Una película de problemas sociales es una película narrativa que integra un conflicto social más amplio en el conflicto individual entre sus personajes. En el contexto de los Estados Unidos y de Hollywood , el género se define por representaciones ficticias de crisis sociales ambientadas en entornos domésticos o institucionalizados estadounidenses realistas . [1]
Como muchos géneros cinematográficos , la definición exacta suele depender del ojo del espectador; sin embargo, Hollywood produjo y comercializó varias películas de actualidad en la década de 1930, y en la década de 1940, el término película de " problemas sociales " o película de "mensaje" era convencional en su uso entre la industria cinematográfica y el público. [2]
Muchas características que han llegado a definir la película sobre problemas sociales giran en torno a la conciencia percibida de la nación sobre un determinado tema social y la integración de ese tema en una estructura narrativa . A menudo se exponen problemas sociales como los horrores de la guerra, el sufrimiento de los pobres, la adicción, los derechos de las mujeres y la inhumanidad de un mundo determinado. El problema de definir este tipo de películas como género radica en la capacidad que tiene para separarse de películas que muestran un estilo similar, ya que muchas películas sí abordan temas sociales. Sin embargo, la película de problemas sociales se diferencia por centrarse en los problemas dentro del contexto histórico de la época actual, abordando la cuestión social de una determinada época tal como se aplica a esa época con un estilo mucho más didáctico que sus contemporáneos. [3] Además, la película sobre problemas sociales permite una mayor inmersión en un tema determinado que otras películas de género. Por ejemplo, las películas de gánsteres y prisiones reflejarán ciertas características de un problema social, pero en realidad no explorarán completamente el problema en la forma que lo calificaría para este género. [2]
Un hecho importante de la película sobre problemas sociales es su capacidad para reaccionar y mostrar un problema social que es relevante para la época actual en la que se produjo. Aborda específicamente un tema mientras el tema todavía es parte de la conciencia nacional, a menudo formando un argumento. cuál es realmente el problema a través de la narrativa y el desarrollo del personaje. Las primeras películas sobre problemas sociales a menudo mezclaban sentimientos ideológicos de la época en una narrativa que la traducía en un mensaje que el público debía absorber. Esto se puede evidenciar en ciertos experimentos sociológicos que ocurrieron en torno a la capacidad de una película para cambiar la percepción del público. Un excelente ejemplo de esto es la representación del antisemitismo en la película Gentleman's Agreement (1947) y el posterior estudio sociológico de Russell Middleton que midió el antisemitismo percibido antes y después de ver la película. Sorprendentemente, la película pareció afectar positivamente a los sujetos, ya que la mayoría de las personas que participaron en el estudio tenían notablemente menos sentimientos antisemitas que antes de ver la película. Aunque hay ciertos factores que deben ser considerados, este estudio parece indicar una vez más la naturaleza didáctica primaria de la película sobre problemas sociales, así como el abordaje de temas relevantes para la era actual del cine y cómo las audiencias del período histórico percibieron tal mensaje. [4]
Este fenómeno de contexto histórico y reacción de la audiencia creó un equilibrio interesante entre la naturaleza didáctica de la película y su capacidad para contener una narrativa interesante. [3] A menudo, las películas anteriores de la era clásica pueden verse como un poco sermoneadoras, y a menudo parecen menos una característica ficticia y más un anuncio de servicio público. Esto se muestra en la ocurrencia común de un momento de enseñanza, a menudo cerca del final de la película, donde un personaje literalmente da un discurso que a menudo se refiere al mensaje social que la película intenta retratar. Se pueden ver ejemplos a través de los jueces al final de Wild Boys of the Road (1933) y ¿ Dónde están mis hijos? (1916), los cuales brindan una lección en forma de monólogo que casi parece separada de la narrativa ficticia que se presenta. Esta relevancia para el problema de la época en la que reside la película otorga una especie de autoridad didáctica a este tipo de películas que otras tal vez no tengan. Por ejemplo, ¿ Dónde están mis hijos? Tuvo problemas para pasar por la Junta Nacional de Revisión para su publicación pública debido a que los revisores creían que se estaba brindando al público información engañosa sobre el control de la natalidad. Creían que la película era de naturaleza más educativa que una narrativa ficticia que abordaba un tema social. [5]
La película sobre problemas sociales a menudo toma un tema social más amplio durante su respectiva época y lo muestra de una manera mucho más enfocada. El problema se expresará a través de una narrativa que a menudo involucra a unos pocos personajes, a menudo una familia o un individuo que atraviesa el mundo del cine experimentando el problema social percibido. A menudo interactuarán directamente con instituciones sociales destinadas a mostrar los problemas sociales. La tipificación de estas instituciones se basa en el mensaje ideológico general de la película, ya sea retratada como ineficaz o idealizada como una solución adecuada. Esto se puede ver a lo largo del desarrollo de la película sobre problemas sociales e incluso en la época contemporánea a medida que cambió la forma de la película sobre problemas sociales. Ejemplos de este estilo de narrativa son evidentes en películas como El alma de la juventud (1920), en la que el problema más amplio de los niños delincuentes sin hogar se retrata a través de la ineficacia del orfanato en el que reside el protagonista yuxtapuesto a la vida idealizada de la familia. del juez con el que finalmente se instala. Otro ejemplo que merece ser mencionado proviene una vez más de Wild Boys of the Road (1933), en el que la película alcanza su clímax cuando los protagonistas son tratados por un juez, llevando el problema social más amplio bajo una lente individualista al aplicar la solución. de un problema nacional a unas pocas experiencias individuales. [6]
Otra película importante sobre problemas sociales que trata sobre instituciones es la temática del alcoholismo Días de vino y rosas (1962). La película sigue la desaparición progresiva de una pareja debido a su incapacidad para controlar su consumo de alcohol, trasladando una vez más un problema social más amplio a un conjunto de personajes enfocados. Sin embargo, ofrece una solución en forma de la institución de Alcohólicos Anónimos , que sirve como una forma eficaz de tratarse a uno mismo. Un estudio sociológico realizado por Elizabeth Hirschman reveló que la representación de la película era realmente identificable con los adictos y alcohólicos que, después de ver la película, vieron a AA como una opción viable para abordar su problema. Este efecto en la población real indica la interacción que las películas sobre problemas sociales esperan tener en su audiencia en comparación con las películas destinadas exclusivamente a entretener mientras rozan la superficie de ciertos temas. [7]
Un ejemplo más contemporáneo de la narrativa centrada en personajes e instituciones en la película sobre problemas sociales es la ineficacia y crueldad del hospital militar en Coming Home (1978), una película sobre veteranos que regresan de Vietnam. El maltrato y comportamiento negligente que afecta a todos los veterinarios del hospital se reduce a las vivencias de dos o tres personajes.
Un aspecto que se ve ampliamente en las películas sobre problemas sociales es el uso de no actores para representar personajes de fondo o voces de la razón dentro de la narrativa, así como el deseo de filmar escenas en exteriores. Ambos factores ayudan a dar autenticidad y relación con el mundo real, lo cual es esencial para el género. Algunos ejemplos notables son la inclusión del juez Ben Lindsey interpretándose a sí mismo en la película mencionada anteriormente El alma de la juventud (1920). [8] Esta inserción creó un ambiente que el público sabía que estaba basado en la realidad y, por lo tanto, dio un sentido de autenticidad a la naturaleza didáctica que posee este género. La presencia de una figura del mundo real confronta directamente la idea de que los mensajes mostrados en las películas sobre problemas sociales deben ser confirmados por sus homólogos de la vida real. Da una sensación de integridad que recuerda al periodismo o una película documental. [5]
El rodaje en exteriores es un factor que, aunque no se limita a la película de problemas sociales, ha crecido hasta ejemplificar ciertos factores dentro del género. La idea de rodar fuera de un estudio y en un entorno real vuelve a reforzar la autenticidad de la película del mismo modo que lo hacen los no actores. Una película que utilizó este estilo de rodaje para ganar esta sensación de realismo es la ya mencionada Wild Boys of the Road (1933). Las escenas de la película que se desarrollan dentro del patio de trenes en el que residen temporalmente los niños se filmaron en un patio de trenes real en Glendale, California . [9]
Quizás el ejemplo más notable de la idea de inserciones en la vida real es la escena inicial de Border Incident (1949), una película sobre problemas sociales sobre la inmigración mexicana tras la institución del Programa Bracero en 1942 destinado a aliviar la escasez de mano de obra agrícola. en los Estados Unidos. La película comienza con un plano elevado de tierras de cultivo mientras un narrador invisible describe el paisaje, la falta de mano de obra y la posterior creación del programa bracero en respuesta. Esta es una inserción de un programa que estuvo ocurriendo activamente durante la producción de esta película. Esta narrativa basada en la realidad se combina con la voz en off, que menciona las fronteras no menos de cinco veces para impulsar sutilmente una ideología de dependencia mutua hacia la audiencia, al tiempo que se permite la apariencia de ser una representación auténtica de la situación, mostrando nuevamente el efecto de la vida real. Las inserciones pueden tener sobre la capacidad de las películas sobre problemas sociales para afectar a sus espectadores. [10]
Muchas películas sobre problemas sociales contienen un tema de tránsito y la importancia de las relaciones familiares. Estos factores aportan mayor autenticidad al género, ya que el público parece seguir al protagonista a medida que recorre un viaje necesario para llegar a una solución viable. Los viajes internos a menudo se reflejan en el transporte literal de los personajes. Esto se puede ver en el viaje por todo el país en Wild Boys of the Road (1933), el viaje al consultorio del médico en ¿ Dónde están mis hijos? (1916) y la migración internacional de trabajadores agrícolas en Border Incident (1949). De igual forma, la idea de familia es evidente dentro de este género, muchas veces la idea de familia es de suma importancia. Hay una finalidad en términos de la descendencia del protagonista cuando él o ella ha perdido la confianza y el apoyo de su familia y, por lo tanto, el problema social a menudo se resuelve volviendo a estos ideales. Aunque los sentimientos de guerra pueden explicar algo de esto, es importante señalar que este tema se mantiene durante todo el desarrollo del género. Incluso en películas sobre problemas sociales más contemporáneas, como Coming Home (1978) y The Good Lie (2014), hay una sensación de importancia familiar, la primera en términos de sus "hermanos" a quienes apoya pase lo que pase, y la segunda. en la forma de los miembros de su tribu que viajan miles de kilómetros en busca de una nueva vida.
El género apareció por primera vez a finales de los años 1910 y 1920 como un intento de imbuir calidad y realismo al cine, un nuevo medio que luchaba por ser tomado en serio por la clase media estadounidense . [1]
La historiadora Kay Sloan ha mostrado cómo varios grupos reformistas hicieron cortometrajes y largometrajes sobre problemas sociales durante la era del cine mudo . Generalmente, estos trataban de la prohibición , las relaciones laborales y las preocupaciones sobre la " esclavitud blanca ". Las ideologías de estas producciones anteriores a la Primera Guerra Mundial a menudo se alineaban con preocupaciones sobre el trabajador y la interacción que los cineastas tenían con los problemas del mundo real. Esto fue importante para el desarrollo del género, ya que fue la primera incursión en mostrar los problemas del hombre común, pero no tuvo éxito en términos de ofrecer una solución viable. Más bien, la naturaleza didáctica de estas películas indicaba una solución de clase media alta a las cuestiones laborales; A menudo se necesitaría la presencia de un negociador no perteneciente a la clase trabajadora para resolver los problemas que trataban los trabajadores en las películas. [11]
Durante esta época también se llevó a cabo el descubrimiento del efecto y la utilización del " final feliz ". El final feliz dejó un efecto catártico en su audiencia, dejándolos satisfechos con el mensaje social brindado. Esto en sí mismo es un imperativo para el género del problema social debido a que demuestra el deseo de los directores y cineastas de lograr un cambio social a través de las películas. [11] Sin embargo, como género, estas declaraciones progresistas no provocaron una preocupación duradera en la industria cinematográfica, que se estaba solidificando detrás del producto estandarizado , el oligopolio y el star system .
Warner Brothers , bajo la dirección de Darryl F. Zanuck , comenzó a hacer películas de actualidad "sacadas de los titulares". Estos " cabezas de cartel " generalmente eran baratos, valientes en su estética realista y pusieron en primer plano un entorno de clase trabajadora y simpatías políticas del New Deal . Las películas sobre problemas sociales de esta época reflejaban la conciencia nacional general del New Deal. Muchas de estas películas alimentaron una forma de pensamiento populista destinada a infundir confianza entre la nación tras la Gran Depresión , apoyando la plataforma de Franklin Delano Roosevelt , que supuestamente aliviaría el problema del desempleo que enfrentaba Estados Unidos en ese momento. [6]
Estas películas también imponen la obligación de encontrar trabajo al individuo y al mismo tiempo muestran los beneficios de tener una actitud vecinal para ayudar a los necesitados a regresar a una vida sostenible . Esto se muestra especialmente en películas como Wild Boys of the Road (1933), en la que el protagonista huye de casa con amigos en un intento de encontrar trabajo, sólo para terminar arrestado y necesitado de ayuda, que posteriormente le es concedida por un juez. La interacción de la película con las ideologías del New Deal se refleja en el tono confiado del juez cuando concede ayuda a los niños sin hogar que se le presentan; la naturaleza progresista de la ayuda al prójimo se impone al público sin permitirles contemplar el hecho de que fue necesario un figura de clase media para salvar a los desempleados. [6]
Así como el New Deal dio confianza en el corto plazo pero se quedó atrás en el crecimiento del empleo a largo plazo, las películas sobre problemas sociales de esta época mostraron una sensación de optimismo incluso cuando estaban atrapadas en la narrativa no progresista de un salvador de la clase media. . [6]
La obra más notable del género durante esta época fue I Am a Fugitive from a Chain Gang (1932) de Mervy LeRoy , cuyo éxito llevó a Warner Brothers y otros estudios a copiar la fórmula.
Mientras tanto, en Columbia Pictures , Frank Capra se ganó su reputación (tanto entre la industria como entre el público cinematográfico; una rareza en ese período) al desarrollar su combinación característica de película sobre problemas sociales y comedia loca . Trabajando con el escritor Robert Riskin , desarrollaría, repetiría y perfeccionaría esta combinación en películas como Mr. Deeds Goes to Town (1936), Mr. Smith Goes to Washington (1939) y Meet John Doe (1941).
Las películas sobre problemas sociales del período de posguerra marcaron un cambio notable de los problemas económicos a los de ajuste social y psicológico. Quizás esto se deba a la idea de que los veteranos que regresan tengan la capacidad de restablecerse en la sociedad civil. [12] El género en este clima, en la década de 1950, estaba tipificado por las obras de Samuel Fuller , Elia Kazan y Douglas Sirk . [1]
A medida que los pensamientos y sentimientos de la nación pasaron de la preocupación por el desempleo a los horrores de la guerra y la rehabilitación de quienes padecían adicciones, la película sobre problemas sociales se adaptó a la conciencia nacional de su época. Un temor nacional era que estos veteranos que regresaban se sentirían amargados al regresar, cambiados por los horrores que habían visto, y al mismo tiempo sintiendo una falta de reciprocidad adecuada en casa. También se tuvo en cuenta la idea de que la familia nuclear se había roto. [12]
Los mejores años de nuestras vidas ( William Wyler , 1946) , que narra la crónica de tres veteranos que regresan y se adaptan a la vida civil, fue particularmente poderoso porque sirvió para calmar las ansiedades que sentían muchos estadounidenses sobre el regreso de los veteranos a la sociedad. Abordó los problemas sociales de la posguerra a través de su retrato optimista de la lucha por la normalización, utilizando un protagonista que había perdido ambas manos en la guerra, interpretado notablemente por Harold Russell , un actor no profesional que tuvo la misma experiencia. La película también describe de manera positiva el intenso vínculo masculino que se produce durante tiempos de guerra, mostrando el apoyo que cada uno de los hombres se tiene entre sí. También muestra las luchas que enfrentan al regresar a sus vidas de antes de la guerra, aunque en un intento por aliviar la ansiedad nacional, la película finalmente se resuelve en un final feliz en el que todo se reconcilia. Si bien esta película sigue los lineamientos generales de una película de problemas sociales de la época clásica , como el uso de no actores, la importancia del contexto histórico, un sentimiento melodramático y el carácter didáctico del género, la identificación y solución al problema social. El problema no es tanto una advertencia a la sociedad sino más bien un aumento de los sentimientos positivos en una nación que se tambalea por los horrores de la guerra. [12]
La película sobre problemas sociales también abordó otras cuestiones específicas que plagaron el entorno de posguerra en Estados Unidos. Por ejemplo, The Lost Weekend (1945), de Billy Wilder , se centró en el alcoholismo , inaugurando un ciclo de películas que abordaban el abuso de drogas y alcohol ; y Gaslight (1944), basada en una obra anterior, dramatizó y se convirtió en el homónimo de la técnica psicológicamente abusiva más tarde conocida como gaslighting . En cuanto a la salud mental, Bedlam (1946) causó indignación entre los estadounidenses, [13] afectando la ya frágil actitud nacional de la época.
Una cuestión social que se integró en la sociedad estadounidense fue la categorización de las minorías como un solo grupo; Los afroamericanos , los asiáticoamericanos , los judíos y los homosexuales fueron todos discriminados sin distinción. Sin embargo, la conciencia sobre este problema aumentó considerablemente cuando los males del nazismo y el Holocausto se revelaron al mundo como resultado de este tipo de odio. [14] El antisemitismo se convirtió en un tema de discusión mundial después del sufrimiento soportado por el pueblo judío, y la película sobre problemas sociales respondió con intentos de representar dicho problema. Algunas películas que abordaron el antisemitismo y el racismo durante esta época fueron Pinky (1949) y Home of the Brave (1949). Gentleman's Agreement (1947), en particular, sigue a un periodista que decide hacerse pasar por judío para comprender su experiencia. Los esfuerzos del Acuerdo de Caballeros fueron criticados por críticos judíos por no profundizar en absoluto en la cultura judía y por no profundizar lo suficiente en los efectos del Holocausto. También se consideró que la película representaba el antisemitismo como un hábito desagradable en lugar de una discriminación. [15] A nivel comercial, sin embargo, la película tuvo éxito y fue capaz de afectar al público de una manera que redujo los sentimientos prejuiciosos hacia los judíos. [4]
Si bien el macartismo , en la forma del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes , apagó parte del entusiasmo de Hollywood por las críticas de izquierda a la sociedad estadounidense, [16] el género continuó, no obstante, durante las siguientes dos décadas. La película de ciencia ficción de Robert Wise El día que la Tierra se detuvo (1951) instaba a la cooperación internacional en cuestiones de violencia y seguridad mundial en un entorno de desconfianza y paranoia nuclear de la Guerra Fría : el "mensaje" es literalmente entregado a la Tierra por un extraterrestre civilizado. Las diversas denuncias de racismo de Stanley Kramer: The Defiant Ones (1958), Pressure Point (1962) y Guess Who's Coming to Dinner (1967), se convirtieron en sinónimo del género. Además, las "películas sobre delincuencia juvenil" combinaban el tono censurador de las películas sobre problemas sociales con películas de explotación y melodramas .
Una serie de artículos periodísticos sobre la ineficacia de los centros de salud mental también condujeron a un aumento de la conciencia pública sobre el problema social de la atención de salud mental . La actitud nacional de la época ya se encontraba en un estado frágil debido a la revelación pública de los horrores nazis. [13] Esto, combinado con el ambiente desconfiado y las tensiones de la Guerra Fría, se reflejó en una serie de películas sobre la salud mental, la ineficacia del tratamiento y la forma en que se puede ayudar a las personas afectadas.
El género de los problemas sociales reflejó especialmente bien las cuestiones de salud mental y adicción a través de películas como Bigger Than Life (1956), [17] que, en consecuencia, se basó en un artículo titulado "Diez pies de altura" publicado en The New Yorker . [18] La película sigue a un protagonista en una relación familiar feliz y saludable que se ve obligado a tomar cortisona para una enfermedad rara y, en última instancia, abusa del medicamento, lo que luego resulta en problemas de salud mental. El hospital y los médicos en la película se muestran como incompetentes y poco dispuestos a creer cualquier cosa que el paciente les diga, incluso proporcionándole más cortisona cuando muestra un comportamiento de búsqueda de drogas .
Bigger Than Life también muestra un marcado cambio con respecto a las películas de problemas sociales del Hollywood clásico que fue causado por una multitud de factores. En 1948, los Decretos Supremos se instituyeron después de un caso antimonopolio histórico por parte de Estados Unidos contra los principales estudios de la época. Lo que siguió fue una restricción en muchas formas de distribución, marketing y tiempo entre proyecciones. Esto resultó en un cambio de poder de los principales estudios de la época, que por lo tanto necesitaban encontrar una nueva forma de comercializar sus películas. La creación de Cinemascope , que amplió la relación de aspecto permitiendo la visualización en pantalla panorámica , y fue vista como el comienzo del fin de la era clásica de Hollywood. Al tener acceso a estas nuevas tecnologías que la película sobre problemas sociales también adaptaría, Bigger Than Life exhibió un discurso menos didáctico , permitiendo en cambio una mayor interpretación por parte de la audiencia sobre cuál era el problema social. [19]
Un tema importante entre las películas de los años 1970 fue la guerra de Vietnam ; Películas como The Deer Hunter (1978) y Apocalypse Now (1979) se centraron en exponer las condiciones extremas, tanto mentales como físicas, que enfrentan los soldados durante el despliegue.
La película sobre problemas sociales, por otro lado, volvió a su tema común de los veteranos que regresan, ejemplificado por la aclamada por la crítica Coming Home (1978), que seguía a una mujer cuyo marido estaba de gira mientras ella era voluntaria en el hospital de veteranos y se hacía amiga. un soldado lisiado. Sin embargo, la forma en que la película interactúa con la narrativa y con su audiencia demostró un cambio de forma que reflejaba las actitudes de la época. El período comprendido entre los años 1960 y 1970 fue cuando el feminismo de la segunda ola se hizo evidente, generando conciencia sobre las desigualdades en relación con muchas cuestiones sociales, aunque se centró principalmente en el feminismo blanco de clase alta . Esta conciencia nacional de los ideales feministas, combinada con un entorno de guerra que fue en gran medida un fracaso, así como la incapacidad de cuidar plenamente a los veteranos, se expresa a través de la narrativa y los personajes de Coming Home , manteniendo al mismo tiempo ciertos factores de la película clásica sobre problemas sociales. . La feminización de la experiencia de Vietnam se puede ver a través del protagonista Luke, quien es capaz de permitir que Sally trascienda su papel de esposa militar estereotipada, al mismo tiempo que se feminiza a sí mismo a medida que avanza en su regreso a la sociedad. Cuanto más pasivo y estereotípicamente femenino se vuelve, más se le permite dejar atrás los horrores de Vietnam. Este tipo de caracterización difiere mucho de los personajes vistos en películas anteriores sobre problemas sociales de veteranos que regresan, que a menudo retrataban al veterano como ultramasculino y a su esposa como una ama de casa tradicional . [20]
Además, la narrativa de Coming Home muestra una marcada diferencia con respecto a películas anteriores sobre problemas sociales. En lugar de imponer un tema didáctico a la audiencia, la historia va y viene entre el didactismo y seguir una fórmula romántica más de telenovela . [21] (Como resultado, a veces es difícil discernir en qué quiere que nos centremos la película). Sin embargo, la película mantiene ciertas características de la película sobre problemas sociales, como una narrativa centrada, que termina en un discurso didáctico y uso de no actores para retratar a los veteranos en el hospital. [22]
A medida que Estados Unidos hizo la transición a la era contemporánea , las cuestiones sociales que abarcaban el país se han adaptado para centrarse en diferentes aspectos de los problemas, especialmente en el caso de la inmigración y la experiencia de los veteranos , los cuales aparecen en gran medida en la película clásica sobre problemas sociales. . Por ejemplo, el tema de Border Incident (1949) fue la inmigración de trabajadores agrícolas migrantes de México. Las películas sobre problemas sociales de veteranos que regresan Best Years Of Our Lives (1946) y Coming Home (1978) se centraron en el tratamiento y la rehabilitación de los veteranos.
En los Estados Unidos contemporáneos, una cuestión social de inmigración que ha sido relevante durante años es la idea del asilo de refugiados , mientras que las historias sobre los veteranos que regresan ahora a menudo se centran en la adicción a la guerra y la incapacidad de funcionar normalmente sin ella.
Los refugiados sudaneses , en particular, son objeto de atención ya que su país está asolado por una guerra civil, pero el asilo en Estados Unidos ha sido bloqueado debido a temores terroristas. Una película contemporánea sobre problemas sociales que aborda este tema es The Good Lie (2014), que sigue la vida de un grupo de niños sudaneses que escapan de su aldea a un campo de refugiados y llegan a Estados Unidos como adultos. El comienzo de la película hace un trabajo decente al representar la lucha que enfrentaron más de 25.000 niños mientras caminaban por África soportando los elementos, los animales y los soldados que intentaban matarlos mientras sigue a los protagonistas mientras ellos mismos hacen el viaje, perdiendo algunos en el camino. . [23] Utiliza técnicas clásicas como el rodaje de locaciones en el campo de refugiados y el uso de refugiados reales como personajes de fondo. Sin embargo, la película tiene mucho más en común con la forma de películas de problemas sociales como Coming Home . No solo está protagonizada por una actriz famosa, Reese Witherspoon , sino que, en última instancia, utiliza el compromiso con la narrativa mucho más que tratar de predicar a su audiencia. Cuando el grupo protagonista llega a Estados Unidos, la película pasa de mostrar la difícil situación de estos refugiados a una especie de choque cultural mientras luchan por adaptarse a las costumbres estadounidenses y darse cuenta de la ineficacia de los sistemas burocráticos destinados a ayudarlos. Al igual que Coming Home , no se coloca al público en un espacio donde la película pretende ser puramente educativa, sino que se le anima a discernir el problema social a partir del drama que se muestra. Esto se muestra en la frustración de algunos críticos que afirman que la trama parece fabricada y no se centra lo suficiente en ciertos temas sociales. [24] Este aspecto particular de la forma cambiante de la película sobre problemas sociales se debe en gran medida al deseo del público de entretenerse y saciarse con una historia bien formulada en la que participar. [25]
Otro ejemplo en el que esto se vuelve palpable es en la representación cambiante de los veteranos que regresan. Los efectos de la guerra en la sociedad estadounidense varían dependiendo de la situación y los sentimientos nacionales de la época. Esto es evidente ya que las películas posteriores a la Segunda Guerra Mundial a menudo se centraban en el regreso de los veteranos a sus hogares, fomentando la vida familiar y el apoyo conyugal, así como en la revelación de la capacidad de los humanos para cometer el mal, lo que dio lugar a incursiones para abordar estas cuestiones. Luego, durante Vietnam, el movimiento feminista combinado con sentimientos nacionales de arrepentimiento crearon películas hipermasculinas que representan el horror de la batalla pero también la difícil situación de los veteranos que regresaban y un enfoque narrativo más formulado en lugar de didáctico . [3] La era actual, entonces, se centra en el conflicto internacional dentro del Medio Oriente que ha creado una división en términos de ideología en Estados Unidos. El cine de problemas sociales se ha adaptado para abarcar estos sentimientos a través de películas como Green Zone (2010), que aborda la idea de falsas motivaciones para entrar en la guerra contra Irak .
Sin embargo, más pertinente para el género cinematográfico de problemas sociales es la idea de que los veteranos regresen; Si bien el tratamiento de los veteranos ha sido mostrado en la pantalla, el problema social contemporáneo va más allá de ese alcance y más bien llega a la psique de los propios soldados y a los sistemas que perpetúan su situación. Esto se hace mediante la descripción de la guerra como una adicción, otro tipo de problema social, una forma que las películas del siglo XX no consideraron. [26] Este es el caso de The Hurt Locker (2009), que muestra un equipo de eliminación de artefactos explosivos en Irak. Aunque se rodó en Jordania , no utilizó actores y se centró en un pequeño grupo de personas, la película está mucho más en línea con las películas recientes sobre problemas sociales en el sentido de que se centra en la caracterización , la narración y la estilización de la filmación para retratar sus una cuestión social más que una simple predicación. La película es a la vez cinematográfica y visceral, y entrelaza aspectos de la guerra en un estilo documental y yuxtapuestos con el uso de sonido y avances tecnológicos para crear una narrativa intensa y encapsulada. Una vez más, el espectador debe ver la mundana vida hogareña del protagonista en comparación con su experiencia durante la gira, donde parece más a gusto. La película comienza con una cita que equipara la guerra con una droga, y termina cuando el contador de "días de gira" del protagonista se reinicia a 0, lo que indica tanto las dificultades que enfrenta el personal militar como cómo esto los convierte en máquinas construidas para un propósito. en lugar de soldados puramente motivados. [26] Estas escenas muestran un cambio palpable desde decirle a la audiencia cómo se siente mediante un monólogo final, a mostrar el problema y dejar que la audiencia lo interprete por sí mismos.
Con el desarrollo de nuevas tecnologías como la televisión, era inevitable que la programación sobre cuestiones sociales se hiciera evidente. Desde documentales sobre justicia social hasta transmisiones públicas sobre temas locales, se puede acceder a la televisión de maneras que las películas no pueden. Ciertas programaciones como The Biggest Loser abordan un problema social concreto como es la obesidad en un entorno que se presenta como una realidad. Sin embargo, en realidad, todo está prácticamente escrito. Los concursantes renuncian a su derecho a crear su propia historia y son entrenados hasta el punto de colapsar, lo que no es una forma saludable de abordar la pérdida de peso. [27] Esta pseudo-realidad es problemática porque presenta un cierto problema social, junto con una solución viable, como la dieta y el ejercicio, pero no aborda las cuestiones culturales y los factores sistemáticos como la comida rápida barata en los países afectados por la pobreza. áreas.
El auge de las redes sociales ha llevado a una transformación de muchos sistemas establecidos, como la publicidad, las noticias, las protestas, las campañas y la exposición a otras culturas. La capacidad de conectarse instantáneamente con un evento que ocurre y de compartir algo con el público instantáneamente ha llevado a un nuevo desarrollo de redes a las que se puede acceder con un clic del mouse. [28] Así como estos otros aspectos de la vida se vieron afectados, también lo es la idea de la película sobre problemas sociales. La capacidad de los usuarios de obtener, a través de YouTube , vídeos reales de acontecimientos que ocurren en todo el mundo hace que sea más difícil para las representaciones cinematográficas convertirse en la entidad didáctica que necesitan ser para encajar en el género. Por ejemplo, con más de 100.000 resultados para una búsqueda de imágenes de la guerra de Irak, resulta difícil representar un sentido de la realidad con el que el espectador pueda identificarse puramente, por lo que la influencia artística del cineasta se vuelve más evidente. Esto, combinado con el desarrollo de la programación de noticias a través de la televisión, ha creado una especie de entorno en el que el cine sobre problemas sociales se vio obligado a cambiar de forma, el enfoque didáctico mayoritario ya no era satisfactorio ya que la gente tenía acceso a imágenes reales, por lo que se implementó una caracterización más profunda y Las narrativas más ricas se volvieron relevantes en las entradas más contemporáneas de este género. [29]
Un ejemplo de televisión controvertida sobre problemas sociales es 13 Reasons Why, ya que trataba sobre el suicidio , la violación y el acoso entre adolescentes . [30]
Los problemas sociales abordados por este género pueden incluir:
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