Fondo dorado (tanto sustantivo como adjetivo) o fondo dorado (adjetivo) es un término en la historia del arte para un estilo de imágenes con todo o la mayor parte del fondo en un color dorado sólido. Históricamente, normalmente se utilizaba pan de oro auténtico, lo que daba una apariencia lujosa. El estilo se ha utilizado en varios períodos y lugares, pero está especialmente asociado con el arte bizantino y medieval en mosaicos , manuscritos iluminados y pinturas sobre paneles , donde fue durante muchos siglos el estilo dominante para algunos tipos de imágenes, como los iconos . Para objetos tridimensionales, el término es dorado o bañado en oro.
El oro en mosaico comenzó en los mosaicos romanos alrededor del siglo I d. C. y originalmente se usaba para detalles y no tenía ninguna connotación religiosa particular, pero en el arte paleocristiano llegó a considerarse muy adecuado para representar figuras religiosas cristianas, resaltándolas sobre un fondo liso. pero un fondo brillante que podría interpretarse como una representación del cielo o de un plano espiritual menos específico. Las figuras de cuerpo entero a menudo se encuentran sobre un suelo de colores más naturalistas, con el cielo dorado, pero algunas se muestran completamente rodeadas de oro. El estilo no podía utilizarse al fresco , pero se adaptó con mucho éxito a las miniaturas de los manuscritos y a los cada vez más importantes iconos portátiles sobre madera. En todos ellos, el estilo requería mucho trabajo extra especializado, pero debido a la extrema delgadez del pan de oro utilizado, el coste de los lingotes de oro utilizados era relativamente bajo; El azul lapislázuli parece haber sido al menos igual de caro de usar. [1]
El estilo sigue utilizándose para los iconos ortodoxos orientales hasta el día de hoy, pero en Europa occidental perdió popularidad en la Baja Edad Media , cuando los pintores desarrollaron fondos de paisajes . El pan de oro siguió siendo muy común en los marcos de los cuadros. A partir de entonces hubo focos de uso revivalista, como por ejemplo en el llamado "período dorado" de Gustav Klimt . También se utilizó en la pintura japonesa y el arte tibetano , y a veces en miniaturas persas y al menos para bordes en miniaturas mogoles .
Otto Pächt escribió en 1984 que "la historia del color oro en la Edad Media constituye un capítulo importante que todavía está por escribir", [2] un vacío que tal vez sólo se haya llenado parcialmente. [3] Además de los grandes fondos dorados, otro aspecto fue la crisografía o "resaltado dorado", el uso de líneas doradas en imágenes para definir y resaltar rasgos como los pliegues de la ropa. El término a menudo se amplía para incluir letras doradas y ornamentación lineal. [4]
Estudios recientes han explorado los efectos del arte molido en oro, especialmente en el arte bizantino , donde se entiende mejor que el oro representa la luz. La teología bizantina estaba interesada en la luz y podía distinguir varios tipos diferentes de ella. El Nuevo Testamento y los relatos patrísticos de la Transfiguración de Cristo fueron un foco especial de análisis, ya que se describe a Jesús emitiendo o al menos bañado en una luz especial, cuya naturaleza fue discutida por los teólogos. A diferencia de la principal teoría óptica de la Baja Edad Media en Occidente, donde se creía que el ojo del espectador emitía rayos que alcanzaban el objeto visto, Bizancio creía que la luz procedía del objeto al ojo del espectador, y el arte bizantino era muy sensible a las alteraciones en la óptica. Condiciones de luz en las que se veía el arte. [5]
Otto Pächt escribió que "el fondo de oro medieval siempre se interpretó como un símbolo de luz trascendental. En la luz transmitida por el oro de los mosaicos bizantinos había un espacio cósmico eterno disuelto en su forma más palpable en lo irreal, o incluso en lo sobrenatural; y sin embargo, nuestros sentidos son directamente tocados por esta luz." [6]
Según un estudioso, "en una pintura con fondo dorado, la imagen sagrada de la Virgen, por ejemplo, estaba firmemente situada en la superficie material del plano pictórico. En este sentido, ella era real, y la pintura presentaba a la Virgen tanto como La representaban... [pinturas de fondo dorado]... que desdibujaban la distinción entre el sujeto y su representación, se consideraba que tenían una presencia física y psicológica como la de una persona real". [7]
En los mosaicos normalmente se añadían primero las figuras y otras áreas de colores y luego se colocaba el oro alrededor de ellas. En pintura se utilizó la secuencia contraria, con las figuras "reservadas" alrededor de su contorno en el dibujo inferior . [8]
Se pegó pan de oro a láminas de vidrio de aproximadamente 8 mm de espesor con goma arábiga , luego se agregó una capa extra muy delgada de vidrio encima para mayor durabilidad. En la antigüedad, la técnica de crear "vidrio sándwich de oro" ya era conocida en la Grecia helenística alrededor del año 250 a. C. y se utilizaba para vasijas de vidrio dorado . En los mosaicos, la capa superior se aplicaba cubriendo la lámina con vidrio en polvo y cociendo la lámina lo suficiente como para derretir el polvo y fusionar las capas. [9] En la Venecia del siglo XV, el método cambió y la capa superior de vidrio fundido se sopló sobre las otras dos a alta temperatura. Esto proporcionó una mejor unión en el punto más débil de una tesela, cuando el oro se unía a la capa inferior más gruesa de vidrio. [10]
A continuación, las láminas de vidrio se rompieron en pequeñas teselas . Existen entonces dos métodos para fijar el cemento húmedo a una pared preparada, que ya tenía varias capas diferentes de yeso, dejando a veces hasta 5 cm entre la piedra o el ladrillo de la pared y el vidrio. O las teselas se colocaron individualmente en la pared, lo que dio como resultado una superficie ligeramente irregular con teselas en diferentes ángulos. Hasta cierto punto, estos podían ser controlados por el artesano y permitían efectos sutiles de brillo cuando la luz caía sobre la superficie. El otro método consistía en utilizar un pegamento soluble en agua para fijar las teselas boca abajo en una lámina delgada; en los tiempos modernos esto es papel. Luego se presionó la hoja contra el cemento de la pared y, cuando éste se hubo secado, se humedecieron el papel y el pegamento y se frotaron. Esto da una superficie mucho más lisa. [11]
Existen varios métodos diferentes para aplicar el oro. La superficie preparada de madera o pergamino a pintar se dibujaba con al menos los contornos de las figuras y otros elementos. Luego (o quizás antes) se añadió una capa de una mezcla de arcilla rojiza llamada bole . Esto dio profundidad al color dorado y evitó el tinte verdoso que tendía a mostrar el pan de oro sobre un fondo blanco. Después de varios siglos, esta capa suele revelarse donde se ha perdido el pan de oro. [12]
A esto se le añadió pan de oro. Lo más común es que esto se hiciera una "hoja" entera a la vez, mediante la técnica de dorado al agua . Luego se podía "pulir" la hoja, frotándola cuidadosamente con un diente de perro o de lobo, o con un trozo de ágata , dando una superficie brillante. Alternativamente , se utilizó dorado mordiente , que debía dejarse como una hoja sin bruñir para dar un efecto más apagado. Después de varios cientos de años, la apariencia diferente de los dos a menudo se reduce considerablemente para los espectadores modernos. [13]
El oro de concha era pintura dorada con oro en polvo como pigmento. Por lo general, esto se usaba solo para áreas pequeñas, generalmente detalles y reflejos dentro de las partes coloreadas de la pintura. El nombre proviene de la costumbre de utilizar conchas marinas para contener pinturas mezcladas de todo tipo al pintar. El "relieve aplicado dorado" era pan de oro sin bruñir aplicado mediante dorado con mordiente a una superficie en relieve moldeada de yeso o pastiglia . Luego, las superficies planas se pueden "labrar" con punzones y herramientas para hacer líneas, para crear patrones dentro del oro, muy a menudo en halos u otras características, pero a veces en todo el fondo. Se pueden utilizar varias de estas técnicas en la misma pieza para dar una variedad de efectos. [14]
Se aplicaba pan de oro y, por lo general, se bruñía antes de comenzar a pintar. [15] Según Otto Pächt, no fue hasta el siglo XII que los iluminadores occidentales aprendieron cómo lograr el efecto de pan de oro completamente bruñido a partir de fuentes bizantinas. Anteriormente, por ejemplo en los manuscritos carolingios , se utilizaba "un pigmento dorado de carácter arenoso y granulado, con sólo un ligero brillo". [16] Las técnicas de la pintura manuscrita son similares a las de las pinturas sobre paneles , aunque en menor escala. Una diferencia, tanto en las obras occidentales como en las islámicas, es que el fondo de yeso o tronco tiene una profundidad reducida en sus bordes, dando a las áreas doradas una curva muy leve, lo que hace que el oro refleje la luz de manera diferente. En los manuscritos también se podía utilizar plata, pero ahora generalmente se ha oxidado y se ha vuelto negra. [17]
En Occidente, el estilo era habitual en las pinturas de iconos italo-bizantinos del siglo XIII en adelante, inspiradas en los iconos bizantinos que llegaron a Europa después del saqueo de Constantinopla en 1204. Pronto se convirtieron en el retablo políptico con marco de madera , que también Se suele utilizar el estilo de fondo dorado, especialmente en Italia. A finales de siglo, un número cada vez mayor de frescos italianos desarrollaban fondos naturalistas, así como efectos de masa y profundidad. [18] Esta tendencia comenzó a extenderse a las pinturas sobre tabla , aunque muchas todavía utilizaron los fondos dorados hasta bien entrado el siglo XIV, y de hecho más allá, especialmente en centros más conservadores como Venecia y Siena , y para retablos mayores. Lorenzo Mónaco , que murió alrededor de 1424, representa "el último suspiro de brillantez del oro en el arte florentino". [19]
En la pintura holandesa temprana se utilizó inicialmente el estilo de fondo dorado, como en el Tríptico de Seilern de c. 1425 por Robert Campin , pero unos años más tarde su Retablo de Mérode presenta un famoso y detallado escenario naturalista. [20] La "casi eliminación de los fondos dorados comenzó en la pintura holandesa temprana alrededor de mediados de la década de 1420", y fue bastante rápida, con algunas excepciones como el Retablo de los Medici de Rogier van der Weyden , que probablemente fue pintado después de 1450, tal vez para un mecenas italiano que solicitó el estilo anterior. [21]
A finales del siglo XV, el estilo representaba un arcaísmo deliberado, que en ocasiones todavía se utilizaba. El pintor romano Antoniazzo Romano y su taller continuaron utilizándolo hasta los primeros años del siglo XVI, ya que "se especializó en repintar o interpretar imágenes más antiguas, o generar nuevas imágenes de culto con un sabor arcaico", [22] Carlo Crivelli (fallecido c. 1495), quien durante gran parte de su carrera trabajó para mecenas relativamente provinciales en la región de Las Marcas , también hizo uso tardío del estilo para lograr efectos sofisticados. [23] Joos van Cleve pintó un Salvator Mundi con fondo dorado en 1516-18 (ahora Louvre ). [24] Crucifixión de Albrecht Altdorfer de c. 1520 en Budapest es un ejemplo muy tardío, que también "retoma un tipo iconográfico (la "Crucifixión con multitud") y un enfoque no naturalista del espacio que ya no está de moda". [25]
En períodos posteriores del arte europeo, el estilo a veces fue revivido, generalmente solo con pintura dorada. En 1762, George Stubbs pintó tres composiciones con caballos de carreras sobre un fondo blanco dorado o miel, siendo la más grande Whistlejacket (ahora Galería Nacional ). Todos eran para su propietario, el marqués de Rockingham , quien pudo haber sugerido la idea. [26] Dada su pasión por "el césped", posiblemente hubo una broma sobre su gran estima por los caballos. En el siglo XIX, el estilo se hizo popular para las pinturas de iglesias en la arquitectura neogótica , y se usó para techos o lunetas más pequeñas y altas en grandes edificios públicos o de iglesias, recordando vagamente los precedentes bizantinos, reflejando la luz y también ahorrando la molestia de pintar fondos. Las pinturas de la escalera del Kunsthistorisches Museum de Viena de Hans Makart (1881-1884) son un ejemplo entre muchos. Otras son las pinturas del techo que pintó Lord Leighton (exhibidas en la Royal Academy en 1886) para la casa de Henry Marquand en Manhattan , en las que insistió en que se utilizara un fondo dorado pintado en lugar del "ambiente selvático" que el mecenas quería para las figuras, de la mitología clásica, diciendo en una entrevista: "si lo miras, encontrarás una superficie luminosa... Viendo las imágenes desde este punto se obtiene un efecto brillante, como el brillo del día; si lo observas desde el otro lado, la luz se resuelve en el rico y cálido resplandor del sol poniente". [27]
La "Fase Dorada" de Gustav Klimt duró aproximadamente entre 1898 y 1911, e incluyó algunas de sus pinturas más conocidas, entre ellas El beso (1907-08), el Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) y el friso del Palacio Stoclet (1905–11). Este último fue diseñado por Klimt y ejecutado en mosaico por Leopold Forstner , un artista que realizó muchos trabajos en mosaico, incluido el oro. Al parecer, el interés de Klimt por el estilo se intensificó después de una visita a Rávena en 1903, donde su compañero dijo que "los mosaicos le causaron una impresión inmensa y decisiva". [28] Usó grandes cantidades de pan de oro y pintura dorada de diversas maneras, tanto para la ropa de sus sujetos como para los fondos. [29]
En el Japón del período Azuchi-Momoyama (1568-1600), el estilo se utilizó en los grandes biombos plegables ( byōbu ) de los shiro o castillos de las familias daimyo a finales del siglo XVI. Los temas incluían paisajes, pájaros y animales, y algunas escenas abarrotadas de la literatura o de la vida cotidiana. Estos se utilizaban en las habitaciones destinadas a recibir a los invitados, mientras que las destinadas a la familia solían utilizar biombos con tinta y algunos colores. Sobre papel se utilizaban cuadrados de pan de oro, cuyos bordes a veces quedaban visibles. [30] Estas habitaciones tenían ventanas bastante pequeñas y el oro reflejaba la luz en la habitación; Los techos pueden estar decorados de la misma manera. [31] El fondo completo puede estar en pan de oro o, a veces, solo las nubes en el cielo. [32] La escuela Rinpa hizo un uso extensivo de la tierra de oro. [33]
En la pantalla Cipreses de Kano Eitoku (c. 1590), la mayor parte del "cielo" detrás de los árboles es dorado, pero las áreas coloreadas del primer plano y los picos de las montañas distantes muestran que este oro pretende representar una niebla de montaña. La superficie inmediata en primer plano también es de un dorado más apagado. Alternativamente, los fondos se pueden pintar con un fino lavado dorado, lo que permite una mayor variación en el efecto en los paisajes. [34] El estilo no era tan adecuado para las pinturas en pergamino japonesas , que a menudo se mantenían enrolladas. Algunos paneles de madera más pequeños recibieron fondos de pan de oro. [35]
No fue hasta los siglos I y II que los mosaicos de pared, a diferencia de los de piso, se volvieron comunes en el mundo grecorromano, al principio para tumbas húmedas y ninfas , antes de usarse en entornos religiosos a finales del siglo IV. Al principio se concentraron en o alrededor del ábside y el santuario detrás del altar mayor. [36] Se descubrió que "mediante una iluminación cuidadosa, parecían no encerrar sino ampliar el espacio que rodeaban". [37]
Uno de los primeros grupos de mosaicos con fondo de oro que se conservan, de antes de 440 aproximadamente, se encuentra en Santa María la Mayor en Roma, en el "arco de triunfo" y la nave (los mosaicos del ábside son mucho más tardíos), aunque los de la nave también están colocados. Alto para ser visto claramente. La cantidad de fondo dorado varía según la escena y, a menudo, se mezcla con entornos arquitectónicos, cielos azules y otros elementos. Posteriormente, el mosaico se convirtió en "el vehículo elegido para transmitir la verdad de las creencias ortodoxas", así como "el medio imperial por excelencia". [38]
La visión tradicional, ahora cuestionada por algunos estudiosos, es que los patrones de uso de mosaicos se extendieron desde los talleres de la corte de Constantinopla , desde donde a veces se enviaban equipos a otras partes del imperio, o más allá como obsequios diplomáticos, y que se puede deducir su participación. de la calidad relativamente superior de su producción. [39]
Técnicamente, el término manuscrito iluminado se limita a manuscritos cuyas páginas están adornadas con metales, de los cuales el oro es el más común. Sin embargo, en el uso moderno, los manuscritos con miniaturas e iniciales que solo usan otros colores normalmente están cubiertos por el término. [40]
En los manuscritos se utilizó oro en las letras y bordes más grandes tanto como como fondo completo en las miniaturas. Por lo general, solo unas pocas páginas hacían mucho uso de él, y generalmente estaban al principio del libro, o marcaban una nueva sección importante, por ejemplo, el comienzo de cada evangelio en un Libro del Evangelio . En Europa occidental, el uso de yacimientos de oro a gran escala se encuentra principalmente en los manuscritos reales o imperiales más suntuosos de períodos anteriores, como el arte otoniano , o hacia el final de la Edad Media , cuando el oro estuvo más disponible. La Hagadá Dorada del siglo XIV en la Biblioteca Británica tiene un ciclo preliminar de 14 miniaturas de temas bíblicos sobre fondo de oro labrado con un patrón regular, como también era típico en la iluminación cristiana de lujo en este período, además de usar letras doradas para los títulos principales. . [41]
El oro se utilizó en manuscritos de Persia, India y Tíbet, para textos, miniaturas y cenefas. [42] En Persia se usaba como fondo para el texto, generalmente con una simple "burbuja" alrededor de las letras. En el Tíbet, así como en China, Japón y Birmania , se utilizaba para formar las letras o caracteres del texto, en todos los casos para manuscritos especialmente importantes o lujosos, normalmente de textos budistas, y muchas veces utilizándose papel teñido de azul para un buen contraste. . En el Tíbet se empezó a utilizar, relativamente tarde, como color de fondo para imágenes, restringido sólo a algunos temas. [43] En la India se usaba principalmente en fronteras o en elementos de imágenes, como el cielo; esto es especialmente común en el estilo llamativo de la pintura de Deccan . Las miniaturas mogoles pueden tener paisajes bellamente pintados y bordes de animales pintados en oro sobre un fondo de un color similar. También se pueden agregar motas doradas durante la fabricación del papel. [44]
.jpg/1280px-Erato_).jpg)
