El sonido de San Francisco se refiere a la música rock interpretada en vivo y grabada por grupos de rock con base en San Francisco desde mediados de los años 1960 hasta principios de los años 1970. Se asoció con la comunidad de contracultura en San Francisco, particularmente el distrito de Haight-Ashbury , durante esos años. [1] San Francisco es una ciudad portuaria orientada hacia el oeste, una ciudad que en ese momento era "lo suficientemente grande" pero no frenética como la ciudad de Nueva York ni tan extendida como Los Ángeles. Por lo tanto, podía albergar una "escena". [2] Según el periodista Ed Vulliamy, "Un núcleo de bandas de Haight Ashbury tocaban entre sí, unas para otras" [3]
Según un locutor de un programa de televisión presentado por Ralph J. Gleason : "En su columna de periódico, Gleason ha sido el principal intérprete de los sonidos que surgen de lo que él llama 'el Liverpool de los Estados Unidos'. Gleason cree que los grupos de rock de San Francisco están haciendo una contribución importante a la historia de la música". [4] Ralph Gleason se convirtió en uno de los fundadores de lo que se convertiría en la revista de fans de la escena del rock, Rolling Stone .
El nuevo sonido, que fusionaba muchas influencias musicales, fue quizás anunciado en las presentaciones en vivo de Jefferson Airplane (a partir de 1965), quienes lanzaron un disco LP antes que casi todas las otras bandas nuevas (agosto de 1966). [5] Según el escritor Douglas Brinkley, el célebre autor Hunter S. Thompson , uno de los impulsores de la escena cultural del Área de la Bahía, fue un gran fanático del grupo desde el principio: "Thompson elogió la energía sónica de Jefferson Airplane mientras latía por los lugares de California que alimentaban la era psicodélica..." [6]
El predecesor bohemio de la cultura hippie en San Francisco fue el estilo de cafeterías y bares de la " generación beat ", cuya clientela apreciaba la literatura, el ajedrez, la música (en forma de jazz y folk), la danza moderna y la artesanía y las artes tradicionales como la cerámica y la pintura. La música acústica había tenido un ávido seguimiento en todas partes, pero era "un mundo en decadencia de canciones tradicionales folclóricas y brechtianas ". [7] El tono general de la nueva subcultura era diferente. Según el autor de la biografía Robert Greenfield, "Jon McIntire [manager de Grateful Dead desde finales de los sesenta hasta mediados de los ochenta] señala que la gran contribución de la cultura hippie fue esta proyección de alegría. La cosa beatnik era negra, cínica y fría". [8] Los beats tendían a ser cautelosos, manteniendo sus vidas discretas (salvo los pocos que publicaban, en ráfagas literarias, sobre sus percepciones, entusiasmos y actividades); en una palabra, generalmente "se mantenían tranquilos". Los jóvenes hippies eran mucho más numerosos, menos cautelosos y apenas tenían inclinación a mantener oculto su estilo de vida.
La nueva música era ruidosa y estaba conectada con la comunidad: las bandas a veces presentaban conciertos gratuitos en el Golden Gate Park y " happenings " en los diversos clubes y salones de baile psicodélicos de la ciudad. Las numerosas bandas que se formaron señalaron un cambio de una subcultura a la siguiente.
Monterey, California, está a unas 120 millas por carretera al sur de San Francisco. En el Monterey Pop Festival de junio de 1967 , grupos del Área de la Bahía actuaron en el mismo escenario que grupos musicales consolidados y en rápido ascenso y artistas individuales muy conocidos de los EE. UU., el Reino Unido e incluso la India. Poco después, Ralph J. Gleason y Jann Wenner , con sede en San Francisco, fundaron la revista Rolling Stone (fecha de la primera edición: noviembre de 1967).
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Cada banda de San Francisco tenía su sonido característico, pero existían suficientes puntos en común como para que existiera una identidad regional. En 1967, la improvisación fresca y aventurera durante las presentaciones en vivo (que muchos escucharon como personificada por los Grateful Dead y por el trabajo de guitarra "cross-talk" de Moby Grape ) era una característica del sonido de San Francisco. Un papel más fuerte y más destacado para el bajo eléctrico, típicamente con un enfoque melódico o semimelódico, y usando un tono lujoso y omnipresente, era otra característica. [9] Esta cualidad de bajo inquieto se ha caracterizado irónicamente como un estilo "errante" (en lugar del convencional "quedarse en casa"). En el jazz había sido exuberantemente pionero por numerosos músicos. Un músico que fue un ejemplo destacado de esto, Jack Casady de Jefferson Airplane (y la rama Hot Tuna ) fue pionero del enfoque, quizás mejor representado en el álbum Bless Its Pointed Little Head . Phil Lesh , bajista de Grateful Dead, promovió este sonido. Lesh había desarrollado su estilo sobre la base de haber estudiado música clásica, de bandas de metales, jazz y modernista con violín y, más tarde, con trompeta. [10]
La exploración de progresiones de acordes, poco comunes anteriormente en el rock & roll, y un uso más libre y poderoso de todos los instrumentos (batería y otros instrumentos de percusión, guitarras eléctricas, teclados y bajo) acompañaron a esta música de la " era psicodélica ". Los instrumentos de viento metal y de caña, como las trompetas y los saxofones, rara vez se usaban, a diferencia de lo que ocurría en las bandas contemporáneas de R&B y soul y algunas de las bandas blancas de la costa este de los EE. UU. (por ejemplo, Blood, Sweat & Tears o Chicago ). Sly & the Family Stone , un grupo con sede en San Francisco que comenzó a fines de la década de 1960, fue una excepción, al ser una banda hippie racialmente integrada con una fuerte influencia de la música soul, por lo que hacía uso de instrumentación de viento metal.
El "rock & roll" fue el punto de partida de la nueva música, pero en esa época las estrellas conocidas del rock & roll "eran llamadas primitivas de los cincuenta". [11] Este fue el período en el que el "rock" se diferenciaba del rock & roll, en parte debido a las consecuencias de la invasión británica . [12] Entre estos grupos británicos, según el periodista musical Chris Smith, que escribe en su libro sobre los álbumes más influyentes de la música popular estadounidense , los Beatles inspiraron el surgimiento de la escena psicodélica de San Francisco tras la incorporación del folk rock en el álbum Rubber Soul de 1965 , que reflejaba las influencias recíprocas compartidas entre el grupo y Bob Dylan . [13] El historiador de San Francisco Charles Perry recordó que en Haight-Ashbury, "podías estar de fiesta toda la noche y no escuchar nada más que Rubber Soul ", [14] y que "más que nunca los Beatles fueron la banda sonora de Haight-Ashbury, Berkeley y todo el circuito". [15] En San Francisco, las influencias musicales no solo llegaron de Londres , Liverpool y Manchester , sino que también incluyeron el resurgimiento de la música folclórica estadounidense de las dos costas de los años 1950 y 1960, la escena del blues eléctrico de Chicago , las escenas de música soul en Detroit , Memphis y Muscle Shoals , estilos de jazz de varias épocas y regiones. Varios músicos de rock clave de San Francisco de la época citaron a John Coltrane y su círculo de músicos de jazz de vanguardia como influencias importantes.
El periodista Ed Vulliamy escribió: «El verano del amor tuvo una emperatriz, y su nombre era Janis Joplin ». [16] En algunos casos, las mujeres disfrutaron de un estatus igual al de los hombres como estrellas en la escena del rock de San Francisco, pero estos pocos casos señalaron un cambio que ha continuado en la escena musical estadounidense. Tanto Grace Slick (cantando con Jefferson Airplane) como Joplin (cantando inicialmente con Big Brother & the Holding Company ) ganaron un número sustancial de seguidores a nivel local y, en poco tiempo, en todo el país. [17]
La famosa cantante y compositora Stevie Nicks, que creció en el área de la bahía de San Francisco, tuvo su primera experiencia interpretativa allí en la década de 1960 con Lindsey Buckingham y su banda. Nicks y Buckingham luego aportaron ese sonido de San Francisco a la establecida banda de rock británica Fleetwood Mac cuando ambos se unieron en 1975.
Las actuaciones de un supergrupo internacional como los Beatles se celebraban en un recinto enorme como el Cow Palace. Al principio, las bandas locales del Área de la Bahía tocaban en recintos más pequeños. Los primeros recintos de las bandas, mientras la nueva escena de SF surgía de los inicios del folk y el folk-rock, eran a menudo lugares como el club nocturno Matrix . A medida que el público crecía y el baile entre el público se convirtió en una costumbre, las actuaciones se trasladaron a lugares con más espacio, como el Longshoreman's Hall, el Fillmore Auditorium, el Avalon Ballroom, Winterland y el Carousel Ballroom (que más tarde pasó a llamarse Fillmore West). Las actuaciones al aire libre, a menudo organizadas por los propios miembros de la banda y sus amigos, también tuvieron su papel.
Debido a que San Francisco tenía una escena contracultural especialmente vibrante y atractiva en la segunda mitad de la década de 1960, los músicos de otros lugares (junto con la famosa multitud hip) llegaron allí. Algunos se quedaron y se convirtieron en parte de la escena. Los ejemplos incluyen al Sir Douglas Quintet , cuya música adoptó más el carácter del sonido de San Francisco, aunque conservando algo de su sabor original de Texas, Mother Earth , liderado por la cantante principal Tracy Nelson , quien se mudó al Área de la Bahía de Nashville, y Electric Flag , que trajo el blues de Chicago al Área de la Bahía de la mano del ex guitarrista de Paul Butterfield Blues Band, Mike Bloomfield . Steve Miller (que formó la Steve Miller Band) era de Wisconsin, procedente de Chicago y la ciudad de Nueva York, mientras que su compañero de banda Boz Scaggs originalmente llamó a Texas su hogar.
La música de las bandas de San Francisco era todo lo que no era la música pop de la radio AM. Sus actuaciones contrastaban con la "pista estándar de tres minutos" que se había convertido en un cliché de la industria de la música pop, debido a los requisitos de la radio AM, a la capacidad de sonido del disco de 45 RPM y a las posibilidades limitadas de muchas canciones pop y tratamientos de canciones. Es cierto que muchas de las bandas de San Francisco grabaron pistas de "tres minutos" cuando querían que una estación de música pop emitiera una canción. Pero en las presentaciones en vivo, las bandas a menudo compartían su entusiasmo improvisatorio tocando una canción o secuencia determinada durante cinco o seis minutos, y ocasionalmente hasta media hora.
Tom Donahue, residente del área de la Bahía, era un veterano disc jockey, compositor, manager de grupos musicales y productor de conciertos (con un socio, había producido el último espectáculo de los Beatles en su última gira pública); se inspiró para revivir una estación de radio moribunda, KMPX, a principios de 1967. Donahue, al inaugurar la primera estación de rock en radio FM en San Francisco, tenía la intención de mostrar este nuevo género de música. [18] Estaba excepcionalmente calificado, era experto y entusiasta del jazz, el R&B, el soul y la música étnica. [19] Un cambio importante en esta nueva era de "radio orientada a álbumes" (AOR) fue que los presentadores de programas se sintieron libres de reproducir pistas largas o dos o más pistas seguidas de un buen álbum de discos.
Según la antropóloga cultural Micaela di Leonardo, la escena musical de San Francisco era "un taller para el soul progresivo ", y la estación de radio KDIA, en particular, desempeñaba un papel importante a la hora de mostrar la música de artistas como Sly and the Family Stone. [20]
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