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El arte croata del siglo XX , es decir, las artes visuales dentro de los límites de la Croacia actual, se puede dividir en arte moderno hasta la Segunda Guerra Mundial y arte contemporáneo después.
El arte moderno en Croacia comenzó con las ideas de la Secesión que se extendieron desde Viena y Múnich , y el postimpresionismo desde París. Los artistas jóvenes estudiarían las últimas tendencias y las integrarían en su propio trabajo. Muchos se esforzaron por incorporar una identidad cultural nativa a su arte, por ejemplo, temas de historia nacional y leyendas, y algunas de las obras de arte posteriores a la Primera Guerra Mundial contenían un fuerte mensaje político contra el estado gobernante austrohúngaro . En 1919 se notó un cambio con un movimiento hacia formas más planas, y eran evidentes signos del cubismo y el expresionismo . En la década de 1920, el Grupo Tierra buscó reflejar la realidad y los problemas sociales en su arte, un movimiento que también vio el desarrollo del arte naif . En la década de 1930 hubo un regreso a estilos más simples y clásicos.
Después de la Segunda Guerra Mundial , los artistas de todo el mundo buscaban significado e identidad, lo que dio lugar al expresionismo abstracto en los EE. UU. y al informalismo en Europa. En la nueva Yugoslavia, el estilo del realismo socialista nunca se afianzó, pero las ideas de la Bauhaus llevaron a la abstracción geométrica en pinturas y a los espacios simplificados en la arquitectura. En la década de 1960, las formas no convencionales de expresión visual se afianzaron junto con un enfoque más analítico del arte y un movimiento hacia nuevos medios, como la fotografía, el video, el arte por computadora, el arte escénico y las instalaciones, centrándose más en el proceso de los artistas. El arte de la década de 1970 fue más conceptual, figurativo y expresionista . Sin embargo, la década de 1980 trajo consigo un retorno a la pintura y las imágenes más tradicionales.
El término Arte Moderno en Europa cubre aproximadamente el período desde la década de 1860 hasta la Segunda Guerra Mundial , y denota un alejamiento del arte académico con sus temas de mitología clásica y paisajes estilizados. En Croacia, el cambio estuvo marcado por la exposición del Salón de Croacia ( Hrvatski salon ) de 1898 en el nuevo Pabellón de Arte de Zagreb . [1] Uno de los principales impulsores de esa exposición, y de la construcción del Pabellón de Arte en sí, fue el artista Vlaho Bukovac . Junto con Bela Čikoš Sesija , Oton Iveković , Ivan Tišov , Robert Frangeš-Mihanović , Rudolf Valdec y Robert Auer, estableció una Sociedad Croata de Artistas escindida, que se conocería como la Escuela Colorida de Zagreb ( Zagrebačka šarena škola ). [2]
Esto preparó el terreno para que, a principios del siglo XX, los jóvenes artistas croatas que estudiaban en Múnich y Viena recuperaran las ideas de los nuevos movimientos secesionistas . [3] Las ideas del impresionismo y el posimpresionismo que se extendieron desde París también influyeran en la nueva generación de artistas. En la escultura y la pintura , se estaban imponiendo nuevas ideas de expresión artística individual, lo que dio lugar a una nueva dirección del arte en Croacia . [3]
La Academia de Bellas Artes de Zagreb fue fundada en 1907, enseñando a una nueva generación de artistas croatas técnicas e ideas modernas. [3]
Círculo de Múnich ( Münchenski krug ) es el término dado por los historiadores del arte a un grupo de pintores croatas de principios del siglo XX en el inicio del modernismo croata. Los pintores fueron Josip Račić , Miroslav Kraljević , Vladimir Becić y Oskar Herman . Juntos asistieron a la Academia de Bellas Artes de Múnich , y en ese momento eran conocidos por sus compañeros de clase como " Die Kroatische Schule " (La Escuela Croata). Račić y Herman habían estudiado previamente con Anton Ažbe en su famosa escuela privada en Múnich , quien insistía en estudiar el modelo, la plasticidad y el dibujo de volúmenes claros y limpios. [4] Los pintores de Múnich lograron formas tonales fuertes en su trabajo estudiando la pintura clásica de maestros españoles y franceses. Su identidad conjunta de estilo, con una expresión artística concisa, sin marco literario, histórico o moralista, los pone en contacto directo con el impresionismo francés , particularmente con Manet y Cézanne como modelos a seguir. Cada uno de ellos influyó por separado en el modernismo croata y juntos forman una categoría importante en el arte croata. El término "Círculo de Múnich" se acuñó en la década de 1950. [4]
En 1908, un grupo disidente de jóvenes artistas dálmatas fundó en Split la Sociedad Medulić. Dirigidos por el artista Emanuel Vidović , [5] utilizaron temas de leyendas nacionales, poesía e historia en su arte. Se celebraron exposiciones en Split (1908), Liubliana (1909), Zagreb (1910), Roma (1911), [5] Belgrado (1912) y Split (1919). [6] El grupo Medulić tenía una orientación ideológica y un mensaje político subyacente. Su objetivo no era simplemente desarrollar un estilo artístico nacional, sino más bien aumentar la conciencia política de la identidad eslava del sur y promover la idea de la independencia de Austria-Hungría . [5]
El representante más conocido de la Sociedad Medulić fue el escultor Ivan Meštrović , que para entonces ya estaba recibiendo reconocimiento internacional por su trabajo. Dentro de Croacia, su trabajo más conocido incluye el poderoso " Pozo de la vida ", y estatuas de Grgur Ninski y el obispo Strossmayer . Otros escultores del grupo incluyen a Toma Rosandić , Ivo Kerdić (más conocido por sus medallones), [7] y Branislav Dešković (conocido por sus esculturas de animales). Los pintores del grupo incluyeron a Mirko Rački , más conocido por sus poderosas ilustraciones de Dante y sus carteles, Tomislav Krizman [8] y Jerolim Miše . [3]
Dos imágenes fuertes de la época son "La monarquía austrohúngara" de Mirko Rački (1916) y "La bandera negra" de Ljubo Babić (1919), ambas retratando la desintegración del estado austrohúngaro. Rački utilizó el estilo decorativo secesionista en una declaración poderosa: un soldado está de pie en posición firme contra un campo gris vacío, mientras detrás de él se balancea una serpiente negra y amarilla (los colores de la bandera austríaca). En la pintura de Babic, el tema es el funeral del emperador Francisco José retratado con una gran bandera negra alargada que cuelga como una guillotina sobre una compañía de personas vestidas con colores alegres y suntuosos. [5]
Durante los años 1916-1928, las exposiciones del Salón de Primavera en Zagreb reunieron a pintores, escultores y artistas gráficos. [9] En la primera exposición en la Galería Ulrich (1916), los artistas incluyeron a Ljubo Babić , Jerolim Miše , Tomislav Krizman , Zlatko Šulentić y los escultores Ferdo Ćus, Hinko Juhn y Joza Turkalj. Durante la Primera Guerra Mundial , muchos artistas se fueron al extranjero y el salón se convirtió en la única actividad organizada relacionada con el arte en ese momento. Las pinturas exhibidas mostraron un fuerte uso de la forma y paletas de colores restringidas. El paso a formas más planas, al estilo de Cézanne , llegó en la exposición del Salón de Primavera de 1919, [10] con la siguiente generación de artistas como los Cuatro de Praga ( Praška četvorka ) Vilko Gecan , Milivoj Uzelac , Marijan Trepše , [11] y Vladimir Varlaj . Las ideas del expresionismo , el cubismo y el secesionismo se difundieron, [3] y también vinieron nuevas direcciones de Đuro Tiljak , que había estudiado con Kandinsky , [12] mientras que Marino Tartaglia recuperó las ideas de los futuristas de Roma y Florencia . [10] En la década de 1920, se estaban introduciendo elementos del neoclasicismo , con sus formas más simples.
Las ideas que llegaban del resto de Europa se vieron contrarrestadas por artistas que querían integrar las nuevas direcciones artísticas con su identidad cultural nativa. La revista Zenit ('Zenith') fue una revista de vanguardia de las nuevas artes y la cultura que desempeñó un papel clave en este movimiento. [13] Fundada en 1921 por el poeta y crítico serbocroata Ljubomir Micić y su hermano Branko Ve Poljanski , a pesar de las críticas y la controversia, Zenit continuó durante 6 años promoviendo la causa del modernismo internacional coherente con una identidad cultural yugoslava en sus números publicados en Zagreb y Belgrado . [13] [14]
Uno de los colaboradores de Zenit fue el arquitecto y artista Josip Seissel , quien bajo el seudónimo de Jo Klek es considerado el primero en Croacia (1922) en producir pinturas abstractas : collages geométricos con motivos lingüísticos y composiciones surrealistas . [15]
En la década de 1930, el escultor Ivan Meštrović , cuya obra ya era conocida internacionalmente, se adentró en el clasicismo y alentó una nueva "tradición mediterránea" en el arte de sus estudiantes. [10] Otros artistas de la época fueron Sergej Glumac y Vinko Foretić. [10] El escultor Frano Kršinić creó motivos de maternidad y música en mármol, mientras que Marin Studin creó grandes obras en madera, bronce y piedra. [3] Se pueden encontrar influencias cubistas en las obras de Vilko Gecan , Sonja Kovačević Taljević y surrealistas en las obras de Krsto Hegedušić , Vanja Radauš y Antun Motika . En la isla de Brač , Ignjat Job pintó paisajes coloridos en un estilo expresionista personal. [ cita requerida ]
En la década de 1950, Antun Motika generó una fuerte reacción de los críticos con su exposición de dibujos Surrealismo arcaico ( Arhajski nadrealizam ). [16] La exposición tuvo un efecto duradero en los círculos artísticos croatas, [17] y generalmente se considera el rechazo más audaz de los marcos dogmáticos del realismo socialista en Croacia. [16] Motika no estaba apegado a ninguna escuela artística o dogma en particular, y amaba experimentar. [17] Su influencia de Picasso , quien supuestamente elogió a Motika, [18] es evidente especialmente en su trabajo temprano, cuando Motika usó tanto los principios de forma de la figuración neoclásica como el cubismo sintético. Motika también tenía tendencias impresionistas y postimpresionistas, que caracterizan muchas de sus obras más destacadas. [19] Motika se convirtió en profesor en Mostar , donde vivió y trabajó entre 1929 y 1940. [16] [17] [20] Sus pinturas de los Ciclos de Mostar , producidas en este período, también dejaron una marca y se consideran "los paisajes más radicales de la tradición del mimetismo en el campo de la pintura abstracta en el modernismo croata". [17] [16]
El arte naif o primitivo es un segmento distintivo del arte del siglo XX. En Croacia, el arte naif se relacionó al principio con las obras de campesinos y trabajadores, hombres y mujeres comunes, de los cuales los más exitosos, con el transcurso del tiempo, se convirtieron en artistas profesionales. El arte naif asume el trabajo de artistas que son más o menos autodidactas, pintores y escultores sin formación artística formal, pero que han logrado su propio estilo creativo y un alto nivel artístico. Un estilo identificablemente individual y una naturaleza poética distinguen al naif de otros pintores y escultores "aficionados", y del artista autodidacta en general. La mirada de un artista naif generalmente mostrará proporciones y perspectivas inusuales, y ciertas ilógicas de forma y espacio. Tales características son la expresión de una imaginación creativa libre, de manera similar a otros movimientos artísticos del siglo XX como el simbolismo , el expresionismo , el cubismo y el surrealismo .
En Croacia, el arte naif también se considera un movimiento democrático, ya que demuestra que cualquiera puede crear arte que valga la pena, independientemente de su formación formal. En estas formas de arte, las cualidades emotivas de las obras suelen ser más visibles que cualquier forma reinante de lógica o razón. Los temas más comunes incluyen: "la alegría de vivir", "la naturaleza olvidada", "la infancia perdida" y "la admiración por el mundo". Sin embargo, el arte naif no solo refleja aspectos positivos de la vida, sino que también se pueden encontrar temas oscuros y trágicos dentro del género.
El arte naif apareció por primera vez en Croacia a principios de la década de 1930, cuando el Pabellón de Arte de Zagreb presentó una exposición de la asociación de artistas llamada Grupo Tierra ( Grupa Zemlja ) el 13 de septiembre de 1931. De los artistas expuestos, dos se destacaron particularmente: Ivan Generalić , que mostró tres dibujos y nueve acuarelas, y Franjo Mraz , que exhibió tres acuarelas. Los artistas buscaron demostrar que el talento no solo reside en ciertas clases sociales o privilegios e iniciaron la asociación con el arte naif y las pinturas de pueblos o de artistas del campo en lugar de las ciudades. Los temas del arte naif croata se diversificaron en la década de 1950 desde los pueblos hasta los "clásicos personales", que incluían monumentos y objetos arquitectónicos y abrieron un período conocido como "arte primitivo moderno". [21]
El Grupo Tierra ( Grupa Zemlja ) fue un grupo de artistas, arquitectos e intelectuales croatas activos en Zagreb entre 1929 y 1935. El grupo tenía una orientación marxista [22] y se inspiró en parte en la " Neue Sachlichkeit ", [10] lo que condujo a formas más estilizadas y al surgimiento de la pintura naif . El grupo incluía a los pintores Krsto Hegedušić , Edo Kovačević , Omer Mujadžić, Kamilo Ružička, Ivan Tabaković y Oton Postružnik , los escultores Antun Augustinčić , Frano Kršinić y el arquitecto Drago Ibler . El Grupo Tierra buscó respuestas a problemas sociales. Su programa enfatizaba la importancia de la expresión creativa independiente y se oponía a la copia acrítica de estilos extranjeros. En lugar de producir arte por el arte, creían que debía reflejar la realidad de la vida y las necesidades de la comunidad moderna. Las actividades de las exposiciones del grupo eran cada vez más provocativas para el gobierno de turno, y en 1935 el grupo fue prohibido. [10]
La Escuela de Hlebine es el término aplicado a un grupo de pintores naif que trabajaron en o alrededor del pueblo de Hlebine , cerca de la frontera con Hungría, desde aproximadamente 1930. La escuela se desarrolló a partir del estímulo dado por Krsto Hegedušić al joven pintor Ivan Generalić , a quien conoció en 1930. Generalić y sus amigos Franjo Mraz (también nativo de Hlebine) y Mirko Virius (del cercano pueblo de Đelekovec ) formaron el núcleo del grupo. [23] En 1931, fueron invitados a exponer con el grupo Earth, lo que trajo reconocimiento público [3] y el arte naif se convirtió en una forma popular de expresión artística en Croacia, haciendo una fuerte declaración social sobre la dureza de la vida rural. [24] Generalić fue el primer maestro de la Escuela de Hlebine, y el primero en desarrollar un estilo personal distintivo, logrando un alto estándar en su arte. [25]
Después de la Segunda Guerra Mundial , la siguiente generación de pintores de Hlebine tendió a centrarse más en representaciones estilizadas de la vida rural tomadas de la imaginación. [24] Generalić continuó siendo la figura dominante y alentó a artistas más jóvenes, incluido su hijo Josip Generalić . [23] En la década de 1950, la escuela se había vuelto muy conocida internacionalmente y mostró su trabajo en exposiciones importantes como la Bienal de Arte de São Paulo en 1955. [23] El Museo Croata de Arte Naif en Zagreb tiene una exhibición completa de las obras de la Escuela Hlebine y otros artistas naif. [24]
Algunos de los artistas ingenuos más conocidos son Dragan Gaži , Ivan Generalić , Josip Generalić , Krsto Hegedušić , Mijo Kovačić , Ivan Lacković-Croata , Franjo Mraz , Ivan Večenaj y Mirko Virius . [24]
Durante la Segunda Guerra Mundial, muchos artistas abandonaron el país, mientras que otros se unieron a los partisanos y trabajaron en artes aplicadas, como carteles y grabados, en apoyo del esfuerzo bélico. En los años inmediatamente posteriores a la guerra, el nuevo régimen comunista en Yugoslavia introdujo el modelo soviético de realismo socialista y la negativa a participar en exposiciones se convirtió en un medio popular de resistencia entre los artistas. [10] Sin embargo, después de la ruptura de Tito con Stalin y la Unión Soviética en 1948, hubo un retorno a una mayor libertad artística.
Identificar las características del arte contemporáneo o posmoderno en Croacia puede resultar difícil de especificar. Algunas características comunes son las pinturas, esculturas e instalaciones geometrizadas y simbólicas-metafóricas. Algunos de los artistas contemporáneos más conocidos son los pintores Julije Knifer , Edo Murtić , Oton Gliha y el escultor Ivan Kožarić . [10]
EXAT 51 (el nombre significa Experimental Atelier ) fue un grupo de artistas y arquitectos (1951-56) cuyo programa era la abstracción geométrica en la pintura, nuevas formas de manejo del espacio en la arquitectura y la abolición de la distinción entre bellas artes y artes aplicadas. [10] Sus ideas debían mucho a la vanguardia constructivista rusa y a la experiencia de la Bauhaus alemana , y Exat quería involucrar a los artistas en la conformación del entorno con un enfoque experimental y creativo. [26] Los miembros del grupo incluían a los arquitectos Bernardo Bernardi, Zdravko Bregovac, Zvonimir Radić, Božidar Rašica , Vjenceslav Richter , Vladimir Zarahović y los pintores Vlado Kristl , Ivan Picelj , Božidar Rašica y Aleksandar Srnec . [ cita requerida ]
El primer manifiesto de Exat en 1951 fue ferozmente atacado por el establishment artístico tradicional. Sin embargo, una exposición de pinturas del grupo en 1952 en Zagreb tuvo una buena asistencia, y ese mismo año, participaron en el VII Salon des Réalités Nouvelles en París. En 1953, se realizó una exposición de pinturas en la Sociedad de Arquitectos Croatas y allí el grupo emitió un segundo manifiesto en respuesta a sus críticos. Otras exposiciones siguieron en Belgrado (1953), Rijeka (1954, 1956), Dubrovnik (1956) y finalmente en Belgrado (1956). [26] Bajo su influencia, los artistas croatas se movieron hacia formas de expresión más creativas y personales, hacia el surrealismo y la abstracción lírica . [10]
EXAT 51 fue fundamental en la creación de la Trienal de Artes Aplicadas de Zagreb y en el establecimiento de un Estudio de Diseño Industrial en 1955. El precursor del Museo de Arte Contemporáneo de Zagreb fue fundado en 1954 como resultado directo de sus esfuerzos. [26]
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Gorgona fue un grupo de artistas activos en Zagreb entre 1959 y 1966, que abogaba por formas no convencionales de expresión de las artes visuales. Incluía a los pintores Josip Vaništa, Julije Knifer , Marijan Jevšovar , Đuro Seder , el escultor Ivan Kožarić , los teóricos y críticos de arte Radoslav Putar, Matko Meštrović, Dimitrije Bašičević (Mangelos) y el arquitecto Miljenko Horvat. Individualmente fueron representantes significativos de sus propios campos artísticos, y juntos tuvieron un gran impacto en la dirección del arte contemporáneo en Croacia. [10] [27] Además de trabajar en técnicas más tradicionales, fueron pioneros en formas radicales de expresión artística relacionadas con el existencialismo , el neodadaísmo y el protoconceptualismo . Su anti-revista Gorgona (11 números publicados entre 1961 y 1966) fue diseñada de manera simple, cada edición pretendía exhibir el trabajo y las opiniones de un solo artista y era en sí misma una obra de arte impresa. [28] El grupo estaba preocupado por lo absurdo, enviaba invitaciones a personas para eventos que nunca ocurrieron, colocaba anuncios para la venta de objetos triviales, planeaba proyectos inviables e incluso llegó al punto de excluir a la audiencia para tener todo el lugar para ellos. [10] La publicación de Gorgona y las actividades del grupo despertaron interés en los círculos artísticos internacionales, y tuvieron contacto frecuente con artistas como Dieter Roth , Victor Vasarely , Piero Manzoni , Lucio Fontana y Robert Rauschenberg . [27]
Durante el período 1961-1973 se organizaron cinco exposiciones internacionales bajo el título Nuevas tendencias. Continuaron el desarrollo de las ideas planteadas por Exat 51 durante la década de 1950 y formaron parte del movimiento artístico postinformal europeo más amplio de las décadas de 1960 y 1970. [29] Fueron iniciativa de los historiadores y críticos de arte Dimitrije Bašičević , Božo Bek, Boris Kelemen, Radoslav Putar, Matko Meštrović y los artistas Ivan Picelj , Vjenceslav Richter , Julije Knifer y Aleksandar Srnec , y más tarde de un grupo de artistas más jóvenes: Juraj Dobrović , Miroslav Šutej , Mladen Galić , Ljerka Šibenik y Ante Kuduz. [10]
Las exposiciones se centraron principalmente en el neoconstructivismo y presentaron logros artísticos en una amplia variedad de medios, como gráficos por computadora , arte conceptual , arte escénico [3] y arte ambiental , así como un análisis de la teoría y la práctica de conectar el arte con la sociedad. Las exposiciones se llevaron a cabo en varios museos y galerías de Zagreb y presentaron los trabajos más recientes de artistas de renombre internacional. [10]
En la primera exposición de 1961, un tema común fue la investigación de la relación entre la estructura y la superficie, y los inicios del arte programado y cinético , un tema que se desarrollaría más en la siguiente exposición de 1963. Los experimentos en la percepción visual dieron una dimensión científica, y en la tercera exposición de 1965, los artistas estaban examinando las relaciones entre la cibernética y el arte, y los eventos incluyeron un simposio sobre el tema. La exposición y el coloquio de 1968/69 trataron más a fondo las ideas de la teoría de la información y la estética, llamado "Computers & Visual Research". Dos nuevas secciones aparecieron en la exposición de 1973: una sobre arte conceptual y otra titulada "Canvas". También hubo un simposio sobre "Lo racional y lo irracional en el arte contemporáneo". Se planeó una sexta exposición de Nuevas Tendencias, pero nunca se llevó a cabo. Un simposio internacional se celebró en 1978, junto con una exposición que revisaba los cambios artísticos de 1966-1978. [29]
Entre las obras más significativas se encuentran las esculturas de Vojin Bakić , los relieves, pinturas y libros gráficos de Juraj Dobrović y las pinturas, esculturas y gráficos móviles de Miroslav Šutej . [29]
Entre los años 1966 y 1974, la escena de las artes visuales en Croacia se expandió, como en el resto del mundo, para incluir el arte de los nuevos medios . [30] El arte minimalista , el pop-art y las formas geométricas de las Nuevas Tendencias se combinaron en una nueva generación de artistas caracterizados por el espíritu libre de 1968 y las ideas sobre cómo cambiar el mundo. Utilizaron los medios de comunicación como un medio para expresar sus observaciones y puntos de vista individuales. Dentro de Croacia, el movimiento fue conocido como "nueva práctica artística", [30] enfatizando la importancia de la parte del artista en el proceso. La noción misma de arte fue puesta en tela de juicio, junto con su función. El análisis de los conceptos de cultura, sociedad, política y economía condujo a los nuevos medios como formas de expresión como la fotografía , el vídeo , el arte de performance , las intervenciones espaciales y el arte de instalación . Las obras fueron con mayor frecuencia conceptuales o ambientales , y el énfasis pasó de los principios estéticos a los éticos. [30] A mediados de los años setenta, la desilusión se había instalado, los grupos se disolvieron y algunos artistas abandonaron el país. [10]
Entre los artistas que más impresionaron en la "nueva práctica artística" con exposiciones individuales o acciones grupales e intervenciones urbanas se encuentran Željko Borčić, Boris Bućan, Vlasta Delimar , Slavomir Drinković , Braco Dimitrijević , Ladislav Galeta, Stanka Gjuric , Tomislav Gotovac, Sanja Iveković , Dean Jokanović, Jagoda Kaloper , Željko Kipke , Dalibor Martinis, Marijan Molnar, Goran Petercol, Ante Rašić, Josip Stošić, Davor Tomičić, Goran Trbuljak , Gorki Žuvela, el grupo de los seis artistas ( Vlado Martek , Željko Jerman , Boris Demur, Mladen Stilinović , Sven Stilinović, Fedor Vučemilović) y el Grupo Flow (Vladimir Gudac, Dubravko Budić, Davor Lončarić, Ivan Šimunović, Gustav Zechel y Darko Zubčević). [30]
Biafra (1970-1978) fue un grupo de artistas croatas que se rebelaron contra las convenciones artísticas, sociales y culturales de la época y abordaron problemas reales a través de su arte. Los miembros individuales variaban en estilo desde el pop-art y el minimalismo hasta la nueva figuración. [31] Los escultores del grupo usaban nuevos materiales en su trabajo, como poliéster, plástico, yute, aluminio y lana de vidrio, mientras que los pintores se involucraban con colores imaginativos, expresivos y ricos. El contenido de su arte era expresionista , claro y directo. Se organizaban exposiciones y actividades en las calles, presentando sus ideas directamente al público. El grupo originalmente estaba formado por los jóvenes escultores Branko Bunić, Stjepan Gračan, Ratko Petrić y Miro Vuco. La membresía se expandió a lo largo de los años para incluir a Ivan Lesiak, Zlatko Kauzlarić Atač, Rudolf Labaš, Vlado Jakelić, Stanko Jančić, Ratko Janjić-Jobo, Đurđica Zanoški-Gudlin y Emil Robert Tanay. [31]
En el Pabellón de Arte de 1981, el Salón de la Juventud mostró el trabajo de 12 pintores jóvenes que presentaron un retorno a la pintura y las imágenes. La tendencia se conoció como Nueva Imagen ( Nova Slika ), y también fue evidente en la exposición de la Galería de Arte Contemporáneo de 'Transvanguardia italiana', que mostró las obras de artistas italianos y yugoslavos. La nueva imagen trajo nuevas formas de expresión y una nueva sensibilidad hacia la intimidad y el simbolismo. [10] Los rastros de la nueva imagen se pueden encontrar a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980 en Zagreb, y en las principales exposiciones en Nueva York, Londres, la Bienal de Venecia (1980) y la Bienal de jóvenes en París 1980. Las tendencias posmodernas de la década de 1980 llevaron la pintura de regreso a marcos aparentemente más tradicionales. Autores como Edita Schubert, Nina Ivančić , Star Fio, Đuro Seder , Anto Jerković y Jelena Perić se caracterizan por una cita que va desde la alta cultura hasta los medios de comunicación. [32]
Además, la década de 1980 trajo consigo un rechazo a las restricciones y aparecieron enfoques individuales más variados del arte y exploraciones de la pintura y la escultura. [10] Algunos se concentraron en el significado y el contenido de la obra, mientras que para otros la narrativa era más importante y en el arte conceptual el medio definía cada vez más la obra. Las tendencias de vanguardia de las décadas anteriores estaban dando paso a una reintroducción de medios más tradicionales en un estilo más personal, pero al mismo tiempo, había un sentido más refinado del conceptualismo, que condujo a formas más materializadas.
Varios de los artistas croatas más veteranos ya habían vuelto a la pintura y a los medios más tradicionales durante los años 1970 y 1980. Por ejemplo, la obra de Ferdinand Kulmer y Đuro Seder aportó cambios significativos a la pintura croata, y el escultor Ivan Kožarić revisó su obra en relación con su pasado artístico. Al mismo tiempo, Dimitrije Bašičević organizó la exposición "Confrontaciones", que yuxtaponía los enfoques vanguardistas y tradicionales del arte y comparaba su valor y significado. [10]
La década de 1990 fue otra época de guerra, ya que Croacia obtuvo su independencia de la ex Yugoslavia. El ciclo "Guerra" de Edo Murtić es una declaración poderosa y conmovedora, [33] mientras que sus pinturas a gran escala de paisajes casi abstractos, como su ciclo "Montraker" de la década de 1990, señalan el camino hacia el futuro.
Fue el iniciador de acontecimientos artísticos y, al influir en una generación de jóvenes artistas, participó en la creación de las bases del arte moderno en Croacia.
Seissel es el autor del cuadro "Pafama" (abreviatura de Papierfarbenmalerei) de 1922, considerado la primera composición abstracta del arte moderno croata.