Antonio del Pollaiuolo ( Reino Unido : / ˌpɒlaɪˈwoʊloʊ / POL - eye - WOH - loh , [ 1] Estados Unidos : / ˌpʊl- / POHL- , [2] italiano: [anˈtɔːnjo del pollaˈjwɔːlo] ; 17 de enero de 1429/1433 - 4 de febrero de 1498), también conocido como Antonio di Jacopo Pollaiuolo o Antonio Pollaiuolo (también escrito Pollaiolo ), fue un pintor , escultor , grabador y orfebre renacentista italiano , que realizó importantes obras en todos estos medios, además de diseñar obras en otros, por ejemplo vestimentas , siendo el bordado en metal un medio en el que trabajó al comienzo de su carrera.
Sus obras más características en sus principales medios muestran figuras masculinas en gran parte desnudas en poses complicadas de acción violenta, inspiradas en ejemplos clásicos y a menudo centradas en un Hércules heroico . Él, o posiblemente su hermano, también fue un pintor innovador de amplios fondos paisajísticos, tal vez habiendo aprendido de la pintura neerlandesa temprana . [3] Sus dos tumbas papales fueron los únicos monumentos que sobrevivieron a la demolición de la antigua Basílica de San Pedro en el siglo siguiente y se reconstruyeron en la actual Basílica de San Pedro . [4]
Trabajó muy a menudo en colaboración con su hermano menor Piero del Pollaiuolo ( c. 1443-1496 ), y distinguir sus contribuciones para satisfacer las ideas modernas de autoría ha resultado excepcionalmente difícil, por lo que muchas pinturas se describen simplemente como de los hermanos Pollaiuolo . [5] Los contemporáneos, y Giorgio Vasari , vieron a Antonio como el más talentoso y responsable del diseño y la pintura principal de la mayoría de las obras, [6] pero en las últimas décadas la reputación de Piero se ha fortalecido un poco, y ahora se le otorga la autoría exclusiva de, por ejemplo, el pequeño Apolo y Dafne (1470-1480) por su propietario, la Galería Nacional . [7] Al mismo tiempo, las referencias contemporáneas en las listas de artistas principales, de las que hay varias, en su mayoría mencionan a los hermanos juntos, [8] y las Vidas de los artistas de Vasari los tratan en una sola vida .
Según Kenneth Clark , dos factores han reducido su prominencia en la visión moderna del arte del Quattrocento : la pérdida de sus enormes pinturas de algunos de los Trabajos de Hércules y "un nombre que parece difícil de pronunciar". En su propia época, y durante varias décadas después, se reconoció su "verdadera posición" como "una de las fuerzas originales en la historia del arte europeo". [9]
En los últimos años ha habido una tendencia entre los historiadores del arte a aumentar el crédito que se le da a Piero por las pinturas, liderada por Aldo Galli, cuyo Antonio y Piero Del Pollaiuolo: Plata y oro, pintura y bronce (2014) asigna la pintura real de muchas obras a Piero que durante mucho tiempo se habían atribuido a Antonio, o a ambos hermanos. Galli solo atribuye a Antonio las versiones reducidas de los dos trabajos de Hércules (Uffizi), el fresco Desnudos danzantes y un retablo temprano con la Elevación de la Magdalena . [10] Al menos uno de los hermanos estuvo influenciado por el estilo paisajístico de la pintura neerlandesa temprana , y la escuela revisionista cree que este fue Piero. Las atribuciones de obras de escultura y otros medios no se ven afectadas.
Vasari inició la tradición de destacar la contribución de Antonio en lugar de la de Piero a las pinturas, que pasó en gran medida sin cuestionarse hasta el siglo XX, [11] a pesar de las sospechas de historiadores del arte como Martin Davies , director de la National Gallery . [12] En el siglo XXI se ha planteado un desafío total y parcialmente exitoso, y algunas atribuciones cambiaron por parte de los museos propietarios. Este artículo presenta las atribuciones tradicionales, o sigue a los museos propietarios, a veces notando cambios en los últimos años.
Nació en Florencia . Los hermanos tomaron el apodo de pollaiuolo (que significa "pollero") del oficio de su padre Jacopo, que vendía aves de corral, pollaio . [13] Este era un negocio de lujo en ese momento, y era poco probable que los cuatro hijos de Jacopo encontraran un lugar para hacer carrera en él. Según Benedetto Dei , el "embajador fanático" contemporáneo de la vida florentina, en Florencia había solo 8 proveedores de aves de corral en 1472, pero 44 talleres de orfebrería . [14]
Antonio era el hijo mayor; los dos hermanos del medio se dedicaron a la cría de aves de corral (que acabaron heredando) y a la orfebrería, respectivamente. El hermano menor, Piero, también era artista, aparentemente sólo en pintura, y él y Antonio trabajaban juntos con mucha frecuencia, aunque sus talleres estaban físicamente "separados pero mutuamente accesibles". [15] Su trabajo muestra tanto influencias clásicas como un interés por la anatomía humana ; al parecer, los hermanos realizaban disecciones para mejorar su conocimiento del tema. De ser así, estas serían "una de las primeras incursiones del Renacimiento en la investigación anatómica". [16]
El primer oficio de Antonio fue el de orfebre y metalista. Aunque probablemente no exista documentación al respecto, es posible que sean correctas las declaraciones de muchos de sus contemporáneos, que afirman que se formó en el gran taller de Lorenzo Ghiberti . Esto no se contradice con la posibilidad de que fuera el "Antonio di Jacopo" mencionado en 1457 como "lavorante" de Miliani Dei, hermano gemelo del cronista y perteneciente a una antigua familia de orfebres. [17]
Vasari, cuyo relato de la «formación temprana» de los hermanos contiene una serie de inverosimilitudes, [18] dice que, tras haber decidido pasar de la orfebrería a la pintura, su hermano le dio sus primeras lecciones. Piero era unos diez años más joven, pero se había formado como pintor desde el principio. [19] Sin embargo, esto parece poco probable; Andrea del Castagno ejerció una gran influencia sobre él, y es posible que se formara con él, como pudo haberlo hecho Piero, o posiblemente Domenico Veneziano . [20]
En 1459 Antonio ya tenía su propio taller, como orfebre y pintor, y más tarde se dedicó a la escultura y al grabado. [21] En 1464 firmó un contrato de arrendamiento de un local bien situado, en la Via Vaccherrechia, frente al Palazzo Vecchio . Había sido utilizado anteriormente por otro orfebre, por lo que estaba dispuesto de forma adecuada; el contrato de arrendamiento se renovó periódicamente hasta 1493. [22] En los años siguientes se contrataron aprendices. [23]
Entró en el gremio de los trabajadores de la seda en 1466 y se casó con su primera esposa (de dieciocho años) en 1469, con una dote de más de 500 florines de oro. Ese año comenzó a comprar tierras en el campo. [24] En 1472, los dos hermanos y su padre compraron una casa cerca de su hogar familiar en la ciudad, dividiéndola en tres unidades, aparentemente para alquilar. [25]
Durante más de veinte años tuvo una exitosa carrera en Florencia, rara vez abandonando el territorio de la República de Florencia , y en 1489 Jacopo Lanfredini lo describió como el mejor artista de la ciudad (este elogio a menudo se atribuye erróneamente a Lorenzo de' Medici ). [26] Pero para entonces un encargo para una tumba papal, la del Papa Sixto IV , San Pedro , lo había llevado a Roma en 1484, o quizás un poco antes. [27] A partir de entonces, ambos hermanos parecen haber pasado la mayor parte de su tiempo en Roma, pero regresando a Florencia a veces. [28]
Cuando terminó la primera tumba, en 1493, el siguiente papa ya había muerto, y se quedó en Roma para hacer también su tumba. Después de una última visita a Florencia en 1496, para dar los últimos toques a la obra ya iniciada en la sacristía del Santo Spirito , murió en Roma en 1498 como un hombre rico, habiendo acabado su tumba del papa Inocencio VIII , también en San Pedro. Fue enterrado en la iglesia de San Pietro in Vincoli , donde se erigió un monumento conjunto a él y a su hermano, que había muerto en Roma dos años antes. [29]
Su marcha a Roma significó que en sus últimos años evitó el deprimente colapso de la "Edad de Oro" florentina tras la muerte de Lorenzo de' Medici en 1492, la ocupación francesa en 1494 , seguida por el breve liderazgo de Savonarola y la continua inestabilidad política y amenazas militares. [30]
Tuvo dos hijas pero ningún hijo, aunque un sobrino (nacido en 1472) trabajó con él; lo último que se supo de él fue que Miguel Ángel lo rechazó para trabajar en la Tumba del Papa Julio II en 1507. Hubo un litigio en Florencia sobre los bienes que dejó Antonio, en el que su viuda prestó testimonio en 1511. [31]
La datación de su obra (antes de su viaje a Roma) es en su mayor parte incierta, y gran parte de su pintura, especialmente las piezas de mayor tamaño, fue aparentemente realizada junto con su hermano. Existe un acuerdo general en que un grupo de pinturas son relativamente tempranas, anteriores a 1466 aproximadamente. Los contemporáneos valoraban la obra de Antonio mucho más que la de Piero, especialmente en lo que respecta a su disegno o dibujo, del que Antonio fue quizás generalmente responsable. [32]
Fue un pintor importante que retrató temas de la mitología clásica, especialmente aquellos que presentaban a Hércules , pero los ejemplos sobrevivientes de estos son pequeñas pinturas para casas privadas. Tanto sus pinturas bíblicas como mitológicas sobresalen en la representación de la acción, con un "aire feroz" que era inusual para la época. [33] Estos temas se habían pintado anteriormente en una escala similar para baúles cassone , pero los de Pollaiuolo parecen haber sido siempre concebidos como imágenes enmarcadas.
Sus Hércules y la Hidra (c. 1475) y Hércules y Anteo (c. 1478), ambos actualmente en los Uffizi , son aparentemente versiones en miniatura de dos de las tres pinturas de gran tamaño de los Trabajos de Hércules que hizo para la Sala Grande del Palacio Medici , una gran sala diseñada para impresionar a los visitantes. Eran de 6 braccia cuadradas o de alto (unos 3,5 metros), sobre tela, por lo que las figuras superaban el tamaño natural; Hércules y el león de Nemea fue la tercera. [34] Durante unos cincuenta años después de su finalización, estas "fueron unas de las obras más famosas e influyentes de su tiempo", pero ahora están perdidas, "como casi todos los lienzos de la fecha". [35]
Estas pinturas fueron realizadas alrededor de 1460, al comienzo de su carrera independiente, y debieron anunciar en voz alta su llegada como pintor a Florencia y más allá. Tal vez fueron encargadas por Piero di Cosimo de' Medici en lugar de su padre, y estaban hechas sobre tela, algo relativamente inusual en Florencia en esa fecha. [36]
Otro cuadro temprano, probablemente de mediados de la década de 1460, es su David con la cabeza de Goliat , hoy en Berlín. A diferencia de los David más famosos de la época, de Donatello (tanto en mármol como en bronce), Verrocchio o Miguel Ángel , este carece de cualquier evidencia documental que lo vincule con el gobierno florentino o la familia Medici . David está completamente vestido y bastante ricamente, con forros de armiño , y parece más un patricio florentino que un joven pastor. Con 46,2 cm (18,1 pulgadas) x 34 cm (13,3 pulgadas), presumiblemente estaba destinado a un entorno doméstico. [37]
Se conoce por una copia la composición de un estandarte, documentado pero hoy perdido, del Arcángel Miguel en combate con el diablo en forma de dragón o serpiente, que Vasari describe con entusiasmo. Fue realizado para una cofradía de Arezzo , la ciudad natal del biógrafo. [38]
Su Martirio de San Sebastián , realizado con su hermano, pero probablemente dibujado por Antonio, fue pintado entre 1473 y 1475 para la Capilla Pucci de la SS. Annunziata . Es su obra más grande y ambiciosa que se conserva, "un hito en el arte renacentista", como la primera pintura a gran escala donde la composición está dictada por las acciones de las figuras. Las seis grandes figuras de soldados en primer plano están emparejadas en tres poses, pero vistas desde diferentes ángulos. Este tiene el mayor de los fondos de paisajes panorámicos, con un río que serpentea a través, que aparecen en varias pinturas. [39]
Un friso fresco de figuras desnudas bailando, en una villa cerca de Florencia, quizás de la década de 1470, está en muy malas condiciones, pero muestra el mismo interés en poses corporales extremas que las obras mencionadas anteriormente, pero esta vez con un espíritu de alegría. [40] Esto fue para la familia Lanfredini, aliados cercanos de los Medici que parecen haber sido importantes mecenas tempranos de Antonio, dispuestos a presionar a otros para obtener los pagos que se le debían. [41]
Hay varios retratos bastante similares de mujeres jóvenes, de perfil, de cabeza y hombros, atribuidos a uno de los hermanos o a su taller. [42]
A menudo utilizó una técnica poco ortodoxa en sus pinturas sobre tabla , aplicando la pintura directamente sobre la madera, sin la base habitual de yeso . Esto puede ser responsable de las pérdidas de pintura que han sufrido algunos paneles. [43] Su principal contribución a la pintura florentina radica en su análisis del cuerpo humano en movimiento o en condiciones de tensión, pero también es importante por su habilidad pionera en representar fondos de paisajes amplios. [44]
En la Italia del siglo XV no era raro encontrar artistas que fueran a la vez pintores y escultores; Andrea del Verrocchio es un ejemplo casi contemporáneo en Florencia, con un patrón de carrera similar, comenzando como orfebre, luego trabajando para los Medici y finalmente abandonando la ciudad en 1483. Los gremios florentinos eran más flexibles en este aspecto que los de muchas ciudades. [45]
Su hermano Piero no era escultor, [46] eliminando los problemas de atribución que afectan a las pinturas. Como escultor, Antonio y su taller trabajaron en bronce, plata, terracota , yeso y madera, pero aparentemente nunca en piedra. [47] Ambas tumbas papales tienen efigies de bronce, y un encargo temprano muy importante fue las partes inferiores de un crucifijo de plata para el altar mayor del Baptisterio de Florencia , [48] y relieves posteriores para el altar. También produjo un gran crucifijo con el cuerpo en corcho pintado, [49] y un escudo de desfile con un relieve de Milón de Crotona en yeso dorado (Louvre).
Un relieve de estuco con figuras de tamaño superior al natural de Hércules y Caco en combate en una pared del patio del Palacio Guicciardini en Florencia fue publicado por primera vez como obra de un seguidor de Antonio, una derivación de un diseño suyo, y "desde entonces muy pocos eruditos han mostrado interés en él"; Aldo Galli y algunos otros creen que es una obra original de Antonio, de alrededor de 1465. [50]
Fue uno de los escultores que desarrolló el género del "bronce de mesa" o pequeña figura de bronce para los palacios de los ricos. Al menos tres de sus esculturas eran de Hércules, que también aparece en varias de sus pinturas. Dos pequeños bronces de Hércules , ahora en el Museo Bode de Berlín y la Colección Frick de Nueva York, muestran al héroe de pie en una pose de descanso, [51] pero otro muestra la lucha entre Hércules y Anteo y "rompió todas las reglas de la escultura" al permitir "la libertad de las figuras para moverse en cualquier dirección que sus acciones exigieran". Este perteneció a la familia Medici en el siglo XV. [52]
Dos dibujos supervivientes, uno de ellos propiedad de Vasari y descrito por él, registran su participación en el proyecto largamente planeado pero nunca realizado de una estatua ecuestre en bronce, como monumento a Francesco Sforza, duque de Milán (fallecido en 1466). Primero su viuda, luego su hijo y su sobrino, sucesores de su ducado, hablaron con varios escultores antes de encargar finalmente a Leonardo da Vinci en la década de 1480. Solo se realizó una enorme maqueta de arcilla antes de la invasión francesa de 1494 , durante una fase posterior en la que las tropas francesas la destruyeron. [53]
El trabajo de orfebrería fue probablemente su "actividad principal" durante la mayor parte de su carrera, y quizás su aspecto más rentable, pero, aparte de los grandes encargos eclesiásticos, casi nada claramente atribuible ha sobrevivido, a excepción del crucifijo y las placas del Baptisterio. [54] Esto es normal, ya que las piezas seculares, y muchas otras más pequeñas para iglesias, casi siempre se reciclaron para su conversión en lingotes o para su rehacer durante los siglos siguientes. Debido a su valor, muchas piezas perdidas están documentadas, en contraste con sus pinturas más pequeñas, casi todas sin documentación contemporánea. [55]
Entre los grandes encargos seculares, hoy desaparecidos, se encuentran algunos para el gobierno: en 1472 un cuenco ceremonial de plata que pesaba 32 libras, con una "guirnalda de niños" en relieve en su interior, y en 1472-1473 un "casco de exhibición" ornamental, de plata dorada con esmaltes , y rematado con una figura de Hércules. Este fue un obsequio al condotiero Federigo da Montefeltro , duque de Urbino , a quien los florentinos habían contratado, y la evidencia sugiere que Antonio se lo entregó a Urbino él mismo. [56] En 1480 la Signoria encargó un lavabo de plata. [57]
En 1476 hizo el mango y la funda esmaltados de un "cuchillo de pan", para un ciudadano adinerado, [58] y habría recibido muchos encargos menores de joyería, platos de mesa y pequeños accesorios. Hizo los accesorios de plata dorada, con medallones esmaltados, para la encuadernación del tesoro del "Petrarca de París", una colección de obras de Petrarca encargada por Lorenzo de Médici en 1476 (ahora en París, después de pasar a manos de Carlos VIII de Francia ). Los medallones esmaltados dañados muestran a las Musas tocando instrumentos. [59]
Curiosamente, las dos tumbas de Pollaiuolo fueron los únicos monumentos papales que sobrevivieron a la demolición de la antigua basílica de San Pedro en el siglo siguiente y que se reconstruyeron en la actual basílica de San Pedro ; Vasari se quejó de la indiferencia de Bramante a la hora de preservar otros monumentos. Esto debe deberse en parte a la reputación de Pollaiuolo y a la calidad de su trabajo, pero ambas tumbas también eran inusuales e innovadoras. [60]
El papa Sixto IV había comenzado a planificar su tumba de suelo antes de su muerte en 1484, incluida la construcción de una nueva capilla lateral cerca del altar principal. Cuando se construyó la nueva basílica en el siglo siguiente, se trasladó a la cripta , tal vez porque ocupaba mucho espacio en el suelo. [61] Una efigie yacente en bronce, implacable al mostrar a una persona anciana y con máscara mortuoria , [62] estaba rodeada de bajorrelieves planos , con personificaciones de las "Virtudes teologales y cardinales", y luego figuras de alto relieve más grandes de las Artes liberales en una zona inclinada que conduce a la base, que originalmente era de mármol verde. Estas son altamente clasicistas, aunque "de calidad variable, delatando cierta colaboración". [63] Las artes incluyen "Perspectiva", sosteniendo un astrolabio y una rama de roble para la familia Della Rovere de Sixto . [64]
Las inscripciones incluyen: Opus Antoni Polaioli / Florentini Arg. Auro. / Pict. Aere Clari / An. Do. MCCCCLXXXXIII" , "La obra de Antonio Pollaiuolo de Florencia, famoso en plata, oro, pintura y bronce, 1493 d. C." [65]
Su segunda tumba papal, la del papa Inocencio VIII , tiene dos efigies de bronce, una que muestra al papa muerto y la otra que lo muestra entronizado y haciendo un gesto de bendición. Este fue el primer papa que se mostró vivo en su tumba, aunque se habían utilizado pares de figuras vivas y muertas para otras tumbas. Una figura mostrada en vida se volvería muy común en tumbas papales posteriores. [66] Originalmente, la figura viva era la inferior, pero en 1606 una reorganización invirtió sus posiciones. La figura viva sostiene una representación de la reliquia de la Lanza Sagrada que el sultán turco había dado al papado durante el reinado de Inocencio. [67] Esta, su última obra, originalmente incluía un autorretrato, ahora perdido, probablemente de perfil. [68]
Solo produjo un grabado sobreviviente , la Batalla de los Hombres Desnudos , pero tanto en su tamaño como en su sofisticación llevó la estampa italiana a nuevos niveles, y sigue siendo una de las estampas más famosas del Renacimiento. [69] Produjo un relieve de terracota con una composición diferente de dicha batalla; ambos son mencionados por Vasari, quien dice que hizo otros grabados, pero puede haber sido confundido por copias o versiones de otros. [70]
En la década de 1460 diseñó un conjunto de vestimentas para el Baptisterio de Florencia, un encargo prestigioso, en el que el trabajo fue realizado por especialistas. [71] Todavía le pagaban por el trabajo de diseño de estas vestimentas en 1480. [72]
Sus dibujos fueron elogiados por escritores del siglo XV y, al parecer, fueron recopilados y utilizados como modelos por otros artistas. Más tarde, Vasari dice que poseía algunos, incluidos diseños para una estatua ecuestre ; [73] un dibujo de este tipo sobrevive en Berlín. Los dibujos que ahora se atribuyen a su propia mano son menos de los que solían ser; probablemente menos de veinte. Algunos de ellos son estudios de figuras, otros escenas narrativas, y hay dos diseños, en cada lado de la misma hoja para piezas de metalistería de iglesia que no han sobrevivido. Esta hoja está realmente firmada en ambos lados, al parecer por el propio Antonio, con "Antonio Pollaiuolo horafo". [74]
Antonio no firmó ni fechó sus cuadros; en cambio, Piero firmó un retablo . Sin embargo, Antonio sí incluyó su nombre inscrito en ambas tumbas papales, así como en su único grabado. En estas obras, como era habitual en la época, quiso incluir su "nacionalidad" como ciudadano de la República de Florencia y, a veces, recalcar sus otras habilidades más allá de la escultura. [75]
El grabado está firmado: OPVS ANTONII POLLAIOLI FLORENTINI ("obra de Antonio Pollaiuolo el Florentino") en una placa a la izquierda. [76] Firmar un grabado de forma tan prominente era inusual en este período. [77] La inscripción principal en la tumba del Papa Sixto IV se da arriba; hay dos más breves en otras partes del monumento: ANTONIUS POLLAIOLUS FLORENTINUS y OPUS ANTONII DE FLORENTIA . [78]
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