucho la música como sonido. Esas personas profesionales pueden decir '¿Qué estás haciendo?', pero creo que nuestro estilo musical es genial después de todo. Lo bueno es bueno". [17]
Un término acuñado recientemente en relación con el "J-pop" es gacha pop (ガチャポップ, gachapoppu ) que proviene de la asociación de la industria con otras culturas populares dentro de Japón que han ganado atención internacional como el city pop , el anisong , los Vocaloids y los VTubing . [18]
La música popular japonesa, llamada ryūkōka antes de dividirse en enka y poppusu , [19] tiene orígenes en el período Meiji , pero la mayoría de los académicos japoneses consideran que el período Taishō es el punto de inicio real del ryūkōka , ya que es la era en la que el género ganó popularidad a nivel nacional. [20] [21] En el período Taishō, las técnicas e instrumentos musicales occidentales, que se habían introducido en Japón en el período Meiji , eran ampliamente utilizados. [21] Influenciado por géneros occidentales como el jazz y el blues , el ryūkōka incorporó instrumentos occidentales como el violín , la armónica y la guitarra . Sin embargo, las melodías a menudo se escribían de acuerdo con la escala pentatónica japonesa tradicional . [20] En la década de 1930, Ichiro Fujiyama lanzó canciones populares con su voz de tenor . [22] Fujiyama cantó canciones con un volumen más bajo que la ópera a través del micrófono (la técnica a veces se llama crooning ). [23] [ dudoso – discutir ]
El músico de jazz Ryoichi Hattori intentó producir música nativa japonesa que tuviera un "sabor" de blues . [24] Compuso la exitosa canción de Noriko Awaya "Wakare no Blues" (lit. "Adiós Blues"). [25] Awaya se convirtió en una famosa cantante popular y fue llamada "Reina del Blues" en Japón. [26] Debido a la presión del Ejército Imperial durante la guerra, la interpretación de música jazz se detuvo temporalmente en Japón. Hattori, que se quedó en Shanghái al final de la guerra, produjo canciones exitosas como "Tokyo Boogie-Woogie" de Shizuko Kasagi y "Aoi Sanmyaku" de Ichiro Fujiyama (lit. "Cordillera Azul"). [25] Hattori más tarde fue conocido como el "Padre del poppusu japonés ". [25] Los soldados de los Estados Unidos , que ocupaban Japón en ese momento, y la Far East Network introdujeron una serie de nuevos estilos musicales en el país. [27] Los músicos japoneses interpretaron boogie-woogie , mambo , blues y música country para las tropas estadounidenses. La versión de la canción " Tennessee Waltz " (1952) de Chiemi Eri , "Omatsuri Mambo" (1952) de Hibari Misora y la versión de la canción " Till I Waltz Again with You " (1953) de Izumi Yukimura también se hicieron populares. Músicos y grupos extranjeros, incluidos JATP y Louis Armstrong , visitaron Japón para actuar. A mediados de la década de 1950, el jazz kissa (ジャズ喫茶, Jazu Kissa, literalmente "café de jazz" ) se convirtió en un lugar popular para la música jazz en vivo. [27] El jazz tuvo un gran impacto en el poppusu japonés , aunque el jazz "auténtico" no se convirtió en el género musical principal en Japón. [28] A finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, el pop japonés estaba polarizado entre el kayō urbano y el enka moderno . [29]
También se cree a veces que el J-pop moderno tiene sus raíces en los músicos de jazz inmigrantes chinos que habían huido de Shanghái durante la toma de poder comunista y estaban colaborando con los soldados estadounidenses para ayudar a introducir una variedad de nuevos géneros al público japonés. En 1949, cuando los comunistas tomaron el poder y establecieron la República Popular de China en el continente , una de las primeras acciones tomadas por el gobierno fue denunciar la música popular (específicamente tanto la música pop china, conocida como Mandopop , como la música pop occidental) como música decadente , y durante décadas después el Partido Comunista promovería canciones revolucionarias chinas mientras suprimía las canciones folclóricas chinas, las canciones pop chinas y las canciones pop occidentales. [30] Insatisfechos con las nuevas políticas musicales del presidente Mao Zedong , varios músicos de jazz shanghaineses huyeron a la colonia británica de Hong Kong y establecieron el Cantopop , que es música pop cantada en el dialecto cantonés del chino . [31] Sin embargo, algunos músicos se establecieron en Japón, donde se convirtieron en miembros de la Far East Network y colaboraron con los soldados estadounidenses para ayudar a exponer al público japonés a una amplia variedad de géneros occidentales. Esto eventualmente condujo al establecimiento de la música pop japonesa moderna, conocida como kayōkyoku .
Durante los años 50 y 60, muchos grupos y cantantes de Kayōkyoku adquirieron experiencia actuando en bases militares estadounidenses en Japón. Casi al mismo tiempo, el mánager de la yakuza Kazuo Taoka reorganizó la industria de las giras de conciertos al tratar a los artistas como profesionales. Muchos de estos artistas se convirtieron más tarde en participantes clave del género J-pop. [32]
En 1956, comenzó la locura del rock and roll en Japón , debido al grupo de música country conocido como Kosaka Kazuya and the Wagon Masters; su interpretación de la canción de Elvis Presley « Heartbreak Hotel » ayudó a impulsar la tendencia. La música fue llamada « rockabilly » (o rokabirī ) por los medios japoneses. [33] Los intérpretes aprendieron a tocar la música y traducir las letras de las canciones populares estadounidenses, lo que resultó en el nacimiento de Cover Pops (カヴァーポップス, Kavā poppusu ) . [34] El movimiento rockabilly alcanzaría su apogeo cuando 45.000 personas vieron las actuaciones de cantantes japoneses en el primer Carnaval Occidental de Nichigeki en una semana de febrero de 1958. [35]
Kyu Sakamoto , un fan de Elvis Presley, hizo su debut en el escenario como miembro de la banda The Drifters en el Carnaval Occidental de Nichigeki en 1958. [36] Su canción de 1961 "Ue wo Muite Arukō" ("Miremos hacia arriba y caminemos"), conocida en otras partes del mundo como " Sukiyaki ", fue lanzada en los Estados Unidos en 1963. Fue la primera canción japonesa en alcanzar la posición número uno en los Estados Unidos, pasando cuatro semanas en Cash Box y tres semanas en Billboard . También recibió un disco de oro por vender un millón de copias. [37] Durante este período, el dúo femenino The Peanuts también se hizo popular, cantando una canción en la película Mothra . [38] Sus canciones, como "Furimukanaide" ("No te des la vuelta") fueron posteriormente versionadas por Candies en su álbum Candy Label . [39] Artistas como Kyu Sakamoto y The Peanuts fueron llamados Wasei Pops (和製ポップス, Wasei poppusu , "pop hecho en Japón") . [34] [40]
Después de cambiar de miembros con frecuencia, Chosuke Ikariya volvió a formar The Drifters en 1964 bajo el mismo nombre. En un concierto de los Beatles en 1966, actuaron como teloneros, pero el público en general se opuso. [41] Finalmente, The Drifters se hicieron populares en Japón, lanzando "Zundoko-Bushi" ("melodía de palabras con eco") en 1969. [41] Junto con la cantante de enka Keiko Fuji , ganaron "el premio a la popularidad masiva" en los 12º Japan Record Awards en 1970. [42] El álbum de 1970 de Keiko Fuji Shinjuku no Onna/'Enka no Hoshi' Fuji Keiko no Subete ("Mujer en Shinjuku/'Estrella de Enka ' All of Keiko Fuji") estableció un récord de todos los tiempos en la historia de la lista japonesa Oricon al permanecer en el puesto número uno durante 20 semanas consecutivas. [43] Los Drifters luego llegaron a ser conocidos como personalidades televisivas e invitaron a ídolos como Momoe Yamaguchi y Candies a su programa de televisión. [41]
Los Ventures visitaron Japón en 1962, lo que provocó la adopción generalizada de la guitarra eléctrica llamada el " boom Ereki ". [44] Yūzō Kayama y Takeshi Terauchi se convirtieron en famosos intérpretes de guitarra eléctrica. [45] En 1966, los Beatles llegaron a Japón y cantaron sus canciones en el Nippon Budokan , convirtiéndose en la primera banda de música rock en realizar un concierto allí. [46] El público creía que los Beatles causarían delincuencia juvenil . [3] El gobierno japonés desplegó policías antidisturbios contra jóvenes fanáticos del rock en el Nippon Budokan. [47] John Lennon sintió que no eran bien considerados en Japón, pero la Beatlemanía nunca murió realmente allí. [48] Los Beatles inspiraron a las bandas japonesas, creando el género de sonidos grupales en Japón. [3]
La mayoría de los músicos japoneses sentían que no podían cantar rock en japonés , por lo que la popularidad del rock japonés disminuyó gradualmente. [3] Como resultado, hubo debates como "¿Deberíamos cantar música rock en japonés?" y "¿Deberíamos cantar en inglés?" entre Happy End y Yuya Uchida sobre la música rock japonesa. [49] Esta confrontación fue llamada "controversia del rock en idioma japonés" (日本語ロック論争, Nihongo Rokku Ronsō ) . [50] Happy End demostró que la música rock podía cantarse en japonés, y una teoría sostiene que su música se convirtió en uno de los orígenes del J-pop moderno. [3] Los Beatles también inspiraron a Eikichi Yazawa , quien creció en una familia desfavorecida, su padre murió cuando él era un niño. [51] Keisuke Kuwata , quien creció en una familia con dos ingresos, fue influenciado por los Beatles a través de su hermana mayor, entonces una fanática ávida. [52] Yōsui Inoue también era fanático de The Beatles, pero dijo que su estilo musical no estaba particularmente relacionado con ellos. [53] Después de que Happy End se disolvió en 1973, Haruomi Hosono , un ex miembro, comenzó una carrera en solitario y luego formó Yellow Magic Orchestra . [54]
A principios de los años 1960, parte de la música japonesa se vio influenciada por el resurgimiento de la música folclórica estadounidense ; esto se llamó fōku (フォーク, "folk") , aunque el género musical consistía principalmente en versiones de canciones originales. [55] A finales de los años 1960, los Folk Crusaders se hicieron famosos y la música underground de esa época pasó a llamarse fōku . [56] Al igual que con el enka , los cantantes japoneses de fōku Wataru Takada realizaron sátiras sociales. [57]
A principios de la década de 1970, el énfasis cambió de las canciones simples de fōku con un solo acompañamiento de guitarra a arreglos musicales más complejos conocidos como nueva música (ニューミュージック, nyū myūjikku ) . [58] En lugar de mensajes sociales, las canciones se centraron en mensajes más personales, como el amor. En 1972, el cantautor Takuro Yoshida produjo una canción exitosa "Kekkon Shiyouyo" ("Vamos a casarnos") sin una promoción televisiva decente, aunque los fanáticos de la música fōku se enojaron mucho porque su música parecía ser una forma de música de bajo esfuerzo o baja calidad. [59] El sencillo más vendido del año fue la canción enka de Shiro Miya y el Pinkara Trio, " Onna no Michi ". [59] La canción finalmente vendió más de 3,25 millones de copias. [60] El 1 de diciembre de 1973, Yōsui Inoue lanzó el álbum Kōri no Sekai , que encabezó las listas de Oricon y permaneció en el Top 10 durante 113 semanas. [61] Pasó 13 semanas consecutivas en el puesto número uno, y finalmente estableció un récord aún vigente de un total de 35 semanas en la posición número uno en las listas de Oricon. [43] [62] Yumi Matsutoya , anteriormente conocida por su nombre de soltera Yumi Arai, también se convirtió en una notable cantautora durante este período. En octubre de 1975, lanzó un sencillo "Ano Hi ni Kaeritai" ("Quiero volver a ese día"), convirtiéndolo en su primer sencillo número uno en las listas de Oricon. [63] Miyuki Nakajima , Amii Ozaki y Junko Yagami también fueron cantautoras populares durante este período. Al principio, solo Yumi Matsutoya era comúnmente considerada una nueva artista musical, pero el concepto de música fōku japonesa cambió en esa época. [64] En 1979, Chage y Aska hicieron su debut, y la banda folk Off Course (con el cantante Kazumasa Oda ) lanzó una exitosa canción "Sayonara" ("Adiós").
Saki Kubota fue descrito como el abanderado de la nueva música. [65]
La música rock siguió siendo un género musical relativamente underground a principios de los años 1970 en Japón, [58] aunque Happy End logró obtener un éxito generalizado fusionando el rock con la música tradicional japonesa . [3] Varios músicos japoneses comenzaron a experimentar con la música electrónica , incluido el rock electrónico . El más notable fue el internacionalmente conocido Isao Tomita , cuyo álbum de 1972 Electric Samurai: Switched on Rock presentó interpretaciones de sintetizadores electrónicos de canciones de rock y pop contemporáneos . [66] Otros ejemplos tempranos de discos de rock electrónico incluyen el álbum de folk rock y pop rock de Inoue Yousui Ice World (1973) y el álbum de rock psicodélico progresivo de Osamu Kitajima Benzaiten (1974), ambos con contribuciones de Haruomi Hosono, [67] [68] quien luego comenzó el grupo de música electrónica "Yellow Magic Band" (más tarde conocido como Yellow Magic Orchestra) en 1977. [69]
En 1978, el sencillo de rock de Eikichi Yazawa "Jikan yo Tomare" ("Time, Stop") se convirtió en un gran éxito que vendió más de 639.000 copias. [70] Se le considera uno de los pioneros del rock japonés. [71] Buscó el éxito mundial y en 1980 firmó un contrato con la compañía discográfica Warner Pioneer y se mudó a la costa oeste de los Estados Unidos. Grabó los álbumes Yazawa , It's Just Rock n' Roll y Flash in Japan , todos los cuales fueron lanzados en todo el mundo, pero no tuvieron mucho éxito comercial. Keisuke Kuwata formó la banda de rock Southern All Stars (SAS), que hizo su debut en 1978. Southern All Stars sigue siendo muy popular en Japón en la actualidad.
En el mismo año, Yellow Magic Orchestra (YMO) también hizo su debut oficial con su álbum homónimo . La banda, cuyos miembros eran Haruomi Hosono , Yukihiro Takahashi y Ryuichi Sakamoto , desarrolló el electropop , [72] o technopop como se le conoce en Japón, [73] además de ser pioneros en la música synthpop y electro . [74] [75] Su álbum de 1979 Solid State Survivor alcanzó el número uno en las listas de Oricon en julio de 1980, [76] y vendió dos millones de discos en todo el mundo. [77] Casi al mismo tiempo, los álbumes de YMO Solid State Survivor y X∞Multiplies ocuparon los dos primeros puestos en las listas de Oricon durante siete semanas consecutivas, lo que convirtió a YMO en la única banda en la historia de las listas japonesas en lograr esta hazaña. [78] Los jóvenes fanáticos de su música durante este período se hicieron conocidos como la "Generación YMO" ( YMO世代, YMO sedai ) . [79] [80] YMO tuvo un impacto significativo en la música pop japonesa, que comenzó a estar cada vez más dominada por la música electrónica debido a su influencia, [81] y tuvieron un impacto igualmente grande en la música electrónica en todo el mundo. [82] [83] Southern All Stars y Yellow Magic Orchestra simbolizaron el final de la nueva música y allanaron el camino para el surgimiento del género J-pop en la década de 1980. [4] Ambas bandas, SAS y YMO, luego se ubicarían en la cima de la lista de los 100 mejores músicos japoneses de todos los tiempos de HMV Japón . [84]
A principios de la década de 1980, con la difusión de los estéreos de los automóviles , el término city pop (シティーポップ, shitī poppu ) pasó a describir un tipo de música popular que tenía como tema la gran ciudad. [85] Tokio en particular inspiró muchas canciones de este estilo. Durante este tiempo, los fanáticos de la música y los artistas en Japón fueron influenciados por el rock orientado a los álbumes (especialmente el contemporáneo adulto ) y el crossover (especialmente el jazz fusión ). [85] [86] El city pop se vio afectado por la nueva música, aunque sus orígenes se remontan a mediados de la década de 1970, con el trabajo de la banda de rock japonesa Happy End y su ex miembro Haruomi Hosono , [87] así como Tatsuro Yamashita . [88]
La popularidad del pop urbano se desplomó cuando la burbuja de los precios de los activos japoneses estalló en 1990. Sus características musicales (excepto su "antecedentes culturales") fueron heredadas por músicos de Shibuya-kei de los años 1990 como Pizzicato Five y Flipper's Guitar . [85]
A lo largo de la década de 1980, bandas de rock como Southern All Stars , RC Succession , Anzen Chitai , The Checkers , The Alfee y The Blue Hearts se hicieron populares. Anzen Chitai provenía de la banda de respaldo de Yosui Inoue . El 1 de diciembre de 1983, el cantante de rock Yutaka Ozaki debutó a la edad de 18 años. En 1986, The Alfee se convirtió en los primeros artistas en tocar un concierto frente a una audiencia de 100.000 personas en Japón. [89] Algunos músicos japoneses, como Boøwy , TM Network y Buck-Tick , fueron influenciados por el Nuevo Romanticismo . [90]
Boøwy se convirtió en una banda de rock especialmente influyente, cuyos miembros incluían al cantante Kyosuke Himuro y al guitarrista Tomoyasu Hotei . Sus tres álbumes alcanzaron el número uno en 1988, convirtiéndolos en los primeros artistas masculinos en tener tres números uno en un solo año. [91] Las bandas de rock japonesas posteriores se basaron en esta banda. [92] El guitarrista Tak Matsumoto , que apoyó los conciertos de TM Network, formó el dúo de rock B'z con el cantante Koshi Inaba en 1988. [93]
A finales de los años 1980, la banda femenina Princess Princess se convirtió en una exitosa banda de pop-rock. Sus sencillos "Diamonds" y "Sekai de Ichiban Atsui Natsu" ("El verano más caliente del mundo") ocuparon los puestos número uno y número dos, respectivamente, en las listas anuales de sencillos de Oricon de 1989. [94]
A finales de los años 1980, también surgió una nueva tendencia en la música rock japonesa: el visual kei , un movimiento caracterizado por bandas masculinas que usaban maquillaje, peinados extravagantes y trajes andróginos. Los representantes más exitosos del movimiento son X Japan (antes conocido como "X") y Buck-Tick . X Japan lanzó su primer álbum Vanishing Vision en el sello independiente Extasy Records en 1988; su álbum Blue Blood fue lanzado en CBS Sony en 1989. Blue Blood vendió 712.000 copias, y su álbum de 1991 Jealousy vendió más de 1,11 millones de copias. [95] Sorprendentemente, X Japan era una banda de heavy metal , pero el guitarrista hide más tarde cayó bajo la influencia del rock alternativo , lanzando su primer álbum en solitario Hide Your Face en 1994 y lanzando su exitosa carrera en solitario. [96]
En la década de 1970, la popularidad de cantantes ídolos femeninas como Mari Amachi , Saori Minami , Momoe Yamaguchi y Candies aumentó. Momoe Yamaguchi fue una de las primeras cantantes de kayōkyoku en utilizar la pronunciación especial característica del J-pop. [12] En 1972, Hiromi Go hizo su debut con la canción "Otokonoko Onnanoko" ("Niño y niña"). [59] Hiromi Go originalmente provenía de Johnny & Associates . [97]
En 1976, el dúo femenino Pink Lady hizo su debut con el sencillo " Pepper Keibu ". Lanzaron un récord de nueve sencillos número uno consecutivos. [98]
En la década de 1980, los ídolos japoneses heredaron la nueva música, aunque el término cayó en desuso. [58] Seiko Matsuda adoptó especialmente a productores de canciones de generaciones anteriores. [58] En 1980, su tercer sencillo "Kaze wa Aki Iro" ("El viento es el color del otoño") alcanzó el puesto número uno en las listas de Oricon. [98] Haruomi Hosono también se unió a la producción de su música. [58] [ verificación requerida ] Eventualmente se convirtió en la primera artista en hacer 24 sencillos número uno consecutivos, rompiendo el récord de Pink Lady. [98]
Otras cantantes ídolos femeninas alcanzaron una popularidad significativa en la década de 1980, como Akina Nakamori , Yukiko Okada , Kyōko Koizumi , Yoko Minamino , Momoko Kikuchi , Yōko Oginome , Miho Nakayama , Minako Honda y Chisato Moritaka . Okada recibió el premio a Mejor Artista Revelación de los Japan Record Awards en 1984. Nakamori ganó el premio Grand Prix durante dos años consecutivos (1985 y 1986), también en los Japan Record Awards.
La banda de ídolos japonesa Onyanko Club hizo su debut en 1985 y produjo a la popular cantante Shizuka Kudō . Cambiaron la imagen de los ídolos japoneses. [99]
Sin embargo, alrededor de 1985, la gente comenzó a desencantarse con el sistema de creación de ídolos. [100] En 1986, la canción "Kuchibiru Network" ("La red de los labios") de la cantante ídolo Yukiko Okada , escrita por Seiko Matsuda y compuesta por Ryuichi Sakamoto, se convirtió en un éxito, pero ella se suicidó inmediatamente después de eso. [101]
Hikaru Genji , una de las bandas de Johnny & Associates , debutó en 1987. Se convirtieron en una banda de chicos de patinaje sobre ruedas muy influyente, y algunos de sus miembros ganaron fama a medida que envejecían. Su canción "Paradise Ginga", escrita por Aska , ganó el premio Grand Prix en la 30.ª edición de los Japan Record Awards en 1988. Algunos de los bailarines de apoyo del grupo formaron más tarde SMAP .
A finales de los años 80 también surgió el dúo femenino Wink . No se reían, a diferencia de los ídolos japoneses de épocas anteriores. Wink debutó en 1988, superando la popularidad del dúo femenino más popular de entonces, BaBe . La canción de Wink " Samishii Nettaigyo " ganó el premio Grand Prix en los 31º Japan Record Awards en 1989.
La popular cantante Hibari Misora murió en 1989, y muchos programas de kayōkyoku , como The Best Ten , fueron cerrados. [102]
CoCo hizo su exitoso debut con el sencillo de 1989 "Equal Romance" para la exitosa serie de anime Ranma ½ . Tetsuya Komuro , miembro de TM Network, rompió la racha de Seiko Matsuda de 25 números uno consecutivos al hacer que su sencillo "Gravity of Love" debutara en el número uno en noviembre de 1989. [103]
En la década de 1990, el término J-pop pasó a referirse a todas las canciones populares japonesas excepto el enka . [2]
Durante este período, la industria musical japonesa buscó la eficacia comercial . Ejemplos notables de música comercial de la época fueron la música de la agencia Being y la música disco de Tetsuya Komuro . [104]
El período entre 1990 y 1993 estuvo dominado por artistas de la agencia Being , incluidos B'z , Tube , BBQueens , T-Bolan , Zard , Wands , Maki Ohguro , Deen y Field of View . Se llamaban Being System (ビーイング系, Bīingu kei ) . [105] Muchos de esos artistas encabezaron las listas y establecieron nuevos récords, [105] [106] notablemente B'z, que finalmente estableció un nuevo récord de sencillos número uno consecutivos, superando el récord de Seiko Matsuda. [107] B'z es el artista japonés con mayores ventas de todos los tiempos, según las listas de Oricon y las certificaciones RIAJ. Por otro lado, Wands, considerado pionero del "J-pop Boom" de los años 1990, tuvo problemas porque el miembro Show Wesugi quería tocar rock alternativo / grunge . [108]
Muchos artistas superaron la marca de los dos millones de copias en la década de 1990. El sencillo de 1991 de Kazumasa Oda "Oh! Yeah!/Love Story wa Totsuzen ni", el sencillo de 1991 de Chage y Aska " Say Yes " y el sencillo de 1993 "Yah Yah Yah", el sencillo de 1992 de Kome Kome Club " Kimi ga Iru Dake de ", el sencillo de 1994 de Mr. Children " Tomorrow Never Knows " y el sencillo de 1996 " Namonaki Uta ", y el sencillo de 1996 de Globe "Departures" son ejemplos de canciones que vendieron más de 2 millones de copias. [60] [109] El álbum de 1992 de Dreams Come True, The Swinging Star, se convirtió en el primer álbum en vender más de 3 millones de copias en Japón. [110] El álbum Atomic Heart de Mr. Children de 1994 estableció un nuevo récord, vendiendo 3,43 millones de copias en las listas de Oricon. [109] [111]
El dúo Chage y Aska, que comenzó a grabar a finales de 1979, se hizo muy popular durante este período. Lanzaron una serie de éxitos consecutivos a lo largo de la década de 1990; en 1996, participaron en MTV Unplugged , lo que los convirtió en el primer grupo asiático en hacerlo. [112]
Después de que TM Network se disolvió en 1994, Tetsuya Komuro se convirtió en un productor de canciones serio. El período entre 1994 y 1997 estuvo dominado por los actos de dance y techno de la "familia Komuro" (小室ファミリー, Komuro Famirī ) , como TRF , Ryoko Shinohara , Yuki Uchida , Namie Amuro , Hitomi , Globe , Tomomi Kahala y Ami Suzuki . En ese momento, Komuro fue responsable de 20 canciones exitosas, cada una vendiendo más de un millón de copias. [113] Mientras que el álbum Globe de 1996 vendió 4,13 millones de copias, estableciendo un récord en ese momento, la canción de 1997 de Namie Amuro " Can You Celebrate? " vendió 2,29 millones de copias, es el sencillo más vendido de todos los tiempos por la artista solista femenina en la historia del Jpop. [109] Sus ventas totales como productor de canciones alcanzaron los 170 millones de copias. [114] [115] En 1998, las canciones de Komuro se habían vuelto menos populares. A mediados de la primera década del siglo XXI, las deudas de Komuro lo llevaron a intentar vender su catálogo de canciones (que en realidad no le pertenecía) a un inversor. Cuando el inversor se enteró y presentó una demanda, Komuro intentó vender el catálogo a otro inversor para pagar la sentencia de 600.000.000 de yenes japoneses que le debía al primer inversor. [113]
Namie Amuro , que posiblemente fue la cantante solista más popular de la época, provenía de la " Escuela de Actores de Okinawa ", que también incubó las bandas MAX y Speed . Al principio, mientras todavía formaba parte de la familia Komuro, Amuro permaneció en el género de la música dance, pero lentamente cambió su estilo musical al R&B contemporáneo y terminó su asociación con Tetsuya Komuro. [116]
La banda Globe de Komuro se convirtió en una banda de trance después de su álbum de 2001 Outernet . [117]
Las ventas en el mercado musical japonés continuaron aumentando. En octubre de 1997, Glay lanzó su álbum Review -The Best of Glay , que vendió 4,87 millones de copias, rompiendo el récord anterior de Globe. [109] Sin embargo, fue superado al año siguiente por el álbum de B'z B'z The Best "Pleasure" , que vendió 5,12 millones de copias. [109] El mercado japonés de ventas de música física alcanzó su punto máximo en 1998, registrando ventas de ¥ 607,000,000,000. [118] En marzo de 1999, Hikaru Utada lanzó su primer álbum japonés, First Love , que vendió 7,65 millones de copias, lo que lo convirtió en el álbum más vendido en la historia de Oricon . [109]
A finales de los años 1990 se produjo la popularidad de bandas de rock, como Glay , Luna Sea y L'Arc-en-Ciel , la mayoría de ellas relacionadas con el movimiento visual kei , aunque más tarde cambiaron su estilo. En ese momento, los músicos de rock en Japón estaban absorbiendo la música kayōkyoku después de que el género desapareciera. [2] Glay se volvió especialmente exitoso, con una exposición masiva en los medios, comparable a la de los cantantes pop más populares producidos por Tetsuya Komuro. [119] En julio de 1999, Glay tocó un concierto para una audiencia récord de 200.000 personas en el Makuhari Messe , certificado por Guinness World Records como el concierto en solitario más grande de Japón. [120] [121] En julio de 1999, L'Arc-en-Ciel lanzó dos álbumes, Arc y Ray , al mismo tiempo; vendieron más de 3,02 millones de copias combinadas en la primera semana de lanzamiento. [122]
X Japan anunció su disolución en septiembre de 1997 y su guitarrista hide murió en mayo de 1998. Su funeral tuvo una asistencia récord de 50.000 personas, rompiendo el récord de Hibari Misora , a cuyo funeral asistieron 42.000 personas. [123] Después de su muerte, su sencillo " Pink Spider " y su álbum Ja, Zoo fueron certificados como millones de ventas por la Asociación de la Industria Discográfica de Japón . [124]
Johnny & Associates produjo muchos grupos exclusivamente masculinos: SMAP , Tokio , V6 , KinKi Kids y Arashi . SMAP llegó a la escena del J-pop de manera importante en la década de 1990 a través de una combinación de programas de televisión " Tarento " y sencillos, con uno de sus cantantes, Takuya Kimura , convirtiéndose en un actor popular comúnmente conocido como "Kimutaku" en años posteriores.
A finales de los años 1990, el grupo femenino Speed era muy popular; anunciaron su disolución en 1999. El grupo regresó a la escena musical en 2008. Otra banda exclusivamente femenina, Morning Musume , producida por Tsunku , ex líder de la banda Sharam Q, se volvió muy popular, con una serie de lanzamientos que fueron éxitos de ventas incluso antes de ser lanzados. La popularidad del grupo dio origen al Hello! Project . Siguiendo el patrón establecido una década antes por el Onyanko Club exclusivamente femenino de los años 1980 , Morning Musume generó varias bandas escindidas.
A finales de los años 1990 y principios del siglo XXI, cantantes femeninas como Hikaru Utada , Ayumi Hamasaki , Misia , Mai Kuraki y Ringo Shiina se convirtieron en líderes de las listas de éxitos escribiendo sus propias canciones o sus propias letras. Hikaru Utada es la hija de Keiko Fuji , una cantante popular de los años 1970. Ayumi Hamasaki se convirtió en la rival contemporánea de Utada, aunque ambas mujeres afirmaron que la "competencia" era simplemente una creación de sus compañías discográficas y los medios de comunicación. [125]
Zeebra introdujo la música hip hop en la música convencional japonesa. [126] En 1999, Zeebra fue presentado por Dragon Ash en su canción titulada " Grateful Days ", que encabezó las listas de Oricon. [127]
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Ayumi Hamasaki ganó premios Grand Prix por tres años consecutivos (la primera vez en la historia de los Japan Record Award ) entre 2001 y 2003. [128] Aunque Hamasaki se hizo muy famosa, Tom Yoda , entonces presidente de su compañía discográfica Avex Group , argumentó que sus tácticas eran arriesgadas, porque Avex ignoró la teoría moderna de cartera . [129] Esta preocupación desapareció cuando los otros cantantes de la compañía (como Ai Otsuka , Kumi Koda y Exile ) también alcanzaron un cierto nivel de popularidad a mediados de la década de 2000 bajo la política de gestión de Yoda. [129] BoA , una cantante coreana que también forma parte del grupo Avex, también logró altos niveles de éxito a pesar de ser coreana en Japón. Abrió la puerta Hallyu a otros artistas coreanos para que también pudieran lograr diferentes niveles de éxito en Japón.
En diciembre de 2002, la compañía de telefonía móvil au creó el mercado de descargas digitales de canciones para tonos de llamada (着うた, chaku-uta ) . [130] El mercado de descargas digitales creció rápidamente y la canción de 2007 de Hikaru Utada, « Flavor of Life », vendió más de 7 millones de copias descargadas. [131] En octubre de 2007, EMI Music Japan anunció que Utada era el primer artista del mundo en tener 10 millones de ventas digitales en un año. [132] Según el informe de música digital de 2009 de la Federación Internacional de la Industria Fonográfica , el sencillo digital de Thelma Aoyama « Soba ni Iru ne » y el sencillo digital de Greeeen « Kiseki » vendieron 8,2 millones de copias y 6,2 millones de copias, respectivamente, en el ranking de descargas de 2008. [133]
En la primera década del siglo XXI, la música hip hop y las influencias del R&B contemporáneo en la música japonesa comenzaron a ganar atención en la música mainstream popular. En noviembre de 2001, el álbum debut del dúo de R&B Chemistry, The Way We Are, vendió más de 1,14 millones de copias en la primera semana y debutó en la posición número uno en las listas semanales de álbumes de Oricon. [134] Las bandas de hip hop como Rip Slyme y Ketsumeishi también estuvieron en la cima de las listas de Oricon .
La banda de rock Orange Range presentó varios elementos de hip hop en su música. [135] El álbum musiQ de Orange Range vendió más de 2,6 millones de copias, convirtiéndose en el álbum número uno de 2005 en las listas de Oricon.
El cantante de pop/R&B Ken Hirai encabezó la lista anual de álbumes de Oricon en 2006 con el lanzamiento de su álbum de grandes éxitos 10th Anniversary Complete Single Collection '95-'05 Utabaka , vendiendo más de 2 millones de copias.
El dúo pop/hip-hop Halcali tiene el honor de ser la primera artista femenina japonesa de hip-hop en entrar en el top 10 de Oricon . También han actuado en el extranjero dos veces en 2008, una en el festival Anime Central de Chicago y otra en Central Park , Nueva York, en el Día de Japón.
Exile , el grupo de dance-vocal del subsello de Avex, Rhythm Zone , vendió varios millones de copias de sus álbumes. Su álbum Exile Love encabezó la lista anual de álbumes de Oricon en 2008.
El veterano rapero Dohzi-T colaboró con cantantes populares como Shota Shimizu , Hiromi Go , Miliyah Kato y Thelma Aoyama en su exitoso álbum de 2008 12 Love Stories . [136]
Aunque solo hubo 132 nuevos artistas en Japón en 2001, según la Asociación de la Industria Discográfica de Japón , el número aumentó a 512 en 2008. [137] En 2008, 14 nuevos artistas, como Thelma Aoyama, asistieron al NHK Kōhaku Uta Gassen por primera vez. [138]
Músicos de rock como Mr. Children , B'z , Southern All Stars , L'Arc-en-Ciel y Glay todavía encabezaban las listas en la primera década del siglo XXI. La canción de Mr. Children " Sign " ganó el premio Grand Prix en los 46th Japan Record Awards en 2004. Cuando el grupo lanzó su álbum Home en 2007, superaron los 50 millones de álbumes y sencillos vendidos, lo que los convirtió en el segundo artista con mayores ventas de todos los tiempos en Japón desde el origen de Oricon, justo detrás de B'z, que ocupó la posición número uno con más de 75 millones de discos vendidos hasta entonces. [139] Home encabezó las listas anuales de álbumes de Oricon de 2007.
Las ventas de CD físicos disminuyeron, pero el público que asistía a presentaciones en vivo aumentó. [140] Eikichi Yazawa participó en festivales de rock y, en 2007, se convirtió en el primer artista en realizar 100 conciertos en el Nippon Budokan . [141]
Otros artistas, como Namie Amuro , también continuaron sus carreras de larga duración con lanzamientos exitosos en este período. Su gira en vivo, Namie Amuro Best Fiction tour 2008-2009 , no solo se convirtió en la gira en vivo más grande de una artista solista japonesa (a la que asistieron 450 000 fanáticos en Japón), sino que también asistieron 50 000 fanáticos en Taiwán y Shanghái . [142] [143] Mientras que el álbum de 2005 de Kazumasa Oda, Sōkana , encabezó las listas semanales de álbumes de Oricon, su sencillo de 2007, "Kokoro", alcanzó las listas semanales de sencillos, rompiendo el récord de Yujiro Ishihara y convirtiéndolo en el cantante de mayor edad en ese momento en encabezar las listas de sencillos. [144] El álbum de grandes éxitos de Mariya Takeuchi , Expressions, encabezó la lista de álbumes de Oricon en 2008, convirtiéndola en la cantante femenina de mayor edad con la carrera activa más larga en alcanzar la posición número uno. [145]
Los grupos masculinos de Johnny & Associates siguieron siendo conocidos. En 2001, SMAP lanzó su álbum de grandes éxitos SMAP Vest , que vendió más de un millón de copias en la primera semana. [146] En noviembre de 2001, Johnny & Associates estableció el sello J Storm para su banda Arashi . El sencillo de 2003 de SMAP "Sekai ni hitotsu dake no hana" vendió más de dos millones de copias, siendo el sencillo número uno en las listas anuales de sencillos de Oricon para ese año. En 2007, Guinness World Records honró a KinKi Kids por tener un récord mundial por la cantidad de sencillos que debutaron en la posición número uno desde su debut: 25. [147] Se dijo que SMAP luchó una batalla solitaria en el Kōhaku Uta Gassen , como se ve desde el punto de vista de su participación de audiencia. [148] En 2008, los músicos masculinos establecieron un récord de cuatro victorias consecutivas en el Kōhaku Uta Gassen. [149] El álbum de grandes éxitos de Arashi All the Best! 1999–2009 encabezó las listas anuales de álbumes de Oricon en 2009. [150]
Johnny & Associates también produjo nuevos grupos como Hey! Say! JUMP , Tackey & Tsubasa , NEWS , Kanjani Eight y KAT-TUN . En 2006, el sencillo debut de KAT-TUN, " Real Face ", escrito por Shikao Suga y compuesto por Tak Matsumoto , vendió más de un millón de copias y encabezó las listas anuales de Oricon. [151] En 2007, el grupo temporal de Johnny's Jr. Hey! Say! 7 rompió un récord como el grupo masculino más joven en encabezar las listas de Oricon, con una edad promedio de 14,8 años. Más tarde ese año, Hey! Say! JUMP rompió un récord como el grupo más grande en debutar en la historia de Johnny's , con diez miembros. También se convirtieron en el grupo más joven en actuar en el Tokyo Dome con una edad promedio de 15,7 años. [152] En las listas anuales de sencillos de 2008, solo un sencillo clasificado entre los 30 primeros fue cantado por una mujer (el sencillo de Namie Amuro " 60s 70s 80s ") excepto los grupos de género mixto, en parte porque las bandas de chicos disfrutaron de una ventaja en las ventas físicas de sencillos. [153] En 2009, el artista de Johnny's Jr. Yuma Nakayama w/BIShadow se convirtió en el artista más joven en tener su primer sencillo en debutar en el puesto número uno, ya que la banda tenía una edad promedio de 14,6 años, rompiendo el récord anterior establecido por el grupo femenino Minimoni , 14,8 años. [154]
En febrero de 2001, Ulfuls lanzó su versión de la canción de 1963 de Kyu Sakamoto " Ashita Ga Arusa ". Su versión debutó en la posición número cinco, detrás de Utada, Kinki Kids, Hamasaki y Hirai. [155] En marzo, la banda especial de Yoshimoto Kogyo "Re: Japan" también lanzó su versión de "Ashita Ga Arusa". Cuando la versión de Ulfuls de esta canción permaneció en el número ocho, la versión de Re: Japan encabezó las listas semanales de sencillos de Oricon. [156]
En 2003, Man Arai lanzó el sencillo "Sen no Kaze ni Natte" ("Como mil vientos") basado en el poema occidental " No te quedes en mi tumba llorando ". En Japón, el poema fue conocido por la lectura de Rokusuke Ei en el funeral de Kyu Sakamoto en 1985. [157] El cantante tenor japonés Masafumi Akikawa versionó la canción en 2006. La versión de Akikawa de la canción se convirtió en el primer sencillo de música clásica en encabezar las listas de Oricon y vendió más de un millón de copias. [158] En las listas anuales de Oricon de 2007, el sencillo se convirtió en el sencillo físico más vendido, logrando una victoria sobre "Flavor of Life" de Utada. [158] Oricon afirmó que la canción no era J-pop. [159] Por otro lado, la partitura de Zen-On Music Company Ltd clasificó la canción como J-pop. [160]
Hideaki Tokunaga versionó muchas canciones femeninas en su serie de álbumes de covers, Vocalist . Lanzó Vocalist , Vocalist 2 , Vocalist 3 , Vocalist 4 y Vocalist Vintage (Vocalist 5) en 2005, 2006, 2007, 2010 y 2012 respectivamente. En agosto de 2007, Vocalist 3 se convirtió en el álbum de covers número uno semanal de Oricon con 2 semanas (empatando el récord en Japón), y en mayo de 2010, Vocalist 4 se convirtió en el primer álbum de covers número uno mensual de Oricon en Japón. [161]
En 2010, otros cantantes también lanzaron álbumes de versiones de canciones japonesas como Request de Juju y Eternity: Love & Songs de Kumi Koda . Superfly lanzó un sencillo que venía con un álbum de versiones de canciones de rock occidental, titulado Wildflower & Cover Songs: Complete Best 'Track 3' , convirtiéndose finalmente en el tercer álbum consecutivo de la banda en debutar en el número uno en las listas semanales de álbumes de Oricon. [162]
Los dúos folk, como 19 , Yuzu y Kobukuro , se hicieron populares durante el período. [163] Su música fue llamada "neofolk". En octubre de 2007, el álbum doble de Kobukuro All Singles Best se convirtió en el primer álbum masculino en vender tres millones de copias en el siglo XXI en Japón. [164] En enero de 2008, su álbum 5296 superó al álbum Guilty de Ayumi Hamasaki en las listas de Oricon, aunque anteriormente había tenido ocho álbumes de estudio número uno consecutivos. [165]
Las bandas de música electrónica como Plus-Tech Squeeze Box y Capsule fueron llamadas " neo Shibuya-kei ". Yasutaka Nakata , miembro de Capsule, se convirtió en el productor de canciones del grupo femenino Perfume . [166] En abril de 2008, por primera vez como banda de technopop en 25 años desde el álbum Naughty Boys de Yellow Magic Orchestra de 1983 , Perfume logró un álbum número uno con Game en las listas de Oricon. En julio de 2008, su sencillo " Love the World " debutó en el número uno, convirtiéndose en la primera canción de technopop en alcanzar el número uno en la historia de Oricon. [167] Pronto siguieron otras artistas japonesas de technopop, incluidas Aira Mitsuki , immi , Mizca , SAWA , Saoriiiii y Sweet Vacation . [168]
A finales de la década de 2000 y principios de la década de 2010, la industria de la música de anime , como los actores de voz y las canciones con imágenes , agregó peso a la música japonesa. Aunque la música de anime anteriormente estaba influenciada por el J-pop y la música visual kei , la música indie japonesa aparentemente influyó en el género en la FanimeCon de 2006. [169] En 2007, después de muestrear la voz de la actriz de voz Saki Fujita para desarrollarla, se lanzó Vocaloid Hatsune Miku , y muchas canciones con Hatsune Miku se mostraron en Nico Nico Douga . [170] Algunos de los músicos que presentaban a Hatsune Miku, como Livetune y Supercell , se unieron a grandes compañías discográficas en Japón. Livetune lanzó Re: Package en Victor Entertainment el 27 de agosto de 2008, [171] y Supercell lanzó Supercell en Sony Music el 4 de marzo de 2009. [172] Los álbumes Re: Package y Supercell no fueron puestos bajo el control del sistema de derechos de autor de la Sociedad Japonesa de Derechos de Autores, Compositores y Editores (JASRAC), rompiendo la tradición de que los músicos de las principales discográficas se afiliaran al sistema. [171]
En junio de 2009, el álbum Ultimate Diamond de la actriz de voz Nana Mizuki se convirtió en el primer álbum de un actor de voz en alcanzar el número uno en las listas semanales de Oricon. [173] La banda ficticia femenina Hōka-go Tea Time, de la serie de anime K-On!, lanzó el miniálbum Hōka-go Tea Time el 22 de julio de 2009. El miniálbum debutó en el número uno en las listas semanales de álbumes de Oricon, convirtiéndose en el primer álbum de personajes de anime en alcanzar el número uno. [174] En mayo de 2010, Exit Tunes Presents Vocalogenesis feat. Hatsune Miku se convirtió en el primer álbum con Vocaloids en alcanzar el número uno en las listas semanales de Oricon, reemplazando a Vocalist 4 de Hideaki Tokunaga , que había encabezado las listas durante cuatro semanas consecutivas. [175]
Desde finales de la década de 2000, han surgido cada vez más grupos de ídolos . La gran cantidad de grupos de ídolos en la industria del entretenimiento japonesa a veces se denomina el "Período de los ídolos en guerra" (アイドル戦国時代, aidoru sengoku jidai ), una alusión al Sengoku-jidai . [177] Algunos de los grupos más exitosos durante la década de 2010 incluyen Hey! Say! JUMP , AKB48 , Arashi , Kanjani Eight , Morning Musume y Momoiro Clover Z. [ 178] [179]
Kyary Pamyu Pamyu , una modelo de moda con sede en Harajuku , hizo su debut musical en 2011 y ganó popularidad internacional con su sencillo debut " Pon Pon Pon ", reconocido por algunas celebridades occidentales como Katy Perry [180] y Ariana Grande . [181] Es producida por Yasutaka Nakata, quien también produce el grupo Perfume. Posteriormente obtuvo éxito a través de sus canciones " Ninja Re Bang Bang " y " Fashion Monster ". Durante 2014, alrededor de 486.000 personas asistieron a los conciertos en vivo de Momoiro Clover Z , que fue la asistencia a conciertos más alta registrada para cualquier músico femenina en Japón. [182]
En 2019, AKB48 anunció el aplazamiento de sus elecciones generales, [183] y Arashi anunció la pausa del grupo. [184]
Los grupos de ídolos siguieron siendo relevantes en la década de 2020. Según las encuestas en Japón para 2024, los cantantes solistas y duetos más populares son populares, incluidos Yoasobi , Mrs. Green Apple , Creepy Nuts y Ado . El J-pop ha comenzado a aparecer en las listas mundiales, aunque antes no había tenido tanta popularidad. [185] La canción de Yoasobi " Idol " se convirtió en la primera canción japonesa en alcanzar el número uno en la lista Billboard Global Excl. US , [185] [186] así como en las listas de Apple Music [187] y YouTube Music . [188]
Algunos artistas pop japoneses son extremadamente populares en Japón, y algunos también tienen bases de fans en otros países, especialmente en Asia, pero también en países occidentales. Influyen no solo en la música, sino también en la moda. A partir de 2016, los cinco artistas más vendidos en la historia de las listas japonesas de Oricon son B'z , Mr. Children , Ayumi Hamasaki , Southern All Stars y Dreams Come True . [139] Entre los cinco, Hamasaki tiene el récord de ser el único artista solista. [189]
{{cite web}}: CS1 maint: bot: estado de URL original desconocido ( enlace )()ヒップホップをやってる人って、"ヒップホカルチャーは"っていうところから入ったじゃないですか。僕らは別にそういうのでもないし、てすごい好きだということ。それを極めてる人にしては、お前ら何なんだ？ってるかもしれないけど、でもこれがカッと思うんだからしょうがない。いものはいです
{{cite book}}: CS1 maint: varios nombres: lista de autores ( enlace )