La escultura en Japón comenzó con la figura de arcilla. Hacia el final del largo período neolítico Jōmon , las vasijas de cerámica con "borde de llamas" tenían extensiones escultóricas en el borde, [1] y se produjeron figuras de cerámica dogū muy estilizadas , muchas de ellas con los característicos ojos en forma de "anteojos de nieve". Durante el período Kofun del siglo III al VI d.C., se erigieron figuras de terracota haniwa de humanos y animales en un estilo simplista fuera de tumbas importantes. La llegada del budismo en el siglo VI trajo consigo sofisticadas tradiciones escultóricas, estilos chinos mediados a través de Corea. El Hōryū-ji del siglo VII y su contenido han sobrevivido más intactos que cualquier templo budista del este de Asia de su fecha, con obras que incluyen una Trinidad Shaka de 623 en bronce, que muestra al Buda histórico flanqueado por dos bodhisattvas y también a los Reyes Guardianes del Cuatro Direcciones . [2]
Se dice que Jōchō no sólo es uno de los más grandes escultores budistas del período Heian sino también de la historia de las estatuas budistas en Japón. Jōchō redefinió la forma del cuerpo de las estatuas de Buda perfeccionando la técnica del yosegi zukuri (寄木造り), que es una combinación de varias maderas. La expresión pacífica y la elegante figura de la estatua de Buda que hizo completaron un estilo japonés de escultura de estatuas de Buda llamado Jōchō yō ('estilo Jōchō',定朝様) y determinaron el estilo de las estatuas budistas japonesas del período posterior. Su logro elevó dramáticamente el estatus social del busshi (escultor budista) en Japón. [3]
En el período Kamakura , el clan Minamoto estableció el shogunato Kamakura y la clase samurái gobernó prácticamente todo Japón por primera vez. Los sucesores de Jocho, escultores de la escuela Kei de estatuas budistas, crearon estatuas realistas y dinámicas para satisfacer los gustos de los samuráis, y la escultura budista japonesa alcanzó su apogeo. Los escultores Unkei , Kaikei y Tankei ganaron renombre reemplazando las estatuas de Buda de los templos que se habían perdido en guerras o incendios, como las de Kofuku-ji . [4]
Casi todas las grandes esculturas importantes posteriores en Japón fueron budistas, con algunos equivalentes sintoístas , y después de que el budismo decayera en Japón en el siglo XV, la escultura monumental se convirtió en gran medida en decoración arquitectónica. [5] Sin embargo, el trabajo escultórico en las artes decorativas se desarrolló a un nivel notable de logro técnico y refinamiento en objetos pequeños como inro y netsuke en muchos materiales, y tosogu de metal o montajes de espadas japonesas . En el siglo XIX existían industrias exportadoras de pequeñas esculturas de bronce, estatuillas de marfil y porcelana, y otros tipos de esculturas pequeñas, enfatizando cada vez más los logros técnicos.
Las antiguas figuras de arcilla japonesas se conocen como dogū (土偶) y haniwa (埴輪).
Los primeros habitantes del archipiélago japonés desarrollaron el primer arte nativo japonés en loza tosca y en extrañas figuras de arcilla llamadas dogū , que probablemente sean fetiches de alguna naturaleza religiosa. Dogū puede haber sido utilizado en ritos de fertilidad , exorcismo u otras formas de ritual. Las figuras presentan un elaborado simbolismo de líneas y remolinos fuertemente grabados.
El Nihon Shoki (Crónicas de Japón), que es una historia antigua de Japón compilada en 720, afirma que el emperador ordenó el haniwa en el momento de la muerte de una emperatriz, quien lamentaba la costumbre de que los sirvientes y doncellas del difunto siguieran a su amo en la muerte. , y ordenó que se moldearan figuras de arcilla y se colocaran alrededor del túmulo funerario kofun en lugar del sacrificio de seres vivos. Los eruditos dudan de la autenticidad de esta historia y sostienen que las simples tuberías cilíndricas de arcilla fueron las primeras formas de haniwa y que se utilizaron a modo de estacas para mantener en su lugar la tierra del túmulo funerario. Más tarde, estos haniwa cilíndricos y sencillos empezaron a decorarse y adoptaron diversas formas, incluidas las de casas y animales domésticos, así como las de seres humanos. Se han encontrado dispuestos en círculo alrededor del montículo, lo que da crédito a la teoría de los estudiosos. Sin embargo, las figuras haniwa probablemente adquirieron simbolismo religioso más tarde, además de su propósito práctico original como estacas.
El surgimiento del Japón desde el período de las artes primitivas nativas fue instigado principalmente por la introducción del budismo desde el continente asiático a mediados del siglo VI. Junto con la nueva religión, hábiles artistas y artesanos de China llegaron a Japón para construir templos e ídolos esculpidos y transmitir técnicas artísticas a los artesanos nativos.
Los primeros ejemplos de arte budista se pueden ver en el templo Horyū-ji del siglo VII en Nara , cuyos edificios, dispuestos según un patrón prescrito con salón principal, campanario, pagodas y otros edificios encerrados dentro de un corredor techado circundante, conservan un aura. de la época antigua, junto con los innumerables tesoros artísticos conservados en sus salas.
Nara y sus alrededores contienen la gran mayoría de los tesoros nacionales del primer período del arte budista, conocido en la historia del arte como el período Asuka. La escultura de este período muestra, como casi todas las esculturas posteriores, la influencia del arte continental. El destacado escultor de Asuka, Tori Busshi, siguió el estilo de la escultura de North Wei y estableció lo que se conoce como la escuela de escultura de Tori. Ejemplos notables de obras de Tori son la Tríada Sakyamuni, que son los iconos principales del Salón Dorado del templo Horyū-ji y el Kannon Boddhisatva del Salón Yumedono del mismo templo, también conocido como Guze Kannon.
Algunas de las esculturas budistas más importantes pertenecen al siguiente período artístico de Hakuho, cuando la escultura llegó a mostrar predominantemente la influencia Tang . El aire místico y poco realista del estilo Tori anterior fue reemplazado por una pose suave y flexible y una belleza casi sensual más a la manera del Maitreya , con ojos largos y estrechos y rasgos gentiles y afeminados, que a pesar de su aire de ensueño tienen sobre ellos una íntima accesibilidad. El distanciamiento de la escultura anterior de Asuka se suaviza en una forma más nativa; y en ellos se ve un compromiso entre el ideal divino y el humano.
Las esculturas representativas de este período son el Sho Kannon del templo Yakushiji y el Yumatagae Kannon de Horyū-ji, ambos mostrando la plenitud de la carne redondeada dentro de los pliegues convencionalizados de las prendas, lo que refleja en su arte las características del arte Gupta que se transmiten al japonés. a través de Tang.
Entre 710 y 793, los escultores japoneses aprendieron el alto estilo Tang y produjeron un estilo llamado escultura Tenpyō, que muestra un rostro realista, un volumen masivo y sólido, cortinas naturales y una representación de sentimientos. El emperador Shōmu encargó el colosal Buda Vairocana de bronce dorado en el templo Tōdai-ji , que se completó en 752. Aunque la estatua ha sido destruida dos veces y reparada, una parte original menor ha sobrevivido. Entre muchas obras originales, el Asura del templo Kōfukuji es una estatua lacada en seco que muestra una delicada representación de un sentimiento. Los cuatro guardianes de Kaidanin, una división del templo Tōdai-ji, son estatuas de arcilla. Una fábrica oficial nacional, Zō Tōdai-ji shi ("oficina de construcción del templo Tōdai-ji"), produjo muchas esculturas budistas dividiendo el trabajo para Tōdai-ji y otros templos oficiales y templos de novedades. En la fábrica se realizaron esculturas de bronce dorado, laca seca, barro, terracota, repujado, piedra y plata. Generalmente los escultores eran laicos y recibían estatus y salario oficiales. Algunos estudios privados ofrecían íconos budistas a la gente y algunos monjes los hacían ellos mismos.
Con el traslado de la capital imperial de Nara a Kioto en 794, los grandes templos no se trasladaron a Kioto. El gobierno alimentó un nuevo budismo esotérico importado de la dinastía Tang en China. La fábrica oficial Zo Tōdai-ji shi se cerró en 789. Los escultores despedidos trabajaron bajo el patrocinio de grandes templos en Nara, nuevos templos de la secta esotérica, la corte y las novedades. [ se necesita aclaración ] Los escultores recibían el estatus de clérigos del templo, fueran o no miembros de la orden. La madera se convirtió en el medio principal.
En cuanto al estilo, el período Heian se dividió en dos: el período Heian temprano y el posterior. A principios del período Heian (794 hasta aproximadamente mediados del siglo X), florecieron las estatuas budistas esotéricas. Kūkai , Saichō y otros miembros de las embajadas imperiales japonesas en China importaron el estilo Tang posterior. Los cuerpos de las estatuas fueron tallados en bloques individuales de madera y parecen imponentes, macizos y pesados en comparación con las obras del período Nara. Sus gruesas extremidades y sus rasgos faciales severos, casi melancólicos, les imbuyen de una sensación de oscuro misterio e inspiran asombro en quien los contempla, de acuerdo con el secreto de los ritos budistas esotéricos. Son típicos de la época los cortinajes muy tallados, en los que se alternan pliegues redondeados con pliegues muy cortados. Entre las deidades budistas esotéricas, los japoneses han producido enormes imágenes de Acala .
En el último período Heian (desde mediados del siglo X hasta el siglo XII), la sofisticación de la cultura de la corte y la popularidad del culto a Amida dieron lugar a un nuevo estilo: rasgos gentiles, tranquilos y refinados con proporciones más atenuadas. Los escultores japonizaron los rostros de las imágenes. El líder de la secta Tierra Pura (Amida Worship) Genshin y su obra Ōjōyōshū influyeron en muchos escultores. La obra maestra es el Buda Amida en Byōdō-in en Uji del maestro Jōchō . Estableció un canon de escultura budista. Fue llamado el experto de la técnica yosegi zukuri : los escultores también comenzaron a trabajar con múltiples bloques de madera. Esta técnica permitió a los maestros producir en taller con aprendices. En la escuela, un nieto de Jōchō abrió un taller que trabajaba con la Corte Imperial en Kioto. En la escuela una disciplina de Jōchō, también se estableció Sanjyō-Atlier en Kioto. [ se necesita aclaración ]
La escuela Kei estableció un nuevo estilo de escultura budista basado en el realismo , incorporando elementos del estilo Tenpyo del período Nara así como la técnica yosegi-zukuri establecida por Jōchō en el período Heian. Sus esculturas se caracterizan por expresiones agudas y severas, cuerpos musculosos y tridimensionales, y posturas y vestimentas que expresan movimiento. La escuela Kei logró expresar emociones y movimientos complejos. Este realismo reflejaba los gustos de los samuráis , que habían gobernado efectivamente Japón desde el período Kamakura y se habían convertido en nuevos mecenas de las esculturas budistas. Por otro lado, las esculturas de arcilla, laca seca, repujado y terracota no resurgieron. Utilizaban principalmente madera y en ocasiones bronce. [6]
La escuela Kei echó raíces en la ciudad de Nara , que fue la antigua capital (710-793), y funcionó en grandes templos de Nara. En el período Kamakura, la corte de Kioto y el gobierno militar del shogunato de Kamakura reconstruyeron grandes templos quemados en las guerras de finales del siglo XII. Se repararon muchas esculturas y se reconstruyeron o repararon muchos edificios.
Entre los escultores de la escuela Kei, Unkei es reconocido. Sus obras incluyen un par de colosales Kongō-rikishi en Tōdai-ji y las estatuas que parecen retratos de sacerdotes indios en Kōfuku-ji . Unkei tuvo seis hijos escultores y su trabajo también estuvo imbuido del nuevo realismo. Tankei , el hijo mayor y brillante escultor, se convirtió en el director del estudio. Kōshō, el cuarto hijo, produjo una notable escultura del maestro budista japonés Kuya (903–972) del siglo X.
Kaikei fue colaborador de Unkei. Era un devoto partidario de la secta Tierra Pura . Trabajó con el sacerdote Chōgen (1121-1206), director del proyecto de reconstrucción de Tōdai-ji. Muchas de sus figuras están más idealizadas que las de Unkei y sus hijos, y se caracterizan por una superficie bellamente acabada, ricamente decorada con pigmentos y oro. Han sobrevivido más de 40 de sus obras, muchas de las cuales están firmadas por él. Su obra más importante es la Tríada Amitabha de Ono Jōdo-ji (1195).
Una de las artes budistas más destacadas de la época fue la estatua de Buda consagrada en Sanjūsangen-dō que consta de 1032 estatuas producidas por escultores de estatuas budistas de las escuelas Kei, In y En. La imagen principal Senju Kannon en el centro, los 1001 Senju Kannon circundantes, los 28 asistentes de Senju Kannon, Fūjin y Raijin crean un espacio solemne, y todos están designados como Tesoros Nacionales . [7] [8]
Los escultores también trabajaron para el shogunato Kamakura y otros clanes militares. Para ellos produjeron esculturas budistas y retratos. El colosal Buda Amitabha de bronce en Kamakura Kōtoku-in se hizo en 1252. Todas las clases de la sociedad contribuyeron con fondos para fabricar este colosal bronce. Este patrocinio comunitario elevó la apuesta , y en ocasiones reemplazó, el patrocinio de individuos ricos y poderosos. [ se necesita aclaración ]
Las esculturas budistas disminuyeron en cantidad y calidad. El nuevo budismo zen desaprobó las imágenes de Buda. Los grandes templos de las antiguas sectas quedaron abandonados durante las guerras civiles.
Los retratos escultóricos de maestros zen se convirtieron en un nuevo género durante este período.
El arte de tallar máscaras para el teatro Noh floreció y mejoró entre los siglos XV y XVII.
La reconstrucción de los templos budistas quemados en las guerras civiles requirió escultores. Las nuevas esculturas fueron en su mayoría talladas de forma conservadora en madera y doradas o policromadas .
Sin embargo, algunos monjes escultores budistas produjeron imágenes de madera sin pintar y toscamente talladas. Enkū (1632–1695) y Mokujiki (1718–1810) son representativos. Viajaron por Japón y produjeron enormes obras con fines misioneros y ceremoniales. Sus estilos arcaicos y espirituales fueron reevaluados en el siglo XX.
El arte de tallar máscaras para Noh también continuó produciendo mejores obras en el siglo XVII.
En el período Edo, la urbanización progresó en varias partes de Japón y la cultura de la gente del pueblo se desarrolló enormemente. En este período, el inro y el netsuke se hicieron populares como accesorios para hombres. Los netsuke son elaboradas tallas de madera y marfil, y el tema principal eran animales y criaturas imaginarias. Debido a que los netsuke son pequeños y fáciles de coleccionar, siguen siendo populares entre los coleccionistas.
Durante este período, se colocaron muchas esculturas en los edificios de los santuarios sintoístas construidos en estilo Gongen-zukuri .
A finales del siglo XIX, el shogunato Tokugawa entregó el control de Japón al emperador , y Japón rápidamente se modernizó y abolió la clase samurái , y la ropa japonesa comenzó a occidentalizarse. Como resultado, los artesanos que fabricaban espadas , armaduras , netsuke , kiseru , inro y muebles japoneses perdieron clientes, pero con el apoyo del nuevo gobierno comenzaron a fabricar esculturas extremadamente elaboradas en metal, marfil y madera, que luego exportaron al Estados Unidos y Europa. Durante las eras Meiji y Taishō , la escultura japonesa progresó desde la producción de objetos devocionales hasta objetos decorativos y, finalmente, hasta las bellas artes. [9] Las exposiciones internacionales llevaron el bronce fundido japonés a una nueva audiencia extranjera, atrayendo grandes elogios. [10] La historia pasada del armamento samurái equipó a los trabajadores metalúrgicos japoneses para crear acabados metálicos en una amplia gama de colores. Combinando y acabando cobre, plata y oro en diferentes proporciones, crearon aleaciones especializadas como shakudō y shibuichi . Con esta variedad de aleaciones y acabados, un artista podría dar la impresión de una decoración a todo color. [11]
El estímulo de las formas de arte occidental devolvió la escultura a la escena artística japonesa e introdujo el yeso , la escultura heroica al aire libre y el concepto de escultura de la escuela de París como una "forma de arte". Estas ideas, adoptadas en Japón a finales del siglo XIX, junto con el regreso del patrocinio estatal, rejuvenecieron la escultura.
En 1868, el nuevo gobierno prohibió el sincretismo tradicional del sintoísmo y el budismo y les ordenó separar los templos budistas y los santuarios sintoístas para establecer un gobierno centralizado a cargo del Emperador, que era el sacerdote supremo del sintoísmo. En respuesta a esta situación, algunos sacerdotes sintoístas comenzaron a destruir templos budistas. Okakura Tenshin y otros trabajaron duro en actividades políticas para proteger el arte budista, y el gobierno declaró que protegería el budismo. La destrucción cesó alrededor de 1874, pero se perdieron muchas preciosas estatuas budistas. [12]
Después de la Segunda Guerra Mundial , los escultores se alejaron de la escuela figurativa francesa de Rodin y Maillol hacia formas y materiales agresivos, modernos y vanguardistas , a veces a una escala enorme. Una profusión de materiales y técnicas caracterizó estas nuevas esculturas experimentales, que también absorbieron las ideas del "op" ( ilusión óptica ) internacional y del arte pop . Varios artistas innovadores eran a la vez escultores, pintores o grabadores y sus nuevas teorías traspasaban las fronteras materiales.
En la década de 1970, las ideas de colocación contextual de objetos naturales de piedra, madera, bambú y papel en las relaciones con las personas y su entorno se materializaron en la escuela mono-ha . Los artistas mono-ha enfatizaron la materialidad como el aspecto más importante del arte y pusieron fin al antiformalismo que había dominado la vanguardia en las dos décadas anteriores. Este enfoque en las relaciones entre objetos y personas fue omnipresente en todo el mundo del arte y condujo a una creciente apreciación de las cualidades "japonesas" del entorno y a un retorno a los principios y formas artísticos nativos. Entre estos preceptos se encontraba la reverencia por la naturaleza y varios conceptos budistas. La ideología occidental fue cuidadosamente reexaminada y gran parte fue rechazada cuando los artistas recurrieron a su propio entorno (tanto interno como externo) en busca de sustento e inspiración. Desde finales de los años 1970 hasta finales de los 1980, los artistas comenzaron a crear arte que era a la vez contemporáneo y asiático en fuentes y expresión, pero que aún formaba parte de la escena internacional. Estos artistas se centraron en proyectar su propio individualismo y estilos nacionales en lugar de adaptar o sintetizar ideas occidentales exclusivamente.
La escultura al aire libre, que pasó a primer plano con la creación del Museo al aire libre de Hakone en 1969, fue ampliamente utilizada en la década de 1980. Las ciudades apoyaron enormes esculturas al aire libre para parques y plazas, y los principales arquitectos planearon esculturas en sus edificios y diseños urbanos. Florecieron los museos y las exposiciones al aire libre, que enfatizaban la ubicación natural de la escultura en el entorno. Debido a que la piedra dura para esculturas no es originaria de Japón, la mayoría de las piezas para exteriores se crearon a partir de acero inoxidable, plástico o aluminio para construcciones mecánicas de "tensión y compresión" de acero con superficie de espejo o para formas elegantes y ultramodernas de aluminio pulido. La fuerte influencia de la alta tecnología moderna sobre los artistas dio como resultado la experimentación con formas cinéticas y extensibles, como arcos flexibles y esculturas "infoambientales " que utilizan luces. Los componentes de vídeo y el videoarte se desarrollaron rápidamente desde finales de los años 1970 hasta los años 1980. Se podría entender que los nuevos escultores experimentales japoneses trabajaban con ideas budistas de permeabilidad y regeneración al estructurar sus formas, en contraste con la concepción occidental general de la escultura como algo con contornos finitos y permanentes.
En la década de 1980, muchos escultores utilizaron de manera destacada la madera y los materiales naturales, que ahora comenzaron a colocar sus obras en patios interiores y espacios cerrados. Además, tanto artistas consagrados como Kyubei Kiyomizu y Hidetoshi Nagasawa como la generación más joven liderada por Shigeo Toya utilizaron el sentimiento japonés por el movimiento rítmico, capturado en formas recurrentes como un "movimiento gestual sistemático".
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