El cine surrealista es un enfoque modernista de la teoría , la crítica y la producción cinematográfica , con orígenes en París en la década de 1920. El movimiento surrealista utilizó imágenes impactantes, irracionales o absurdas y el simbolismo onírico freudiano para desafiar la función tradicional del arte de representar la realidad. Relacionado con el cine dadaísta , el cine surrealista se caracteriza por las yuxtaposiciones, el rechazo de la psicología dramática y un uso frecuente de imágenes impactantes. El libro de colaboración de Philippe Soupault y André Breton de 1920 Les Champs magnétiques [1] a menudo se considera la primera obra surrealista, [2] pero fue solo una vez que Breton completó su Manifiesto surrealista en 1924 que "el surrealismo se redactó un certificado de nacimiento oficial". [3]
Entre las películas surrealistas de los años veinte se incluyen Entreacto (1924) de René Clair , Ballet Mécanique (1924) de Fernand Léger , La Fille de l'Eau (1924) de Jean Renoir , Anemic Cinema (1926) de Marcel Duchamp , La caída de la casa Usher (1928) de Jean Epstein (con la asistencia de Luis Buñuel ), La caída de la casa Usher (1928) de Watson y Webber [4] y La concha y el clérigo (1928) de Germaine Dulac (a partir de un guion de Antonin Artaud ). Otras películas incluyen Un Chien Andalou (1929) y L'Âge D'Or (1930), ambas de Buñuel y Salvador Dalí ; Buñuel dirigió muchas más películas, sin negar nunca sus raíces surrealistas. [5] Ingmar Bergman dijo que "Buñuel casi siempre hizo películas de Buñuel". [6]
En su libro de 2006 Surrealismo y cine , Michael Richardson sostiene que las obras surrealistas no pueden definirse por el estilo o la forma, sino más bien como resultados de la práctica del surrealismo. Richardson escribe: "Entre las concepciones populares, el surrealismo es malinterpretado de muchas maneras diferentes, algunas de las cuales se contradicen con otras, pero todas estas incomprensiones se basan en el hecho de que buscan reducir el surrealismo a un estilo o una cosa en sí misma en lugar de estar preparados para verlo como una actividad con horizontes cada vez más amplios. Muchos críticos no reconocen las cualidades distintivas que conforman la actitud surrealista. Buscan algo -un tema, un tipo particular de imágenes, ciertos conceptos- que puedan identificar como "surrealistas" para proporcionar un criterio de juicio por el cual se pueda evaluar una película o una obra de arte. El problema es que esto va en contra de la esencia misma del surrealismo, que se niega a estar aquí, pero siempre está en otra parte. No es una cosa sino una relación entre cosas y, por lo tanto, necesita ser tratado como un todo. [7] Los surrealistas no se preocupan por evocar un mundo mágico que pueda definirse como "surrealista". Su interés se centra casi exclusivamente en explorar las conjunciones, los puntos de contacto, entre diferentes reinos de la existencia. El surrealismo siempre trata de partidas más que de llegadas". [7] En lugar de una estética fija, Richardson define el surrealismo como "un punto cambiante de magnetismo alrededor del cual gira la actividad colectiva de los surrealistas". [7]
El surrealismo se basa en imágenes irracionales y en la mente subconsciente . Sin embargo, no se debe confundir a los surrealistas con personas caprichosas o incapaces de pensar de manera lógica; [8] más bien, la mayoría de los surrealistas se promocionan a sí mismos como revolucionarios. [8]
El surrealismo fue el primer movimiento literario y artístico que se asoció seriamente con el cine, [9] aunque también ha sido un movimiento en gran medida ignorado por los críticos e historiadores de cine. [10] Sin embargo, a pesar de su corta duración, se hizo conocido por su calidad onírica, la yuxtaposición de personas y objetos cotidianos en formas irracionales y la abstracción de la vida real, los lugares y las cosas. Muy influenciado por la psicología freudiana, el surrealismo buscaba dar vida visual a la mente inconsciente. "Equilibrado entre el simbolismo y el realismo, el cine surrealista comentaba temas de vida, muerte, modernidad, política, religión y el arte mismo". [11]
Los cimientos del movimiento comenzaron en Francia y coincidieron con el nacimiento del cine. Francia fue la cuna del cine surrealista gracias a una combinación afortunada de fácil acceso a equipos cinematográficos, financiación cinematográfica y una plétora de artistas y público interesado. [11] Los surrealistas que participaron en el movimiento formaban parte de la primera generación que creció con el cine como parte de la vida cotidiana. [9]
El propio Breton, incluso antes del lanzamiento del movimiento, poseía un ávido interés por el cine: mientras servía en la Primera Guerra Mundial, estuvo destinado en Nantes y, durante su tiempo libre, frecuentaba los cines con un superior llamado Jacques Vaché . [8] [12] Según Breton, él y Vaché ignoraban los títulos y horarios de las películas, prefiriendo pasarse en cualquier momento y ver las películas sin ningún conocimiento previo. [8] [12] Cuando se aburrían, se iban y visitaban el siguiente cine. [8] Los hábitos de Breton de ir al cine le proporcionaban un torrente de imágenes sin un orden construido a su alrededor. Podía yuxtaponer las imágenes de una película con las de otra y, a partir de la experiencia, elaborar su propia interpretación. [8]
Refiriéndose a sus experiencias con Vaché, una vez comentó: "Creo que lo que más valorábamos en él, hasta el punto de no interesarnos en nada más, era su poder para desorientar". [8] Breton creía que el cine podía ayudar a uno a abstraerse de la "vida real" cuando quisiera. [8]
Los seriales , que a menudo contenían efectos de suspenso y pistas de "otro mundo", eran atractivos para los primeros surrealistas. [9] Los ejemplos incluyen las hazañas temerarias de Houdini y las aventuras de Musidora y Pearl White en las historias de detectives. [9] Lo que más atrajo a los surrealistas al género fue su capacidad para evocar y mantener una sensación de misterio y suspenso en los espectadores. [9]
Los surrealistas vieron en el cine un medio que anulaba los límites de la realidad. [13] El crítico de cine René Gardies escribió en 1968: "Ahora el cine es, naturalmente, el instrumento privilegiado para desrealizar el mundo. Sus recursos técnicos... aliados con su fotomagia, proporcionan las herramientas alquímicas para transformar la realidad". [12]
Los artistas surrealistas estaban interesados en el cine como medio de expresión. [10] A medida que el cine continuó desarrollándose en la década de 1920, muchos surrealistas vieron en él una oportunidad para retratar lo ridículo como racional. [10] [14] "Los artistas surrealistas se dieron cuenta de que la cámara de cine podía capturar el mundo real de una manera onírica que sus bolígrafos y pinceles no podían: superposiciones, sobreexposiciones, cámara rápida, cámara lenta, cámara inversa, stop-motion, destellos de lente, gran profundidad de campo, poca profundidad de campo y trucos de cámara más extraños podían transformar la imagen original frente a la lente en algo nuevo una vez expuesta en la placa de película. Para los surrealistas, el cine les dio la capacidad de desafiar y moldear los límites entre la fantasía y la realidad, especialmente con el espacio y el tiempo. Al igual que los sueños que deseaban hacer realidad, el cine no tenía límites ni reglas". [11] El cine ofrecía ilusiones más convincentes que su rival más cercano, el teatro, [10] y la tendencia de los surrealistas a expresarse a través del cine era una señal de su confianza en la adaptabilidad del cine a los objetivos y requisitos del surrealismo. [8] Fueron los primeros en tomar en serio la semejanza entre las imágenes imaginarias del cine y las de los sueños y el inconsciente. [12] [14] Luis Buñuel dijo: "El cine parece ser la imitación involuntaria del sueño". [12]
Los cineastas surrealistas intentaron redefinir la conciencia humana de la realidad al ilustrar que lo "real" era poco más que lo que se percibía como real; que la realidad no estaba sujeta a límites más allá de los que la humanidad le imponía. [8] Breton comparó una vez la experiencia de la literatura surrealista con "el punto en el que el estado de vigilia se une al sueño". [8] Su analogía ayuda a explicar la ventaja del cine sobre los libros a la hora de facilitar el tipo de liberación que los surrealistas buscaban de sus presiones diarias. [8] La modernidad del cine también era atractiva. [12]
Los críticos han debatido si el "cine surrealista" constituye un género distinto. El reconocimiento de un género cinematográfico implica la capacidad de citar muchas obras que comparten rasgos temáticos, formales y estilísticos. [15] Referirse al surrealismo como un género implica implicar que hay una repetición de elementos y una "fórmula genérica" reconocible que describe su composición. [13] Varios críticos han argumentado que, debido al uso que hace el surrealismo de lo irracional y de la falta de coherencia, es imposible que las películas surrealistas constituyan un género. [15]
Si bien existen numerosas películas que son verdaderas expresiones del movimiento, muchas otras películas que han sido clasificadas como surrealistas simplemente contienen fragmentos surrealistas. En lugar de "película surrealista", el término más preciso para estas obras podría ser "surrealismo en el cine". [15]
Joseph Cornell produjo películas surrealistas en los Estados Unidos a finales de la década de 1930 (como Rose Hobart en 1936). Antonin Artaud, Philippe Soupault y Robert Desnos escribieron guiones para películas posteriores. Salvador Dalí diseñó una secuencia de sueños para la película Spellbound (1945) de Alfred Hitchcock . Fue una de las primeras películas estadounidenses en utilizar el psicoanálisis como un elemento principal de la historia. Hitchcock quería capturar la viveza de los sueños como nunca antes y sintió que Dalí era la persona indicada para ayudarlo a hacerlo. Dada la importancia de la secuencia de sueños, el director le dio al artista rienda suelta para llevar a la pantalla una visión innovadora de la forma en que se podían representar los sueños. [16]
Maya Deren realizó numerosos cortometrajes mudos, entre ellos el famoso Meshes of the Afternoon, repleto de escenas y encuentros surrealistas y oníricos. [17] [ referencia circular ]
Jan Švankmajer , miembro del todavía activo Grupo Surrealista Checo, continúa dirigiendo películas. [18]
En 1946, Dalí y Walt Disney comenzaron a trabajar en una película llamada Destino ; el proyecto finalmente se terminó en 2003. [19]
Muchas de las películas de David Lynch , como Eraserhead (1977), [20] Lost Highway (1997), [21] Mulholland Drive (2001) e Inland Empire (2006), han sido consideradas surrealistas. [22] [23] Otros directores cuyas películas han sido consideradas surrealistas incluyen: el escritor, director, dramaturgo y miembro del Grupo Surrealista de Breton, Fernando Arrabal ( Andaré como un caballo loco ); el escritor y director chileno Alejandro Jodorowsky ( El Topo , [24] La montaña sagrada [25] ); y los directores estadounidenses Stephen Sayadian ( Dr. Caligari ) [26] y Brian Patrick Butler ( Amigo del mundo ). [27] Otro cineasta y escritor conocido por crear películas surrealistas es Charlie Kaufman . Algunas de estas películas incluyen Being John Malkovich (1999), Synecdoche, New York (2008), Anomalisa (2015) y, más recientemente, I'm Thinking of Ending Things (2020). [28] [29]
{{cite web}}: CS1 maint: URL no apta ( enlace ), Fundación Gala-Salvador Dalí, VEGAP, 2014