Una película de problemas sociales es una película narrativa que integra un conflicto social más amplio en el conflicto individual entre sus personajes. En el contexto de los Estados Unidos y de Hollywood , el género se define por representaciones ficticias de crisis sociales ambientadas en entornos domésticos o institucionalizados estadounidenses realistas . [1]
Como ocurre con muchos géneros cinematográficos , la definición exacta suele depender del observador; sin embargo, Hollywood produjo y comercializó una serie de películas temáticas en la década de 1930 y, en la década de 1940, el término película de " problema social " o película de "mensaje" era convencional en su uso entre la industria cinematográfica y el público. [2]
Muchas de las características que han llegado a definir el cine de problemas sociales giran en torno a la conciencia percibida de la nación sobre un determinado problema social y la integración de ese problema en una estructura narrativa . A menudo se exponen problemas sociales como los horrores de la guerra, el sufrimiento de los pobres, la adicción, los derechos de las mujeres y la inhumanidad de un mundo determinado. El problema de definir este tipo de películas como género radica en la capacidad que tiene para diferenciarse de las películas que muestran un estilo similar, ya que muchas películas abordan cuestiones sociales. Sin embargo, el cine de problemas sociales se diferencia al centrarse en los problemas dentro del contexto histórico de la época actual, tratando el problema social de una determinada época tal como se aplica a esa época con un estilo que es mucho más didáctico que sus contemporáneos. [3] Además, el cine de problemas sociales permite una mayor inmersión en un determinado problema que otras películas de género. Por ejemplo, las películas de gánsteres y de prisiones reflejarán ciertas características de un problema social, pero en realidad no explorarán completamente el problema de la manera que lo calificaría para este género. [2]
Un hecho importante de las películas de problemas sociales es su capacidad de reaccionar y mostrar un problema social que es relevante para la época actual en la que se produjeron. Abordan específicamente un problema mientras el problema todavía es parte de la conciencia nacional, y a menudo forman un argumento sobre cuál es realmente el problema a través de la narrativa y el desarrollo de los personajes. Las primeras películas de problemas sociales a menudo mezclaban sentimientos ideológicos de la época en una narrativa que los traducía a un mensaje para que el público lo absorbiera. Esto se puede evidenciar en ciertos experimentos sociológicos que giraron en torno a la capacidad de una película para cambiar la percepción pública. Un excelente ejemplo de esto es la representación del antisemitismo en la película Gentleman's Agreement (1947) y el posterior estudio sociológico de Russell Middleton que midió el antisemitismo percibido antes y después de ver la película. Sorprendentemente, la película pareció afectar positivamente a los sujetos, ya que la mayoría de las personas que participaron en el estudio tenían sentimientos antisemitas notablemente menores que antes de ver la película. Aunque hay ciertos factores que deben tenerse en cuenta, este estudio parece indicar una vez más la naturaleza principalmente didáctica de la película de problemas sociales, así como el abordaje de temas relevantes para la era actual de la película y cómo el público del período histórico percibió tal mensaje. [4]
Este fenómeno de contexto histórico y reacción del público creó un equilibrio interesante entre la naturaleza didáctica de la película y su capacidad para contener una narrativa interesante. [3] A menudo, las primeras películas de la era clásica pueden verse como un poco sermoneadoras, a menudo pareciendo menos una película de ficción y más como un anuncio de servicio público. Esto se muestra en la ocurrencia común de un momento de enseñanza a menudo cerca del final de la película donde un personaje literalmente dará un discurso que a menudo se refiere al mensaje social que la película está tratando de retratar. Se pueden ver ejemplos a través de los jueces al final de Wild Boys of the Road (1933) y Where Are My Children? (1916), que brindan una lección en forma de monólogo que casi parece separada de la narrativa ficticia que se presenta. Esta relevancia para el problema de la época en la que reside la película le otorga una especie de autoridad didáctica a este tipo de películas que otras pueden no tener. Por ejemplo, ¿ Dónde están mis hijos? tuvo problemas para pasar por la Junta Nacional de Revisión para su lanzamiento público debido a que los críticos creían que se estaba proporcionando al público información engañosa sobre el control de la natalidad. Creían que la película tenía un carácter más educativo que una narración ficticia que abordaba un problema social. [5]
Las películas de problemas sociales suelen abordar un problema social más amplio de su época respectiva y lo muestran de una forma mucho más centrada. El problema se expresará a través de una narrativa que a menudo involucra a unos pocos personajes, a menudo una familia o un individuo que atraviesa el mundo cinematográfico experimentando el problema social percibido. A menudo, interactuarán directamente con instituciones sociales destinadas a mostrar los problemas sociales. La tipificación de estas instituciones se basa en el mensaje ideológico general de la película, ya sea que se presenten como ineficaces o se idealicen como una solución adecuada. Esto se puede ver a lo largo del desarrollo de las películas de problemas sociales e incluso en la época contemporánea, a medida que cambia la forma de las películas de problemas sociales. Ejemplos de este estilo de narrativa son evidentes en películas como El alma de la juventud (1920), en la que el problema más amplio de los niños delincuentes sin hogar se retrata a través de la ineficacia del orfanato en el que reside el protagonista yuxtapuesto con la vida idealizada de la familia del juez con el que finalmente se establece. Otro ejemplo que merece ser mencionado viene una vez más de Wild Boys of the Road (1933), en el que la película alcanza su clímax cuando los protagonistas son juzgados por un juez, llevando el problema social más amplio a una lente individualista al aplicar la solución de un problema nacional a unas pocas experiencias individuales. [6]
Otra película importante sobre problemas sociales que trata de instituciones es Días de vino y rosas (1962), que tiene como tema el alcoholismo . La película sigue la progresiva desaparición de una pareja debido a su incapacidad para controlar su consumo de alcohol, lo que vuelve a trasladar un problema social más amplio a un grupo específico de personajes. Sin embargo, ofrece una solución en forma de la institución de Alcohólicos Anónimos , que sirve como una forma eficaz de tratarse a uno mismo. Un estudio sociológico realizado por Elizabeth Hirschman reveló que la representación de la película era realmente identificable para los adictos y alcohólicos que, después de ver la película, vieron a AA como una opción viable para abordar su problema. Este efecto en la población real indica la interacción que las películas sobre problemas sociales esperan tener en su audiencia en comparación con las películas destinadas a entretener puramente mientras rozan la superficie de ciertos problemas. [7]
Un ejemplo más contemporáneo de la narrativa centrada en personajes e instituciones en el cine de problemas sociales es la ineficacia y la crueldad del hospital militar en Coming Home (1978), una película sobre los veteranos que regresan de Vietnam. El maltrato y la conducta negligente que afecta a todos los veteranos en el hospital se reduce a las experiencias de dos o tres personajes.
Un aspecto que se observa ampliamente en el cine de problemas sociales es el uso de actores no profesionales para representar personajes secundarios o voces de la razón dentro de la narrativa, así como el deseo de filmar escenas en exteriores. Ambos factores ayudan a brindar autenticidad y relación con el mundo real, lo cual es esencial para el género. Algunos ejemplos notables son la inclusión del juez real Ben Lindsey interpretándose a sí mismo en la película mencionada anteriormente El alma de la juventud (1920). [8] Esta inserción creó un entorno que el público sabía que estaba basado en la realidad y, por lo tanto, le dio una sensación de autenticidad a la naturaleza didáctica que posee este género. La presencia de una figura del mundo real confronta directamente la idea de que los mensajes que se muestran en las películas de problemas sociales deben ser confirmados por contrapartes de la vida real. Le da una sensación de integridad que recuerda al periodismo o a un documental. [5]
El rodaje en exteriores es un factor que, aunque no se limita a las películas de problemas sociales, ha llegado a ejemplificar ciertos factores dentro del género. La idea de rodar fuera de un estudio y en un entorno real refuerza de nuevo la autenticidad de la película de la misma forma que lo hacen los actores no profesionales. Una película que utilizó este estilo de rodaje para conseguir este sentido de realismo es la ya mencionada Wild Boys of the Road (1933). Las escenas de la película que transcurren en el patio de maniobras en el que residen temporalmente los niños se rodaron en un patio de maniobras real en Glendale, California . [9]
Tal vez el ejemplo más notable de la idea de las inserciones de la vida real es la escena inicial de Border Incident (1949), una película sobre problemas sociales que trata de la inmigración mexicana tras la instauración del Programa Bracero en 1942, cuyo objetivo era aliviar la escasez de mano de obra agrícola en los Estados Unidos. La película comienza con un plano general de las tierras de cultivo mientras un narrador invisible describe el paisaje, la falta de mano de obra y la posterior creación del programa Bracero como respuesta. Se trata de una inserción de un programa que se estaba llevando a cabo activamente durante la producción de esta película. Esta narrativa basada en la realidad se combina con la voz en off, que menciona las fronteras no menos de cinco veces para impulsar sutilmente una ideología de dependencia mutua hacia la audiencia, al tiempo que se permite la apariencia de ser una representación auténtica de la situación, mostrando una vez más el efecto que las inserciones de la vida real pueden tener en la capacidad de las películas sobre problemas sociales para afectar a sus espectadores. [10]
Muchas películas sobre problemas sociales contienen el tema del tránsito y la importancia de las relaciones familiares. Estos factores aportan más autenticidad al género, ya que el público parece seguir al protagonista en su viaje necesario para llegar a una solución viable. Los viajes internos se reflejan a menudo en el transporte literal de los personajes. Esto se puede ver en el viaje a través de la nación en Wild Boys of the Road (1933), el viaje al consultorio del médico en Where Are My Children? (1916) y la migración internacional de los trabajadores agrícolas en Border Incident (1949). De manera similar, la idea de la familia es evidente dentro de este género, a menudo la idea de la familia es de suma importancia. Hay una finalidad en términos de la descendencia del protagonista cuando ha perdido la confianza y el apoyo de su familia, y por lo tanto el problema social a menudo se resuelve con un regreso a estos ideales. Aunque los sentimientos de guerra pueden explicar parte de esto, es importante señalar que este tema se mantiene a lo largo del desarrollo del género. Incluso en películas sobre problemas sociales más contemporáneos, como Coming Home (1978) y The Good Lie (2014), hay una sensación de importancia familiar, la primera en términos de sus "hermanos" a quienes apoya pase lo que pase, y la segunda en la forma de los miembros de su tribu que viajan miles de kilómetros en busca de una nueva vida.
El género apareció por primera vez a finales de la década de 1910 y en la de 1920 como un intento de infundir calidad y realismo al cine, un nuevo medio que luchaba por ser tomado en serio por la clase media estadounidense . [1]
La historiadora Kay Sloan ha demostrado cómo varios grupos reformistas hicieron cortometrajes y largometrajes sobre problemas sociales durante la era del cine mudo . En general, estos trataban sobre la prohibición , las relaciones laborales y las preocupaciones por la " esclavitud blanca ". Las ideologías de estas producciones anteriores a la Primera Guerra Mundial a menudo se alineaban con las preocupaciones sobre el trabajador y la interacción que los cineastas tenían con los problemas del mundo real. Esto fue importante para el desarrollo del género, ya que fue la primera incursión en mostrar los problemas del hombre común, pero no tuvo éxito en términos de ofrecer una solución viable. Más bien, la naturaleza didáctica de estas películas indicaba una solución de clase media alta a los problemas laborales; a menudo se necesitaba la presencia de un negociador que no fuera de la clase trabajadora para resolver los problemas que enfrentaban los trabajadores en las películas. [11]
El descubrimiento del efecto y la utilización del " final feliz " también se puso en práctica durante esta época. El final feliz dejó un efecto catártico en su audiencia, dejándolos satisfechos con el mensaje social que se estaba transmitiendo. Esto en sí mismo es un imperativo para el género de problemas sociales debido a su demostración del deseo de los directores y cineastas de afectar el cambio social a través de películas. [11] Sin embargo, como género, estas declaraciones progresistas no despertaron una preocupación duradera en la industria cinematográfica, que se estaba consolidando detrás del producto estandarizado , el oligopolio y el sistema de estrellas .
Warner Brothers , bajo la dirección de Darryl F. Zanuck , comenzó a hacer películas temáticas "arrancadas de los titulares". Estas " películas de cabecera " generalmente eran de bajo costo, de estética realista y resaltaban un ambiente de clase trabajadora y simpatías políticas del New Deal . Las películas de problemas sociales de esta época reflejaban la conciencia nacional general del New Deal. Muchas de estas películas alimentaron una forma de pensamiento populista destinada a infundir confianza en la nación tras la Gran Depresión , apoyando la plataforma de Franklin Delano Roosevelt , que supuestamente aliviaría el problema del desempleo que enfrentaba Estados Unidos en ese momento. [6]
Estas películas también imponen la obligación de encontrar trabajo al individuo, al tiempo que muestran los beneficios de tener una actitud de buena vecindad para ayudar a los necesitados a volver a una vida sostenible . Esto se muestra particularmente en películas como Wild Boys of the Road (1933), en la que el protagonista se escapa de casa con unos amigos en un intento de encontrar trabajo, solo para terminar arrestado y necesitando ayuda, que posteriormente le es concedida por un juez. La interacción de la película con las ideologías del New Deal se refleja en el tono confiado del juez cuando concede ayuda a los niños sin hogar que se le presentan; la naturaleza progresista de la ayuda vecinal se impone a la audiencia sin permitirles contemplar el hecho de que se necesitó una figura de clase media para salvar a los desempleados. [6]
Así como el New Deal dio confianza en el corto plazo pero se quedó atrás en el crecimiento del empleo a largo plazo, también las películas sobre problemas sociales de esta época retrataron una sensación de optimismo incluso cuando estaban estancadas en la narrativa no progresista de un salvador de clase media. [6]
La obra más notable del género durante este tiempo fue I Am a Fugitive from a Chain Gang (1932) de Mervy LeRoy , cuyo éxito llevó a Warner Brothers y otros estudios a copiar la fórmula.
Mientras tanto, en Columbia Pictures , Frank Capra se hizo famoso (tanto entre la industria como entre el público cinéfilo, algo poco común en aquella época) desarrollando su característica mezcla de películas de problemas sociales y comedia disparatada . Trabajando con el guionista Robert Riskin , desarrollaría, repetiría y perfeccionaría esta mezcla en películas como Mr. Deeds Goes to Town (1936), Mr. Smith Goes to Washington (1939) y Meet John Doe (1941).
Las películas de problemas sociales del período de posguerra marcaron un cambio notable desde los problemas económicos hacia los de adaptación social y psicológica. Esto se debe quizás a la idea de la capacidad de los veteranos que regresaban para restablecerse en la sociedad civil. [12] El género en este clima, hasta la década de 1950, estuvo representado por las obras de Samuel Fuller , Elia Kazan y Douglas Sirk . [1]
A medida que los pensamientos y sentimientos de la nación fueron pasando de la preocupación por el desempleo a los horrores de la guerra y la rehabilitación de los adictos, el cine de problemas sociales se fue adaptando a la conciencia nacional de su tiempo. Uno de los temores nacionales era que estos veteranos que regresaban se sintieran amargados al regresar, cambiados por los horrores que habían visto, y sintieran también una falta de reciprocidad adecuada en su país. También se tuvo en cuenta la idea de que la familia nuclear se había roto. [12]
La crónica de tres veteranos que regresan y se adaptan a la vida civil, The Best Years of Our Lives ( William Wyler , 1946) fue particularmente poderosa porque sirvió como un calmante para las ansiedades que sentían muchos estadounidenses sobre el regreso de los veteranos a la sociedad. Abordó los problemas sociales de la posguerra a través de su retrato optimista de la lucha por la normalización, utilizando a un protagonista que había perdido ambas manos en la guerra, interpretado notablemente por Harold Russell , un actor no profesional que tuvo esa misma experiencia. La película también describe el intenso vínculo masculino que ocurre durante la guerra de una manera positiva, mostrando el apoyo que cada uno de los hombres tiene por el otro. También muestra las luchas que enfrentan al regresar a sus vidas anteriores a la guerra, aunque en un intento de aliviar la ansiedad nacional, la película finalmente se resuelve en un final feliz en el que todo se reconcilia. Si bien esta película sigue las pautas generales de una película de problemas sociales de la era clásica , como el uso de actores no profesionales, la importancia del contexto histórico, un sentimiento melodramático y la naturaleza didáctica del género, la identificación y solución del problema social es menos una advertencia a la sociedad y más sobre el aumento de sentimientos positivos en una nación que se tambalea por los horrores de la guerra. [12]
Las películas de problemas sociales también abordaron otros problemas específicos que plagaron el ambiente de posguerra en Estados Unidos. Por ejemplo, The Lost Weekend (1945) de Billy Wilder se centró en el alcoholismo , inaugurando un ciclo de películas que trataban el abuso de drogas y alcohol ; y Gaslight (1944), basada en una obra anterior, dramatizó y se convirtió en el nombre de la técnica psicológicamente abusiva conocida más tarde como gaslighting . Al tocar el tema de la salud mental, Bedlam (1946) causó indignación entre los estadounidenses, [13] afectando la actitud nacional ya frágil de la época.
Un problema social que se integró dentro de la sociedad de los Estados Unidos fue la categorización de las minorías juntas como un solo grupo; los afroamericanos , los asiático-americanos , los judíos y los homosexuales fueron discriminados sin distinción. Sin embargo, la conciencia de este problema aumentó considerablemente a través de los males del nazismo y el Holocausto que se revelaron al mundo como resultado de este tipo de odio. [14] El antisemitismo se convirtió en un tema de discusión mundial después del sufrimiento soportado por el pueblo judío, y el cine de problemas sociales respondió con intentos de representar dicho problema. Algunas películas que abordaron el antisemitismo y el racismo durante este tiempo fueron Pinky (1949) y Home of the Brave (1949). Gentleman's Agreement (1947), en particular, sigue a un periodista que decide hacerse pasar por judío para comprender su experiencia. Los esfuerzos en Gentleman's Agreement fueron criticados por los críticos judíos por no ahondar realmente en la cultura judía en absoluto, así como por no profundizar lo suficiente en el efecto del Holocausto. La película también fue vista como una representación del antisemitismo como un hábito desagradable en lugar de una discriminación. [15] Sin embargo, a nivel comercial, la película tuvo éxito y logró afectar al público de una manera que redujo los sentimientos prejuiciosos hacia los judíos. [4]
Aunque el macartismo , en la forma del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes , atenuó parte del entusiasmo de Hollywood por las críticas de tendencia izquierdista a la sociedad estadounidense, [16] el género continuó de todos modos durante las siguientes dos décadas. La película de ciencia ficción de Robert Wise The Day the Earth Stood Still (1951) instaba a la cooperación internacional en materia de violencia y seguridad mundial en un entorno de desconfianza y paranoia nuclear de la Guerra Fría : el "mensaje" es literalmente entregado a la Tierra por un extraterrestre civilizado. Las diversas exposiciones del racismo de Stanley Kramer —The Defiant Ones (1958), Pressure Point (1962) y Guess Who's Coming to Dinner (1967)— se convirtieron en sinónimos del género. Además, las "películas de delincuencia juvenil" combinaban el tono censurador de las películas de problemas sociales con el cine de explotación y el melodrama .
Una serie de artículos periodísticos sobre la ineficacia de los centros de salud mental también condujeron a un aumento de la conciencia pública sobre el problema social de la atención de la salud mental . La actitud nacional de la época ya era frágil debido a la revelación pública de los horrores nazis. [13] Esto, combinado con el ambiente de desconfianza y las tensiones de la Guerra Fría, se reflejó en una gran cantidad de películas sobre la salud mental, la ineficacia del tratamiento y la forma en que se puede ayudar a las personas afectadas.
El género de problemas sociales reflejó particularmente bien los problemas de salud mental y adicción a través de películas como Bigger Than Life (1956), [17] que, en consecuencia, se basó en un artículo titulado "Ten Feet Tall" publicado en The New Yorker . [18] La película sigue a un protagonista en una relación familiar saludable y feliz que se ve obligado a tomar cortisona para una enfermedad rara, y finalmente abusa de la medicación, lo que luego resulta en problemas de salud mental. El hospital y los médicos en la película se muestran como incompetentes y poco dispuestos a creer nada de lo que les dice el paciente, incluso le suministran más cortisona cuando muestra un comportamiento de búsqueda de drogas .
Bigger Than Life también muestra un marcado cambio con respecto a las películas de problemas sociales del Hollywood clásico , que fue causado por una miríada de factores. En 1948, se instituyeron los Decretos Paramount después de un caso antimonopolio histórico por parte de los Estados Unidos contra los principales estudios de la época. Lo que siguió fue una restricción en muchas formas de distribución, comercialización y tiempo entre proyecciones de películas. Esto resultó en un cambio de poder de los principales estudios de la época, que, por lo tanto, necesitaban encontrar una nueva forma de comercializar sus películas. La creación de Cinemascope , que amplió la relación de aspecto permitiendo la visualización en pantalla ancha , fue vista como el comienzo del fin de la era clásica de Hollywood. Al tener acceso a estas nuevas tecnologías que también adaptaría la película de problemas sociales, Bigger Than Life exhibió un discurso menos didáctico , permitiendo en cambio una mayor interpretación por parte de la audiencia sobre cuál era el problema social. [19]
Un tema importante entre las películas de la década de 1970 fue la Guerra de Vietnam ; películas como The Deer Hunter (1978) y Apocalypse Now (1979) se centraron en exponer las condiciones extremas, tanto mentales como físicas, que enfrentan los soldados durante el despliegue.
Por otro lado, el cine de problemas sociales volvió a su tema común de los veteranos que regresaban, ejemplificado por la aclamada Coming Home (1978), que seguía a una mujer cuyo marido estaba de gira mientras ella trabaja como voluntaria en el hospital de veteranos y se hace amiga de un soldado lisiado. Sin embargo, la forma en que la película interactúa con la narrativa y con su audiencia demostró un cambio en la forma que reflejaba las actitudes de la época. El período de las décadas de 1960 y 1970 fue cuando se hizo evidente el feminismo de segunda ola , que generó conciencia sobre las desigualdades con respecto a muchos problemas sociales, aunque se centró principalmente en el feminismo de clase alta blanca . Esta conciencia nacional de los ideales feministas, combinada con un entorno de guerra que fue en gran medida un fracaso, así como la incapacidad de cuidar completamente a los veteranos, se expresa a través de la narrativa y los personajes de Coming Home , al tiempo que mantiene ciertos factores de la clásica película de problemas sociales. La feminización de la experiencia de Vietnam se puede ver a través del protagonista Luke, quien es capaz de permitir que Sally trascienda su papel como una esposa militar estereotipada, mientras que también se feminiza a medida que avanza en su regreso a la sociedad. Cuanto más pasivo y estereotípicamente femenino se vuelve, más se le permite dejar atrás los horrores de Vietnam. Este tipo de caracterización difiere mucho de los personajes vistos en anteriores películas de veteranos que regresaban y trataban problemas sociales, que a menudo retrataban al veterano como ultra masculino y a su esposa como una ama de casa tradicional . [20]
Además, la narrativa de Coming Home muestra una marcada diferencia con respecto a las películas de problemas sociales anteriores. En lugar de imponer un tema didáctico al público, la historia oscila entre el didactismo y la fórmula de un romance más propio de una telenovela . [21] (Como resultado, a veces es difícil discernir en qué quiere que nos centremos la película). Sin embargo, la película mantiene ciertas características de las películas de problemas sociales, como una narrativa centrada, un final con un discurso didáctico y el uso de actores no profesionales para representar a los veteranos en el hospital. [22]
A medida que Estados Unidos pasó a la era contemporánea , los problemas sociales que abarcaban al país se adaptaron para centrarse en diferentes aspectos de los problemas, especialmente en el caso de la inmigración y la experiencia de los veteranos , que aparecen con fuerza en el cine clásico de problemas sociales. Por ejemplo, el tema de Border Incident (1949) era la inmigración de trabajadores agrícolas migrantes de México. Las películas de problemas sociales sobre veteranos que regresaban Best Years Of Our Lives (1946) y Coming Home (1978) se centraron en el tratamiento y la rehabilitación de los veteranos.
En los Estados Unidos contemporáneos, una cuestión social de inmigración que ha sido relevante durante años es la idea del asilo para refugiados , mientras que las historias de los veteranos que regresan ahora se centran a menudo en la adicción a la guerra y la incapacidad de funcionar normalmente sin ella.
Los refugiados sudaneses , en particular, son el centro de atención ya que su país está plagado de una guerra civil, sin embargo, el asilo en los Estados Unidos había sido bloqueado debido a temores terroristas. Una película de problemas sociales contemporánea que aborda este tema es The Good Lie (2014), que sigue la vida de un grupo de niños sudaneses mientras escapan de su aldea a un campo de refugiados y llegan a Estados Unidos como adultos. El comienzo de la película hace un trabajo decente al representar la lucha que enfrentaron más de 25,000 niños mientras caminaban por África soportando los elementos, los animales y los soldados que intentaban matarlos, mientras sigue a los protagonistas mientras hacen el viaje ellos mismos, perdiendo algunos en el camino. [23] Utiliza técnicas clásicas como filmar en el lugar del campo de refugiados y el uso de refugiados reales como personajes de fondo. Sin embargo, la película tiene mucho más en común con la forma de películas de problemas sociales como Coming Home . No solo está protagonizada por una actriz famosa, Reese Witherspoon , sino que en última instancia utiliza el compromiso con la narrativa mucho más que tratar de predicar a su audiencia. A medida que el grupo protagonista llega a Estados Unidos, la película experimenta un cambio: pasa de mostrar la difícil situación de estos refugiados a una especie de choque cultural en el que luchan por adaptarse a las costumbres estadounidenses y se dan cuenta de la ineficacia de los sistemas burocráticos destinados a ayudarlos. Al igual que en Coming Home , el público no se encuentra en un espacio en el que la película se supone que sea puramente educativa, sino que se les anima a discernir el problema social del drama que se muestra. Esto se muestra en la frustración de algunos críticos que afirman que la trama parece fabricada y no se centra lo suficiente en ciertos problemas sociales. [24] Este aspecto particular del cambio de forma de la película sobre problemas sociales se debe en gran medida al deseo del público de entretenerse y saciarse con una historia bien formulada en la que participar. [25]
Otro ejemplo en el que esto se hace palpable es en la cambiante representación de los veteranos que regresan. Los efectos de la guerra en la sociedad estadounidense son fluidos dependiendo de la situación y los sentimientos nacionales de la época. Esto es evidente en el hecho de que las películas posteriores a la Segunda Guerra Mundial a menudo se centraron en el regreso a casa de los veteranos, fomentando la vida familiar y el apoyo conyugal, así como en la revelación de la capacidad de los humanos para cometer el mal, lo que dio lugar a incursiones en el abordaje de estos temas. Luego, durante Vietnam, el movimiento feminista combinado con sentimientos nacionales de arrepentimiento creó películas hipermasculinas que mostraban el horror de la batalla, pero también la difícil situación de los veteranos que regresaban y un enfoque más formalista de la narrativa en lugar de uno didáctico . [3] La era actual, entonces, se centra en el conflicto internacional dentro del Medio Oriente que ha creado una división en términos de ideología en los EE. UU. El cine de problemas sociales se ha adaptado para abarcar estos sentimientos a través de películas como Green Zone (2010), que aborda la idea de las falsas motivaciones para entrar en la guerra contra Irak .
Sin embargo, más pertinente para el género de películas de problemas sociales es la idea de los veteranos que regresan; mientras que el tratamiento de los veteranos se ha mostrado en la pantalla, el problema social contemporáneo va más allá de ese alcance, y más bien se adentra en las psiques de los propios soldados y los sistemas que perpetúan su situación. Esto se hace a través de la representación de la guerra como una adicción, otro tipo de problema social, una forma que las películas del siglo XX no consideraron. [26] Este es el caso de The Hurt Locker (2009), que retrata a un equipo de desactivación de artefactos explosivos en Irak. Aunque se filmó en locaciones en Jordania , utilizó actores no profesionales y se centró en un pequeño grupo de personas, la película está mucho más en línea con las películas de problemas sociales recientes en el sentido de que se centra en la caracterización , la narración y la estilización de la filmación para retratar su problema social más que en una predicación directa. La película es a la vez cinematográfica y visceral, entrelazando aspectos de la guerra en un estilo documental yuxtapuestos con el uso del sonido y los avances tecnológicos para crear una narrativa intensa y envolvente. Una vez más, se pretende que el espectador vea la vida hogareña mundana del protagonista en comparación con su experiencia en la gira, donde parece estar más a gusto. La película comienza con una cita que equipara la guerra con una droga y termina con el contador de "días de gira" del protagonista reiniciando a 0, lo que indica tanto las dificultades que enfrenta el personal militar como cómo los convierte en máquinas construidas para un propósito en lugar de soldados puramente motivados. [26] Estas escenas muestran un cambio palpable de decirle al público cómo sentirse a través de un monólogo final, a mostrar el problema y dejar que el público lo interprete por sí mismo.
Con el desarrollo de nuevas tecnologías como la televisión, era inevitable que la programación sobre temas sociales se hiciera evidente. Desde documentales por la justicia social hasta transmisiones públicas sobre temas locales, la televisión es accesible de maneras a las que no se puede acceder con las películas. Algunos programas como The Biggest Loser abordan un problema social específico como la obesidad en un entorno que se presenta como la realidad. Sin embargo, en realidad, todo está bastante guionizado. Los concursantes renuncian a sus derechos de crear su propia historia y son entrenados hasta el punto de derrumbarse, lo que no es una forma saludable de abordar la pérdida de peso. [27] Esta pseudorrealidad es problemática porque presenta un cierto problema social, junto con una solución viable, como la dieta y el ejercicio, pero no aborda los problemas culturales y los factores sistemáticos como la comida rápida barata en áreas afectadas por la pobreza.
El auge de las redes sociales ha llevado a una transformación de muchos sistemas establecidos, como la publicidad, las noticias, las protestas, las campañas y la exposición a otras culturas. La capacidad de conectarse instantáneamente con un evento que está ocurriendo y compartir algo con el público instantáneamente ha llevado a un nuevo desarrollo de redes a las que se puede acceder con un clic del mouse. [28] Así como estos otros aspectos de la vida se vieron afectados, también lo es la idea de la película de problemas sociales. La capacidad de los usuarios de obtener, a través de YouTube , videos reales de eventos que ocurren en la vida real en todo el mundo hace que sea más difícil para las representaciones fílmicas convertirse en la entidad didáctica que necesitan ser para encajar en el género. Por ejemplo, con más de 100.000 resultados para una búsqueda sobre imágenes de la guerra de Irak, se vuelve difícil representar un sentido de la realidad en el que el espectador pueda identificarse puramente, por lo tanto, la influencia artística del cineasta se vuelve más evidente. Esto combinado con el desarrollo de la programación de noticias a través de la televisión ha creado una especie de entorno en el que el cine de problemas sociales se vio obligado a cambiar de forma; el enfoque didáctico mayoritario ya no era satisfactorio ya que la gente tenía acceso a imágenes reales, por lo tanto, la implementación de una caracterización más profunda y narrativas más ricas se volvió relevante en las entradas más contemporáneas en este género. [29]
Un ejemplo de un programa televisivo controvertido sobre problemas sociales es Por trece razones, ya que trata el suicidio , la violación y el acoso escolar entre adolescentes . [30]
Las cuestiones sociales que aborda este género pueden incluir:
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