La Escultura Griega Arcaica representa las primeras etapas de la formación de una tradición escultórica que llegó a ser una de las más significativas de toda la historia del Arte Occidental . El periodo Arcaico de la Antigua Grecia está mal delimitado, y existe una gran controversia entre los estudiosos sobre el tema. Generalmente se considera que comienza entre el 700 y el 650 a. C. y termina entre el 500 y el 480 a. C., pero algunos indican una fecha mucho más temprana para su inicio, el 776 a. C., fecha de la primera Olimpiada . [1] En este periodo se sentaron las bases para el surgimiento de la escultura autónoma a gran escala y la escultura monumental para la decoración de edificios. Esta evolución dependió en sus orígenes de la influencia oriental y egipcia , pero pronto adquirió un carácter peculiar y original. [2]
Durante mucho tiempo considerado un mero preludio de la Grecia Clásica , hoy el período Arcaico es visto como un momento de intensa actividad intelectual, política y artística, durante el cual se alcanzaron logros decisivos para la consolidación de la cultura griega en su conjunto, [3] y la escultura que lo representa tiene grandes méritos propios, siendo vehículo de significados específicos y fundamentales para la sociedad de la que nació a través del desarrollo de formas únicas. [4]
Partiendo de bases desfavorables, la escultura del periodo Arcaico, en sus etapas finales, alcanzó altos niveles de calidad estética y complejidad formal, señalando el paso de una cultura prácticamente anicónica a otra donde la visualidad y la figuración pasaron a ser predominantes, dejando un amplio y seminal repertorio de tipos y modos representativos, con la figura humana en una situación privilegiada. [5]
Hay evidencia de presencia humana en la región hoy conocida como Grecia -incluyendo la porción continental y las islas- desde el Paleolítico , y en aquellos primeros tiempos sus artefactos ascendían a simples herramientas y armas de piedra y hueso, y cerámica . [6] Hacia la Edad del Bronce ya existían culturas de considerable florecimiento artístico y cultural, las llamadas civilizaciones del Egeo , que comprendían las culturas minoica , cicládica y micénica . Del arte cicládico sobreviven estatuillas en mármol y alabastro , algunas alcanzando grandes dimensiones, en su mayoría representando deidades femeninas con los brazos cruzados sobre el pecho, pero también hay ejemplares masculinos y otros en diversas posiciones, piezas que se hicieron famosas y coleccionadas con avidez por sus formas altamente estilizadas que nos recuerdan un poco a la escultura moderna. Pero precisamente este gran interés ha provocado serios problemas para la investigación arqueológica . Sólo alrededor del 10% de las esculturas cicládicas conocidas en la actualidad tienen una procedencia comprobada, y se sospecha que el resto pueden ser falsificaciones recientes, una inseguridad que complica la descripción y el estudio de las funciones y significados de esta producción. Algunas piezas muestran restos de pigmento, lo que indica que en tiempos remotos ya estaba establecida la práctica de pintar la superficie de las esculturas, que se mantendría a lo largo de la historia de la escultura en la Antigua Grecia. [7]
Más o menos contemporánea a la cultura cicládica fue la civilización minoica , floreciente en Creta . Lo que nos ha llegado de su escultura son pequeñas estatuas, de las que son famosas las figurillas de la diosa serpiente minoica , la mayoría en fayenza , encontradas en el palacio real de Cnosos , y el Palaikastro Kouros , en marfil, oro, piedra y cristal de roca, pero es posible que también se produjeran obras de mayor tamaño en madera. Sus formas son mucho más elaboradas y naturalistas que las cicládicas, pero tienen la misma tendencia a la frontalidad. [8] En la escultura en bronce , los minoicos mostraron una gran habilidad , habiendo desarrollado la técnica de la cera perdida , [9] y el período es particularmente importante porque consolidó todo un proceso mítico en torno al proceso creativo, personificado en las figuras del dios Hefesto , el artesano magistral, y Dédalo , personaje legendario al que se atribuye la invención del arte de la escultura y los poderes mágicos de animar estatuas, y cuyo origen parece haber sido oriental. Sin embargo, la ubicación de Dédalo en este momento parece ser una elaboración mucho más tardía de la tradición, y es más plausible que fuera un escultor del siglo VII a. C., si es que realmente existió. [10] Estudios recientes también han apuntado a la posibilidad de que haya habido dos Dédalos: uno un arquitecto-constructor minoico, y el otro un escultor del período Arcaico temprano u Orientalizante , también llamado a veces Dédalo en su honor. [11]
Más tarde, la cultura micénica dominó la Grecia continental, que dejó imponentes edificios de piedra y sofisticados ajuares funerarios de oro , encontrados especialmente en Tirinto , Argos , Troya y Micenas . La arquitectura palaciega que queda en estos yacimientos arqueológicos demuestra un avanzado grado de habilidad en el manejo de la piedra, y su esquema constructivo dio lugar posteriormente al diseño del templo griego. En Micenas hay algunos de los primeros ejemplos de escultura arquitectónica griega, particularmente bien lograda en la Puerta de los Leones , donde dos leones estilizados, de líneas limpias y vigorosas, se yerguen simétricamente sobre el dintel de la entrada del palacio. La Puerta de los Leones, sin embargo, debido a sus grandes dimensiones, es una excepción, al igual que una cabeza de mujer de terracota policromada que puede ser parte de uno de los primeros ejemplos de estatuaria de culto de tamaño natural encontrados en Grecia. Los otros hallazgos micénicos son generalmente diminutas piezas de terracota. Dada la escasez de evidencia más completa, es difícil hacer generalizaciones sobre la práctica escultórica entre ellos, [12] [13] y a pesar de su habilidad con los metales, especialmente los preciosos, elogiados por Homero en vívidas descripciones, no sobreviven reliquias escultóricas de bronce de este período. [9]
Sin embargo, a finales del segundo milenio a. C., todas estas culturas se habían derrumbado, dando comienzo a lo que se ha denominado la Edad Oscura . Por razones aún no totalmente dilucidadas, la población local disminuyó drásticamente, la economía se desplomó, la escritura dejó de practicarse, las artes retrocedieron y el repertorio de representación figurativa desapareció casi por completo. Fue recién a partir de mediados del siglo VIII a. C. que se produjo una progresiva reorganización social, incorporando a los invasores de los Balcanes y a los restos de los pueblos indígenas, lo que haría posible un resurgimiento cultural que sería ininterrumpido hasta la conquista de Grecia por los romanos en el siglo II a. C. [14]
Un período precede al Arcaico propiamente dicho, el Geométrico , en el que se restablece gradualmente la representación figurativa, en una base casi completamente nueva del lenguaje visual. [15] Su escultura probablemente estuvo influenciada por el arte de los pueblos invasores, quienes trajeron consigo una tendencia analítica a diseñar las obras en secciones distintas y en formas esenciales, siendo casi solo siluetas: un triángulo para el torso, un círculo para la cabeza, etc. Los bronces geométricos más antiguos son muy planos y parecen haber sido creados como recortes de placas de metal, y muestran características rústicas. Las piezas de terracota muestran una volumetría más completa. Los bronces más recientes son similares en este sentido, siguiendo el desarrollo de la técnica de fundición, y el espacio comienza a explorarse más a través de piezas que representan carros y composiciones grupales. En el caso de las figuras humanas, las distinciones de género son esquemáticas: los hombres están desnudos y las mujeres vestidas; cuando en los raros casos en que están desnudos, muestran senos pero no genitales. [16] [17] [18]
La Grecia del periodo Arcaico vivía una rápida recuperación tras el paréntesis de la Edad Oscura y el primer renacimiento cultural del siglo VIII a. C. Se desarrollaba una nueva forma de gobierno, estructurada en la ciudad-estado, la polis , se fortalecía la economía y se iniciaba un movimiento de amplia expansión colonial, incrementándose el comercio con pueblos de una vasta región limítrofe con el Mediterráneo y el mar Negro , creándose un sentimiento de unidad y fortaleza cultural que difundió por todo ese territorio la cultura helénica, cultura que confraternizaba y se consagraba en los Juegos Panhelénicos , celebrados en la metrópoli. La literatura resurgió y encontró sus primeros grandes exponentes en Hesíodo y Homero , y la filosofía investigó nuevas formas de entender el mundo y al hombre bajo una mirada racionalista, en la que se abandonaban las explicaciones sobrenaturales a los fenómenos de la naturaleza en busca de causas más científicas. [3]
El proceso de formación de la ciudad-estado requirió una organización social más consistente que la mantenida en las antiguas aldeas, caseríos y demos dispersos , que funcionaban bajo la dirección de un líder, rey o magistrado jefe, el basileus , y para consolidar esta nueva unión política fue necesario que el poder centralizado se dividiera entre un grupo de aristócratas , ayudados por burócratas , en un reparto de responsabilidades que sentó las primeras bases de la futura democracia . El modelo de polis no fue adoptado uniformemente en toda Grecia: se encuentran variaciones, y ciertas regiones continuaron siendo gobernadas a la antigua usanza hasta finales de siglo, pero la polis en última instancia representa el sistema más avanzado y eficiente de la época, gestionando mejor el rápido crecimiento demográfico, la expansión comercial y colonial, los recursos productivos y las relaciones políticas y militares entre los diversos estados. [19] También fue donde se produjo el progreso artístico más importante. [20] La transferencia del poder a la asamblea de aristócratas hereditarios, quienes poseían la mayor parte de la riqueza y poseían la mayor parte de la tierra, hizo naturalmente dominantes los principios de esta clase, mientras que ellos se preocupaban por mantener el status quo mediante métodos despóticos de explotación de las clases bajas. En el siglo VI a.C., el poder de esta oligarquía comenzó a disolverse con el ascenso de los tiranos , con la asimilación al gobierno de familias minifundistas ajenas al círculo de los aristócratas terratenientes, y con el surgimiento de una clase media autosuficiente que sobrevivió y comenzó a enriquecerse a través del comercio, estratos sociales que se justificaron moralmente al defender el valor del trabajo, considerado una forma válida de obtener los premios que Homero pensaba reservados a los héroes: la riqueza, la gloria y el favor de los dioses. [21] [22]
El contexto social se reestructuró así y fue propicio a una plena restauración de la actividad cultural, fomentada por una clase dirigente rica y culta, que debatía filosofía y literatura en el simposio , se interesaba mucho por el arte, practicaba el mecenazgo y permitía a los artistas libertad para la investigación formal, adaptando la influencia del arte oriental al diferente contexto de la polis, una libertad que era esencial para un llenado socialmente significativo del vacío artístico de la Edad Oscura. Luego, a partir de finales del siglo VIII a.C., cuando comienza el período Arcaico, se produce una verdadera explosión figurativa, después de su virtual extinción en la fase anterior. Se supone que el resurgimiento de la escritura estuvo impulsado por un deseo de fijar en la memoria colectiva las hazañas heroicas del pasado y las tradiciones religiosas, en una fase en la que las relaciones entre pasado y presente se convirtieron en centrales para la cultura, leyendo los mitos como fuentes de instrucción para la solución de nuevos problemas de la vida cotidiana. El tema de los poetas arcaicos giraba en torno a esto, así como fue un motivo inspirador para la pintura de vasos y la escultura. [23] Hay que recordar también que si bien en la cultura arcaica son evidentes varios rasgos genéricos -y este resumen trabaja en esta dirección- ninguna de las diversas regiones de Grecia en este período puede considerarse típica y plenamente representativa, [24] y hay que señalar que la evolución artística y cultural de la llamada "Grecia" de aquella época tuvo lugar sobre todo en el centro-sur, donde floreció el modelo de la polis, mientras que el norte permaneció comparativamente subdesarrollado y viviendo en el régimen de las antiguas tribus y clanes , los ethnos . [25]
Estilísticamente, el periodo Arcaico se inicia con una fase llamada Dédalica u Orientalizante que, como su nombre indica, delata la afluencia de elementos procedentes de Oriente . A partir de ahí, los artesanos griegos aprendieron a producir relieves de terracota en serie a partir de moldes, una práctica que definió soluciones formales estereotipadas para la representación de la figura humana que se convertirían en la base para la organización también de la estatuaria de cuerpo entero. El esquema de estas obras fue estrictamente estandarizado, homogeneizando toda la producción de escultura figurativa y eliminando todo rastro de libertad creativa y naturalismo que se encuentra en las estatuas de los tiempos de las culturas egipcias. Los cuerpos asumen una postura hierática, en posición frontal, con los brazos colgando a los costados o uno doblado a la altura del pecho, una pierna adelantada sugiriendo movimiento, con el pelo largo y rizado y la expresión facial fijada en un contorno de sonrisa. Siguiendo el ejemplo de los bronces geométricos, los hombres están desnudos y las mujeres están vestidas con elaborados trajes. [17] Esta tipología, conocida como kouros en el caso masculino y kore en el femenino, fue la más importante durante el periodo Arcaico. Parece que deriva de las estatuas cicládicas, [26] y se consolidaría definitivamente a partir de c. 650 a. C., adquiriendo una dimensión monumental posiblemente inspirada en el ejemplo de la estatuaria egipcia, conocida por los griegos que establecieron algunas colonias allí y por los viajeros. [27]
La influencia egipcia es a veces discutida o minimizada, pero la aparente similitud es obvia, y estudios modernos han encontrado una identidad consistente entre las proporciones de la mayoría de los kouroi con el Segundo Canon de la 26ª dinastía egipcia , [28] un canon que con pequeñas variaciones era prácticamente el mismo que el que había estado en uso desde la época de las grandes pirámides hace milenios. [29] Esta identidad formal confirma una referencia que había sido hecha por Diodoro , aun cuando el modelo extranjero fue adaptado en varios puntos, principalmente en lo que respecta al vestuario y a las bases de apoyo estructurales. [30]
Los kouroi y korai se encuentran en bronce, terracota y marfil, pero con diferencia el más habitual es el de piedra. Sus dimensiones varían desde pequeñas estatuas hasta gigantes como los kouroi de Delos y Samos , y los colosos inacabados de Naxos , los mayores de los cuales alcanzan casi los 10 m. Su tamaño habitual, sin embargo, es el tamaño humano o un poco menor. [31] Cumplían diversas funciones, como estatuas de culto, exvotos , monumentos que celebraban a los atletas y marcadores funerarios. La cronología de las obras es incierta y las fechas son generalmente aproximadas, porque la evolución de la forma es bastante homogénea en toda Grecia, sin el surgimiento de escuelas regionales significativamente diferenciadas, y todas las innovaciones son rápidamente adoptadas por todos los centros productores. [32]
El kouros es especialmente importante por su desnudez, ofreciendo un terreno libre para la investigación de la anatomía humana . Pero aunque esta anatomía partía de rasgos bastante rudimentarios y elementales al principio del período, y alcanzaba un grado considerable de naturalismo en la transición al período severo , su representación está llena de convencionalismo y de pensamiento en términos de planos y líneas abstractas. En ningún momento parece haber existido una preocupación por establecer un verdadero parecido con la naturaleza en el sentido de un retrato. Los kouroi no son retratos, sino representaciones genéricas y simbólicas, y su misma indiferenciación les permitió llenar diversos nichos funcionales en la cultura arcaica. [33] [34] Esta impersonalidad se explica, según Jeffrey Hurwit, porque en el mundo arcaico el objetivo principal del escultor era ofrecer una pieza convincente, más que realista, pues el impulso más constante y acuciante de este arte “era formalizar, definir patrones generales, recrear la naturaleza en una forma inteligible”, en consonancia con los principios formalistas y jerárquicos de la aristocracia culta que encargaba estas obras. En este sentido, los kouroi son emblemas del conservadurismo, pues si bien en detalle mostraban cambios claros a lo largo de los casi dos siglos de prevalencia del tipo, el patrón general no cambiaba significativamente. [35]
Al mismo tiempo, el kouros desnudo se convirtió en una tipología significativa porque la desnudez pública del guerrero y del atleta pasó a ser socialmente aceptada en determinadas situaciones, y comenzó una identificación entre la belleza física y el conjunto de valores morales conocidos como areté , en un concepto amplio llamado kalos kagathos . Cuando un atleta ganaba una competición en los Juegos, la mayor de las reuniones helénicas, su consagración se revistió de un significado trascendente y elevó al hombre al nivel de lo divino, evocando, como leemos en Píndaro , las hazañas de los dioses y los héroes. Las cualidades físicas del atleta -fuerza, agilidad, habilidad, gracia y belleza- se hicieron explícitas en su desnudez, pero se le atribuyeron valores eminentemente religiosos, cívicos y éticos. Así, la desnudez se convirtió en un motivo artístico en sí mismo, haciendo visibles virtudes espirituales y morales y conformando una tipología artística de larga descendencia, la de la desnudez heroica . Así como el rostro horrible de la Gorgona instalada en la fachada de muchos templos inspiraba un temor sagrado en el devoto, la fuerza y la belleza corporales y la sonrisa del kouros remitían a la charis , la gracia divina. Las mismas cualidades se recordaban al espectador cuando el kouros cumplía la función de ofrenda conmemorativa o votiva. [36]
Los primeros kouroi han sido interpretados por los arqueólogos como imágenes de Apolo , un dios fuertemente asociado con la belleza y la juventud. Esta teoría fue reforzada por el hallazgo de un enorme grupo de unas 120 estatuas en el santuario de Apolo Ptöos en Beocia . Pero si bien en muchos casos esta asociación puede ser válida, muchos kouroi han sido encontrados en otros contextos y dedicados a otros dioses. En cualquier caso, su tipo es claramente apolíneo, ilustrando un ideal de juventud y belleza, y por eso también es lícito suponer que al menos en parte eran representaciones eróticas, pues además de que Apolo había mantenido en el mito varias relaciones homosexuales , las estatuas presentan los rasgos deseables en un hombre de esa época —hombros anchos, nalgas y muslos fuertes, cintura delgada y pene pequeño— en una sociedad dominada por los hombres que había institucionalizado la pederastia como una práctica honorable, imbuida de valores educativos. [37]
En el caso de las korai el prototipo es más variado. Siempre están vestidas, pero sus poses van desde la inmovilidad ritual hasta imágenes que sugieren bailarinas en acción. Muchas de ellas portan ofrendas. La representación de vestidos y peinados sofisticados ofrecía otro campo más para que el escultor encontrara soluciones decorativas diversificadas y múltiples tratamientos de superficie, explorando gráficos, texturas y efectos de transparencia. [38] Mientras que las kouroi ilustran las concepciones e ideales del mundo masculino, las korai ofrecen un retrato sensible de los valores apreciados en las mujeres de la sociedad arcaica –el buen gusto revelado en el uso de ropa, joyas y peinados sofisticados, y la juventud, belleza y salud como símbolos de la capacidad de tener hijos– y también indicaban indirectamente la riqueza del hombre con el que se asociaban, dando una medida de quién era ella y cómo era percibida en su grupo. [39] Hay una corriente de pensamiento moderno que se inclina por leer a las korai como objetos de deseo sexual, pero para Hurwit sus probables funciones primarias como ofrendas e imágenes de culto no apoyan esta hipótesis. [40]
Por otra parte, los korai parecen haber jugado un papel único como instrumentos de vínculo social cuando se ofrecían como obsequio. A menudo llevan inscripciones que los describen como agalmata , una palabra que en el Clasicismo significaba simplemente una estatua de un dios, pero que en el período Arcaico tenía connotaciones mucho más amplias, y se asociaba con conceptos de abundancia, riqueza y estatus, insertando las estatuas en una red de intercambios simbólicos y materiales entre los hombres que movilizaban poderes sagrados y profanos y establecían fuertes lazos de dependencia interpersonal. Un kore era una posesión material, pero su valor no podía estimarse en términos monetarios, y si indirectamente señalaba a la mujer como un objeto o instrumento en una cultura masculina, al mismo tiempo la colocaba en un alto rango, siendo considerada una fuente de prestigio y ostentando muchos privilegios. Solo se encontró un kouros como dedicatoria que lo describe como agalma . Los korai también se interpretan de manera diferente a los kouroi cuando se usan como marcadores funerarios. Al llevar una ofrenda en la mano, fuerzan un compromiso visual con el espectador en un sentido de intercambio, de diálogo, lo que no es el caso con los kouroi , y, según Robin Osborne, esta característica de los kore indica que la mujer era de hecho el eje, la sustancia y el interlocutor principal en todo el universo de intercambio en el mundo masculino arcaico. [41]
En la época prearcaica sólo hubo un escaso uso de la escultura en la decoración de los edificios. En el periodo arcaico se establecieron los órdenes arquitectónicos , que redefinieron la concepción del templo y lo llevaron a una dimensión monumental, inédita en la historia de la arquitectura griega antigua , y la escultura decorativa se hizo mucho más frecuente y extraordinariamente importante, tanto por la magnitud de las composiciones que se creaban como porque representaban un campo de investigación formal mucho más libre que las tipologías fijas de kouros y kore . El nuevo templo griego dio lugar a escenas narrativas grupales, inéditas en su tiempo, favoreció la investigación anatómica y kinesiológica , creó nuevos retos para la concepción de conjuntos, estimuló la exploración de los efectos de luz y sombra, y convirtió a sus escultores en los fundadores de una forma original de entender la plasticidad y la representación. [42] [43] [44] Socialmente, la importancia de la decoración figurativa en los edificios sagrados estaba ligada al carácter numinoso del entorno. Los frisos que mostraban procesiones y fiestas religiosas, escenas mitológicas, imágenes de dioses y criaturas fantásticas, creaban en conjunto una atmósfera ritual particular, diferente de la del mundo profano, que sensibilizaba profundamente al visitante y lo preparaba psicológicamente para el culto divino. [45]
Los materiales empleados para ello eran variados, desde el bronce a la terracota, pasando por la piedra y el estuco , siempre de vivos colores. Parece que en el periodo orientalizante la preferencia de los decoradores era la de instalar grupos figurativos en partes más accesibles a la vista, cerca del suelo y en los muros. Esta tendencia cambia de repente hacia el 630-600 a. C., cuando las ubicaciones preferidas pasan a ser las partes superiores de los edificios, como frontones , metopas y acroterios . El primer ejemplo conocido de esta nueva práctica es el santuario de Apolo , en Etolia , que inaugura esta costumbre con gran riqueza y variedad, incluyendo escenas mitológicas y profusión de figuras de animales y seres fantásticos como sirenas , esfinges y gorgonas . Sin embargo, no todos los templos recibieron decoración figurativa. [46]
El ejemplo de este santuario fue pronto seguido en otras regiones, que también comenzaron a explorar otros usos para la escultura. En la colonia de Corcira se desarrollaron antefijas con cabezas humanas y desagües de agua en forma de cabezas de animales, que pronto alcanzaron un nivel de excelencia en la decoración del templo local dedicado a Hera, impresionante por su friso continuo compuesto por rostros de ojos abiertos alternados con leones con las bocas abiertas. Hacia mediados del siglo VI a. C. la decoración figurativa en los edificios sagrados era una práctica común en toda Grecia, con ejemplos importantes en varios lugares, como los santuarios de Apolo en Egina , de Hera en Olimpia , de Artemisa en Éfeso y la Acrópolis de Atenas , donde se erigió una gigantomaquia de dimensiones colosales. Al mismo tiempo, se empezaban a aplicar soluciones similares en las construcciones civiles. [47]
En la fase arcaica tardía, son particularmente interesantes los frisos del Tesoro de Sifno, en el santuario de Apolo en Delfos , que muestran un grado muy avanzado de fluidez compositiva y habilidad técnica, que en muchos aspectos prefiguran el arte clásico. [48] El florecimiento último y más brillante de la escultura arquitectónica arcaica son los frontones del Templo de Afea en Agina, terminado alrededor de 500-480 a.C. Sus figuras son de enorme refinamiento y elegancia en acabado y líneas, y la variedad de posturas y soluciones de movimiento, el detallismo de la anatomía y la sugerencia de expresiones emocionales diversificadas, a pesar de la invariable sonrisa arcaica , introducen notas de drama precursoras de los desarrollos del arte psicológico del estilo severo y el helenismo . [49] Sus conjuntos escultóricos se consideran uno de los logros más finos del arte griego de todos los tiempos. [50]
Estrechamente asociadas a santuarios y templos, las estatuas de culto eran una parte vital de la religión griega como vehículos de comunicación entre deidades y hombres. Una multitud de tabúes las rodeaban, y su eficacia dependía no tanto de sus rasgos físicos —algunas eran casi piezas de materia prima— sino de la compleja ritualística que requerían. Algunas ni siquiera podían verse, otras dependían de ritos especiales para su revelación, y en cualquier caso siempre estaban cargadas de profundo significado. Su importancia era tal que influían, directamente o a través de sus oráculos , incluso en asuntos civiles y militares de vasta repercusión, como guerras y alianzas. Varios relatos históricos hacen referencia a intervenciones sobrenaturales de estatuas de culto en la inminencia de la decisión de algún acto colectivo crucial, y la captura de las estatuas de culto de una ciudad determinada acarreaba a menudo consecuencias negativas para su soberanía. [51]
De igual modo, la posesión privada de alguna imagen prestigiosa aportaba gran influencia social a su poseedor, rasgo cultural que era constantemente explotado por la aristocracia para apropiarse del carisma del poder divino y crear mayor distanciamiento con las masas. Muchas de las estatuas de culto estaban esculpidas en forma de kouroi y korai , y su típica sonrisa, en este contexto, es interpretada por Jeremy Tanner como un espejo de la estilización de la vida entera de las élites y su autorrepresentación en forma de agalmata , objetos en los que los dioses podían complacerse, pues la aristocracia se refería a sí misma como geleontes , los sonrientes, distinguidos por los dioses por la riqueza y prosperidad de la que gozaban. Como exvotos, las estatuas monumentales asociaban a la aristocracia aún más directamente con el mundo divino, ya que solo los ricos podían encargar una imagen importante, y la consagración de una estatua implicaba la consagración del oferente. Al mismo tiempo, los aristócratas monopolizaban el sacerdocio, y el acceso a lo divino por parte del pueblo común dependía de concesiones y convenciones decididas por la élite. [52]
Pero no todos los exvotos tenían las dimensiones descomunales de los kouroi y korai . Existen pequeñas reliquias escultóricas que documentan el culto popular, con diversidad de motivos, a menudo imitando objetos sacrificiales como tortas, hogazas de pan y animales como gallos, bueyes y palomas. Muy común era el exvoto en forma de placa de madera pintada con alguna escena piadosa o mitológica, llamada pinax , pero todos han desaparecido debido a la fragilidad del material, a excepción de un puñado encontrado en Corinto , pero sus versiones en terracota, marfil y piedra grabadas en relieve aún existen en número significativo, y su gran mayoría está dedicada a Asclepio . Tales imágenes son una fuente importante de conocimiento de las prácticas religiosas arcaicas. [53]
Bastante frecuente en el arte arcaico es la figura entronizada. Típicamente, esta postura estaba reservada a deidades y personajes de alta estima. Estrabón afirma que en tiempos arcaicos las imágenes de culto a Atenea se representaban preferentemente en esta posición, pero las reliquias que conocemos, unos ochenta ejemplares, por regla general no muestran suficientes rasgos distintivos para identificar a la deidad. En el origen del tipo su gran mayoría eran imágenes femeninas, las pocas masculinas podían representar a Dioniso , magistrados o héroes. En el siglo VI a.C. el modelo se difundió, representando figuras de ambos sexos, encontrándose en una variedad de contextos -funerarios, votivo-religiosos y conmemorativos. [54]
También resultó interesante la tipología de las grandes figuras ecuestres, aunque limitadas a las regiones del Ática y su dependencia de Delos. Su origen es oscuro; los ejemplos de estatuillas de bronce y terracota de épocas anteriores no sugieren una descendencia formal directa, sino que parece que su diseño derivaba de la pintura de vasos de principios del siglo VI a. C. El tipo floreció en el Ática como reflejo de la vida aristocrática de Atenas, donde varias familias de élite tenían en sus nombres componentes derivados de hippos, "caballo", además el caballo era un animal asociado con Atenea y Poseidón , los dioses que en el mito fundador de la ciudad disputaban su soberanía, por lo que la representación de los caballeros adquirió un significado político y religioso especial en la región. Un buen ejemplo es el Jinete de Rampin , ilustrado en detalle al comienzo de este artículo. [55] Finalmente, otras formas secundarias en la escultura arcaica son las figuras de animales fantásticos como grifos y esfinges , o reales como leones y caballos, estelas funerarias, columnas conmemorativas y algunos vasos con elementos escultóricos.
Existen varios nombres registrados en la literatura antigua de escultores del periodo Arcaico, pero de la mayoría de ellos sólo conocemos el nombre y alguna breve alusión a sus obras, casi todas desaparecidas, con muy raras excepciones. Del siglo VI se menciona a Butades , del que se dice que fue el primero en modelar en terracota, un arte que se dice que fue llevado a Etruria por Euquir, Diopio y Eugramo. Reco y su hijo Teodoro de Samos fueron acreditados por Pausanias como los inventores de la fundición del bronce, contradiciendo la investigación moderna; Glauco fue considerado el inventor de la soldadura , [56] y se dice que Arquero fue el primero en representar a Nyke y Eros con alas. [57] Otros son Bathycles , [58] que hizo un trono decorado con relieves y una estatua de Artemisa; [59] Canachus , [60] autor de dos grandes estatuas de Apolo; [61] Endoeo , Dipoeno y Escilo , de quienes se dice que fueron discípulos del mítico Dédalo. [62] [63] En el paso del siglo VI al V adquirió importancia la Escuela de Argos, con Ageladas como uno de sus exponentes, famoso como autor de estatuas de atletas y como maestro de Fidias , Policleto y Mirón . [64] En este periodo aparecen también Antenor , a quien se atribuye el grupo de los Tiranicidas y una kore conservada en Atenas, [65] y Hegias , a quien Plinio señala como uno de los rivales de Fidias. [66]
La influencia del estilo arcaico se extendió a otras regiones del Mediterráneo. Su absorción por las colonias griegas fue un proceso natural, pero también inspiró la formulación del estilo nacional etrusco de escultura en la península itálica , donde se adaptó al contexto local, abandonando la piedra como material de elección en favor de la terracota principalmente, incluso para la decoración arquitectónica. [67] Chipre , Fenicia y partes de Asia Menor también aceptaron elementos de la escultura arcaica en sus producciones, con resultados distintos, no siempre de alta calidad. De manera similar, Persia incorporó en el siglo VI algunos rasgos griegos a su estilo artístico. [68]
El estilo arcaico se disolvió con la decadencia de la aristocracia y el ascenso de la democracia y la burguesía, y con el cambio de algunos conceptos básicos sobre las funciones y propiedades del arte principalmente concernientes a la mimesis , lo que llevó a una rápida introducción de un naturalismo cada vez más anatómicamente correcto a partir de las primeras décadas del siglo IV a. C., pero su atractivo no desapareció por completo para los escultores. Artistas clásicos como Mirón todavía podían producir piezas arcaicas alrededor del 450 a. C., y en todo el arte clásico se encontrarán estatuas de esta característica, especialmente en el campo de las estatuas de culto y los hermas , donde este estilo a menudo se consideró más adecuado para prestar a la imagen un aura divina por sus rasgos austeros y abstractos, distanciándola del naturalismo de la creación profana y decorativa. Pausanias, escribiendo en el siglo II a. C., en medio del período helenístico , afirmó haber encontrado muchas obras arcaicas todavía en uso en los santuarios. [69] El helenismo, con su historicismo y eclecticismo, fomentó el resurgimiento de las antiguas tradiciones escultóricas, y se formaron pequeñas escuelas de escultura arcaica para un público selecto, que incluía coleccionistas romanos, entre ellos el emperador Augusto . [68] [70]
En la época moderna, el primer reconocimiento del estilo arcaico llegó con el descubrimiento en 1811 de los grupos escultóricos del templo de Afía en Agina, que fueron llevados a Múnich y expuestos en 1830. Sus entusiastas descubridores los describieron como sólo inferiores a las reliquias del Partenón de Atenas, y ejercieron cierta influencia en la elaboración del neoclasicismo local , [71] pero el hallazgo no causó repercusiones más amplias. Hacia la década de 1840 ya aparecían análisis más interesados, y a finales del siglo XIX otros hallazgos arcaicos contribuyeron a un mejor conocimiento de este arte, aunque tendía a ser visto como una preparación todavía imperfecta para la producción clásica. Sólo después de la década de 1920 empezaron a apreciarse las características típicas de la escultura arcaica, aunque con algunas restricciones. [68] [72] [73] Con la multiplicación de las investigaciones arqueológicas y de los estudios académicos a finales del siglo XX, la historia de la Grecia Arcaica comenzó a ser estudiada en su especificidad, y la producción escultórica del período fue debidamente rehabilitada tanto por sus propios méritos como por haber sido el fundamento de una larga y sumamente lograda tradición, que tuvo una profunda y decisiva influencia en todo el arte de Occidente y de ciertas regiones asiáticas, y también como testimonio confiable de la cultura que le sirvió de fuente, y por lo tanto una pieza de información indispensable para la comprensión global de ese período. [2] [3] [4]
