El término italo-bizantino se utiliza principalmente para referirse a las pinturas medievales producidas en Italia bajo una fuerte influencia del arte bizantino . [2] Inicialmente, abarca las pinturas religiosas que copian o imitan los tipos de iconos bizantinos estándar , pero pintadas por artistas sin formación en técnicas bizantinas. Se trata de versiones de iconos bizantinos, la mayoría de la Virgen con el Niño , pero también de otros temas; esencialmente, introdujeron la pintura portátil relativamente pequeña con un marco en Europa occidental. Muy a menudo están sobre un fondo dorado . Fue el estilo dominante en la pintura italiana hasta finales del siglo XIII , cuando Cimabue y Giotto comenzaron a llevar la pintura italiana, o al menos florentina, a un nuevo territorio. Pero el estilo continuó hasta el siglo XV y más allá en algunas áreas y contextos. [3]
Maniera greca ("estilo/manera griega") fue el término italiano utilizado en ese momento, y por Vasari y otros; es uno de los primeros términos europeos posclásicos para el estilo en el arte . [4] Vasari no era un admirador, y definió el Renacimiento como un rechazo de "ese torpe estilo griego" ("quella greca goffa maniera"); otros escritores renacentistas fueron igualmente críticos. [5]
Esto también incluía los íconos bizantinos reales en Italia; en el Renacimiento, estos fueron importados a gran escala desde Creta , entonces posesión veneciana. Especialmente en períodos posteriores, los términos también cubren pinturas realizadas en Italia por artistas griegos o formados en Grecia; algunas de estas son difíciles de distinguir de las obras de la Escuela Cretense , la principal fuente de importaciones griegas a Europa. [6] A mediados del siglo XX, muchas de estas se atribuyeron a la Dalmacia veneciana , que ahora es menos popular entre los académicos. [7]
Según John Steer , "hasta el siglo XIII... todas las escuelas locales italianas [de pintura] eran variantes provinciales de la tradición bizantina central". [8] La mayoría de los artistas de las pinturas italo-bizantinas son desconocidos, aunque conocemos algunos datos sobre figuras de transición posteriores como Coppo di Marcovaldo en Florencia (activo a mediados del siglo XIII), [9] y Berlinghiero de Lucca (activo c. 1228-42). [10] El estilo de fondo dorado fomentaba contornos fuertes en las formas pintadas, y "las figuras se forman a partir de formas abstractas pero expresivas diseñadas para identificar varias partes del cuerpo o prendas de vestir al tiempo que crean hermosos patrones". [11]
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El término "ítalo-bizantino" se utiliza con mucha menos frecuencia para la escultura, ya que los bizantinos no proporcionaron grandes modelos a seguir para ello. Puede emplearse para marfiles, [12] mosaicos y similares. En arquitectura es el término casi inevitable utilizado para San Marco, Venecia y algunos otros edificios muy antiguos de Venecia (el Fondaco dei Turchi , por ejemplo) y en las pequeñas islas de Torcello ( la catedral de Torcello ) y Murano en la laguna, pero no se utiliza a menudo para otros edificios (hasta los resurgimientos del siglo XIX, como la catedral de Westminster y la catedral bizantina de Bristol ). [13] Incluso el resto de la arquitectura gótica veneciana no debe mucho a Bizancio . [14]
Los habitantes de las zonas del sur de Italia y Sicilia gobernadas por los bizantinos durante la Alta Edad Media siguieron hablando griego hasta aproximadamente el siglo XVI y tenían hábitos religiosos ortodoxos griegos . A ellos y a todo lo relacionado con ellos se les puede llamar italo-bizantinos, o alternativamente "italo-griegos" o "italo-albaneses". La Iglesia católica oriental italo-bizantina o italo-albanesa se creó para permitirles mantener las tradiciones ortodoxas dentro de la Iglesia católica; en la actualidad cuenta con unos 70.000 miembros, no todos en Italia. [15]
Las variantes de la maniera greca en fuentes contemporáneas, como los inventarios, incluían alla greca , more greco , grechescha y pittura greca , así como las que utilizaban "cretense" o "Candia", el nombre veneciano de Heraclión , que entonces y ahora era la principal ciudad de Creta . Entre ellas se encontraban quadro a la candiota y quadro candiota piccolo ("una pequeña pintura de Candia"); probablemente se las considere mejor como una caracterización por estilo en lugar de un registro del lugar de origen. [16] Especialmente para las pinturas venecianas , la historia del arte moderno puede utilizar términos locales como scuola veneto-bizantina ("escuela veneciano-bizantina") o "escuela bizantina (greco-veneciana)", especialmente en italiano. [17]
Maniera greca tenía un significado diferente a partir del siglo XVII, cuando describía una tendencia en la escultura barroca especialmente asociada con François Duquesnoy , un escultor flamenco que trabajaba en Roma y sus alumnos como Rombaut Pauwels . La Santa Susana (1633) de Duquesnoy en Santa Maria di Loreto, Roma, es un ejemplo. En esa época, incluso los artistas de Roma podían ver muy poca escultura griega antigua real , y su idea de "griego" es bastante sutil y difícil de reconstruir hoy; en gran medida se relaciona con la escultura helenística más que con la de períodos anteriores, y da un estilo de barroco más sobrio y menos dramático que el de, digamos, Bernini . [18]
Se dice que el estilo de los iconos italo-bizantinos se volvió común después del saqueo de Constantinopla en 1204 por la Cuarta Cruzada . El botín traído de vuelta a Europa incluía muchos iconos, [19] lo que probablemente estimuló la demanda de más y proporcionó modelos para los artistas locales. La pintura sobre tabla portátil no era una forma habitual en Occidente antes de esto, [20] aunque habían llegado algunos ejemplos bizantinos, que a menudo eran muy venerados, y algunos habían sido producidos localmente, como la Madonna della Clemenza , posiblemente del siglo VII . El siglo XIII también vio un gran aumento en la devoción a la Virgen María, liderada por la Orden Franciscana , fundada cinco años después del saqueo. En este punto, la mayoría de los ejemplos probablemente se hicieron para iglesias o para grandes casas; estos tendieron a dejarse para las iglesias más tarde. [21]
No existe consenso general sobre las razones y las fuerzas que llevaron al desarrollo de los retablos. La colocación de relicarios decorados de santos sobre o detrás del altar, así como la tradición de decorar el frente del altar con esculturas o textiles, precedieron a los primeros retablos. [22] Durante el siglo XIII, los cambios litúrgicos (que solo se revirtieron en el siglo XX) colocaron al sacerdote celebrando la misa en el mismo lado del altar que la congregación, por lo que les daba la espalda durante gran parte del tiempo. Esto alentó la creación de retablos detrás y sobre el altar que eran un foco devocional visual. La mayoría de las pinturas italobizantinas de mayor tamaño eran retablos, para los cuales pronto se desarrolló la forma de políptico o "retablo compuesto" con marcos elaborados. [23] Estos eran especialmente comunes en Venecia, donde los grandes esquemas murales al fresco eran raros; el mosaico era muy preferido, pero demasiado caro para la mayoría de las iglesias. Paolo Veneziano (activo aproximadamente entre 1321 y 1360) lideró el desarrollo, con un estilo que "todavía es bizantino", pero cada vez más influenciado por el arte gótico que se desarrolla al norte de los Alpes y por elementos personales. Sin embargo, la influencia de Giotto está "casi totalmente ausente". [24]
A finales del siglo XIII, los dos pintores más destacados del norte de Italia, Cimabue en Florencia (activo c. 1270-1303) y Duccio en Siena (activo c. 1268-1311), ambos formados y muy hábiles en el estilo italo-bizantino, pero también lo desarrollaron en nuevas direcciones en términos de representación de solidez y profundidad, y de relajación de las antiguas poses bizantinas. Este enfoque, y su posterior desarrollo por parte de Giotto , fue adoptado lentamente por los principales talleres de otras ciudades, pero muchas figuras menores en ciudades y pueblos más pequeños o más remotos continuaron con el antiguo estilo durante un tiempo considerable. [25]
La Madonna de Cambrai es una pieza relativamente tardía, probablemente pintada alrededor de 1340 en Italia, quizás en Pisa , de ninguna manera en su totalidad en el antiguo estilo italo-bizantino. Un erudito griego la describe como "una obra que muy probablemente ningún bizantino de la época habría reconocido como un icono griego". Es especialmente significativa porque cuando un canónigo de la catedral de Cambrai la compró para la catedral en 1450 se creía que era el retrato original de la Virgen María pintado por San Lucas Evangelista y fue copiada en gran medida por los pintores neerlandeses primitivos . [26] Algunas copias son claramente de estilo neerlandés, aunque conservan la pose y los detalles del original, pero otras que anteriormente se pensaba que habían sido hechas en Italia pueden de hecho haber sido hechas en los Países Bajos por artistas locales. [27]
La maniera greca sobrevivió a su sustitución por los mejores pintores italianos y, de hecho, se volvió más común a medida que la creciente prosperidad y las importaciones cretenses baratas extendieron la posibilidad de poseer un ícono para el hogar a lo largo de la escala económica. Hacia el siglo XVI, como revelan los inventarios, la posesión de íconos alla greca era muy común en los hogares nobles y en los del clero superior, y se estaba extendiendo a los hogares de las clases medias y, más tarde, a las clases trabajadoras. [28]
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En 1615, un estudio demostró que un notable 81% de los hogares de trabajadores venecianos poseían obras de arte de algún tipo; cuando se trataba de iconos, estos habrían sido en su mayoría muy pequeños, y tal vez en su mayoría importaciones cretenses (véase más adelante). Sin embargo, en este período los iconos alla greca habían comenzado a parecer anticuados, aunque algunos perduraron hasta el siglo XVIII. [29] La industria de iconos cretense ya estaba adoptando estilos occidentales más actualizados, con cierto éxito, y la lenta pérdida de Creta a manos de los otomanos entre 1645 y 1669 interrumpió seriamente los suministros. [30]
A medida que la brecha estilística entre la pintura italiana contemporánea y los iconos italobizantinos (o griegos postbizantinos ) se fue haciendo más grande, hay evidencia de que al menos algunos italianos consideraban que la maniera greca era superior desde un punto de vista devocional. Esto se debió en parte a la autenticidad percibida de las composiciones o poses de los iconos bizantinos, que se creía, y proclamaba la Iglesia Ortodoxa, que habían permanecido inalteradas desde el comienzo mismo del cristianismo, y en varios casos derivaban de acheiropoieta milagrosas o "iconos no hechos por manos humanas", o de supuestos retratos de Cristo o la Virgen pintados del natural, por San Lucas u otros. Algunos, especialmente entre el clero, sentían que la belleza y el mayor naturalismo de los estilos italianos más nuevos distraían de la devoción. [31]
Los originales griegos recibieron un impulso tardío en popularidad en las décadas posteriores a la caída de Constantinopla en 1453, que trajo una nueva afluencia de griegos e iconos a Italia. Entre los coleccionistas destacados se encontraba el papa Pablo II (fallecido en 1471), que en 1457 tenía 23 iconos en micromosaico y 13 pintados o en relieve. Algunos pasaron más tarde a manos de Lorenzo de Médici , que poseía 11 iconos en mosaico a su muerte en 1492. El cardenal griego Bessarion donó varios iconos a San Pedro, Roma , y prestó manuscritos griegos a Francesco d'Este para que los copiara; muchos de ellos han tenido algunos de los iconos de Pablo II. [32]
La pintura italiana hasta alrededor de 1200 se utilizó para manuscritos iluminados , frescos y, sobre madera, grandes crucifijos pintados para cruces en iglesias, así como diversos muebles, etc. Los crucifijos de tamaño natural no eran una forma bizantina y probablemente se consideraban en Italia como una versión más barata de las cruces con un cuerpo esculpido . [ 33] Las versiones famosas del tipo esculpido incluyen la Cruz de Gero ( Colonia , siglo X), el Santo Rostro de Lucca (originalmente del siglo XI o anterior) y la Majestad Batlló catalana del siglo XII . Los crucifijos pintados generalmente incluían muchas figuras más pequeñas en secciones en los cuatro extremos de la cruz y se construían a los lados debajo de los brazos horizontales, al nivel del torso y las piernas de Cristo, como en la cruz de la Catedral de Sarzana , fechada en 1138, la pintura toscana más antigua datada . [34]
De las versiones pintadas, la cruz de San Damián de alrededor de 1100 es una de las pocas supervivencias tempranas; tal vez solo haya permanecido intacta porque Francisco de Asís tuvo una revelación frente a ella alrededor de 1206. Hay más supervivencias de finales del siglo; algunas no son completamente planas, pero tienen la cara y el halo sobresaliendo un poco del plano principal, para ayudar a la visibilidad desde abajo. [35] Fue para hacer obras como estas que presumiblemente se habían formado los pintores de tablas italianos, así como combinaciones de frescos, la pintura de esculturas tanto en madera como en piedra y la iluminación de manuscritos. Los principales maestros del nuevo Protorrenacimiento , incluidos Cimabue y Giotto , sobre cuyo trabajo tenemos mejor información, pintaron principalmente tanto paneles como frescos, y a veces diseñaron mosaicos , como la Navicella de Giotto fuera de la antigua Basílica de San Pedro en Roma, y la de Berlinghiero en la fachada de la Basílica de San Frediano en Lucca. Duccio fue una excepción aquí, principalmente pintando paneles. [36]
La Creta veneciana contaba con una activa industria pictórica, en la que trabajaban artistas cretenses, italianos y (sobre todo después de 1453) griegos del continente. Hay ejemplos tanto de artistas de diferentes orígenes que montaron talleres juntos como de mecenas italianos y cretenses que encargaron obras a un pintor de orígenes diferentes. [38]
Al menos a finales del siglo XV, [39] los importadores italianos también utilizaban maniera greca (o in forma greca , alla greca ) en sus contratos para describir uno de los dos estilos de pinturas devocionales pequeñas y baratas de los talleres de la Escuela Cretense que se producían en masa en Creta (entonces gobernada por Venecia ) para exportar a Occidente. El estilo alternativo era alla latina ("estilo latino"), principalmente un estilo románico o gótico conservador, donde las obras de estilo griego seguían el estilo bizantino tradicional en la medida en que su bajo precio lo permitía. [40]
Los archivos venecianos conservan abundante documentación sobre el comercio de iconos artísticos entre Venecia y Creta, que a finales del siglo XV se había convertido en un comercio de producción en masa. Existe documentación de un pedido específico en 1499, de 700 iconos de la Virgen María , 500 de estilo occidental y 200 de estilo bizantino. El pedido fue realizado a tres artistas por dos comerciantes, uno veneciano y otro de la Grecia continental , y el tiempo entre la fecha del contrato y la entrega se fijó en solo cuarenta y cinco días. [41]
Probablemente la calidad de muchos de estos iconos encargados era bastante baja, y se acuñó el término despectivo Madonneri para describir a estos pintores en masa, que más tarde también practicaron en Italia, a menudo utilizando un estilo cuasi bizantino, y aparentemente con frecuencia eran individuos griegos o dálmatas. La producción de iconos a estos niveles parece haber llevado a un exceso en el mercado, y en las dos décadas siguientes hay muchas pruebas de que el comercio cretense disminuyó significativamente, ya que la demanda europea se había reducido. [42]
También había talleres dirigidos por maestros de mucha mejor reputación, que producían obras de mucha mayor calidad. El Greco se formó en esta parte de la industria cretense, dirigiendo su propio taller durante unos años antes de emigrar a Italia en 1567, a la edad de unos 26 años. Su estilo italiano posterior, muy personal, podría caracterizarse con justicia como "ítalo-bizantino", aunque, de hecho, el término no se utiliza a menudo para referirse a él. [43]
