La rumba congoleña , también conocida como rumba africana , es un género musical de baile originario de la República del Congo (antes Congo Francés ) y la República Democrática del Congo (antes Zaire ). Con sus ritmos , melodías y letras, la rumba congoleña ha ganado reconocimiento mundial y sigue siendo una parte integral del patrimonio musical africano . En diciembre de 2021 fue añadido a la lista de patrimonio cultural inmaterial de la UNESCO . [1] [2] [3]
Surgido a mediados del siglo XX en los centros urbanos de Brazzaville y Léopoldville (ahora Kinshasa ) durante la era colonial, las raíces del género se remontan a la música de baile en pareja Bakongo conocida como maringa , que se practicaba tradicionalmente en el antiguo Reino de Loango. , que abarca regiones de la actual República del Congo , el sur de Gabón y la provincia de Cabinda en Angola. [4] [5] [6] El estilo ganó prominencia en las décadas de 1920 y 1940, introduciendo el advenimiento de la cultura del " baile de bar " en Brazzaville y Léopoldville, que incorporaba elementos distintivos como un bombo , una botella empleada como triángulo , y un acordeón conocido como likembe . [5] [7] [8] [9] A mediados de los años 1940 y 1950, la influencia de las bandas de son cubanas transformó la maringa en "rumba congoleña", como lo fueron los discos importados del Sexteto Habanero , el Trío Matamoros y Los Guaracheros de Oriente. frecuentemente atribuido erróneamente como "rumba". [10] [11] Las décadas de 1960 y 1970 vieron el surgimiento del soukous , un estilo de música de baile urbana que emanó de la rumba congoleña, imbuyéndola de ritmos animados, intrincadas melodías de guitarra agudas y grandes secciones de percusión polirrítmica y de metales. [12]
La rumba congoleña se caracteriza por su distintiva sección instrumental sébène , que emplea arpegios , cambios rápidos de acordes y adornos melódicos . [13] [14] En particular, el estilo emplea con frecuencia una tercera guitarra conocida como mi-solo , en la que la guitarra rítmica establece un patrón cíclico básico , y el " mi-solo y la guitarra solista crean intrincadas líneas entrelazadas", con "mi -solo" es un "puente entre la guitarra solista extáticamente aguda y la guitarra rítmica grave". [15] [16] [17] Líneas de bajo maravillosas , ritmos pegadizos basados en ostinato o frases en bucle y ritmos bailables también son elementos típicos del género. [18] [19]
El estilo ha ganado gran popularidad en África, llegando a países como Tanzania, Kenia, Uganda, Ruanda, Zimbabwe, Madagascar, Zambia, Costa de Marfil, Gambia, Nigeria, Ghana, Sudán del Sur, Senegal, Burundi, Malawi y Namibia. Además, ha encontrado seguidores en Europa, particularmente en Francia, Bélgica, Alemania y el Reino Unido, así como en Estados Unidos, como resultado de las giras de músicos congoleños, que han actuado en varios festivales a nivel internacional. Músicos como Henri Bowane , Wendo Kolosoy , Franco Luambo Makiadi , Le Grand Kallé , Nico Kasanda , Tabu Ley Rochereau , Sam Mangwana , Papa Noel Nedule , Vicky Longomba y Papa Wemba han hecho importantes contribuciones al género, ampliando sus límites e incorporando Elementos musicales modernos. [20] [21] [1]
Según la africanista Phyllis Martin, el estilo inicial de la rumba congoleña tenía sus raíces en la música de baile agbaye y la maringa , una música de baile asociada al Congo que se practicaba en el antiguo Reino de Loango . [22] [4] Inicialmente, las melodías locales se creaban utilizando instrumentos como el likembe , una botella golpeada con una varilla de metal y un pequeño tambor cubierto de piel llamado patenge . Sin embargo, en la década de 1920, los acordeones y las guitarras acústicas reemplazaron al likembe en las bandas de maringa . [22]
A principios de la década de 1940, la Orquesta Odéon Kinois fue pionera en la sección instrumental de la rumba congoleña conocida como sébène , que surgió como una característica definitoria de la rumba congoleña contemporánea. [23] [24] [25] Este estilo incorpora arpegios, cambios rápidos de acordes y adornos melódicos. [26] [27] Durante la sección instrumental de sébène, la sección rítmica se detiene, creando un espacio abierto para riffs de guitarra intrincados y sincopados. [28]
A mediados de los años 1940 y 1950, los ritmos afrocubanos sincopados de las bandas de son cubanas ejercieron una influencia significativa en la rumba congoleña. Esto se puede ver en las estructuras rítmicas, las melodías de la guitarra solista y los patrones de bajo basados en tumbao típicos del son montuno . El siguiente ejemplo es de la rumba congoleña "Passi Ya Boloko", de Franco Luambo Makiadi y OK Jazz (c. mediados de los años cincuenta). [29] El bajo toca un tumbao a base de tresillo , típico del son montuno. La guitarra rítmica toca todos los tiempos poco convencionales, el patrón exacto de la guitarra rítmica en el son cubano. Según la Garland Encyclopedia of World Music , la parte de guitarra solista "recuerda los solos de guitarra con tintes de blues que se escuchaban en la música bluegrass y rockabilly de la década de 1950, con su característica insistencia en la oposición del tercer mayor y el tercer grado menor del escala." [30]
Una etimología propuesta para el término " rumba " es que deriva de la palabra Kikongo nkumba , que significa " ombligo ", y que denota la danza nativa practicada en el antiguo Reino del Congo , que abarca partes de la actual República Democrática del Congo . República del Congo y Angola . [31] [32] [33] Su base rítmica se basa en las tradiciones bantúes , en particular la religión Palo Kongo , que se remonta al pueblo Kongo que fue transportado sin ceremonias a Cuba por los colonos españoles en el siglo XVI. [34] [35] [36] [37]
El tratado de Miguel Ángel Barnet Lanza Sobre los cultos congoleños de origen bantú en Cuba explica que la mayoría de los africanos esclavizados traídos a Cuba eran inicialmente de linaje bantú , aunque posteriormente, los yoruba de Nigeria se hicieron dominantes. [38] Las tradiciones musicales, las formas de danza y las prácticas espirituales se preservaron encubiertamente a través de generaciones dentro de regiones caracterizadas por poblaciones significativas de africanos esclavizados. [39] Instrumentos musicales como la conga , makuta , catá , yambu, claves , güiro y cajón de rumba se utilizaron para elaborar un diálogo musical que involucraba llamadas y respuestas con espíritus ancestrales y los difuntos. [40] [34] Figuras notables como Arsenio Rodríguez combinaron sonidos tradicionales del Bakongo con el son cubano . [37]
Según Leisure and Society in Colonial Brazzaville de Phyllis Martin , la popular música de baile en pareja en el antiguo Congo francés y el Congo belga , que ahora constituyen la República del Congo y la República Democrática del Congo, respectivamente, se conocía como maringa . [5] La maringa era una danza bakongo similar a la alta vida de África occidental y se practicaba históricamente en el antiguo Reino de Loango , cubriendo áreas en la actual República del Congo, el sur de Gabón y la provincia de Cabinda en Angola. [4] La danza involucraba un pequeño tambor cubierto de piel llamado patenge para contrarritmos , una botella que funcionaba como un triángulo y un acordeón conocido como likembe , con siete a nueve lengüetas de acero. [5] Los movimientos distintivos de los bailarines de maringa implicaban un movimiento rítmico de la cadera que desplazaba el peso del cuerpo alternativamente de una pierna a la otra, lo que recuerda a la danza de la rumba afrocubana , que más tarde eclipsó danzas y formas musicales más antiguas. [5] La inclinación por la danza en pareja atravesó la región del Congo en 1930. [5] El profesor de etnomusicología Kazadi wa Mukuna de la Universidad Estatal de Kent explica que muchos propietarios de estudios de grabación de la época intentaron reinterpretar el término maringa infundiéndole la nueva "rumba". "ritmo conservando su nombre original. [10] Martin también observa que la sociedad blanca en Brazzaville, al igual que en otros lugares, desarrolló un interés en la música de baile latinoamericana , particularmente la rumba, después de haber sido presentada y respetada en la Feria Mundial de Chicago de 1932. [41] Sin embargo, tanto la élite blanca como la aristocracia africana abrazaron predominantemente el tango y la biguine , una danza que recuerda a la samba brasileña pero originaria de Martinica , junto con otras danzas transatlánticas. [41]
En 1934, Jean Réal, un director de entretenimiento francés de Martinica, acuñó el término "Rumba Congo" cuando fundó un conjunto con ese nombre en Brazzaville en 1938. [11] [5] Clément Ossinondé, un musicólogo congoleño especializado en música congoleña , señala que entre los músicos congoleños afiliados a Congo Rumba, Gabriel Kakou y Georges Mozebo fueron figuras prominentes que contribuyeron decisivamente a popularizar el género y asesorar a músicos locales emergentes. [42] [43] [44]
La importante afluencia de estudiantes de África Central a la Ecole Exécutive de Brazzaville y la construcción del Ferrocarril Congo-Océano , que atrajo a una importante fuerza laboral migrante de África Central y Occidental entre 1930 y 1934, catalizó la evolución de la rumba congoleña en Brazzaville. [45] Emmanuel Okamba, un musicólogo congoleño, postula que estos trabajadores de África Occidental introdujeron el ritmo de la alta vida , tocado en un gran tambor, que delineó el tempo del género musical emergente. [45] Explica además que Zacharie Elenga (conocido popularmente como Jhimmy Zakari), introdujo un ritmo inspirado en un sonido cubano, dominado por el highlife y la polka . [45] Algunos musicólogos afirman que estos trabajadores inmigrantes desempeñaron un papel fundamental en la creación del componente instrumental de la rumba congoleña conocido como sebene , aunque esta afirmación es a menudo debatida, y otros musicólogos acreditan a la Orquesta Odéon Kinois de Antoine Kasongo, Antoine Wendo Kolosoy, Henri Bowane , y Félix Manuaku Waku en su lugar. [46] [47] [48] [49] [50] Según Rumba on the River: A History of the Popular Music of the Two Congos del musicólogo británico Gary Stewart , algunos estudiosos incluso remontan los orígenes del sebene a géneros de transición en Brazzaville. , como el kebo. Stewart expone que el segmento donde se produjo la mayor parte del baile fue designado como sebene. Un diccionario lingala define sebene como danza, aunque el momento preciso de su integración lingüística sigue siendo ambiguo. [51]
El conjunto vocal Bonne Espérance surgió en 1935, concebido por el organista Albert Loboko, conocido como "Nyoka", futbolista congoleño nacido en Mossaka y compañero de escuela de Paul Kamba. [45] Acompañada por los músicos Raymond Nguema, Joseph Botokoua y Bernardin Yoka, Bonne Espérance interpretó su música en lugares como Chez Mamadou Moro y el Cercle Culturel Catholique de Poto-Poto en Brazzaville. [45] Después de su regreso de Mindouli , donde trabajó como contador en Congo-Ocean Railway, Kamba introdujo un "nuevo lenguaje musical" que incorporaba instrumentos de cuerda y teclado. [45] A principios de 1937, se estableció en Bacongo el conjunto musical Mannequin , bajo la dirección de François Bamanabio, quien, junto a Massamba Lébel, fundó más tarde la orquesta Jazz Bohème. [45] Sin embargo, los arreglos de Réal y la inclusión de instrumentos contemporáneos a músicos locales más tarde ese año confirieron ventajas sustanciales a los artistas nativos de Brazzaville, incluidos Alphonse Samba, Michel Kouka, Georges Nganga, Côme Batoukama (guitarra), Vital Kinzonzi (acordeón), Emmanuel Dadet. (saxofón, guitarra y más) y Albert Loboko ( banjo , piano, guitarra). [42] [52] Posteriormente surgieron cuatro bandas de música en Brazzaville, incluida la Fanfare Militaire, la Fanfare de la Milice, la Fanfare Catholique y la Fanfare Municipale. [53] Dadet y Antoine Kasongo fueron pioneros en la interpretación contemporánea de la música folclórica congoleña incorporando nuevas influencias en sus canciones. [53] Dadet, que dominaba el saxofón, el clarinete y la guitarra, ideó un estilo musical caracterizado por la " polifonía libre ", inspirado en los solistas de jazz. [53] Su conjunto, Melo-Congo, obtuvo elogios entre la élite blanca, interpretando un repertorio diverso que iba desde valses y foxtrots clásicos hasta rumba , biguines y tangos contemporáneos . [5] El conjunto reforzó la prominencia de artistas locales como Pierre Mara, Georges Ondaye, Jean-Marie Okoko, Philippe Ngaba, Pierre Kanza, Casimir Bunda, Jean Dongou, Augustin Thony, André Tsimba, Pierre Loemba, Barète Mody, Pascal Kakou. , Félix Maleka y Botokoua. Melo-Congo tuvo un gran éxito, actuando en Poto-Poto en el bar de baile PICKUP, luego en salas de baile como Chez Faignond, Macumba, Beauté Brazza, Chez Ngambali, Mon Pays y Léopoldville. [53] [5] [43]
A medida que la música prosperaba en Brazzaville, el acordeonista Camille Feruzi, originario de Kisangani , se mudó a Léopoldville a la edad de 15 años, donde fundó uno de los conjuntos de maringa profesionales más notables de la ciudad : un cuarteto con piano, guitarra acústica, saxofón y el instrumento preferido de Feruzi. , el acordeón. [54] [55] [56]
En agosto de 1941, Paul Kamba formó el conjunto Victoria Brazza en Poto-Poto, acompañado por Henri Pali Baudoin, Jacques Elenga Eboma, Jean Oddet Ekwaka, François Likundu, Moïse Dinga, Philippe Moukouami, Paul Monguele, François Lokwa, Paul Wonga, Joseph Bakalé. y Auguste Boukaka. [45] La sección rítmica del conjunto incorporó el ritmo de la maringa e instrumentos tradicionales, incluido un bombo, un patengé , campanas (que recuerdan a las maracas colocadas en los perros de caza), campanas dobles conocidas como ekonga , un likembe e instrumentos modernos como un acordeón. , una guitarra, una mandolina , un banjo y una raqueta . Esta fusión de sonidos programables modernos y la resonancia intuitiva de la maringa con instrumentos tradicionales no programables surgió como una característica definitoria de la "rumba congoleña moderna". [45]
A mediados de los años 1940 y 1950, la música de grupos de son cubanos, como Sexteto Habanero , Trio Matamoros y Los Guaracheros de Oriente, se reproducía en Radio Congo Belge en Léopoldville, ganando popularidad en el país durante las décadas siguientes. [57] [58] La música de baile de Maringa , aunque no tiene relación con la rumba cubana, pasó a ser conocida como "rumba congoleña", ya que los discos importados del Sexteto Habanero y el Trío Matamoros a menudo eran etiquetados erróneamente como "rumba". [10] Varios artistas y grupos surgieron en la escena musical congoleña, siendo Paul Kamba, Zacharie Elenga y Antoine Wendo Kolosoy los pioneros. [43] [5] [42] [59]
Elenga revolucionó el ritmo de la rumba congoleña al introducir los solos de guitarra en el cartel musical e instituir una formación musical que incluía una guitarra rítmica , una guitarra solista , un contrabajo , un saxofón e instrumentos de percusión. [60]
La orquesta Odéon Kinois, dirigida por Antoine Kasongo, desempeñó un papel fundamental en el desarrollo de la rumba congoleña moderna a finales de la década de 1940, en particular al ser pionera en la sección instrumental sébène, interpretada por el guitarrista Zacharie Elenga durante su breve paso por el grupo. antes de unirse a Opika . [61] [53] [62]
Con el apoyo de sellos de propiedad blanca como Olympia y Ngoma , Antoine Kasongo y su conjunto, apoyados por las contribuciones vocales de Ninin Jeanne y Mpia Caroline, lanzaron una serie de canciones, entre ellas "Libala Liboso Se Sukali", "Baloba Balemba", "Naboyaki Kobina", "Se Na Mboka", "Sebene" y "Nzungu Ya Sika". [61] Su éxito coincidió con la rápida urbanización de Léopoldville, donde los bares se convirtieron en centros de actividad social y proporcionaron una plataforma para que los músicos mostraran su talento y se conectaran con el público. [61]
Además de sus contribuciones musicales, la Orquesta Odéon Kinois jugó un papel importante al desafiar normas sociales arraigadas en materia de género y raza . [61] Asociaciones de mujeres como L'Harmonie Kinoise y L'Odéon Kinois, patrocinadas por bares y sellos musicales, proporcionaron plataformas para que las mujeres se expresaran libremente y afirmaran su autonomía en una sociedad dominada por los hombres. Lideradas por pioneras como Victorine Ndjoli Elongo, estas asociaciones empoderaron a las mujeres para desafiar los roles y expectativas tradicionales, allanando el camino para una mayor igualdad de género y un cambio social. [61]
Si bien a la Orquesta Odéon Kinois se le atribuye el mérito de ser pionera en Sébène, el guitarrista Henri Bowane ganó prominencia por popularizar el estilo durante la década de 1950. [61] Actuó a dúo con Antoine Wendo Kolosoy en su éxito "Marie-Louise" en 1948. También acompañó a la cantante Marie Kitoto en "Ya Biso Sé Malembé" y "Yokolo". [61] Sébène creció en popularidad durante la década siguiente, con Franco Luambo emergiendo como un destacado practicante.
En 1948, el éxito de Kolosoy, "Marie-Louise", coescrito con el guitarrista Henri Bowane y producido por el griego Nico Jeronimidis de Ngoma Editions , logró un éxito significativo, vendiendo más de dos millones de copias. [60] Unos meses después de su debut, un rumor generalizado circuló por todo el Congo Belga, postulando que la "voz de ángel" de Kolosoy poseía la habilidad mística de convocar la aparición de una "belleza desaparecida". [63] Este repentino aumento de fama provocó preocupación entre las autoridades coloniales, que estaban lidiando con el resurgimiento del kimbanguismo , un movimiento místico de independencia encabezado por Simon Kimbangu . Este último, de la misma etnia bakongo que el cantante, había proclamado la " negritud de Dios", lo que le valió el encarcelamiento pero también un inmenso reconocimiento nacional. [63] Esto estableció a Léopoldville como un centro de "liderazgo musical" de la rumba congoleña, reforzado por el advenimiento de la industria discográfica y los estudios de grabación operados por sacerdotes y unidades de producción de discos afiliadas a comerciantes griegos. [60]
A principios de la década de 1950, artistas locales asociados con sellos eclécticos congoleños propiedad de colonos blancos , como Ngoma, Cognolia, Opika , Loningisa y CEFA, comenzaron a producir un estilo similar de rumba congoleña. [42] [43] Este estilo, a menudo caracterizado por un tempo más lento y distinciones mínimas entre orquestas, incluía canciones como Zacharie Elenga, Antoine Wendo Kolosoy y "Paul Kamba Atiki Biso" de Antoine Moundanda (1950) y "Mabele Ya Paulo" de Antoine Moundanda. " (1953), grabado por Ediciones Ngoma. [42] [43] [66] Estos sellos discográficos también proporcionaron al Congo belga una plataforma sustancial para la proliferación y el cultivo de orquestas y bandas locales, como African Jazz , OK Jazz , Conga Jazz y Negro Band. [42] [43]
Aunque los nombres de las bandas incluían frecuentemente la palabra "jazz", Martin señala que "la inspiración musical esencial provino de raíces africanas y latinoamericanas". El nombre se utilizó porque los jóvenes quedaban deslumbrados por los soldados estadounidenses, especialmente los afroamericanos , que estaban basados en un campamento militar en Léopoldville durante la Segunda Guerra Mundial . [5] Académicos como Isaac A. Kamola del Trinity College y Shiera S. el-Malik de la Universidad DePaul sugieren que estos conjuntos de "jazz" congoleños exhibieron una mínima afinidad musical con el jazz estadounidense, interpretando la apropiación como "identificación con otro culturalmente vibrante todavía". población políticamente subrepresentada " y que simbolizaba una forma de modernidad que se desviaba de las normas eurocéntricas . [67] Esta hibridación y esencia extranjera aseguró que la rumba congoleña no se alineara exclusivamente con "ninguna tradición, región o grupo en particular" y permitió que "la rumba congoleña tuviera un atractivo amplio y compartido". [67]
A mediados de la década de 1950, surgió un cisma entre los músicos receptivos a las influencias extranjeras y los arraigados en la rumba tradicional congoleña. Esto dio origen a dos escuelas de rumba congoleña moderna: la African Jazz School y la OK Jazz School . [68] [69] En 1957, estas escuelas hicieron avances significativos en el género, con OK Jazz adoptando un estilo conocido como odemba , caracterizado por un tempo rápido e influenciado por el ritmo del folclore mongo de Mbandaka , a lo largo del río Congo . Mientras tanto, la Escuela Africana de Jazz introdujo la "rumba-rock", que tenía un tempo más rápido, con "acentos en los arreglos" de jazz y afrocubanos. [69] [70] [68] [71] [72] El jazz africano también introdujo los tambores de tumba y los instrumentos electrónicos. [73] Clásicos como " Afrika Mokili Mobimba " los convirtieron en una de las bandas más destacadas de África, con sus "guitarras con riffs descabellados, ritmos peculiares de batería y bajo que se fijan mientras retuercen el ritmo, y partes de viento que cuentan pequeñas historias melódicas de sus propio." [74] [75]
Una de las innovaciones musicales del OK Jazz de Franco Luambo fue el guitarrista "mi-solo" (que significa "medio solo"), que tocaba patrones de arpegio y desempeñaba un papel entre la guitarra principal y la rítmica. [76] OK Jazz dominó el estilo de rumba congoleña hasta 1959, cuando se establecieron Les Bantous de la Capitale, marcando el comienzo de una tercera escuela musical que sintetizaba elementos de los dos estilos anteriores. [69] [77] [78] [79]
En 1969, un colectivo de estudiantes, encabezado por Papa Wemba , Jossart N'Yoka Longo y Félix Manuaku Waku , surgió como Zaïko Langa Langa , introduciendo una cuarta escuela de rumba congoleña, caracterizada por una estructura poco convencional, movimientos abruptos y elementos descritos. como "entrecortados y complejos en [sus] contribuciones básicas". [69] [80] [81] El grupo fue más influyente en la década de 1970, popularizando características distintivas como variaciones en el tempo del tambor, uso de caja , sebène y un conjunto de entretenimiento compuesto por atalaku (animadores cantantes), un coro unificado, un solista y danza soukous "conmocionada", caracterizada por intrincados movimientos corporales. [69] [80]
En los últimos años del dominio colonial , muchos músicos buscaron expresar sus mensajes disidentes y sus tribulaciones cotidianas a través de diversas formas de arte, como las artes plásticas , producciones de teatro callejero , composiciones literarias y música. [82] El 27 de enero de 1960, Joseph Athanase Tshamala Kabasele y su banda, Le Grand Kallé et l'African Jazz , interpretaron su canción con infusión de rumba congoleña " Indépendance Cha Cha " en el Hotel Plaza de Bruselas para celebrar la oficialización del Congo. independencia del dominio belga , que fue concedida el 30 de junio de 1960. [82] [83] [84] Cantada en lingala , se convirtió en una canción de celebración de la independencia en varias partes del África francófona y se tocó en diversos eventos, festividades, y tertulias, especialmente cuando estaban presentes artistas congoleños, debido a su popularidad entre las generaciones posteriores. [82] Según el investigador belga Matthias De Groof, "Indépendance Cha Cha" sigue siendo hoy en día un "símbolo de la independencia congoleña y de la música rumba congoleña". [85]
En la segunda mitad de 1960, la rumba congoleña era un género establecido en la mayor parte de África central , y también impactaría la música del sur , oeste y este de África . [86] [87] [88] [89] Ciertos artistas que habían actuado en las bandas de Franco Luambo y Grand Kalle continuaron estableciendo sus propios conjuntos, como Tabu Ley Rochereau y Nico Kasanda , quienes formaron African Fiesta en 1963. [90 ] La facción de Kasanda, incluido Charles Mwamba Déchaud, creó un nuevo conjunto llamado African Fiesta Sukisa. [91] [92] En 1967, African Fiesta Sukisa había reunido una potencia de vocalistas e instrumentistas, pero lo que los distinguía eran los tres guitarristas (Nico, su hermano Dechaud y De La France) que se habían convertido en una característica definitoria del estilo congoleño. rumba. [93] Les Bantous contó con Gerry Gérard, Samba Mascott y Mpassy Mermans, mientras que Franco Luambo colaboró con Simaro Lutumba y Brazzos, así como con varios de sus sucesores. Rochereau reclutó a Jean Paul "Guvano" Vangu, Faugus Izeidi y Johnny Bokasa en su Fiesta, y Dewayon trabajó con Ray Braynck y Henri Bowole en Cobantou. Esta práctica dio origen al término "mi-solo", para designar a la tercera guitarra, que tocaba entre la guitarra solista (solista) y el acompañamiento (rítmico). [93] [94] Posteriormente, Rochereau y Roger Izeidi dejaron la banda para establecer African Fiesta National. [91] [92] Otros, como Mujos y Depuissant, se marcharon para unirse a diferentes colectivos musicales; [91] Más tarde se les unieron Papa Wemba y Sam Mangwana . [95] [96]
Si bien la rumba congoleña ejerció influencia en bandas como African Jazz y OK Jazz, los artistas congoleños más jóvenes buscaron atenuar esta influencia y adoptar un estilo soukous de ritmo más rápido. [97] [98] Soukous contribuyó al desarrollo de la rumba congoleña al infundir temas sociales y políticos en sus letras. [99] [100] [101] [102] Mientras tanto, bandas de soukous como Zaïko Langa Langa introdujeron distintos elementos en el género, incluidas variaciones en el tempo de percusión, la utilización de tambores, la técnica de guitarra sebène y un conjunto de interpretación compuesto por atalaku . un coro armonizado y un solista. [98] [103] Soukous alcanzó prominencia internacional cuando numerosos músicos se mudaron al extranjero a fines de la década de 1970 debido a la recesión económica en Zaire. [102] Otros artistas zaireños como Tabu Ley Rochereau, M'bilia Bel , Kanda Bongo Man , Pépé Kallé , Syran Mbenza , Franklin Boukaka , Bozi Boziana , Evoloko Jocker , Rigo Star , Josky Kiambukuta , Diblo Dibala , Jolie Detta , Dindo Yogo , Gaby Lita Bembo y Koffi Olomide consiguieron un gran número de seguidores en Estados Unidos, Europa y toda África. [102]
Durante la década de 1970, un contingente considerable de destacados músicos zaireños se trasladó a París debido a las dificultades económicas y a la subdesarrollada industria musical del país. [104] [105] El reinado opresivo del dictador autocrático Mobutu Sese Seko infundió cansancio entre los artistas hacia las limitaciones de la esfera pública de Kinshasa, obligándolos a buscar audiencias alternativas. [106] [107] [108] En diciembre de 1970, Tabu Ley Rochereau se convirtió en el primer artista de rumba congoleño y el primer artista africano en encabezar una de las principales salas de conciertos de París, el Olympia . A pesar de las preocupaciones sobre cómo recibiría su música el público francés, el concierto fue un éxito e impulsó significativamente la carrera internacional de Rochereau. La actuación impulsó al lugar a contratar a otros músicos zaireños, incluida Abeti Masikini , el 19 de febrero de 1973, lo que elevó significativamente su estatus en Zaire. [104] [109] [110] En consecuencia, la rumba congoleña y su rama soukous obtuvieron elogios en el mundo occidental durante esta época. En 1974, el festival de música Zaire 74, de tres días de duración, enfatizó la importancia del internacionalismo en la música en África y más allá. Contó con artistas estadounidenses como James Brown , BB King , Bill Withers y los Spinners , así como internacionales como Celia Cruz , Miriam Makeba , y músicos zairenses como Tabu Ley Rochereau, Abeti Masikini, Franco Luambo & OK Jazz y Zaïko Langa. Langa . [106] [111] [112] Además de actos de diplomacia cultural como Sister Sledge que enseña a las jóvenes africanas a bailar el Bump , los estadounidenses y otros occidentales presenciaron y celebraron las vibrantes actuaciones y géneros musicales de artistas congoleños y otros africanos que emocionaron a las poblaciones locales. . [106]
A finales de la década de 1970, una ola de músicos zaireños comenzó a llegar a París. Algunos optaron por estancias breves de grabación, mientras que otros lo convirtieron en una base permanente. [104] Péla Nsimba, un guitarrista y cantante que había obtenido elogios en Zaire a finales de los años 1960 y principios de los años 1970 con su conjunto Thu Zahina, llegó en 1977. [113] La aparición de tiendas de discos especializadas en música africana floreció a mediados -Década de 1970, ejemplificado por Afric Music en Montparnasse . [114] [115] En 1976, Eddy Gustave, un músico de jazz de Martinica , abrió una tienda de discos cerca del cementerio Père Lachaise , donde vendía música caribeña y africana. En 1978, Gustave pasó a la producción y comenzó a invitar a músicos de Zaire a venir a París a grabar. [116] [117]
Mientras tanto, en África, Zaïko Langa Langa se convirtió en "el líder de una nueva generación de orquestas". [105] El baterista de la banda, Meridjo Belobi, ganó popularidad y se le atribuye la invención de una moda de baile llamada cavacha , arraigada en el ritmo tradicional congoleño. [118]
A medida que la agitación sociopolítica se deterioraba en Zaire en la década de 1980, numerosos músicos buscaron refugio en Tanzania , Kenia , Uganda y Colombia , y un número significativo emigró a París, Bruselas y Londres. [119] [120] [121] [122] [123]
París se convirtió en un centro para los músicos de soukous, sirviendo como una encrucijada donde otros estilos musicales, sintetizadores y valores de producción africanos y europeos podían alimentar el sonido. En consecuencia, el soukous obtuvo un seguimiento internacional ecléctico, con artistas zaireños en París y Londres navegando por las demandas de los mercados europeos, africanos y caribeños. [106] Artistas como Papa Wemba se beneficiaron de un seguimiento internacional que elogiaba sus composiciones musicales. [106] Con la creciente popularidad internacional del soukous en la década de 1980, las letras comenzaron a tratar una gama más amplia de temas que no se limitaban a la vida en la República Democrática del Congo y la República del Congo. [124]
A finales de la década de 1980, la coreógrafa congoleña Jeanora fue pionera en una forma de danza llamada kwassa kwassa , un paso de baile dentro del estilo soukous (donde " kwassa " sirve como una alusión lúdica al interrogativo francés "C'est quoi ça?" - "¿Qué es eso? "). [125] [126] Esta forma de danza fue adoptada por muchos artistas y popularizada notablemente por Kanda Bongo Man y Abeti Masikini, durante su paso por el Zenith de París . [125]
Mientras tanto, Pépé Kallé y su conjunto Empire Bakuba , cofundado junto a Papy Tex, saltaron a la fama en toda África con su interpretación minimalista y de alto octanaje de la música de Franco y Rochereau. [127]
Surgiendo a finales de la década de 1990 e inspirándose en la rumba y el soukouss congoleños, el ndombolo se convirtió en una música de baile popular y bailable, de ritmo rápido y movimiento de caderas en África. Definido por su enérgico sébéné o "parte acalorada", ndombolo presentaba entretenimiento vocal con atalakus y riffs de guitarra arremolinados. [128] [129] [130] [131] [132] [133] Aunque iniciado por Radja Kula en 1995, [134] [135] fue notablemente popularizado y refinado en la década de 1990 por Wenge Musica y Koffi Olomide . [136] [137] [138]
En diciembre de 2021, la rumba congoleña fue agregada a la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad de la UNESCO . [139] [140]
La rumba congoleña es un género musical y un baile utilizado en espacios formales e informales de celebración y duelo. Es principalmente una práctica urbana bailada por una pareja de hombre y mujer. Realizada por artistas profesionales y aficionados, la práctica se transmite a las generaciones más jóvenes a través de clubes vecinales, escuelas de formación formal y organizaciones comunitarias. La rumba se considera una parte integral de la identidad congoleña y un medio para promover la cohesión y la solidaridad intergeneracional.
— UNESCO, comunicado de prensa
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Si bien la influencia del género resonó en toda África, el espectáculo de artistas femeninas subiendo al escenario y expresando sus habilidades melódicas era una rareza, ya que la composición y la interpretación de canciones eran predominantemente dominio de artistas masculinos. [141] [142] En la década de 1930, vocalistas prometedoras como Nathalie y Emma Louise sentaron las bases para el surgimiento de artistas femeninas en Kinshasa y Brazzaville. [141] [143] A pesar de permanecer en gran medida anónimos debido a la documentación limitada, se les considera figuras prominentes en la escena musical congoleña. [141] En la década de 1940, artistas como Gabrielle Maleka y Anne Mbassou hicieron contribuciones significativas a la evolución del sonido de la rumba congoleña como parte del conjunto Victoria Brazza de Paul Kamba. [141] En la década de 1950, las cantantes emergieron como voces poderosas con mensajes trascendentales sobre enredos amorosos , protección, luchas y éxitos cotidianos. Martha Badibala, Tekele Mokango, Anne Ako, Ester Sudila, Léonine Mbongo, Joséphine Sambeya, Jeanne Ninin y Caroline Mpia se volvieron influyentes en la escultura del género durante esta época transformadora. [141] [144] [145] [146] Marie Kitoto se hizo prominente a través de su vocalismo exuberante y melifluo en éxitos como "Mbokamosika". Mientras tanto, Lucie Eyenga se distinguió en el Jazz africano por su destreza vocal y más tarde en la fusión del Rock-a-Mambo y el Jazz africano. [141] [147] A pesar de su popularidad, Lucie Eyenga no fue reconocida principalmente como vocalista sino como anfitriona de asociaciones recreativas femeninas, actuando ocasionalmente en bares. [142]
A lo largo del terreno musical en metamorfosis, las mujeres ocuparon persistentemente posiciones cruciales en varios estudios y sellos discográficos. La cantante camerunesa Marcelle Ebibi, por ejemplo, introdujo ritmos de guitarra eléctrica en el género con su obra "Mama é", acompañada por su prometido Guy Léon Fylla y el guitarrista belga Bill Alexandre. [148] [149] [150] [151] En la década de 1970, Abeti Masikini y su compañía Les Tigresses obtuvieron elogios de la crítica por su actuación en el Olympia Hall de París en 1973 y el Carnegie Hall de Nueva York en junio de 1974, y compartiendo el escenario con James Brown , Miriam Makeba , Tabu Ley Rochereau y Franco Luambo en octubre de 1974, durante el espectáculo inaugural del histórico Rumble in the Jungle en Kinshasa. [152] [153] [154] [155] Segundo álbum de Abeti, La voix du Zaire, l'idole de l'Afrique , lanzado en 1975, con éxitos como "Likayabo", "Yamba Yamba", "Kiliki Bamba" , "Naliku Penda" y "Ngoyaye Bella Bellow", elevaron su popularidad, especialmente en África Occidental. Su banda, Les Redoutables, sirvió como plataforma de lanzamiento para numerosos músicos masculinos y femeninos, entre ellos M'bilia Bel , Lokua Kanza y Tshala Muana . [153] [152] [148]
El lanzamiento en 1976 de la canción "Pas Possible Mati" de M'Pongo Love es reconocida como una de las mejores composiciones femeninas de la rumba congoleña. [156] A principios de 1984, Tshala Muana grabó varios álbumes ( Kami , Mbanda Matière y M'Pokolo ) para el sello Safari Ambiance. A través de sus álbumes y actuaciones, popularizó el ritmo mutualhi, una danza tradicional luba caracterizada por pronunciadas rotaciones de cadera. Su sencillo de 1988, "Karibu Yangu", ganó fuerza en todo el este de África, fomentando la introducción de nuevas artistas femeninas como Faya Tess y Barbara Kanam . [157] [158] [148] [159]
Al mismo tiempo, junto con la rumba secular congoleña, las interpretaciones cristianas del género surgieron como una potente vía para la expresión femenina. [148] Conjuntos como Les Makoma desempeñaron un papel fundamental en el establecimiento de la presencia de artistas femeninas del gospel en la República Democrática del Congo, incluidas Deborah Lukalu, Sandra Mbuyi y Dena Mwana . [148]
La música africana ha sido popular en Colombia desde la década de 1970 y ha tenido un impacto significativo en el género musical local conocido como champeta . [160] [161] A mediados de la década de 1970, un grupo de marineros introdujo discos de la República Democrática del Congo y Nigeria en Colombia, incluido un disco numerado de 45 RPM titulado El Mambote de l'Orchestre Veve del Congo, que ganó popularidad. cuando lo toca DJ Víctor Conde. [162] [163] [164] [165] Los sellos discográficos enviaron de manera proactiva a productores para encontrar discos africanos que resonaran entre los DJ y el público. La música ganó fuerza, especialmente en áreas urbanas económicamente desfavorecidas, habitadas predominantemente por comunidades afrocolombianas , donde se incorporó a sistemas de sonido en fiestas en ciudades como Cartagena , Barranquilla y Palenque de San Basilio . [162]
El surgimiento de la champeta implicó replicar arreglos musicales de artistas congoleños como Nicolas Kasanda wa Mikalay , Tabu Ley Rochereau , M'bilia Bel , Syran Mbenza , Lokassa Ya M'Bongo, Pépé Kallé , Rémy Sahlomon y Kanda Bongo Man . [164] [163] Artistas locales como Viviano Torres, Luis Towers y Charles King, todos de Palenque de San Basilio, comenzaron a componer sus propias canciones y a producir arreglos musicales únicos, manteniendo la influencia soukous congoleña , un derivado del congoleño. rumba. [162] Compusieron y cantaron en su lengua materna, palenquero , una mezcla criolla de español y lenguas bantúes como el kikongo y el lingala . [162] [166]
El sonido de Champeta está íntimamente entrelazado con la rumba congoleña, particularmente el estilo soukous, compartiendo la misma base rítmica. La guitarra y el uso del sintetizador marca Casio para efectos de sonido son fundamentales para dar forma al sonido distintivo de la champeta. [165]
Durante el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl LIV el 2 de febrero de 2020, en el Hard Rock Stadium de Miami Gardens, Florida, Shakira bailó la canción "Icha" del artista congoleño Syran Mbenza, acompañada de varios bailarines. El tema se conoce coloquialmente como "El Sebastián" en Colombia. La actuación de Shakira inspiró el #ChampetaChallenge en varias plataformas de redes sociales. [165] [167]
La danza de la rumba congoleña llamada ndombolo ha tenido un impacto significativo en la música de baile coupé-décalé con la incorporación en sus canciones de atalaku , un término que hace referencia a animadores o hombres exagerados que mejoran el ritmo y la interactividad de las actuaciones. [168] [169] [170] [171] La primera banda congoleña que empleó atalaku fue Zaïko Langa Langa , en la década de 1980. En una de sus primeras composiciones con estos animadores, el canto repetido "¡Atalaku! Tala! Atalaku mamá, Zekete" (¡Mírame! ¡Mira! ¡Mírame, mamá! ¡Zekete!) resonó, llamando la atención. [172] [173] Cuando surgió el coupé-décalé, la influencia de la rumba congoleña siguió siendo notoria. En particular, con el lanzamiento de "Sagacité", el éxito debut de Douk Saga , la huella explícita de atalaku fue evidente. [168] En una entrevista de RFI , DJ Arafat , un músico marfileño , reconoció la influencia de atalaku en su enfoque artístico. El término ha trascendido sus orígenes y se ha arraigado en el léxico de Costa de Marfil y de los países vecinos, aunque ahora significa " adulación ". [165] [174]
Con el surgimiento de la televisión por satélite en África a principios de la década de 1990, junto con el posterior desarrollo y expansión de Internet en todo el continente en las décadas siguientes, el hip hop francés floreció dentro del mercado francófono africano . [175] [176] [177] Originario de los Estados Unidos, el género rápidamente ganó popularidad entre los jóvenes afrodescendientes en Francia y otras naciones europeas. [175] [178] [179] Inicialmente moldeada por el hip hop estadounidense, la variante francesa desde entonces ha desarrollado una identidad y un sonido distintos, extrayendo influencias de la herencia musical africana compartida por muchos raperos franceses. [175]
A finales de la década de 1990, Bisso Na Bisso , un colectivo de raperos franceses de la República del Congo, fue pionero en la infusión de ritmos de rumba congoleña en el rap francés. [180] [181] [182] Su álbum Racines fusiona ritmos de hip hop estadounidense, rumba congoleña, soukous y zouk , con colaboraciones con artistas africanos como Koffi Olomidé , Papa Wemba, Ismaël Lô , Lokua Kanza y Manu Dibango , junto con el Grupo zouk franco-caribeño Kassav' . [183] Casi todos sus elementos temáticos giran en torno a una reconexión con sus raíces, evidente a través de muestras procedentes directamente de la rumba y el soukous congoleños. [180] [183] A principios de la década de 2000, la lengua franca de muchas pistas de rap francés era el lingala , acompañado de resonantes riffs de guitarra de rumba. [184] [185] Mokobé Traoré , un rapero francés-malí , acentuó aún más esta influencia en el álbum Mon Afrique , donde presentó a artistas como Fally Ipupa en la canción "Malembe", inspirada en el soukous. [183] El impacto de gran alcance de la "Congolización" trasciende el hip hop, impregnando otros géneros como el R&B francés y la música religiosa, al mismo tiempo que gana terreno en Europa y el África francófona. [165] Entre los artistas destacados se incluyen Youssoupha , Maître Gims , Dadju , Niska , Singuila , Damso , KeBlack , Naza , Zola , Kalash Criminel , Ninho , Kaysha , Franglish , Gradur , Shay , Bramsito , Baloji , Tiakola y Ya Levis Dalwear , todos descendientes de linaje musical congoleño. [184] [185] [186] [187]
Tras el establecimiento de Radio Congo Belge , con su amplio alcance de transmisión en África Oriental, Central y Occidental, la rumba congoleña obtuvo una amplia audiencia, convirtiéndose en un foco central para que los artistas de África Oriental observaran y emularan. [188] Según el profesor de etnomusicología Alex Perullo de la Universidad Bryant , el movimiento de zairianización de Mobutu precipitó un aumento en la popularidad de la rumba congoleña en Tanzania y Kenia, [189] y álbumes y casetes pirateados de Kinshasa llegaron a los mercados locales en Oriente África. [189] Las bandas de rumba congoleñas, como Orchestra Maquis Original , establecieron su base operativa en Tanzania, junto a Mzee Makassy . [188] Estas bandas , expertas en ejecutar la rumba congoleña en kiswahili , ejercieron influencia sobre músicos locales como Simba Wanyika , Les Wanyika , Fundi Konde , Daudi Kabaka y Fadhili William , quienes fusionaron ritmos de rumba congoleña con elementos lingüísticos y culturales de África Oriental. [188] Bandas locales de Kenia, como TP Luna Kidi [190] [191] y Limpopo International , adoptaron el estilo de rumba congoleña mientras cantaban en su idioma nativo, dholuo , intercalado con swahili. [188] Mientras tanto, otros artistas locales se inclinaron fuertemente hacia el estilo de rumba congoleña, cantando enteramente en lingala , hasta el punto de que sus idiomas locales aparentemente quedaron eclipsados. [188] La popularidad de la rumba en África Oriental, particularmente en Kenia, junto con la evolución de los gustos musicales, se convirtió en una piedra de toque musical para audiencias mayores, con bandas residentes en lugares de entretenimiento que consistentemente incluían la rumba en su repertorio. [188]