La guitarra de jazz puede referirse a un tipo de guitarra eléctrica o a un estilo de tocar la guitarra en el jazz , que utiliza amplificación eléctrica para aumentar el volumen de las guitarras acústicas.
A principios de la década de 1930, los músicos de jazz buscaban amplificar su sonido para ser escuchado por grandes bandas ruidosas . Cuando los guitarristas de las grandes bandas cambiaron de la guitarra acústica a la semiacústica y empezaron a utilizar amplificadores , esto les permitió tocar solos . La guitarra de jazz tuvo una importante influencia en el jazz de principios del siglo XX. Aunque las primeras guitarras utilizadas en el jazz fueron acústicas y las guitarras acústicas todavía se utilizan a veces en el jazz, la mayoría de los guitarristas de jazz desde la década de 1940 han tocado con una guitarra eléctrica o amplificada eléctricamente .
Tradicionalmente, los guitarristas eléctricos de jazz utilizan una tapa arqueada con una caja de resonancia hueca relativamente ancha, orificios en forma de F estilo violín , un " puente flotante " y una pastilla magnética . También se utilizan guitarras de cuerpo sólido , producidas en masa desde principios de la década de 1950.
Los estilos de tocar la guitarra de jazz incluyen componer con voces de acordes de jazz (y en algunos casos líneas de bajo ) y soplar ( improvisar ) sobre progresiones de acordes de jazz con fraseos y adornos de estilo jazz . Comping se refiere a tocar acordes debajo de la melodía de una canción o de las improvisaciones solistas de otro músico.
El ritmo de cuerdas y acordes se puede escuchar en grupos que incluían instrumentos de estilo militar como metales, saxos, clarinetes y baterías, como los primeros grupos de jazz. A medida que la guitarra acústica se convirtió en un instrumento más popular a principios del siglo XX, los guitarreros comenzaron a construir guitarras más ruidosas que serían útiles en una gama más amplia de entornos.
La Gibson L5, una guitarra acústica con tapa archtop que se produjo por primera vez en 1923, fue una de las primeras guitarras de estilo "jazz" que fue utilizada por los primeros guitarristas de jazz como Eddie Lang . En la década de 1930, la guitarra comenzó a desplazar al banjo como principal instrumento rítmico de acordes en la música de jazz, porque la guitarra podía usarse para expresar acordes de mayor complejidad armónica y tenía un tono algo más apagado que combinaba bien con el contrabajo. , que, en ese momento, había reemplazado casi por completo a la tuba como instrumento bajo dominante en la música jazz.
Durante finales de la década de 1930 y durante la década de 1940 (el apogeo de las big band de jazz y la música swing ), la guitarra fue un importante instrumento de la sección rítmica . Algunos guitarristas, como Freddie Green de la banda de Count Basie , desarrollaron un estilo de acompañamiento específico para la guitarra. Sin embargo, pocas de las grandes bandas presentaban solos de guitarra amplificados, que en cambio se realizaban en el contexto de pequeños combos. Los solistas de guitarra de jazz más importantes de este período incluyeron al virtuoso Manouche Django Reinhardt , Oscar Moore , que apareció con el trío de Nat “King” Cole , y Charlie Christian de la banda y sexteto de Benny Goodman , quien fue una gran influencia a pesar de su Muerte temprana a los 25 años.
No fue hasta la aparición a gran escala del pequeño combo de jazz en el período posterior a la Segunda Guerra Mundial que la guitarra despegó como un instrumento versátil, que se utilizó tanto en la sección rítmica como como instrumento melódico destacado e improvisador solista. En manos de George Barnes , Kenny Burrell , Herb Ellis , Barney Kessel , Jimmy Raney y Tal Farlow , que habían absorbido el lenguaje del bebop , la guitarra empezó a ser vista como un instrumento de jazz “serio”. Las guitarras eléctricas mejoradas, como la ES-175 de Gibson (lanzada en 1949), brindaron a los instrumentistas una mayor variedad de opciones tonales. Desde la década de 1940 hasta la de 1960, músicos como Wes Montgomery , Joe Pass y Jim Hall sentaron las bases de lo que ahora se conoce como tocar la "guitarra de jazz".
A principios de la década de 1980, los experimentos radicales de la fusión de principios de la década de 1970 dieron paso a sonidos de smooth jazz más amigables con la radio . El guitarrista Pat Metheny mezcló los sonidos del rock, el blues, el country y la música “mundial”, manteniendo al mismo tiempo una base sólida en el bebop y el cool jazz, tocando tanto una guitarra acústica de tapa plana como una guitarra eléctrica con un tono más suave y meloso. que fue endulzado con un efecto brillante conocido como “ coro ”. Durante la década de 1980, una escuela neotradicional de jazz buscó reconectarse con el pasado. De acuerdo con tal estética, los jóvenes guitarristas de esta época buscaban un tono limpio y redondo, y a menudo tocaban guitarras tradicionales de cuerpo hueco con tapa de arco sin efectos electrónicos, frecuentemente a través de amplificadores de válvulas .
A medida que músicos como Bobby Broom , Peter Bernstein , Howard Alden , Russell Malone y Mark Whitfield revivieron los sonidos de la guitarra de jazz tradicional, también hubo un resurgimiento de la luthierie archtop (fabricación de guitarras). A principios de la década de 1990, muchos pequeños luthiers independientes comenzaron a fabricar guitarras archtop. En la década de 2000, la forma de tocar la guitarra de jazz sigue cambiando. Algunos guitarristas incorporan una influencia del jazz latino, la música de club de baile estilo acid jazz utiliza muestras de Wes Montgomery y guitarristas como Bill Frisell continúan desafiando la categorización.
Si bien el jazz se puede tocar en cualquier tipo de guitarra, desde un instrumento acústico hasta una guitarra eléctrica de cuerpo sólido como una Fender Stratocaster, la guitarra archtop de profundidad total se conoce como la "guitarra de jazz" prototípica. Las guitarras Archtop son guitarras acústicas de cuerdas de acero con una gran caja sonora, tapa arqueada, orificios en forma de F estilo violín , un " puente flotante " y pastillas magnéticas o piezoeléctricas . Los primeros fabricantes de guitarras de jazz incluyeron a Gibson , Epiphone , D'Angelico y Stromberg. La guitarra eléctrica se conecta a un amplificador de guitarra para que suene lo suficientemente fuerte como para tocar. Los amplificadores de guitarra tienen controles de ecualizador que permiten al guitarrista cambiar el tono del instrumento, enfatizando o restando énfasis a ciertas bandas de frecuencia. El uso de efectos de reverberación , a menudo incluidos en los amplificadores de guitarra, forma parte desde hace mucho tiempo del sonido de la guitarra de jazz. Especialmente desde la era del jazz fusión de la década de 1970 , algunos guitarristas de jazz también han utilizado pedales de efectos como pedales de overdrive , pedales de coro y pedales de wah .
Las primeras guitarras utilizadas en el jazz fueron acústicas, luego reemplazadas por una configuración eléctrica típica de dos pastillas humbucking . En la década de 1990, hubo un resurgimiento del interés entre los guitarristas de jazz por las guitarras acústicas archtop con pastillas flotantes. Las guitarras acústicas archtop originales fueron diseñadas para realzar el volumen: por esa razón fueron construidas para usarse con cuerdas de guitarra relativamente pesadas . Incluso después de que la electrificación se convirtiera en la norma, los guitarristas de jazz continuaron utilizando cuerdas de calibre 0,012" o más pesadas por razones de tono, y también prefieren cuerdas de entorchado plano . La tapa arqueada característica puede estar hecha de una pieza sólida de madera tallada en forma de arco. , o una pieza de madera laminada (esencialmente un tipo de madera contrachapada) que se prensa para darle forma. A menudo se utiliza abeto para las tapas y arce para los fondos. Las guitarras Archtop se pueden producir en masa, como la serie Ibanez Artcore , o hechas a mano por luthiers como Robert Benedetto .
La guitarra rítmica de jazz a menudo consiste en una interpretación con mucha textura y métricas impares que incluye un uso generoso de acordes exóticos y difíciles de trastear. En sincronización 4/4, es común tocar intervalos de 2,5 tiempos, como en el 2 y luego el medio tiempo o "y" después del 4. Los guitarristas de jazz pueden tocar acordes "por delante" del tiempo, tocando el acorde en una octava oscilante. nota antes del cambio de acorde real. Los acordes generalmente no se tocan de manera rítmica repetitiva, como lo haría un guitarrista rítmico de rock.
Los guitarristas de jazz utilizan su conocimiento de la armonía y la teoría del jazz para crear "voces" de acordes de jazz, que enfatizan la tercera y séptima nota del acorde. Algunas voces de acordes más sofisticadas también incluyen las notas 9, 11 y 13 del acorde. En algunos estilos de jazz moderno, los acordes de séptima dominantes en una melodía pueden contener novenas alteradas (ya sea aplanadas por un semitono, lo que se denomina "novena bemol", o agudizadas por un semitono, lo que se denomina "novena sostenida"); 11 (agudizados por un semitono, lo que se denomina "undécimo sostenido"); 13º (normalmente aplanado por un semitono, lo que se denomina "13º bemol").
Los guitarristas de jazz necesitan aprender sobre una variedad de acordes diferentes, incluidos los acordes de séptima mayor , sexta mayor , séptima menor , séptima menor/mayor , séptima dominante , disminuidos , medio disminuidos y aumentados . Además, necesitan aprender sobre transformaciones de acordes (p. ej., acordes alterados, como los "acordes alternativos de dominante" descritos anteriormente), sustituciones de acordes y técnicas de rearmonización. Algunos guitarristas de jazz utilizan su conocimiento de las escalas y acordes del jazz para proporcionar un acompañamiento estilo bajo andante .
Los guitarristas de jazz aprenden a tocar estos acordes en el rango de diferentes progresiones de acordes utilizadas en el jazz, como la omnipresente progresión ii-VI, la progresión de blues estilo jazz (que, a diferencia de una progresión de 12 compases de estilo blues, puede tener dos o más cambios de acordes por compás) la forma de blues estilo jazz menor, la progresión de " cambios de ritmo " basada en I-vi-ii-V y la variedad de progresiones de acordes ricas en modulación utilizadas en baladas de jazz y estándares de jazz . Los guitarristas también pueden aprender a utilizar los tipos de acordes, estilos de rasgueo y pedales de efectos (p. ej., efecto de coro o fuzzbox ) utilizados en la música de fusión jazz-latina, jazz-funk y jazz-rock de la década de 1970.
Los guitarristas de jazz integran los componentes básicos de escalas y patrones de arpegio en frases rítmicas y melódicas equilibradas que conforman un solo cohesivo. Los guitarristas de jazz a menudo intentan imbuir su fraseo melódico con la sensación de respiración natural y fraseo legato utilizado por los trompetistas como los saxofonistas. Además, las improvisaciones solistas de un guitarrista de jazz deben tener un impulso rítmico y una "sensación de tiempo" que cree una sensación de " swing " y "groove". Los guitarristas de jazz más experimentados aprenden a tocar con diferentes "sensaciones de tiempo", como tocar "por delante del ritmo" o "detrás del ritmo", para crear o liberar tensión.
Otro aspecto del estilo de la guitarra de jazz es el uso de adornos estilísticamente apropiados, como notas de adorno, slides y notas apagadas. Cada subgénero o época del jazz tiene diferentes ornamentos que forman parte del estilo de ese subgénero o época. Los guitarristas de jazz suelen aprender los estilos de ornamentación adecuados escuchando grabaciones destacadas de un estilo o época del jazz determinado. Algunos guitarristas de jazz también toman prestadas técnicas de ornamentación de otros instrumentos de jazz, como el préstamo de Wes Montgomery de tocar melodías en octavas paralelas, que es una técnica de piano de jazz. Los guitarristas de jazz también tienen que aprender a añadir tonos de paso, utilizar "tonos guía" y tonos de acordes de la progresión de acordes para estructurar sus improvisaciones.
En las décadas de 1970 y 1980, con la forma de tocar la guitarra de fusión jazz-rock, los guitarristas de jazz incorporaron enfoques de solos de guitarra de rock , como solos basados en riffs y el uso de patrones de escala pentatónica y de blues . Algunos guitarristas utilizaron efectos de distorsión y wah-wah influenciados por Jimi Hendrix para obtener un tono pesado y sostenido, o incluso utilizaron técnicas rápidas de trituración de guitarra , como tapping y flexión de barras de trémolo . El guitarrista Al Di Meola , que comenzó su carrera con Return to Forever en 1974, fue uno de los primeros guitarristas en tocar en un estilo " shred ", una técnica utilizada más tarde en el rock y el heavy metal. Di Meola utilizó la selección alternativa para realizar secuencias de notas muy rápidas en sus solos.
Cuando los guitarristas de jazz improvisan , utilizan las escalas, modos y arpegios asociados con los acordes en la progresión de acordes de una melodía. El enfoque de la improvisación ha cambiado desde las primeras épocas de la guitarra de jazz. Durante la era del Swing, muchos solistas improvisaban "de oído" embelleciendo la melodía con adornos y notas pasajeras. Sin embargo, durante la era del bebop, el tempo rápido y las complicadas progresiones de acordes hicieron cada vez más difícil tocar "de oído". Junto con otros improvisadores, como saxos y pianistas, los guitarristas de jazz de la era bebop comenzaron a improvisar sobre los cambios de acordes utilizando escalas (escala de tonos completos, escala cromática, etc.) y arpegios. [2] Los guitarristas de jazz tienden a improvisar en torno a las relaciones acorde/escala, en lugar de reelaborar la melodía, posiblemente debido a su familiaridad con los acordes resultantes de su función de composición. Una fuente de ideas melódicas para la improvisación es la transcripción de solos improvisados a partir de grabaciones. Esto proporciona a los guitarristas de jazz una fuente de "licks", frases melódicas e ideas que incorporan intactas o en variaciones, y es una forma establecida de aprender de las generaciones anteriores de músicos.
En las big bands de jazz , populares durante las décadas de 1930 y 1940, el guitarrista es considerado parte integral de la sección rítmica (guitarra, batería y bajo ). Por lo general, tocaban cuatro rasgueos regulares en el compás, aunque es posible cierta improvisación armónica. Freddie Green , guitarrista de la orquesta de Count Basie , fue un destacado exponente de este estilo. Las armonías suelen ser mínimas; por ejemplo, la nota fundamental a menudo se omite asumiendo que será proporcionada por el bajista.
Cuando los guitarristas de jazz tocan acordes debajo de la melodía de una canción o de las improvisaciones solistas de otro músico, se llama " comping ", abreviatura de "acompañamiento". El estilo de acompañamiento en la mayoría de los estilos de jazz difiere de la forma en que los instrumentos de cuerdas acompañan en muchos estilos de música populares. En muchos estilos de música populares, como el rock y el pop, el guitarrista rítmico suele tocar los acordes de forma rítmica que marca el ritmo o ritmo de una melodía. Por el contrario, en muchos estilos de jazz moderno dentro de grupos más pequeños, el guitarrista toca mucho más escasamente, entremezclando acordes periódicos y voces delicadas en pausas en la melodía o el solo, y utilizando períodos de silencio. Los guitarristas de jazz suelen utilizar una amplia variedad de inversiones al componer, en lugar de utilizar únicamente voces estándar. [3]
En este estilo, el guitarrista pretende interpretar una canción completa (armonía, melodía y bajo) de forma similar a como lo hace un guitarrista o pianista clásico . En este estilo, las raíces de los acordes no se pueden dejar en manos del bajista. Los acordes en sí se pueden utilizar de forma escasa o más densa, dependiendo tanto del intérprete individual como de su arreglo de una pieza en particular. En el estilo disperso, a menudo se toca un acorde completo sólo al comienzo de una frase melódica. [4] Las texturas de acordes más densas, por el contrario, se acercan a los solos de acordes (ver más abajo). Un tercer enfoque es mantener una línea de bajo constante y activa, como un pianista de Nueva Orleans. Aquí no se tocan más de dos o tres notas a la vez y la armonía completa se indica mediante arpegio. Los exponentes de este estilo a menudo provienen de un entorno country , folk o ragtime , como Chet Atkins , aunque a veces también lo utilizan practicantes directos del jazz , como Martin Taylor . La melodía de acordes se toca a menudo con una púa (ver Tal Farlow , George Benson y otros); mientras que el estilo con los dedos , practicado por Joe Pass, George van Eps , Ted Greene , Robert Conti , Lenny Breau o el punteo híbrido practicado por Ed Bickert , Laszlo Sirsom y otros, permite un enfoque polifónico más complejo para los solos sin acompañamiento.
Eddie Lang y Lonnie Johnson fueron dos de los primeros practicantes de solos improvisados de una sola nota. Ambos tocaron con Louis Armstrong y otros destacados músicos de jazz y blues de las décadas de 1920 y 1930. En años posteriores, Charlie Christian y Django Reinhardt , el primero con la guitarra eléctrica y el segundo tocando con fuerza la guitarra acústica, son reconocidos como los primeros solistas que pusieron la improvisación de la guitarra de jazz en pie de igualdad con la de otros instrumentos. A lo largo de los años, los guitarristas de jazz han podido tocar solos en modismos estándar del jazz, como bebop , cool jazz , etc., y al mismo tiempo absorber influencias de los guitarristas de rock, como el uso de efectos electrónicos.
Los guitarristas de jazz no se limitan a la improvisación de una sola nota. Cuando se trabaja con acompañamiento, los solos de acordes se crean improvisando acordes (armonía) y melodía simultáneamente, generalmente en el registro superior de las cuerdas 1, 2, 3 y 4. Wes Montgomery se destacó por tocar coros sucesivos en notas simples, luego en octavas y finalmente un solo de acordes: esto se puede escuchar en su improvisación en el estándar Lover Man (Oh, Where Can You Be?) . Al tocar sin acompañamiento, los guitarristas de jazz pueden crear solos de acordes tocando el bajo, la melodía y los acordes, de forma individual o simultánea, en cualquiera o todas las cuerdas, como el trabajo de Lenny Breau , Joe Pass, Martin Taylor y otros. Esta técnica también se puede incorporar a los solos sin acompañamiento: por ejemplo, las "improvisaciones" de Django Reinhardt , como él llamaba a sus piezas solistas.
