La música de Puerto Rico ha evolucionado como un producto heterogéneo y dinámico de diversos recursos culturales. Las fuentes musicales más conspicuas de Puerto Rico han incluido principalmente influencias africanas , indígenas taínas y europeas . La cultura musical puertorriqueña actual comprende una amplia y rica variedad de géneros, que van desde géneros esencialmente nativos como la bomba , el jíbaro , el seis , la danza y la plena hasta géneros híbridos más recientes como la salsa , el trap latino y el reggaetón . En términos generales, el ámbito de la "música puertorriqueña" debería comprender naturalmente la cultura musical de los millones de personas de ascendencia puertorriqueña que han vivido en los Estados Unidos, especialmente en la ciudad de Nueva York. Su música, desde la salsa hasta los boleros de Rafael Hernández , no puede separarse de la cultura musical de Puerto Rico en sí.
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La cultura musical de Puerto Rico durante los siglos XVI, XVII y XVIII está poco documentada. Sin duda, incluía la música trovadoresca española, la música sacra, la música de bandas militares y diversos géneros de música bailable cultivados por los jíbaros y los africanos esclavizados y sus descendientes. Si bien estos últimos nunca constituyeron más del 11% de la población de la isla, contribuyeron a que algunas de las características musicales más dinámicas de la isla se volvieran inolvidables y distintivas.
En el siglo XIX, la música puertorriqueña comienza a emerger a la luz histórica, con géneros notados como la danza que naturalmente están mejor documentados que géneros folclóricos como la música jíbara y la bomba y plena y el seis . Sin embargo, a principios del siglo XX, la “música jíbara” ganó impulso discográfico y comenzamos a ver a poetas o trovadores-jíbaros grabar música en Puerto Rico y Nueva York. Nombres como Alfonso Vélez, Johnny Albino, Ramito, Nito Méndez y Odilio González pasaron mucho tiempo en el estudio, influyendo en nuevos sonidos en el Caribe.
Los pueblos africanos de la isla utilizaban tambores hechos de madera dura tallada cubierta con cuero crudo sin tratar en un lado, generalmente hecho de piel de cabra. Una palabra popular derivada del criollo para describir este tambor era shukbwa , que se traduce como "tronco de árbol". Después de la llegada de los esclavos africanos, la bomba se convirtió en la música del pueblo.
(Inconcluso)
Si el término "música folklórica" se toma para referirse a géneros musicales que han florecido sin el apoyo de la élite [ aclaración necesaria ] y han evolucionado independientemente de los medios comerciales de comunicación, el ámbito de la música folklórica puertorriqueña comprendería la música jíbara, de origen principalmente hispano, la bomba afropuertorriqueña y la plena, esencialmente "criolla". Como estos tres géneros evolucionaron en Puerto Rico y son exclusivos de esa isla [ cita requerida ] , ocupan un lugar respetado [ se discute la neutralidad ] en la cultura de la isla, incluso si actualmente no son tan populares como la música contemporánea como la salsa o el reggaetón.
Los jíbaros son pequeños agricultores de ascendencia mixta que constituyeron la abrumadora mayoría de la población puertorriqueña hasta mediados del siglo XX. [1] Se los reconoce tradicionalmente como íconos románticos del cultivo de la tierra, trabajadores, autosuficientes, hospitalarios y con un amor innato por la canción y el baile. Sus instrumentos [2] eran parientes de la vihuela española, especialmente el cuatro , que evolucionó de cuatro cuerdas simples a cinco pares de cuerdas dobles, [3] y el tiple menos conocido. [4] Un grupo jíbaro típico en la actualidad puede presentar un cuatro, una guitarra y un instrumento de percusión como el güiro y/o el bongó. Las letras de la música jíbara generalmente están en forma de décima, que consiste en diez líneas octosílabas en el esquema de rima ABBA ACCDDC. La forma de décima deriva de la España del siglo XVI. Aunque en ese país se ha extinguido en gran medida (excepto en Canarias), se arraigó en varios lugares de América Latina, especialmente Cuba y Puerto Rico, donde se canta en diversos estilos. Una décima cantada puede ser compuesta de antemano, derivada de una publicación de algún literato o, idealmente, improvisada en el momento, especialmente en forma de “controversia” en la que dos poetas cantores intercambian insultos ingeniosos o discuten sobre algún tema. Entre las décimas, se pueden tocar improvisaciones animadas en el cuatro. Esta forma musical también se conoce como “típica” y “trópica”.
Las décimas se cantan con melodías preestablecidas, con patrones de acompañamiento de cuatro estandarizados. Alrededor de veinte de estos tipos de canciones son de uso común. Se agrupan en dos grandes categorías, a saber, seis (por ejemplo, seis fajardeño, seis chorreao) y aguinaldo (por ejemplo, aguinaldo orocoveño, aguinaldo cayeyano). Tradicionalmente, el seis podía acompañar el baile, pero esta tradición se ha extinguido en gran medida, excepto en espectáculos y festivales turísticos. El aguinaldo se canta más típicamente durante la temporada navideña, cuando grupos de juerguistas (parrandas) van de casa en casa, cantando canciones jíbaras y festejando. Los textos de aguinaldo generalmente no tratan sobre la Navidad y, a diferencia de los villancicos angloamericanos, generalmente los canta un solo mientras los demás juerguistas cantan el coro. En general, la temporada navideña es una época en la que es más probable escuchar música tradicional, tanto seis como aguinaldo. Afortunadamente, muchos grupos de puertorriqueños se dedican a preservar la música tradicional a través de la práctica continua.
La música jíbara comenzó a comercializarse en grabaciones comerciales en el siglo XX, y hay muchos poetas-cantantes como Ramito (Flor Morales Ramos, 1915-1990). Sin embargo, los propios jíbaros se estaban convirtiendo en una especie en peligro de extinción, ya que la agroindustria y la urbanización habían reducido drásticamente el número de pequeños agricultores en la isla. Muchas canciones jíbaras trataban en consecuencia las vicisitudes de la migración a Nueva York. La música jíbara en general ha declinado en consecuencia, aunque conserva su lugar en la cultura local, especialmente en la época navideña y en reuniones sociales especiales, y hay muchos cuatristadores, algunos de los cuales han cultivado un virtuosismo prodigioso.
Las referencias históricas indican que en las décadas de 1800 los esclavos de las plantaciones cultivaban un género de música y baile llamado bomba. A mediados del siglo XX, cuando comenzó a grabarse y filmarse, la bomba se interpretaba en variantes regionales en varias partes de la isla, especialmente Loíza, Ponce, San Juan y Mayagüez. No es posible reconstruir la historia de la bomba; varios aspectos reflejan la derivación congoleña, aunque algunos elementos (como lo sugieren los nombres de subgéneros como holandés ) provienen de otras partes del Caribe. Los elementos del Caribe francés son particularmente evidentes en el estilo bomba de Mayagüez, y se pueden ver sorprendentes paralelos coreográficos con el bélé de Martinica . Todas estas fuentes se mezclaron en un sonido único que refleja la vida de los jíbaros, los esclavos y la cultura de Puerto Rico.
En su canto de llamada y respuesta con ritmos basados en ostinatos tocados en dos o tres tambores achaparrados ( barriles ), la bomba se asemeja a otros géneros neoafricanos del Caribe. De clara procedencia africana es su formato en el que una sola persona emerge de un círculo informal de cantantes para bailar frente a los tambores, enfrentándose al baterista principal en una especie de duelo lúdico; después de bailar un rato, esa persona es reemplazada por otra. Si bien varios de estos elementos pueden rastrearse a orígenes en África o en otros lugares, la bomba debe considerarse una creación afropuertorriqueña local. Sus ritmos (por ejemplo, seis corridos, yubá, leró , etc.), movimientos de baile y letras de canciones que a veces imitan animales de granja (en español, con algunas palabras criollas francesas en el este de Puerto Rico) constituyen colectivamente un género puertorriqueño único.
En la década de 1950, el conjunto de orquesta de baile de Rafael Cortijo e Ismael Rivera interpretó varias canciones que habían etiquetado como "bombas"; aunque estas tenían algunas similitudes con el estilo sicá de bomba, en sus ritmos y arreglos de trompa también tomaron prestado notablemente de la música bailable cubana que había sido popular durante mucho tiempo en la isla. Dando origen a la música Charanga. A partir de la década de 1980, la bomba había declinado, aunque era enseñada, de manera algo formalizada, por la familia Cepeda en Santurce, San Juan, y todavía se interpretaba activamente de manera informal, aunque con mucho vigor, en los pueblos de Loíza, hogar de la entonces dinastía de bomberos de la familia Ayala. La bomba continúa sobreviviendo allí y también ha experimentado una especie de renacimiento, siendo cultivada por grupos folclóricos como Son Del Batey, Los Rebuleadores de San Juan, Bomba Evolución, Abrane y La Tribu, y muchos más en otras partes de la isla. En la ciudad de Nueva York, con grupos como Los Pleneros de la 21 , [5] miembros de La Casita de Chema y Alma Moyo. En Chicago, Buya y Afro-Caribe han mantenido viva y evolucionando la tradición. En California, Bomba Liberte, Grupo Aguacero, Bombalele, La Mixta Criolla, Herencia de los Carrillo y Los Bomberas de la Bahía son grupos que han promovido y preservado la cultura. Las mujeres también han jugado un papel en su resurgimiento, como en el caso del grupo exclusivamente femenino Yaya, Legacy Woman, Las Bomberas de la Bahía, Grupo Bambula (grupo originalmente femenino) y Ausuba en Puerto Rico.
También ha habido un fuerte compromiso con la bomba fusión. Grupos como Los Pleneros de la 21 y Viento De Agua han contribuido en gran medida a fusionar la bomba y la plena con el jazz y otros géneros. Yerbabuena ha generado un atractivo crossover popular. Abrante y La Tribu han hecho fusiones con el hip hop. Tambores Calientes, Machete Movement y Ceiba han fusionado los géneros con varias formas de rock and roll.
Las bombas afropuertorriqueñas , desarrolladas en las haciendas azucareras de Loíza, las zonas costeras del noreste, en Guayama y el sur de Puerto Rico, utilizan tambores de barril y panderetas, mientras que la versión rural utiliza instrumentos de cuerda para producir música, relacionados con los bongós. (1) “La bomba se baila en parejas, pero no hay contacto. Los bailarines desafían cada uno a los tambores y músicos con sus movimientos acercándose a ellos y realizando una serie de pasos rápidos llamados floretea piquetes, creando un discurso rítmico. A diferencia de las rutinas de baile normales, los bateristas son los que siguen a los intérpretes y crean un ritmo basado en sus movimientos. Las mujeres que bailan bomba a menudo usan vestidos o bufandas para realzar los movimientos corporales. [6] A diferencia de los términos de baile normales, los instrumentos siguen al intérprete.
Al igual que otras tradiciones similares, la bomba está ahora bien documentada en sitios como YouTube y en algunos documentales etnográficos.
Alrededor de 1900, la plena surgió como un humilde género folclórico proletario en los barrios urbanos de clase baja, en su mayoría afropuertorriqueños, de San Juan, Ponce y otros lugares. Posteriormente, la plena llegó a ocupar su nicho en la cultura musical de la isla. En su forma por excelencia, la plena es un género de canción folclórica informal, sin pretensiones y simple, en el que se cantan versos y estribillos alternados con el acompañamiento de tambores de marco redondos, a menudo caseros, llamados panderetas (como panderetas sin tintineos), tal vez complementados con acordeón, guitarra o cualquier otro instrumento que pueda ser útil. Una ventaja del arreglo de percusión es su portabilidad, lo que contribuye a la aparición espontánea de la plena en las reuniones sociales. Otros instrumentos que se escuchan comúnmente en la música de plena son el cuatro , las maracas y los acordeones .
El ritmo de la plena es un patrón binario simple, aunque un intérprete principal de pandereta podría agregar síncopas animadas. Las melodías de la plena tienden a tener una simplicidad "folclórica" sin pretensiones. Algunos versos tempranos de la plena comentaban anécdotas del barrio, como "Cortarón a Elena" o "Allí vienen las máquinas". Muchos tenían un sabor decididamente irreverente y satírico, como "Llegó el obispo", que se burlaba de un obispo visitante. Algunas plenas, como "Cuando las mujeres quieren a los hombres" y "Santa María", son conocidas en toda la isla. En 1935, el ensayista Tomás Blanco celebró la plena, en lugar de la anticuada y elitista danza, como una expresión del carácter racial y cultural fundamentalmente criollo, taíno o mulato de la isla. Las plenas todavía se interpretan comúnmente en varios contextos; Un grupo de amigos que asisten a un desfile o festival pueden llevar algunas panderetas y comenzar a cantar, o estudiantes que protestan o trabajadores en huelga pueden incorporar nuevas palabras a las melodías conocidas, que desde hace mucho tiempo han sido una forma habitual de protesta contra la ocupación y la esclavitud. Si bien los entusiastas pueden bailar ocasionalmente una plena, la plena no está típicamente orientada hacia la danza.
En las décadas de 1920 y 1930, las plenas comenzaron a grabarse comercialmente, especialmente por Manuel "El Canario" Jiménez , quien interpretó canciones antiguas y nuevas, complementando los instrumentos tradicionales con arreglos de piano y trompa. En la década de 1940, César Concepción popularizó una versión de plena para big band, lo que le dio al género un nuevo prestigio, en cierta medida a expensas de su vigor proletario y descaro. En la década de 1950, surgió una plena recién revitalizada interpretada por la banda más pequeña de Rafael Cortijo y el vocalista Ismael "Maelo" Rivera , que alcanzó una popularidad sin precedentes y modernizó la plena al tiempo que recuperaba su vitalidad terrenal. Muchas de las plenas de Cortijo presentan viñetas coloridas y evocadoras de la vida del barrio y brindaron un nuevo tipo de reconocimiento a la contribución dinámica de los afropuertorriqueños a la cultura de la isla (y especialmente a la música). Este período representó el apogeo de la popularidad de la plena como música popular comercial. Desafortunadamente, Rivera pasó gran parte de la década de 1960 en prisión y el grupo nunca recuperó su antiguo vigor. Sin embargo, la extraordinariamente masiva asistencia al funeral de Cortijo en 1981 reflejó la duradera popularidad del querido cantante. Sin embargo, para entonces, la popularidad de la plena había sido reemplazada por la de la salsa, aunque algunos grupos revivalistas, como Plena Libre , siguen actuando con su estilo animado, mientras que la plena "callejera" también se escucha en varias ocasiones.
A finales del siglo XVIII, la danza campestre (en francés, contradanza y en español, contradanza ) había llegado a prosperar como una danza recreativa popular, tanto en formas vernáculas cortesanas como festivas, en gran parte de Europa, reemplazando a bailes como el minueto. En 1800, una forma criolla del género, llamada contradanza, estaba prosperando en Cuba, y el género también parece haber existido, en formas vernáculas similares, en Puerto Rico, Venezuela y otros lugares, aunque la documentación es escasa. En la década de 1850, la contradanza cubana, cada vez más conocida como danza , estaba floreciendo tanto como una pieza de piano de salón como un elemento de banda de baile para acompañar el baile social, en un estilo que evolucionó desde el baile de figuras colectivas (como un baile cuadrado) hasta parejas independientes que bailan al estilo de salón (como un vals, pero en ritmo binario en lugar de ternario). Según los cronistas locales, en 1845 llegó un barco procedente de La Habana que transportaba, entre otras cosas, a un grupo de jóvenes que popularizaron un nuevo estilo de contradanza/danza, llamado confusamente "merengue". Este estilo se hizo muy popular en Puerto Rico, hasta el punto de que en 1848 fue prohibido por el mojigato gobernador español Juan de la Pezuela y Cevallos . Sin embargo, esta prohibición no parece haber tenido mucho efecto duradero, y el género recién revitalizado, ahora más comúnmente conocido como "danza", continuó floreciendo en formas claramente locales. Al igual que en Cuba, estas formas incluían piezas musicales interpretadas por conjuntos de danza, así como sofisticadas piezas clásicas ligeras para piano solo (algunas de las cuales podían ser interpretadas posteriormente por bandas de baile). La danza como un idioma para piano solo alcanzó su mayor apogeo en la música de Manuel Gregorio Tavárez (1843-1883), cuyas composiciones tienen una gracia y una grandeza que se asemejan mucho a la música de Chopin, su modelo. Las danzas de su discípulo, Juan Morel Campos (1857-1896), director de orquesta y compositor extraordinariamente prolífico que, como Tavárez , murió en su mejor momento (pero no antes de haber compuesto más de 300 danzas), alcanzaron mayor popularidad. Para la época de Morel Campos , la danza puertorriqueña había evolucionado hasta convertirse en una forma bastante distinta de la de sus contrapartes cubanas (por no hablar de las europeas). Particularmente distintiva era su forma consistente en un paseo inicial, seguido de dos o tres secciones (a veces llamadas "merengues"), que podían presentar una melodía "obbligato" cargada de arpegios tocada en el bombardino ( bombardino ) parecido a la tuba . Muchas danzas alcanzaron popularidad en toda la isla, incluida la pieza " La Borinqueña" .", que es el himno nacional de Puerto Rico. Al igual que otros géneros criollos caribeños como el danzón cubano, las danzas presentaban el insistente ostinato llamado "cinquillo" (aproximadamente, UNO-dos-TRES-CUATRO-cinco-SEIS-SIETE-ocho, repetido).
La danza siguió siendo vital hasta la década de 1920, pero después de esa década su atractivo se limitó a la élite hispanófila. Las danzas de Morel Campos , Tavárez , José Quintón y algunos otros todavía se interpretan y se escuchan en varias ocasiones, y algunos compositores más recientes han escrito sus formas idiosincrásicas de danzas, pero el género ya no es un idioma de baile social popular. Durante la primera parte de la danza bailando, al ritmo constante de la música, las parejas pasean por el salón; durante la segunda, con un ritmo animado, bailan en una posición de salón de baile cerrada y la orquesta comenzaría guiando a los bailarines en un "paseo", un elegante paseo por el salón de baile, permitiendo a los caballeros mostrar la gracia y belleza de su dama. Esta introducción romántica terminaba con un saludo de los caballeros y una reverencia de las damas en respuesta. Luego, la orquesta comenzaba y las parejas bailaban libremente por el salón de baile al ritmo de la música. [7]
Mucha música en Puerto Rico cae fuera de las categorías estándar de "música latina" y es mejor considerada como constituyendo variedades de "pop latino mundial". Esta categoría incluye, por ejemplo, a Ricky Martin (quien tuvo un éxito #1 en el Hot 100 en los EE. UU. con " Livin' La Vida Loca " en 1999), la banda de chicos Menudo (con su personal cambiante del cual Martin alguna vez fue miembro), Los Chicos , Las Cheris , Salsa Kids y Chayanne . Cantantes famosos incluyen al cantante de Despacito Luis Fonsi . Además, el cantante y guitarrista virtuoso José Feliciano nacido en Lares, Puerto Rico , se convirtió en una estrella del pop mundial en 1968 cuando su versión de soul latino de " Light My Fire " y el LP Feliciano! se convirtieron en grandes éxitos en los rankings estadounidenses e internacionales y permitieron a Feliciano ser el primer puertorriqueño en ganar premios Grammy, durante ese año. " Feliz Navidad " de Feliciano sigue siendo una de las canciones navideñas más populares.
Las raíces del reggaetón se remontan a la década de 1980, cuando el rapero puertorriqueño Vico C [ cita requerida ] . A principios de la década de 1990, el reggaetón se fusionó como un género más definitivo, utilizando el riddim "Dem Bow" derivado de una canción de Shabba Ranks con ese nombre, y se parecía aún más al dancehall jamaiquino en sus versos cantados en melodías simples y estilo estentóreo, y su énfasis (a través de letras, videos y personajes de artistas) en la fiesta, el baile, la fanfarronería, el "bling" y la sexualidad en lugar del comentario social de peso. Si bien el reggaetón puede haber comenzado como una versión en español del dancehall jamaiquino, en manos de artistas como Tego Calderón , Daddy Yankee , Don Omar y otros, pronto adquirió su sabor distintivo y hoy podría considerarse la música de baile más popular en el Caribe hispano, superando incluso a la salsa. [8]
El reggaetón es un género musical, significativamente explotado en Puerto Rico y en todo el mundo, que combina ritmos latinos, dancehall, hip-hop y rap. El reggaetón se asocia frecuentemente con características de " machismo ", orgullo masculino fuerte o agresivo. Desde que las mujeres se han unido a este género musical han estado subrepresentadas y han estado luchando por cambiar su imagen. [9] Esto inevitablemente está causando controversia entre lo que era el género y lo que es ahora. El reggaetón se ha transformado de ser una expresión musical con raíces jamaicanas y panameñas a ser " dembow ", un estilo más nuevo que ha cambiado el juego, [10] que se escucha principalmente en la República Dominicana. A pesar de su éxito, su reputación constante resalta la sexualidad en el baile, sus letras explícitas que tienen mujeres gritando frases sexualizadas de fondo y la vestimenta con la que se presentan las mujeres. En los años 90 y principios de los 2000, el reggaetón había sido objeto de persecución y censura en muchos países latinoamericanos por su naturaleza vulgar y grosera [ cita requerida ] . La censura puede verse como la forma del gobierno de reprimir a la gente y garantizar que la comunicación no sea fuerte entre la comunidad [ cita requerida ] . Desde entonces, muchas mujeres se han unido al reggaetón con la esperanza de cambiar las preconcepciones. Muchas de ellas han allanado el camino y tienen carreras exitosas, como la propia pionera femenina Ivy Queen , así como Karol G , Becky G y Rosalía , entre otras. Con fuertes influencias de Puerto Rico y Jamaica, el dembow se origina en la República Dominicana . Cuando Shabba Ranks lanzó la canción " Dem Bow " en 1990, el nombre se quedó y no pasó mucho tiempo para que se formara el género dembow. Los elementos principales de la música dembow son su ritmo repetitivo, que recuerda un poco al reggaetón y la música dancehall , pero más rápido. Los riddims se construyeron a partir de la canción y el sonido se convirtió en una parte popular del reggaetón . El ritmo y las melodías de la música dembow tienden a ser simples y repetitivos. [11] [12] [13] [14]
Ivy Queen nació como Martha Ivelisse Pesante el 4 de marzo de 1972 en Añasco, Puerto Rico. Después de escribir raps durante su juventud y competir en los años 90 en un club nocturno clandestino llamado The Noise, esto la llevó al comienzo de su carrera musical. Es considerada como la "Reina del Reggaetón". [15] Al principio de su carrera, fue muy difícil para ella ser tomada en serio en la industria del reggaetón porque el género es visto como misógino. Después de ser la primera mujer en producir éxitos como "Quiero Bailar", "Yo Perreo Sola", "Pa' La Cama Voy", "Te He Querido, Te He Llorado", Ivy Queen se ganó el respeto de mujeres y hombres por igual consolidando su lugar como "Reina del Reggaetón". Sin embargo, en el pasado, había habido controversia entre ella y el reggaetonero/rapero Anuel AA con respecto a su estatus como "Reina del Reggaetón" ya que no había tenido un éxito en años. [16] También insinuó que su novia, Karol G , debería ser la reina del reggaetón. Ivy Queen respondió diciendo que su carrera allanó el camino para que las artistas femeninas prosperen en este género. [17] En reacción a los comentarios hechos por su novio Anuel AA, Karol G respondió con un video, diciendo “Para Becky G , Natti Natasha, Anitta , Ivy Queen y todas las mujeres que me han demostrado respeto en todas mis redes sociales y entrevistas: He tenido el honor de decirles en persona lo mucho que admiro su trabajo y sus carreras, pero todos somos dignos de lo que tenemos porque nadie le ha regalado nada a nadie”. Continuó diciendo: “Esta es una corona, y nadie se la va a dar, por lo que han hecho. No busco un título, solo busco el éxito de mi carrera, como todos lo están haciendo todos los días. Levantarse por el sueño. A mi novio, solo quiero decirle gracias, porque sé lo que quería decir. Soy tu reina y me da mucho gusto que me veas así de grande porque me motivas. Todos vamos a hacer lo que nos gusta y trabajar por ello”. [18] Finalmente, Anuel AA haría las paces con Ivy Queen, y después de conocer a Ivy Queen, Karol haría que Ivy apareciera en su exitoso álbum de 2021 “ KG0516 ” en la canción de varios artistas “Leyendas”. La canción, en la que también participan Zion , Nicky Jam y Wisin y Yandel , abre con Ivy Queen cantando partes memorables de su canción más grande hasta la fecha, “Yo Quiero Bailar” antes de que Karol se una.
Ivy Queen ha sido una influencia para otras mujeres como Cardi B y Farina. Incluso hombres, como Bad Bunny , [19] la han mencionado como una influencia para sus letras. Su capacidad para competir entre los hombres que dominaban el reggaetón dio esperanza a otras mujeres que tenían intereses similares en la industria de la música. Su influencia y dominio en el género abrió el camino para que las mujeres ingresaran más fácilmente a la escena del reggaetón. Ella abrió un lugar para el empoderamiento de las mujeres, no solo para las mujeres puertorriqueñas, sino para todas las mujeres que son nuevas en el juego. [20]
Karol G es una cantante de reggaetón colombiana que ha realizado colaboraciones con artistas como Bad Bunny , Anuel AA y los artistas de reggaetón colombianos J Balvin y Maluma . [21] A lo largo de su carrera, Karol G ha tenido problemas en la industria porque el reggaetón es un género dominado por hombres. Ella relata cómo al comenzar su carrera notó que no había muchas oportunidades para ella en el género porque el reggaetón estaba dominado por artistas masculinos. [22] En 2018, el sencillo de Karol G "Mi cama" se hizo muy popular e hizo un remix con J Balvin y Nicky Jam. El remix de Mi cama apareció en el top 10 Hot Latin Songs y en el número 1 en las listas de Latin Airplay. [23] Este año ha colaborado con Maluma en su canción "Creeme", y con su interés amoroso, Anuel AA, en la canción "Culpables". El sencillo, "Culpables" ha estado en el top 10 Hot Latin Songs durante 2 semanas consecutivas. [21] El 3 de mayo de 2019, Karol G pudo lanzar su nuevo álbum llamado “Ocean”. [24]
Natti Natasha es una cantante de reggaetón dominicana que también se ha unido a la industria del reggaetón y ha incluido a Ivy Queen como una de sus influencias para su música. [25] En 2017 hizo un sencillo llamado "Criminal" que presenta al artista de reggaetón, Ozuna. Su sencillo "Criminal" se hizo muy popular en YouTube con más de 1.5 mil millones de visitas. [26] En 2018, Natti Natasha colaboró con el dúo puertorriqueño, RKM y Ken Y en su sencillo "Tonta". Más tarde también colaboró con la artista de reggaetón mexicana, Becky G en "Sin Pijama", que llegó al top 10 en las listas de canciones Hot Latin, Latin Airplay y Latin Pop Airplay. [27] Después de todas las colaboraciones que ha hecho Natti Natasha pudo lanzar su álbum llamado illumiNatti el 15 de febrero de 2019. [28] En 2021, se comprometió y quedó embarazada de su manager de toda la vida, Raphy Pina, el fundador puertorriqueño de Pina Records que también maneja a Daddy Yankee . El 22 de mayo de 2021, dio a luz a su hija. Su prometido actualmente cumple una condena de tres años y cinco meses por posesión ilegal de un arma de fuego.
La bachata, originaria de la República Dominicana , ha recibido un notable reconocimiento en Puerto Rico debido a sus fuertes lazos culturales con la República Dominicana, lo que permite una fusión de géneros musicales. Una de las principales influencias de la bachata temprana incluye el bolero cubano , el son cubano , el rock americano , el blues , la ranchera mexicana , el corrido y el merengue dominicano [29] [30] [31] La aparición de estilos musicales dominicanos como la bachata y el merengue en el reggaetón coincidió con la llegada a Puerto Rico del equipo de producción nacido en República Dominicana de Luny Tunes , aunque no se les atribuye únicamente este desarrollo. [32] En 2000, recibieron la oportunidad de trabajar en el estudio de reggaetón de DJ Nelson . Comenzaron a producir una serie de lanzamientos exitosos para artistas de reggaetón, incluidos Ivy Queen , Tego Calderón y Daddy Yankee . [32] "Pa' Que Retozen", una de las primeras canciones en combinar bachata y reggaetón apareció en el aclamado álbum El Abayarde (2002) de Tego Calderón. Presenta los inconfundibles sonidos de guitarra de la bachata dominicana, aunque no fue producida por Luny Tunes por DJ Joe. [32] Luny Tunes, sin embargo, en su álbum de estudio debut, Mas Flow (2003) incluyó un éxito de Calderón, "Métele Sazón". Exhibió los arpegios de guitarra característicos de la bachata, así como los riffs de piano característicos del merengue. [32] Después del éxito inicial de estas canciones, otros artistas comenzaron a incorporar la bachata con el reggaetón. Artistas como Ivy Queen comenzaron a lanzar sencillos que presentaban el sonido de guitarra característico de la bachata, un ritmo romántico más lento y un estilo de canto emocional exagerado. [32] Esto se refleja en los éxitos " Te He Querido, Te He Llorado " y "La Mala". [32] Lo que paso, paso de Daddy Yankee y Dile de Don Omar también reflejan esto. Otro uso de la bachata ocurrió en 2005 cuando los productores comenzaron a remezclar reggaetón existente con los sonidos de guitarra característicos de la bachata comercializándolo como bachatón y definiéndolo como "bachata, pero al estilo puertorriqueño". [32]
Artistas de Puerto Rico y/o de ascendencia puertorriqueña que han experimentado con la bachata y/o el bachatón incluyen a Trébol Clan , Daddy Yankee , Ivy Queen , Don Omar , Ozuna , Nicky Jam , Myke Towers , Bad Bunny , Romeo Santos , Toby Love , Alejandra Feliz , Yolandita Monge , Sonya Cortés , Domenic Marte , Tego Calderón , Héctor el Father , Tito El Bambino , Wisin & Yandel , Angel & Khriz , Chayanne , Ricky Martin , entre muchos otros. [32] [33] [34]
Aunque el bolero tiene su origen en Cuba, ya había llegado a Puerto Rico en el siglo XX, donde se popularizó en la isla a través de las primeras emisoras de radio en 1915 y era tanto disfrutado como compuesto e interpretado por puertorriqueños, incluidas figuras tan destacadas como Rafael Hernández , Daniel Santos , Pedro Flores , Johnny Albino , Odilio González , Noel Estrada , José Feliciano , Trío Vegabajeño y Tito Rodríguez , entre muchos otros. Similar al género del bolero en Cuba, el bolero en Puerto Rico suele combinarse con otros géneros de origen cubano y puertorriqueño, como la bomba , la danza , la plena , el jíbaro, la guaracha , el mambo , la rumba , el cha-cha-chá y la salsa .
Aunque el merengue es un tipo de música y baile que tiene sus orígenes y también tiene una asociación muy fuerte con la República Dominicana , se extendió por toda América Latina y los Estados Unidos , incluido Puerto Rico . [35] [36] La coreografía del merengue de salón es un paso lateral básico de dos pasos, pero con un difícil giro de la cadera hacia la derecha, lo que lo hace algo difícil de realizar. Los dos compañeros de baile se ponen en una posición similar al vals. Luego, la pareja da pasos laterales, conocidos como Paso de la empalizada o "paso de cerca de palo", seguido de un giro en el sentido de las agujas del reloj o en el sentido contrario. Durante todos los pasos de baile del merengue de salón, la pareja nunca se separa. El segundo tipo de merengue se llama Merengue de Figura o Merengue de Figura. La pareja que baila hace giros individuales sin soltar las manos de la pareja y aún manteniendo el ritmo del compás. [37] Los intérpretes populares de merengue de Puerto Rico incluyen a Elvis Crespo , Olga Tañón , Gisselle , Manny Manuel , Grupo Mania , Limi-T 21 , entre muchos otros. [35] [36] El merenhouse , que es un subgénero del merengue que se forma mediante el rap e incluye influencias del hip-hop , el dancehall y el latin house , se formó en la ciudad de Nueva York a fines de la década de 1980. A Lisa M , quien fue la primera rapera latina importante que nació y se crió en San Juan, Puerto Rico, a menudo se le atribuye el mérito de hacer la primera canción en el género merenhouse. Principalmente acreditada en su segundo álbum No Lo Derrumbes, que se lanzó en 1990. [38]
La salsa es otro género musical que se originó a partir de la fusión de estilos cubano y puertorriqueño, especialmente la música bailable cubana de los años 50, pero que en los años 60 y 70 se convirtió en un género internacional, cultivado con especial celo y excelencia en Puerto Rico y por los puertorriqueños en la ciudad de Nueva York. Formas como la charanga fueron enormemente populares entre los puertorriqueños y los nuyoricans quienes, en efecto, rescataron este género que se había estancado y limitado solo a Cuba en los años 60, dándole nueva vida, nuevo significado social y muchas innovaciones estilísticas nuevas. Salsa es el nombre que adquirió la forma modernizada de música bailable de estilo cubano/puertorriqueño que fue cultivada y rearticulada a partir de fines de los años 60 por los puertorriqueños en la ciudad de Nueva York y, posteriormente, en Puerto Rico y otros lugares. Si bien la salsa pronto se convirtió en un fenómeno internacional, prosperando en Colombia, Venezuela y otros lugares, Nueva York y Puerto Rico siguieron siendo sus dos epicentros. Particularmente prominentes en la isla fueron El Gran Combo , Sonora Ponceña y Willie Rosario , así como las estrellas de la " salsa romántica " de orientación más pop de los años 1980 y 1990. (Para mayor información, consulte la entrada sobre " música salsa ").
Otros exponentes populares nuyoricanos y puertorriqueños de estos géneros han sido Tito Puente , Tito Rodríguez (cantante de guaracha y bolero), los pianistas Eddie Palmieri , Richie Ray y Papo Lucca , el conguero Ray Barreto , el trombonista y cantante Willie Colón , y los cantantes La India , Andy . Montañez , Bobby Cruz , Cheo Feliciano , Héctor Lavoe , Ismael Miranda , Ismael Rivera , Tito Nieves , Pete El Conde Rodríguez y Gilberto Santa Rosa .
Puerto Rico ha tenido su escena musical tanto para artistas de reggae como de dancehall , además del género local reggaetón , que había evolucionado en Puerto Rico principalmente a través de influencias de reggae y dancehall de Panamá y Jamaica . [39] [40] Artistas y bandas locales como Cultura Profética , Millo Torres y El Tercer Planeta y Gomba Jahbari han recibido un reconocimiento notable en la isla, así como otros actos de reggae y dancehall en Puerto Rico. El reggae en Puerto Rico utiliza elementos como arreglos intrincados de trompetas y progresiones de acordes para distinguirlo de otros estilos de reggae, especialmente el reggae jamaiquino. También se canta principalmente en español y/o inglés , aunque el reggae puertorriqueño también se puede cantar en otros idiomas. Su variación del reggae también ha sido influenciada por otros géneros musicales como la salsa , que se originó en Puerto Rico, y la música jazz que vino de los Estados Unidos , ya que a sus músicos locales de reggae y dancehall les gusta experimentar con otros géneros y combinarlos con su estilo de reggae. [41] [42] [43] [44] [45]
La isla alberga dos orquestas principales, la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico y la Orquesta Filarmónica de Puerto Rico. El Festival Casals se lleva a cabo anualmente en San Juan y atrae a músicos clásicos de todo el mundo. Desde el siglo XIX han existido diversos compositores puertorriqueños, entre ellos Felipe Gutiérrez Espinosa, Manuel Gregorio Tavárez , Juan Morel Campos , Arístides Chavier , Julio C. Arteaga y Braulio Dueño Colón . A principios del siglo XX encontramos a José Ignacio Quintón , Monsita Ferrer y José Enrique Pedreira . Hacia mediados del siglo XX apareció una nueva ola de compositores, algunos de ellos con un grado significativo de nacionalismo. En este grupo se encuentran Amaury Veray, Héctor Campos Parsi , Jack Delano y Luis Antonio Ramírez . Con lenguajes más contemporáneos llega la escena musical de Rafael Aponte-Ledée y Luis Manuel Álvarez. A partir de los años 1970, un buen número de músicos se suman a la lista y, aunque con diferentes estilos, todos tenían un imponente sabor internacional. A este grupo pertenecen Ernesto Cordero , Carlos Alberto Vázquez, Alfonso Fuentes, Raymond Torres-Santos , Alberto Rodríguez, William Ortiz-Alvarado , José Javier Peña Aguayo, Carlos Carrillo y Roberto Sierra .
A medida que las condiciones sociales y la decadencia urbana hicieron mella en los proyectos de la ciudad de Nueva York durante la década de 1970, los negros y los puertorriqueños se vieron igualmente afectados. Como una forma de hacer frente al caos que se estaba produciendo en Nueva York, tanto los puertorriqueños como los negros trabajaron juntos para colaborar en la música rap que ayudaría a expresar su arte creativo. Como escribió Deborah Pacini Hernández en su artículo, " Oye Cómo Va! Hibridez e identidad en la música popular latina", muchas de las formas en que los negros y los puertorriqueños hicieron frente a sus luchas fue a través de "graffiti, DJ, maestros de ceremonias, break dance y moda: los elementos culturales que componen el hip-hop". (56) A medida que la música hip-hop ganó prominencia, quedó claro que los puertorriqueños tenían una influencia en la industria del hip-hop, desde el break dance hasta el sonido de la música.
"Hablar de los puertorriqueños en el rap significa desafiar la sensación de amnesia instantánea que envuelve la expresión cultural popular una vez que se ve atrapada en la lógica de la representación comercial. Implica esbozar contextos y secuencias históricas, rastrear tradiciones y antecedentes, y reconocer que el hip-hop es más y diferente que las imágenes, poses y fórmulas simuladas a las que el discurso público del entretenimiento mediático tiende a reducirlo. La década y más de retrospectiva que proporciona la participación puertorriqueña muestra que, en lugar de un nuevo género musical y sus adornos estilísticos acompañantes, el rap constituye un espacio para la articulación de la experiencia social. Desde esta perspectiva, lo que ha surgido como "rap latino" tomó forma primero como una expresión del territorio cultural compartido y disputado por los afroamericanos y los puertorriqueños a lo largo de sus décadas como vecinos, compañeros de trabajo y "homies" en las comunidades del centro de la ciudad". – Juan Flores, Puerto Rocks: Rap, Roots and Amnesia [46]
A pesar de que los puertorriqueños tuvieron un gran impacto en el auge del hip-hop a finales de la década de 1970, lucharon por recibir crédito ya que el hip-hop fue retratado a través de los medios como un género predominantemente negro. En lugar de cambiar de género, tuvieron que encontrar otras formas de ocultar sus identidades culturales. Por ejemplo, DJ Charlie Chase fue uno de los primeros artistas puertorriqueños en irrumpir en la escena con su grupo, los Cold Crush Brothers , pero fue la única persona del grupo original que no era negro. Dijo que sabía que tenía que cambiar su nombre porque si salía a actuar como Carlos Mendes, es posible que no hubiera recibido el crédito o la atención que merecía.
Sin embargo, raperos como DJ Charlie Chase prepararon el terreno para un mayor éxito en el futuro. Debido al desarrollo de los puertorriqueños en el hip-hop, artistas como Big Pun , Daddy Yankee , Fat Joe , Swizz Beats , Young MA , Calle 13 (banda) han tenido más éxito. Lin-Manuel Miranda logró el reconocimiento universal con su ópera-musical Hamilton (musical) , que mezcla influencias del rap y la música clásica.
La danza es un arte escénico relacionado con la expresión de ideas y valores. La actividad se asocia con el ejercicio debido a los movimientos necesarios para ejecutar patrones de baile específicos. En Puerto Rico, la danza se considera parte de la cultura que se transmite de generación en generación y se practica en fiestas y celebraciones familiares y comunitarias.
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La danza ha sido influenciada por las diferentes culturas de los nativos taínos, los españoles y los esclavos africanos. Desde tiempos precolombinos, la danza siempre ha sido parte de la cultura de Puerto Rico y ha evolucionado de acuerdo con los cambios sociales y demográficos. Las primeras danzas documentadas por los primeros historiadores fueron las danzas taínas de areyto que eran cantadas por un coro, musicalizadas y dirigidas por un guía. Practicaban la narración de cuentos mientras el guía indicaba los pasos y las canciones que debían repetirse hasta que la historia terminara. Las danzas de origen europeo también se hicieron populares entre los campesinos y los colonos de la parte central de la isla y rápidamente adquirieron características únicas de ritmo, instrumentación, interpretación e incluso moda.
A medida que la población taína disminuía, aparecieron en la isla danzas españolas, africanas y, a partir de 1898, norteamericanas, que se arraigaron y se desarrollaron en las montañas, en la costa y en las ciudades. [47]
Después de que la isla fue conquistada por España, la música y el baile de Puerto Rico consistieron en una combinación de estilos musicales armoniosos tomados de las culturas española, africana y otras culturas europeas, creando el estilo característico de baile latino de Puerto Rico. [37]
Se refiere a la mezcla de diferentes ritmos compuestos por diferentes bailes latinos, africanos y caribeños. Se dice que la salsa se creó por primera vez alrededor de la década de 1960 y se hizo popular en el mundo no latino drásticamente. El baile de la salsa es similar al baile del mambo. [37] [48]
El baile de salsa se estructura en patrones de seis pasos que se expresan en ocho tiempos de la música. Los ocho pasos diferentes incluyen seis movimientos con dos pausas. El patrón del baile es 1, 2, 3 y pausa para 4, movimiento para 5, 6, 7 y pausa para 8. Los pasos básicos son (1) el paso hacia adelante y hacia atrás: este paso consiste en dos pasos de balanceo que entran y salen de los movimientos. El segundo paso se conoce como el paso básico de baile lateral, es similar al primer paso excepto por este paso, los movimientos son hacia el lado. Las sensaciones y los giros de lado a lado son aspectos significativos del baile de salsa. [49]
El baile Cha Cha Chá se originó en Cuba . Antes de comenzar el baile, uno sabe cómo contar el Cha Cha Chá. Los siguientes son los primeros pasos básicos: (1) Cuente el Cha Cha Chá en "paso de roca, paso triple y luego paso de roca". (2) Finalmente, cuente hasta tres "1,2,3 Cha Cha Chá", lo que da como resultado los tres tiempos completos y dos medios tiempos del baile. La segunda categoría se conoce como el Cha Cha Chá básico lateral, el movimiento básico más utilizado del baile. Es similar al anterior excepto por el paso triple hacia el lado en lugar de en el lugar. El tercer paso se conoce como "axila en Cha Cha Chá" y muestra cómo hacer los pasos de la dama hacia la derecha con la axila. Basándose en el paso anterior, los hombres pueden no tener problemas, pero las mujeres deben saber el punto de giro exacto. El baile recibe su nombre de los sonidos de raspado que producen los pies de los bailarines. [50]
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