Ellsworth Kelly (31 de mayo de 1923 - 27 de diciembre de 2015) fue un pintor, escultor y grabador estadounidense asociado con la pintura de bordes duros , la pintura de campos de color y el minimalismo . Sus obras demuestran técnicas sencillas que enfatizan la línea, el color y la forma, similar al trabajo de John McLaughlin y Kenneth Noland . Kelly a menudo empleaba colores brillantes. Vivió y trabajó en Spencertown, Nueva York .
Kelly nació como el segundo hijo de tres hijos de Allan Howe Kelly y Florence Rose Elizabeth (Githens) Kelly en Newburgh, Nueva York , aproximadamente a 60 millas al norte de la ciudad de Nueva York. [1] Su padre era un ejecutivo de una compañía de seguros de ascendencia escocesa-irlandesa y alemana. Su madre era una ex maestra de escuela de ascendencia galesa y alemana de Pensilvania. Su familia se mudó de Newburgh a Oradell, Nueva Jersey , una ciudad de casi 7500 habitantes. Su familia vivía cerca del embalse de Oradell , donde su abuela paterna lo introdujo a la ornitología cuando tenía ocho o nueve años.
Allí desarrolló su pasión por la forma y el color. John James Audubon ejerció una influencia particularmente fuerte en la obra de Kelly a lo largo de su carrera. El autor Eugene Goossen especuló que las pinturas de dos y tres colores (como Three Panels: Red Yellow Blue, I 1963) por las que Kelly es tan conocido pueden atribuirse a su observación de aves y su estudio de las aves de dos y tres colores que vio con tanta frecuencia a una edad temprana. Kelly dijo que a menudo estaba solo cuando era niño y se convirtió en una especie de "solitario". Tenía un ligero tartamudeo que persistió hasta su adolescencia. [1]
Kelly asistió a una escuela pública, donde las clases de arte enfatizaban los materiales y buscaban desarrollar la "imaginación artística". Este plan de estudios era típico de la tendencia más amplia en la educación que había surgido de las teorías de educación progresista promulgadas por el Teacher's College de la Universidad de Columbia , en el que el pintor modernista estadounidense Arthur Wesley Dow había enseñado. [1] Aunque sus padres se mostraban reacios a apoyar la formación artística de Kelly, su maestra de escuela, Dorothy Lange Opsut, lo animó a ir más allá. [2] Como sus padres solo pagarían la formación técnica, Kelly estudió primero en el Pratt Institute en Brooklyn , al que asistió desde 1941 hasta que fue reclutado en el ejército el día de Año Nuevo de 1943. [3]
Al ingresar al servicio militar de los EE. UU . en 1943, Kelly solicitó ser asignado al 603. ° Batallón de Camuflaje de Ingenieros, que llevó a muchos artistas. Fue reclutado en Fort Dix, Nueva Jersey y enviado a Camp Hale, Colorado , donde se entrenó con tropas de esquí de montaña . Nunca había esquiado antes. De seis a ocho semanas después, fue transferido a Fort Meade, Maryland . [1] Durante la Segunda Guerra Mundial , sirvió con otros artistas y diseñadores en el Ejército Fantasma , una unidad de engaño del Ejército de los Estados Unidos que usaba tanques inflables, camiones y otros elementos de subterfugio para engañar a las fuerzas del Eje sobre la dirección y disposición de las fuerzas aliadas. [4] Su exposición al camuflaje militar durante el tiempo que sirvió se convirtió en parte de su entrenamiento artístico básico. [1] Kelly sirvió con la unidad desde 1943 hasta el final de la fase europea de la guerra. El Ejército Fantasma recibió la Medalla de Oro del Congreso el 21 de marzo de 2024, en una ceremonia en el Salón de la Emancipación en el Capitolio de los EE. UU . [5]
Kelly utilizó el GI Bill para estudiar entre 1946 y 1947 en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston , donde aprovechó las colecciones del museo, y luego en la École nationale supérieure des Beaux-Arts en París. Mientras estaba en Boston, expuso en su primera muestra colectiva en la galería Boris Mirski y dio clases de arte en el Norfolk House Center en Roxbury . [6] Mientras estaba en París, Kelly estableció su estética. [7] Asistía a clases con poca frecuencia, pero se sumergió en los ricos recursos artísticos de la capital francesa. [8] Había escuchado una conferencia de Max Beckmann sobre el artista francés Paul Cézanne en 1948 y se mudó a París ese año. [9] Allí conoció a sus compatriotas estadounidenses John Cage y Merce Cunningham , que experimentaban con la música y la danza, respectivamente; al artista surrealista francés Jean Arp ; y al escultor abstracto Constantin Brâncuși , cuya simplificación de las formas naturales tuvo un efecto duradero en él. [10] La experiencia de visitar a artistas como Alberto Magnelli , Francis Picabia , Alberto Giacometti y Georges Vantongerloo en sus estudios fue transformadora. [11]
Después de estar en el extranjero durante seis años, el francés de Kelly todavía era pobre y había vendido solo un cuadro. En 1953 fue desalojado de su estudio y regresó a Estados Unidos al año siguiente. [12] Se había interesado después de leer una reseña de una exhibición de Ad Reinhardt , un artista con cuyo trabajo sintió que su trabajo estaba relacionado. A su regreso a Nueva York, encontró el mundo del arte "muy duro". [1] Aunque Kelly ahora es considerado un innovador esencial y contribuyente al movimiento artístico estadounidense, fue difícil para muchos encontrar la conexión entre el arte de Kelly y las tendencias estilísticas dominantes. [7] En mayo de 1956, Kelly tuvo su primera exhibición en la ciudad de Nueva York en la galería de Betty Parsons . Su arte era considerado más europeo de lo que era popular en Nueva York en ese momento. Expuso nuevamente en su galería en el otoño de 1957. Tres de sus piezas: Atlantic , Bar y Painting in Three Panels, fueron seleccionadas y exhibidas en la exhibición del Museo Whitney de Arte Estadounidense , "Young America 1957". Sus piezas fueron consideradas radicalmente diferentes de las obras de los otros veintinueve artistas. Por ejemplo, su obra Painting in Three Panels fue especialmente destacada; en su momento, los críticos cuestionaron que creara una obra a partir de tres lienzos. [1] Por ejemplo, Michael Plante dijo que, la mayoría de las veces, las piezas de múltiples paneles de Kelly eran estrechas debido a las restricciones de instalación, lo que reducía la interacción entre las piezas y la arquitectura de la sala. [13]
Kelly finalmente se mudó de Coenties Slip , donde a veces había compartido un estudio con su compañera artista y amiga Agnes Martin , al noveno piso del estudio/cooperativa de gran altura Hotel des Artistes en 27 West 67th Street. [14]
Kelly dejó la ciudad de Nueva York para ir a Spencertown en 1970 y se unió allí su socio, el fotógrafo Jack Shear, en 1984. [15] Desde 2001 hasta su muerte, Kelly trabajó en un estudio de 20.000 pies cuadrados en Spencertown reconfigurado y ampliado por el arquitecto Richard Gluckman ; el estudio original había sido diseñado por los arquitectos Werner Feibes y James Schmitt, con sede en Schenectady, a cambio de una pintura específica del sitio que Kelly creó para ellos. [16] Kelly y Shear se mudaron en 2005 a la residencia que compartieron hasta la muerte del pintor, una casa colonial revestida de madera construida alrededor de 1815. [15] Shear se desempeña como director de la Fundación Ellsworth Kelly. [11] En 2015, Kelly donó su concepto de diseño de edificio para un sitio de contemplación al Museo de Arte Blanton de la Universidad de Texas en Austin. Titulado Austin , el edificio de piedra de 250 metros cuadrados (que cuenta con ventanas de vidrio de colores, una escultura totémica de madera y paneles de mármol blanco y negro) es el único edificio que Kelly diseñó y es su obra más monumental. [17] Austin , que Kelly diseñó treinta años antes, se inauguró en febrero de 2018. [18]
Kelly murió en Spencertown, Nueva York, el 27 de diciembre de 2015, a los 92 años. [19]
Mientras estaba en París, Kelly había seguido pintando la figura, pero en mayo de 1949, hizo sus primeras pinturas abstractas. [2] Observando cómo la luz se dispersaba en la superficie del agua, pintó Seine (1950), hecha de rectángulos blancos y negros dispuestos al azar. En 1951 comenzó una serie de ocho collages titulada Spectrum Colors Arranged by Chance I to VIII . La creó utilizando tiras de papel numeradas; cada una se refería a un color, uno de los dieciocho tonos diferentes que se colocarían en una cuadrícula de 40 pulgadas por 40 pulgadas. Cada uno de los ocho collages empleó un proceso diferente. [20]
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El descubrimiento por parte de Kelly en 1952 de la obra tardía de Monet le infundió una nueva libertad de expresión pictórica: comenzó a trabajar en formatos extremadamente grandes y exploró los conceptos de serialidad y pinturas monocromas. [21] Como pintor, trabajó a partir de entonces en un modo exclusivamente abstracto. A finales de la década de 1950, su pintura enfatizaba la forma y las masas planas (a menudo asumiendo formatos no rectilíneos). Su obra de este período también proporcionó un puente útil entre la abstracción geométrica estadounidense de vanguardia de la década de 1930 y principios de la de 1940 hasta el minimalismo y el arte reduccionista de mediados de la década de 1960 y la de 1970. [2] La pintura en relieve de Kelly Blue Tablet (1962), por ejemplo, se incluyó en la seminal exposición de 1963, Toward a New Abstraction , en el Museo Judío . [22]
Durante la década de 1960 comenzó a trabajar con lienzos de ángulos irregulares. Yellow Piece (1966), el primer lienzo con formas del artista, representa la ruptura fundamental de Kelly con el soporte rectangular y su redefinición de la relación figura/fondo de la pintura. Con sus esquinas curvas y un color único que lo abarca todo, el lienzo en sí se convierte en la composición, transformando la pared detrás de él en el fondo del cuadro. [23]
En la década de 1970 añadió formas curvas a su repertorio. [21] Green White (1968) marca la aparición debut del triángulo en la obra de Kelly, una forma que aparece de manera recurrente a lo largo de su carrera; la pintura está compuesta por dos lienzos monocromáticos distintos y con forma, que se instalan uno sobre el otro: un trapezoide verde invertido de gran escala se coloca verticalmente sobre un triángulo blanco más pequeño, formando una nueva composición geométrica. [24]
Después de dejar la ciudad de Nueva York para ir a Spencertown en 1970, alquiló un antiguo teatro en la cercana ciudad de Chatham, lo que le permitió trabajar en un estudio más espacioso que cualquiera de los que había ocupado anteriormente. Después de trabajar allí durante un año, Kelly se embarcó en una serie de 14 pinturas que se convertirían en la Serie Chatham . Cada obra tiene la forma de un codo invertido y está hecha de dos lienzos unidos, cada lienzo es un monocromo de un color diferente. Las obras varían en proporción y paleta de una a otra; se prestó especial atención al tamaño de cada panel y al color seleccionado para lograr el equilibrio y el contraste entre los dos. [25]
Gray , una serie más grande de doce obras que Kelly comenzó en 1972 y no completó hasta 1983, fue concebida originalmente como una declaración contra la guerra y está desprovista de color. [26] En 1979 utilizó curvas en pinturas de dos colores hechas de paneles separados. [2]
En pinturas posteriores, Kelly destiló su paleta e introdujo nuevas formas. En cada obra, comenzó con un lienzo rectangular que pintó cuidadosamente con muchas capas de pintura blanca; sobre él colocó un lienzo moldeado, pintado mayormente de negro. [27]
En una entrevista de 1996, Kelly dijo lo siguiente sobre su propia obra: "Creo que lo que todos queremos del arte es una sensación de fijeza, una sensación de oposición al caos de la vida cotidiana. Es una ilusión, por supuesto. El lienzo se pudre. La pintura cambia de color. Pero uno sigue intentando congelar el mundo como si pudiera hacerlo durar para siempre. En cierto sentido, lo que he intentado capturar es la realidad del cambio, mantener el arte como una situación abierta e incompleta, para llegar al éxtasis de ver". [28]
Kelly comentó: "Me di cuenta de que no quería componer imágenes... quería encontrarlas. Sentí que mi visión consistía en elegir cosas que había en el mundo y presentarlas. Para mí, la investigación de la percepción era de gran interés. Había tanto que ver, y todo me parecía fantástico". [28]
Kelly presentó dibujos de plantas y flores desde finales de la década de 1940 en adelante. [29] Ailanthus (1948) es el primer dibujo de planta que ejecutó en Boston, Hyacinth (1949) fue el primero que hizo cuando estaba en París. [30] A partir de 1949, mientras vivía en París (e influenciado en esta elección de tema por Henri Matisse y Jean Arp ) comenzó a dibujar formas simples de plantas y algas. [31] Los estudios de plantas son, en su mayor parte, dibujos de contornos de hojas, tallos y flores hechos con trazos limpios de lápiz o bolígrafo y centrados en la página. [32]
Se dedicó al grabado de manera concertada a mediados de la década de 1960, cuando produjo su Suite of Twenty-Seven Lithographs (1964-66) con Maeght Éditeur en París. Fue entonces cuando creó su primer grupo de litografías de plantas. [31] A partir de 1970 colaboró principalmente con Gemini GEL Su serie inicial de 28 litografías de transferencia, titulada Suite of Plant Lithographs , marcó el comienzo de un corpus que crecería hasta 72 grabados e innumerables dibujos de follaje. [33] En 1971, completó cuatro ediciones de grabados y una edición de los múltiples Mirrored Concorde en Gemini GEL [34] Su Purple/Red/Gray/Orange (1988), de dieciocho pies de largo, puede ser la litografía de una sola hoja más grande jamás realizada. [35] Sus ediciones recientes, The River , States of the River y River II , reflejan la fascinación que Kelly sentía por el agua desde sus primeros días en París. [36] En 1975, Kelly fue el primer artista en exponer en la serie MATRIX del Museo de Arte Wadsworth Atheneum. La exposición mostraba la serie de dibujos Corn Stalk de Kelly y dos de sus esculturas de acero corten de 1974. [37]
Aunque Kelly es más conocido por sus pinturas, también trabajó en esculturas a lo largo de su carrera. En 1958, Kelly concibió una de sus primeras esculturas de madera, Concorde Relief I (1958), un relieve de pared de escala modesta en olmo, que explora el juego visual y el equilibrio entre dos formas rectangulares superpuestas, la superior con sus esquinas superior derecha e inferior izquierda eliminadas. Hizo 30 esculturas en madera a lo largo de su carrera. [38] A partir de 1959, creó esculturas plegadas independientes. [39] La serie Rocker comenzó en 1959 después de la conversación casual de Kelly con Agnes Martin , que vivía debajo de él en Coenties Slip en el Bajo Manhattan. Jugando con la parte superior de papel de una taza de café para llevar, Kelly cortó y dobló una sección del objeto redondo, que luego puso sobre la mesa y se balanceó hacia adelante y hacia atrás. Poco después, construyó su primera escultura en bulto redondo, Pony . El título se refiere a un caballo de juguete para niños con soportes de balancín curvos. [40]
En 1973, Kelly comenzó a realizar regularmente esculturas de gran escala al aire libre. Kelly abandonó las superficies pintadas y eligió en su lugar acero, aluminio o bronce sin barnizar, [41] a menudo en configuraciones de tipo tótem como Curve XXIII (1981). Mientras que las formas totémicas de sus esculturas independientes pueden medir hasta 15 pies de alto, sus relieves de pared pueden abarcar más de 14 pies de ancho. [38] La escultura de Kelly "se basa en su adhesión a la simplicidad absoluta y la claridad de la forma". [42] Para sus esculturas de la década de 1980, durante este período de su estancia en Spencertown, el artista dedicó por primera vez tanta energía a sus esculturas como a su pintura, y en el proceso produjo más del sesenta por ciento de sus 140 esculturas totales. [40] Kelly creó sus piezas utilizando una sucesión de ideas en varias formas. Podría haber comenzado con un dibujo, mejorar el dibujo para crear una impresión, tomar la impresión y crear una pieza independiente, que luego se convirtió en una escultura. Sus esculturas están pensadas para ser completamente simples y pueden verse rápidamente, a menudo de un solo vistazo. El espectador observa superficies lisas y planas que están aisladas del espacio que las rodea. Esta sensación de planitud y minimalismo hace que sea difícil distinguir entre el primer plano y el fondo. [42] El Disco Azul de Kelly se incluyó en la exposición seminal de 1966 en el Museo Judío de Nueva York titulada Estructuras Primarias , junto con muchos artistas mucho más jóvenes que recién comenzaban a trabajar con formas mínimas. [ cita requerida ]
William Rubin señaló que "el desarrollo de Kelly había sido decididamente dirigido hacia el interior: ni una reacción al expresionismo abstracto ni el resultado de un diálogo con sus contemporáneos". [43] Muchas de sus pinturas consisten en un solo color (generalmente brillante), y algunos lienzos tienen una forma irregular, a veces llamados " lienzos con formas ". La calidad de la línea que se ve en sus pinturas y en la forma de sus lienzos con formas es muy sutil e implica perfección. Esto se demuestra en su pieza Block Island Study (1959). [ cita requerida ]
Se ha sugerido que la experiencia militar de Kelly fue una de las causas de la seriedad de sus obras. [1] Mientras estuvo en el ejército, Kelly conoció y se vio influenciado por el camuflaje con el que trabajaba su batallón específico. Esto le enseñó el uso de la forma y la sombra, así como la construcción y deconstrucción de lo visible. Fue fundamental para su educación temprana como artista. Ralph Coburn, un amigo de Kelly de Boston, le presentó la técnica del dibujo automático durante una visita a París. Kelly adoptó esta técnica de hacer una imagen sin mirar la hoja de papel. Estas técnicas ayudaron a Kelly a relajar su estilo de dibujo y ampliaron su aceptación de lo que él creía que era arte. [1] Durante su último año en París, Kelly estuvo enfermo y también sufrió depresión; Sims pensó que eso influyó en su uso predominante del blanco y negro durante ese período. [42]
La admiración de Kelly por Henri Matisse y Pablo Picasso se hace patente en su obra. Se entrenó para ver las cosas de diversas maneras y trabajar en diferentes medios debido a su inspiración. [7] Piet Mondrian influyó en las formas no objetivas que utilizó tanto en sus pinturas como en sus esculturas. [7] Kelly se vio influenciado por primera vez por el arte y la arquitectura de las épocas románica y bizantina mientras estudiaba en París. Su introducción al surrealismo y al neoplasticismo influyó en su obra y lo llevó a probar la abstracción de las formas geométricas. [7]
En 2014, Kelly organizó una muestra de dibujos de Matisse en el Museo de Arte del Mount Holyoke College en South Hadley, Massachusetts . [44] En 2015, fue comisario de "Monet/Kelly" en el Clark Art Institute . [45]
En 1990, Kelly dirigió la exposición "La elección del artista: La fragmentación de Ellsworth Kelly y la forma única", en el Museo de Arte Moderno.
En 1956 conoció a Robert Indiana, que se mudaba al mismo edificio, y se hicieron socios. Kelly se convirtió en su mentor. Se separaron alrededor de 1964. Una de las razones fue el uso de palabras por parte de Indiana en sus pinturas y Kelly consideró que esa técnica no era digna del arte elevado. [46]
Desde 1984 hasta su muerte, Kelly vivió con su marido, el fotógrafo Jack Shear, quien se desempeña como director de la Fundación Ellsworth Kelly. [47] [48] [49]
La primera exposición individual de Kelly se realizó en la Galerie Arnaud, París, en 1951. Su primera muestra individual en Nueva York se realizó en la Betty Parsons Gallery en 1956. En 1957, mostró obras en una exposición colectiva en la Ferus Gallery , Los Ángeles. [51] En 1959 fue incluido en la innovadora exposición del Museo de Arte Moderno , Sixteen Americans. [52] Kelly fue invitado a exponer en la Bienal de São Paulo en 1961. Su trabajo fue incluido más tarde en la documenta en 1964, 1968, 1977, 1992. Una sala de sus pinturas fue incluida en la Bienal de Venecia de 2007 .
La primera retrospectiva de Kelly se realizó en el Museo de Arte Moderno en 1973. Desde entonces, su trabajo ha sido reconocido en numerosas exposiciones retrospectivas, incluida una exposición de esculturas en el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York en 1982; una exposición de obras en papel y una muestra de sus obras impresas que viajaron extensamente por los Estados Unidos y Canadá entre 1987 y 1988; y una retrospectiva de su carrera en 1996 organizada por el Museo Solomon R. Guggenheim , que viajó al Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, la Tate Gallery de Londres y la Haus der Kunst de Múnich. Desde entonces, se han montado exposiciones individuales de la obra de Kelly en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (1998), el Museo de Arte Fogg de Cambridge (1999), el Museo de Arte Moderno de San Francisco (1988/2002), el Museo de Arte de Filadelfia (2007) y el Museo de Arte Moderno de Nueva York (2007). [53]
En 1993, la Galerie nationale du Jeu de Paume de París montó la exposición «Ellsworth Kelly: The French Years, 1948–54», basada en la relación del artista con la ciudad, que viajó a la National Gallery of Art de Washington DC; en 2008, el Musée d'Orsay honró a Kelly con la exposición «Correspondences: Paul Cézanne Ellsworth Kelly». [54] La Haus der Kunst exhibió la primera retrospectiva integral de las obras en blanco y negro de Kelly en 2012. [55]
Con motivo del 90º cumpleaños del artista en 2013, la Galería Nacional de Arte de Washington montó una exposición de sus grabados; la Fundación Barnes de Filadelfia reunió cinco esculturas en una muestra; la Colección Phillips de Washington exhibió sus pinturas sobre panel; y el Museo de Arte Moderno inauguró una muestra de la "Serie Chatham". [56]
El trabajo de Kelly fue adquirido por el Pérez Art Museum Miami, Florida, a través de una gran donación del Holding Capital Group, y exhibido como parte de Beyond the Limited Life of Painting: Prints and Multiples from the Holding Capital Group Collection , en 2014 y 2015. En 2024, PAMM volverá a incluir el trabajo de Kelly en Every Sound Is a Shape of Time: Selections from PAMM's Collection . [57] [58] [59]
En 2023, el Museo Glenstone de Potomac (Maryland) organizó una retrospectiva titulada «Ellsworth Kelly a los 100 años» y tenía previsto viajar a París y Doha . [60]
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En 1957, Kelly recibió el encargo de producir una escultura mural de 65 pies de largo para el Transportation Building del Penn Center en Filadelfia, su obra más grande hasta esa fecha. En gran parte olvidada, la escultura titulada Sculpture for a Large Wall (1957) finalmente fue desmantelada. Desde entonces, Kelly ha ejecutado muchos encargos públicos, entre ellos Wright Curve (1966), una escultura de acero diseñada para su instalación permanente en el Teatro Peter B. Lewis del Guggenheim; [61] un mural para la sede de la UNESCO en París en 1969; Curve XXII (I Will) en Lincoln Park en Chicago en 1981; un encargo de 1985 de IM Pei para el edificio Raffles City en Singapur; el Houston Triptych , planos verticales de bronce montados sobre un hormigón alto en el Museo de Bellas Artes de Houston , en 1986; Totem (1987), una escultura para el Parc de la Creueta del Coll , Barcelona; los Paneles de Dallas (Azul Verde Negro Rojo) (1989) para el Centro Sinfónico Morton H. Meyerson , Dallas; [62] una escultura de 1989 para la sede de Nestlé en Vevey , Suiza; [34] Gaul (1993), una escultura monumental encargada por el Institute d'Art Contemporain, Nîmes, Francia; un monumento en dos partes para el Museo Conmemorativo del Holocausto de los Estados Unidos , Washington, DC, en 1993; y paneles de Berlín a gran escala para el Deutscher Bundestag , Berlín, en 1998. Para el Palacio de Justicia de los Estados Unidos John Joseph Moakley (diseñado por Henry N. Cobb ) en Boston diseñó The Boston Panels, 21 paneles de aluminio de colores brillantes instalados en la rotonda central como una sola obra en todo el edificio. [63]
En 2013, Ellsworth Kelly recibió el encargo de realizar la obra "Spectrum VIII" (finalizada en 2014), una pintura de gran formato de varios paneles que sirve de telón para el Auditorio diseñado por Frank Gehry en la Fundación Louis Vuitton de París. Véase "Ellsworth Kelly", Francesca Pietropaolo ed., Cahiers de la Fondation, n.º 1, (París: Fondation Louis Vuitton, 2014).
La obra de dos paneles Blue Black (2001) de Kelly, de 8,5 metros de alto y hecha de aluminio en forma de panal pintado, fue encargada para la Pulitzer Arts Foundation , St. Louis, [64] y el bronce a gran escala Untitled (2005) fue encargado específicamente para el patio de la Phillips Collection . [65] En 2005, Kelly recibió el encargo de Renzo Piano de la única obra específica para el ala moderna del Art Institute of Chicago . Creó White Curve, la escultura de pared más grande que ha realizado, que se exhibe desde 2009. [66] Kelly instaló Berlin Totem , una escultura de acero inoxidable de 12 metros, en el patio de la Embajada de los Estados Unidos en Berlín , en 2008. [67]
En 1986, Kelly concibió su primer edificio independiente para un coleccionista privado, pero nunca se realizó. Recién en 2015, el Museo de Arte Blanton adquirió su diseño para un edificio de piedra de 250 metros cuadrados, que incluye 14 paneles de mármol blanco y negro y ventanas de vidrio de colores, y planeó construirlo en los terrenos del museo en la Universidad de Texas, Austin . [68] El edificio se abrió al público el 18 de febrero de 2018. Austin , una obra de arte y arquitectura, se considera la culminación de la carrera de Kelly. [69]
En 1968, Kelly recibió el encargo de crear una gran escultura al aire libre para la Colección de Arte Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza en Albany, Nueva York. La escultura titulada Yellow Blue se inspiró en el entorno de la Empire State Plaza y es la escultura de pie más grande de Kelly, con nueve pies de alto y casi dieciséis pies de ancho. Yellow Blue fue su primera escultura de acero y sigue siendo la única hasta la fecha en acero pintado. [70]
En 1957, el Museo Whitney de Arte Americano compró una pintura, Atlantic , que mostraba dos arcos blancos en forma de ondas contra un fondo negro sólido; fue la primera compra de Kelly en un museo. [71] Hoy en día, su trabajo se encuentra en muchas colecciones públicas, incluidas las del Centro Pompidou , París, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid, la Governor Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection , Albany, NY, The Hyde Collection , Glens Falls, NY, y Tate Modern , Londres. En 1999, el Museo de Arte Moderno de San Francisco anunció que había comprado 22 obras, pinturas, relieves de pared y esculturas, de Ellsworth Kelly. Han sido valoradas en más de $ 20 millones. [72] En 2003, la Colección Menil recibió Kelly's Tablet, 188 obras enmarcadas en papel, incluidos bocetos, dibujos de trabajo y collages. [73] Entre los coleccionistas privados notables se incluyen Eli Broad y Gwyneth Paltrow . [14]
Kelly también ha recibido numerosos títulos honorarios, entre otros, del Bard College (1996), Annandale-on-Hudson, Nueva York; [76] Royal College of Art , Londres (1997); [34] Harvard University , Cambridge (2003); y Williams College (2005). [77]
El Servicio Postal de los Estados Unidos anunció en enero de 2019 que se emitiría una serie de sellos en honor a la obra de arte de Kelly en 2019. El comunicado de prensa del USPS reconoce el carácter pionero de Kelly de un "estilo distintivo de abstracción basado en elementos reales reducidos a sus formas esenciales". Están representadas diez obras, entre ellas Yellow White, Colors for a Large Wall, Blue Red Rocker, Spectrum I, South Ferry, Blue Green, Orange Red Relief (for Delphine Seyrig), Meschers, Red Blue y Gaza. [78] [79] La serie de sellos se emitió el 31 de mayo de 2019. [80]
La marchante Betty Parsons le ofreció por primera vez una exposición individual en 1956. En 1965, después de casi una década con Parsons, comenzó a exponer con la Sidney Janis Gallery . [71] En las décadas de 1970 y 1980, su trabajo fue manejado conjuntamente por Leo Castelli y Blum Helman en Nueva York. [71] En 1992, se unió a la Matthew Marks Gallery , Nueva York y Los Ángeles, y a la Anthony d'Offay Gallery en Londres. La fachada de la galería de Marks en Los Ángeles se inspiró en Study for Black and White Panels , un collage que hizo mientras vivía en París en 1954, y una pintura, Black Over White . [81] A partir de 1964 produjo grabados y esculturas editadas en Gemini GEL en Los Ángeles y Tyler Graphics Ltd cerca de la ciudad de Nueva York.
En 2014, la pintura de Kelly Curva roja (1982) se vendió en una subasta por 4,5 millones de dólares en Christie's Nueva York. [82] Ese récord de subasta para una obra de Ellsworth Kelly lo estableció la pintura de 13 partes Spectrum VI (1969), que se vendió por 5,2 millones de dólares en la venta de arte contemporáneo de Sotheby's Nueva York, el 14 de noviembre de 2007. [83]
En noviembre de 2019, Christie's estableció un récord de subasta para el artista con la obra Red Curve VII , vendida por $ 9,8 millones. [84]
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