El blues británico es una forma de música derivada del blues estadounidense que se originó a fines de la década de 1950 y alcanzó su apogeo de popularidad en la década de 1960. En Gran Bretaña, el blues desarrolló un estilo distintivo e influyente dominado por la guitarra eléctrica, e hizo estrellas internacionales de varios defensores del género, incluidos los Rolling Stones , los Animals , los Yardbirds , Eric Clapton , Fleetwood Mac y Led Zeppelin .
El blues americano se hizo conocido en Gran Bretaña a partir de la década de 1930 a través de varias rutas, incluidos los discos traídos a Gran Bretaña, particularmente por los soldados afroamericanos estacionados allí en la Segunda Guerra Mundial y la Guerra Fría, los marineros mercantes que visitaban puertos como Londres , Liverpool , Newcastle upon Tyne y Belfast , [1] y a través de un goteo de importaciones (ilegales). [2] La música blues era relativamente conocida por los músicos y fanáticos del jazz británico, particularmente en las obras de figuras como las cantantes Ma Rainey y Bessie Smith y el boogie-woogie influenciado por el blues de Jelly Roll Morton y Fats Waller . [2] A partir de 1955, los principales sellos discográficos británicos HMV y EMI , este último, particularmente a través de su subsidiaria Decca Records , comenzaron a distribuir jazz estadounidense y cada vez más discos de blues a lo que era un mercado emergente. [2] Muchos se acercaron al blues por primera vez a través de la locura del skiffle de la segunda mitad de la década de 1950, en particular las canciones de Lead Belly versionadas por artistas como Lonnie Donegan . Cuando el skiffle comenzó a declinar a fines de la década de 1950 y el rock and roll británico comenzó a dominar las listas de éxitos, varios músicos de skiffle se inclinaron por tocar música puramente blues. [3]
Entre ellos se encontraban el guitarrista y arpista de blues Cyril Davies , que dirigía el London Skiffle Club en el pub Roundhouse en el Soho de Londres , y el guitarrista Alexis Korner , quienes trabajaban para el líder de la banda de jazz Chris Barber , tocando en el segmento de R&B que introdujo en su espectáculo. [4] El club sirvió como punto focal para los actos de skiffle británicos y Barber fue responsable de traer a los intérpretes de folk y blues estadounidenses, que descubrieron que eran mucho más conocidos y pagados en Europa que en Estados Unidos. El primer artista importante fue Big Bill Broonzy , que visitó Inglaterra a mediados de la década de 1950, pero que, en lugar de su blues eléctrico de Chicago , tocó un conjunto de blues folk para adaptarse a las expectativas británicas del blues estadounidense como una forma de música folk. En 1957, Davies y Korner decidieron que su interés central era el blues y cerraron el club de skiffle, reabriendo un mes después en el pub Roundhouse, Wardour Street, Soho como el London Blues and Barrelhouse Club . [5] Hasta ese momento, el blues británico se tocaba acústicamente emulando los estilos del blues del Delta y del country , y a menudo formaba parte del segundo resurgimiento del folk británico. La visita de Muddy Waters en 1958 fue decisiva para cambiar esto; inicialmente sorprendió al público británico tocando blues eléctrico amplificado , pero pronto tocó para multitudes extasiadas y recibió críticas muy favorables. [4]
Davies y Korner, que ya se habían separado de Barber, ahora se conectaron y comenzaron a tocar blues eléctrico de alta potencia que se convirtió en el modelo para el subgénero, formando la banda Blues Incorporated . [4] A principios de 1962, después de haber sido expulsados del Roundhouse por ser demasiado ruidosos, Korner y Davies trasladaron su club al lugar utilizado por Ealing Jazz Club y el 17 de marzo abrieron la primera noche regular de blues del Reino Unido.
Blues Incorporated se convirtió en una especie de centro de intercambio de músicos de blues británicos a finales de los años 1950 y principios de los 1960, y muchos se unieron o asistieron a las sesiones. Entre ellos se encontraban los futuros Rolling Stones , Keith Richards , Mick Jagger , Charlie Watts y Brian Jones ; así como los fundadores de Cream, Jack Bruce y Ginger Baker ; además de Graham Bond y Long John Baldry . [4] Después de su éxito en el Ealing Club, Blues Incorporated obtuvo una residencia en el Marquee Club y fue desde allí que en 1962 tomaron el nombre del primer álbum de blues británico, R&B from the Marquee for Decca, pero se separaron antes de su lanzamiento. [4] La culminación de este primer movimiento de blues [6] llegó con John Mayall , quien se mudó a Londres a principios de la década de 1960, y finalmente formó los Bluesbreakers , cuyos miembros en varios momentos incluyeron a Jack Bruce , Aynsley Dunbar , Eric Clapton , Peter Green y Mick Taylor . [4]
Mientras que algunas bandas se centraron en los artistas de blues, en particular los del blues eléctrico de Chicago, otras adoptaron un interés más amplio en el rhythm and blues, incluyendo el trabajo de los artistas de blues de Chess Records como Muddy Waters y Howlin' Wolf , pero también los pioneros del rock and roll Chuck Berry y Bo Diddley . [7] Los más exitosos fueron los Rolling Stones, que abandonaron el purismo del blues antes de que su formación se solidificara y produjeran su primer álbum homónimo en 1964, que consistía principalmente en estándares de rhythm and blues. Siguiendo la estela del éxito nacional y luego internacional de los Beatles , los Rolling Stones pronto se establecieron como la segunda banda más popular del Reino Unido y se unieron a la invasión británica de las listas de éxitos estadounidenses como líderes de una segunda ola de bandas orientadas al R&B. [7] [8] Además de los temas de blues de Chicago, los Rolling Stones versionaron canciones de Chuck Berry y los Valentinos , y " It's All Over Now " de este último les dio su primer número uno en el Reino Unido en 1964. [9] Las canciones e influencias de blues continuaron apareciendo en la música de los Rolling Stones, como en su versión de " Little Red Rooster ", que llegó al número 1 en la lista de sencillos del Reino Unido en diciembre de 1964. [10]
Otras bandas con base en Londres incluyeron a los Yardbirds (cuyas filas incluían a tres guitarristas clave: Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page), The Kinks (con el compositor pionero Ray Davies y el guitarrista de rock Dave Davies ), [8] y Manfred Mann (considerado uno de los vocalistas con el sonido más auténtico de la escena en Paul Jones ) y Pretty Things , además de actos más influenciados por el jazz como Graham Bond Organisation, Georgie Fame y Zoot Money . [7] Las bandas que surgieron de otras ciudades británicas importantes incluyeron a Animals de Newcastle (con los teclados de Alan Price y la voz de Eric Burdon ), Moody Blues y Spencer Davis Group de Birmingham (este último en gran parte un vehículo para el joven Steve Winwood ) y Them de Belfast (con su vocalista Van Morrison ). [7] Ninguna de estas bandas tocaba exclusivamente rhythm and blues, a menudo recurriendo a una variedad de fuentes, incluyendo canciones de Brill Building y grupos de chicas para sus sencillos exitosos, pero siguió siendo el núcleo de sus primeros álbumes. [7]
La subcultura mod británica se centraba musicalmente en el rhythm and blues y, más tarde, en la música soul, interpretada por artistas que no estaban disponibles en los pequeños clubes de Londres en los que se basaba la escena. [11] Como resultado, surgieron varias bandas mod para llenar este vacío. Entre ellas se encontraban Small Faces , The Creation , The Action y, con más éxito, The Who . [11] El material promocional inicial de The Who los etiquetaba como productores de "rhythm and blues máximo", pero alrededor de 1966 pasaron de intentar emular el R&B estadounidense a producir canciones que reflejaran el estilo de vida mod. [11] Muchas de estas bandas pudieron disfrutar de un éxito de culto y luego nacional en el Reino Unido, pero les resultó difícil entrar en el mercado estadounidense. [11] Solo The Who logró, después de algunas dificultades, producir un seguimiento significativo en Estados Unidos, particularmente después de sus apariciones en el Monterey Pop Festival (1967) y Woodstock (1969). [12]
Debido a las circunstancias muy diferentes de las que vinieron y en las que tocaron, el rhythm and blues que estas bandas produjeron era muy diferente en tono al de los artistas afroamericanos, a menudo con más énfasis en las guitarras y, a veces, con mayor energía. [7] Se les ha criticado por explotar el catálogo masivo de música afroamericana, pero también se ha señalado que ambos popularizaron esa música, llevándola a las audiencias británica, mundial y, en algunos casos, estadounidense, y ayudaron a construir la reputación de los artistas de rhythm and blues existentes y pasados. [7] La mayoría de estas bandas pasaron rápidamente de grabar e interpretar estándares estadounidenses a escribir y grabar su propia música, a menudo dejando atrás sus raíces de R&B, pero permitiendo a varios disfrutar de carreras sostenidas que no estaban abiertas a la mayoría de los grupos beat más orientados al pop de la primera ola de la invasión, quienes (con la gran excepción de los Beatles) no pudieron escribir su propio material o adaptarse a los cambios en el clima musical. [7]
El auge del blues se superpuso, tanto cronológicamente como en términos de personal, con la fase anterior y más amplia del rhythm and blues, que había comenzado a extinguirse a mediados de la década de 1960 dejando un núcleo de instrumentistas con un amplio conocimiento de las formas y técnicas del blues, que llevarían a la búsqueda de intereses más puristas del blues. [13] [14] Blues Incorporated y Mayall's Bluesbreakers eran bien conocidos en los circuitos de jazz y R&B emergentes de Londres, pero los Bluesbreakers comenzaron a ganar algo de atención nacional e internacional, particularmente después del lanzamiento del álbum Blues Breakers con Eric Clapton (1966), considerado una de las grabaciones seminales del blues británico. [15] Producido por Mike Vernon , quien más tarde creó el sello discográfico Blue Horizon , fue notable por sus ritmos enérgicos y los rápidos licks de blues de Clapton con un sonido distorsionado completo derivado de una Gibson Les Paul y un amplificador Marshall . Este sonido se convirtió en una especie de combinación clásica para los guitarristas de blues (y más tarde de rock) británicos, [16] y también dejó en claro la primacía de la guitarra, vista como una característica distintiva del subgénero. [4] Clapton afirmó: "Pasé la mayor parte de mi adolescencia y principios de mis veinte años estudiando el blues: su geografía y cronología, así como la forma de tocarlo". [17] Peter Green inició lo que se llama la "segunda gran época del blues británico", [6] cuando reemplazó a Clapton en los Bluesbreakers después de su partida para formar Cream. En 1967, después de un disco con los Bluesbreakers, Green, con la sección rítmica de Bluesbreakers Mick Fleetwood y John McVie , formó Peter Green's Fleetwood Mac , [18] producido por Mike Vernon en el sello Blue Horizon. Un factor clave en el desarrollo de la popularidad de la música en el Reino Unido y en toda Europa a principios de la década de 1960 fue el éxito de las giras del American Folk Blues Festival , organizado por los promotores alemanes Horst Lippmann y Fritz Rau. [19]
El auge del blues eléctrico y su éxito comercial hicieron que el blues acústico británico quedara completamente eclipsado. A principios de los años 1960, los pioneros de la guitarra folk Bert Jansch , John Renbourn y, en particular, Davy Graham (que tocó y grabó con Korner) tocaron blues, folk y jazz, desarrollando un estilo de guitarra distintivo conocido como folk barroco . [20] El blues acústico británico continuó desarrollándose como parte de la escena folk, con figuras como Ian A. Anderson y su Country Blues Band, [21] y Al Jones . [22] La mayoría de los músicos británicos de blues acústico lograron poco éxito comercial y, con unas pocas excepciones, les resultó difícil obtener algún reconocimiento por sus "imitaciones" del blues en los EE. UU. [23]
En contraste, la siguiente ola de bandas, formada alrededor de 1967, como Cream, Fleetwood Mac, Ten Years After , Savoy Brown y Free , siguieron un camino diferente, conservando los estándares del blues en su repertorio y produciendo material original que a menudo evitaba las influencias pop obvias, poniendo énfasis en el virtuosismo individual. [24] El resultado ha sido caracterizado como blues rock y posiblemente marcó el comienzo de una separación de la música pop y rock que sería una característica de la industria discográfica durante varias décadas. [24] A menudo se considera a Cream como el primer supergrupo , que combina los talentos de Clapton, Bruce y Baker; [25] también se los ha visto como uno de los primeros grupos en explotar el power trio . Aunque solo estuvieron juntos por poco más de dos años en 1966-1969, fueron muy influyentes y fue en este período que Clapton se convirtió en una superestrella internacional. [26] Fleetwood Mac es considerado a menudo como el grupo que produjo algunos de los mejores trabajos del subgénero, con interpretaciones inventivas del blues de Chicago. [4] También fueron el grupo de mayor éxito comercial, con su álbum debut homónimo alcanzando el top cinco del Reino Unido a principios de 1968 y cuando el instrumental " Albatross " alcanzó el número uno en las listas de sencillos a principios de 1969. Esto fue, como Scott Schinder y Andy Schwartz lo expresaron, "el ápice comercial del boom del blues británico". [27] Free, con el talento de la guitarra de Paul Kossoff , particularmente a partir de su segundo álbum homónimo (1969), produjo una forma simplificada de blues que sería muy influyente en el hard rock y más tarde en el heavy metal. [28] Ten Years After, con el guitarrista Alvin Lee , se formó en 1967, pero logró su gran avance en 1968 con su álbum en vivo Undead y en los EE. UU. con su aparición en Woodstock el año siguiente. [29] Entre las últimas bandas de blues británicas en obtener éxito comercial se encontraba Jethro Tull , formada a partir de la fusión de dos bandas de blues, John Evan Band y Mcgregor's Engine en 1967. Su segundo álbum, Stand Up , alcanzó el número uno en el Reino Unido en 1969. [30]
El blues británico entró en un rápido declive a finales de los años 1960. Las bandas y músicos supervivientes tendieron a trasladarse a otras áreas en expansión de la música rock. Algunos, como Jethro Tull, siguieron a bandas como los Moody Blues y se alejaron de las estructuras de 12 compases y las armónicas para pasar al rock progresivo complejo con influencia clásica . [31] Algunos tocaron una versión ruidosa del blues rock que se convirtió en la base del hard rock y el heavy metal. Led Zeppelin , formada por el guitarrista de Yardbirds Jimmy Page, en sus dos primeros álbumes, ambos publicados en 1969, fusionó el blues pesado y el rock amplificado para crear lo que se ha visto como un punto de inflexión en el desarrollo del hard rock y el heavy metal naciente. [32] Las grabaciones posteriores mezclarían elementos de folk y misticismo, que también serían una gran influencia en la música heavy metal. [33] Deep Purple desarrolló un sonido basado en "apretar y estirar" el blues, [34] y logró su éxito comercial con su cuarto álbum, distintivamente más pesado, Deep Purple in Rock (1970), que ha sido considerado como uno de los álbumes que definen el heavy metal. [35] Black Sabbath fue la tercera encarnación de un grupo que comenzó como Polka Tulk Blues Band en 1968. Sus primeros trabajos incluían estándares de blues, pero en el momento de su segundo álbum Paranoid (1970), habían agregado elementos de modalidad y lo oculto que definirían en gran medida el heavy metal moderno. [36] Algunos, como Korner y Mayall, continuaron tocando una forma "pura" de blues, pero en gran parte fuera de la atención general. La estructura de clubes, lugares y festivales que había surgido a principios de la década de 1950 en Gran Bretaña prácticamente desapareció en la década de 1970. [37]
Aunque eclipsado por el crecimiento de la música rock, el blues no desapareció en Gran Bretaña, con bluesmen estadounidenses como John Lee Hooker, Eddie Taylor y Freddie King que siguieron siendo bien recibidos en el Reino Unido y una escena local activa liderada por figuras como Dave Kelly y su hermana Jo Ann Kelly , quien ayudó a mantener vivo el blues acústico en el circuito folk británico. [38] Dave Kelly también fue fundador de The Blues Band con los ex miembros de Manfred Mann Paul Jones y Tom McGuinness , Hughie Flint y Gary Fletcher . [38] A The Blues Band se le atribuye el inicio de un segundo auge del blues en Gran Bretaña, que en la década de 1990 dio lugar a festivales en todo el país, incluido el Swanage Blues Festival, el Burnley National Blues Festival, el Gloucester Blues and Heritage Festival y el Great British Rhythm and Blues Festival en Colne. [38] El siglo XXI ha visto un aumento en el interés por el blues en Gran Bretaña que se puede ver en el éxito de actos previamente desconocidos, incluido Seasick Steve , [39] en el regreso al blues de figuras importantes que comenzaron en el primer boom, incluido Peter Green, [40] Mick Fleetwood, [41] Chris Rea [42] y Eric Clapton, [43] así como la llegada de nuevos artistas como Dani Wilde , Matt Schofield , [44] Aynsley Lister y, más recientemente, en 2017, la Starlite Campbell Band . [45] La tradición del blues británico sigue viva, como estilo, también fuera de Gran Bretaña. El guitarrista estadounidense Joe Bonamassa describe sus principales influencias como los músicos de blues británicos de la década de 1960, y se considera parte de esa tradición en lugar de los estilos de blues estadounidenses anteriores. [46]
Además de dar origen a muchos músicos importantes de blues, pop y rock, al generar el blues rock, el blues británico también dio lugar a una serie de subgéneros del rock, incluyendo particularmente el rock psicodélico, el rock progresivo, [24] el hard rock y, en última instancia, el heavy metal. [47] Quizás la contribución más importante del blues británico fue la sorprendente reexportación del blues estadounidense de regreso a Estados Unidos, donde, a raíz del éxito de bandas como los Rolling Stones y Fleetwood Mac, el público blanco comenzó a mirar nuevamente a los músicos de blues negros como Muddy Waters, Howlin' Wolf y John Lee Hooker , quienes de repente comenzaron a atraer a los estadounidenses blancos de clase media. [47] El resultado fue una reevaluación del blues en Estados Unidos que permitió a los estadounidenses blancos convertirse mucho más fácilmente en músicos de blues, abriendo la puerta al rock sureño y al desarrollo de músicos de blues de Texas como Stevie Ray Vaughan . [4]