La cerámica en México se remonta a miles de años antes del período precolombino , cuando las artes cerámicas y las artesanías de alfarería se desarrollaron con las primeras civilizaciones y culturas avanzadas de Mesoamérica . Con una excepción, las piezas prehispánicas no eran esmaltadas, sino más bien bruñidas y pintadas con barbotinas de arcilla fina de colores . El torno de alfarero también era desconocido; las piezas se moldeaban mediante moldeo, enrollado y otros métodos.
Después de la invasión y conquista española , se introdujeron técnicas y diseños europeos, que casi acabaron con las tradiciones nativas. Las tradiciones indígenas sobreviven en algunos artículos de cerámica, como los comales , y en la adición de elementos de diseño indígenas a motivos principalmente europeos. Hoy en día, la cerámica todavía se produce desde artículos tradicionales como platos, utensilios de cocina hasta artículos nuevos como esculturas y arte popular . A pesar de la fama de lo anterior, la mayor parte de los artículos de cerámica producidos en el país son azulejos para pisos y paredes, junto con accesorios de baño. México tiene varias tradiciones cerámicas artesanales bien conocidas, la mayoría de las cuales se encuentran en el centro y sur del país. Algunos ejemplos son la Talavera de Puebla , la mayólica de Guanajuato , las diversas lozas del área de Guadalajara y el barro negro de Oaxaca. Una adición más reciente es la producción de lozas Mata Ortiz o Pakimé en Chihuahua . Si bien el número de artesanos ha ido disminuyendo debido a la competencia de los artículos producidos en masa, la producción de arte popular y cerámica fina todavía tiene un papel importante en la economía mexicana y la producción de cerámica en general sigue siendo importante para la cultura mexicana .
La fabricación de loza comenzó a reemplazar a los utensilios de piedra en México alrededor del período Purrón (2300-1500 a. C.). Muchas de estas primeras cerámicas tenían forma de calabaza o calabaza, un legado de cuando estas verduras se usaban para transportar líquidos. [1] Esta loza se convirtió en una tradición alfarera que usaba principalmente arcilla recubierta de una fina capa de arcilla. La mayoría de las arcillas en México necesitan un temple para regular la absorción de agua, con una excepción significativa que es la arcilla utilizada en la Loza Naranja Fina de la Costa del Golfo . [2]
Las vasijas prehispánicas se moldeaban mediante modelado, enrollado o moldeado. A excepción de un torno proto-toro utilizado por los zapotecas , el torno de alfarero era desconocido hasta la conquista española. Las vasijas simples de pellizco o de espiral eran generalmente fabricadas por la familia, con piezas moldeadas más grandes hechas por artesanos. [3] Las primeras piezas moldeadas eran simplemente arcilla presionada contra un cuenco preexistente, pero los moldes dobles y el colado en barbotina llegaron a usarse para hacer cuencos con decoraciones en relieve. Existen ejemplos famosos de este tipo en los estados de Tlaxcala y Puebla. [4] Muchas figurillas también se hicieron usando moldes. A veces, las vasijas se hacían con varias piezas moldeadas con la parte superior terminada mediante enrollado. [4]
Con una excepción, las piezas prehispánicas no eran esmaltadas , sino que el acabado se hacía con un engobe hecho de arcilla extremadamente fina. A este engobe a menudo se le añadían pigmentos minerales para darle color, que podían añadirse antes y/o después de la cocción. [5] La cocción se hacía en un fuego abierto o en un hoyo. Las figurillas a menudo se hacían en el hogar familiar. Las ollas se cocían en un montón colocado en el suelo o en un hoyo y cubierto con madera. [4] El uso de este método para la cocción conducía con mayor frecuencia a ollas cocidas de forma incompleta, con la notable excepción de la Loza Naranja Fina. [4]
La única cerámica vidriada de Mesoamérica se llama Plomizo. Se esmaltaba con un engobe fino mezclado con plomo y se horneaba mediante una técnica especial. Se produjo durante poco tiempo y su aparición marca el período Posclásico Temprano en muchos sitios arqueológicos. [6]
Se conocen más de treinta métodos utilizados para decorar cerámica prehispánica, entre ellos, la impresión de diseños en la arcilla con textiles, el uso de sellos de mecedora o el prensado de objetos como conchas y el uso de palos puntiagudos. También se emplearon diversas maneras de colocar y conservar los colores tanto durante como después de la cocción. [7] Los diseños generalmente se dividen en cuatro categorías: geométricos, realistas o naturalistas (generalmente animales y personas estilizadas), simbólicos y pictográficos. La mayoría de los diseños están relacionados con diseños de otras artesanías y obras artísticas como murales. [7] Todos estos estilos y métodos de cerámica aún se pueden encontrar en el México moderno. [8]
La conquista española introdujo las tradiciones europeas de la alfarería y tuvo graves efectos sobre las tradiciones nativas. Algunas formas de alfarería sobrevivieron intactas, como los comales, los molcajetes , los cuencos/utensilios básicos para cocinar y los incensarios . Esto se hizo principalmente en cerámica naranja simple y algunos fueron coloreados en rojo y negro. Todas las figurillas prehispánicas, ya que casi siempre estaban relacionadas con la religión, desaparecieron y fueron reemplazadas por imágenes de la Virgen María , ángeles, frailes , soldados, demonios y animales de granja europeos como perros, ganado y ovejas. El principal efecto en la producción fue la introducción del torno de alfarero, el horno cerrado , los esmaltes de plomo y nuevas formas como candelabros y jarras de aceitunas. La importación de cerámica europea y asiática afectó principalmente a los estilos de decoración de las mercancías producidas por los nativos. El impacto de estos se sintió primero y más fuerte en las tierras altas centrales de México, en la Ciudad de México y sus alrededores. Si bien a principios de la época colonial todavía se producían algunas piezas tradicionales de cerámica de estilo prehispánico, su calidad y estética disminuyeron drásticamente hasta casi desaparecer por completo. [9]
La cerámica de estilo europeo, especialmente la cerámica vidriada, producida por artesanos nativos, comenzó a principios del período colonial, pero estaba mal hecha con solo dos colores, verde y ámbar. La mayoría de los elementos decorativos estaban estampados con diseños españoles e indígenas mixtos. Las formas más comunes eran jarras, cántaros y cuencos, todos para uso diario. [10] Con el tiempo, la producción de cerámica vidriada de mayólica, que era cara de importar de Europa, se desarrolló y reguló a mediados del siglo XVII. La mejor se producía en Puebla, aunque también se producía en la Ciudad de México , Guadalajara, Aguascalientes y otros lugares. Estas piezas tenían principalmente un fondo de color blanco o crema con diseños pintados en ellas en uno o más colores. [11] Durante el resto del período colonial, los estilos indígenas continuaron deteriorándose en toda la Nueva España, mientras que las influencias extranjeras de Europa, Asia y Medio Oriente produjeron cambios en las decoraciones. [4] En la época de la Guerra de Independencia de México , la mayólica mexicana se exportaba a todo el Nuevo Mundo y expulsó a la versión española del mercado. Sin embargo, este dominio no duraría mucho antes de que la cerámica de Delft más barata de Inglaterra y las piezas asiáticas ejercieran presión sobre la industria en el siglo XIX. [12] México continuó importando y copiando estilos de Francia e Inglaterra durante el siglo XX; sin embargo, también ha habido innovaciones nativas durante el último siglo y medio. [13]
La mayor parte de la cerámica producida en el centro de México se cuece a bajas temperaturas (fuego bajo) y se cubre con un esmalte hecho con plomo y otros minerales. [14] [15] Esto se debe a que el plomo se fusiona y produce un brillo a una temperatura de cocción de menos de 800 °C, mientras que las alternativas requieren temperaturas dos veces más altas. [16] El uso de plomo en estas piezas ha generado advertencias sanitarias tanto en México como en los Estados Unidos, [15] y los riesgos se conocían desde finales del siglo XIX. El plomo del esmalte tiende a filtrarse en los alimentos después de un uso repetido. El uso de este tipo de piezas se ha relacionado con niveles elevados de plomo en sangre en niños de la Ciudad de México, Oaxaca y otros lugares y niveles extremadamente altos en los hijos de alfareros. El contenido de plomo es más alto en la cerámica oaxaqueña. [17] Este contenido de plomo ha bloqueado la mayoría de las cerámicas producidas en las zonas rurales del mercado de los Estados Unidos, donde podrían alcanzar precios mucho más altos. [16]
En la década de 1990, FONART , una entidad gubernamental que promueve las artesanías, y varias organizaciones no gubernamentales trabajaron para producir un esmalte alternativo sin plomo que funcione con cerámicas de baja temperatura. Este esmalte está basado en boro . También han trabajado para que los artesanos instalen ventiladores de US$40 en sus hornos para hacer más eficiente la combustión. Esto ha permitido que una parte importante de la cerámica de baja temperatura tenga el sello de "libre de plomo" y pueda exportarse. [14] [16]
Sin embargo, los investigadores han encontrado contenido de plomo en piezas con el sello "sin plomo". [15] Aunque el esmalte de boro cuesta menos que el esmalte de plomo tradicional, muchos alfareros se negaron a cambiar de tradición. En total, sólo la mitad de los alfareros de México han cambiado. [16] En algunos lugares, el problema es la falta de información sobre los esmaltes y en otros, los artesanos afirman que necesitan apoyo financiero del gobierno, especialmente para opciones que requieren un horno de gas. Otro problema es que muchos no confían en el gobierno e ignoran las advertencias. [18]
La cerámica es la artesanía más practicada en México. Las formas y funciones de las piezas varían desde simples comales planos, utilizados para hacer tortillas, hasta elaboradas esculturas llamadas Árboles de la Vida . [19] Las formas más básicas, como comales, cazuelas (un tipo de olla para guisar), cuencos sencillos y otros utensilios para cocinar y almacenar aún se basan en diseños y formas nativas. La cerámica y las figuras decorativas están dominadas casi por completo por las tradiciones europeas, especialmente en el centro de México. En algunos casos, hay una mezcla de tradiciones, principalmente en diseños decorativos donde se combinan elementos indígenas con elementos europeos. [20]
Una tradición relativamente nueva en cerámica es el llamado "arte popular". Estas piezas son en su mayoría decorativas, como figuras, azulejos y artículos finos como cazuelas, tazas de té y platos. Se producen para la clase alta mexicana, el mercado internacional y, en cierta medida, los turistas. La producción de arte popular es incentivada por el gobierno en todos los niveles, y actualmente un gran número de artesanos firman al menos sus mejores piezas. Si bien este segmento del mercado mantiene vínculos con el pasado, también es sensible a las tendencias de la moda. Esto lleva a la experimentación con nuevos elementos decorativos y a la desaparición de aquellos que no se venden. [21]
Las imperfecciones en las piezas son menos toleradas en los mercados locales mexicanos que en algunos mercados extranjeros. La razón de esto es que la producción mecanizada de copias casi perfectas es todavía un fenómeno relativamente nuevo, por lo que las imperfecciones que muestran que algo fue hecho a mano no tienen el "encanto" que podrían tener en países más industrializados. [22]
La mayoría de los alfareros trabajan en talleres familiares, en los que todos participan del proceso. Las familias que fabrican cerámica tienden a ser reservadas sobre sus prácticas y rara vez cooperan con alguien fuera de la familia en cualquier aspecto del proceso de fabricación de la cerámica. Puede haber supersticiones en torno al proceso, especialmente en lo que respecta a la cocción, ya que los alfareros tienen cuidado de evitar "el mal de ojo" de los vecinos y construyen pequeños altares y realizan bendiciones cristianas e indígenas. Tanto los hombres como las mujeres moldean las piezas, pero los hombres generalmente hacen las piezas más grandes (debido al peso) y se encargan de la cocción. Los niños comienzan a trabajar con arcilla cuando tienen alrededor de seis años, moldeando elementos decorativos. Por lo general, comienzan a moldear piezas a los catorce años y lo dominan alrededor de los dieciocho. El jefe masculino de un taller familiar suele estar en edad de jubilación, y su principal propósito es la instrucción y la supervisión. Sin embargo, muchos de estos talleres están desapareciendo a medida que los mayores dejan de trabajar por completo y los niños buscan otras carreras más rentables. [23]
Los alfareros mexicanos generalmente utilizan arcillas locales, desenterrándolas ellos mismos o pagando a alguien para que las traiga en burro o camión. El tipo de temple utilizado varía según la ubicación, desde pelusa de totora en Metepec , hasta arena en Acatlán o kapok en Ameyaltepec para darle a la arcilla la consistencia adecuada y evitar que el producto final se agriete. En algunos casos se utiliza feldespato . La arcilla viene en trozos, que deben secarse y luego triturarse, utilizando una piedra rodante o un mayal . Algunos alfareros de Metepec colocan los trozos en la calle frente a su casa y dejan que los autos pasen sobre ellos. Otra forma de eliminar las impurezas y utilizar lo más fino es dispersar la arcilla en agua, con impurezas y sedimentos más ásperos cayendo al fondo. [24]
Todos los métodos utilizados en la época prehispánica, junto con el torno de alfarero, todavía se utilizan para hacer piezas. El enrollado se limita generalmente al acabado de una pieza que primero se ha prensado en un molde. El moldeado es la forma más común de formar vasijas cerradas. La mayoría de estos moldes son cóncavos o convexos, con la arcilla presionada contra el interior o el exterior del molde. A veces, la arcilla líquida se vierte en moldes de yeso. Los tornos de alfarero son los más utilizados en algunos talleres, y a menudo para hacer rápidamente una sucesión de pequeñas vasijas. Su uso es más común en Guanajuato y Jalisco que en otras partes del país. En muchos lugares, el torno se acciona con el pie, utilizando un volante, en lugar de electricidad. También se utilizan ruedas torneadas a mano. En Oaxaca, los zapotecas han utilizado un tipo de proto-rueda desde la época prehispánica. Se trata de un platillo equilibrado sobre un platillo invertido que se gira para ayudar a dar forma a la pieza. Se utiliza con mayor frecuencia para la cerámica barro negra elaborada en San Bartolo Coyotepec . [25]
En el México moderno se elaboran piezas tanto esmaltadas como bruñidas, con esmaltes con y sin plomo. Si la pieza va a ser bruñida, normalmente se cubre con un engobe y luego se pule con una piedra o un trozo de metal. Tanto la cerámica tradicional indígena como la europea emplean la decoración, que puede variar desde simples cambios de color hasta elaboradas imágenes y diseños pintados y/o impresos sobre la pieza. Los agentes colorantes solían ser fabricados por los propios alfareros, pero hoy en día la mayoría utiliza productos químicos comprados. [26]
Tradicionalmente, las piezas se han cocido en hornos alimentados con leña o simplemente en una pila con leña. Este es un método de fuego bajo, ya que las temperaturas alcanzadas no superan los 800 °C. [15] [16] Los mejores hornos de leña y hornos de gas pueden alcanzar temperaturas de entre 900 y 1000 °C, que aún no es un fuego alto, pero permite el uso de más tipos de esmaltes con bajo contenido de plomo o sin plomo. Otra razón para las temperaturas más altas es que la madera se está volviendo escasa en algunas partes de México y los hornos de gas alcanzan fácilmente estas temperaturas, lo que produce mejores piezas. [27]
Los cuerpos que requieren temperaturas de cocción más altas, como el gres, se introdujeron a fines de la década de 1950, aunque ya existían en otros lugares durante siglos. Se considera que estas piezas son mucho más finas que las que se pueden lograr a temperaturas más bajas. Un pionero en la fabricación de gres en México es Jorge Wilmot , quien comenzó con Ken Edwards en las décadas de 1950 y 1960. Más tarde, un grupo en la Ciudad de México comenzó a experimentar con gres, llamándose Cono 10. Si bien el grupo ya no existe, su trabajo, tanto como grupo como más tarde como individuos, ha tenido un efecto significativo en el desarrollo del gres en México. La cerámica cocida a temperaturas más altas llamó la atención del gobierno, especialmente de FONART, en la década de 1970. Esta agencia instaló instalaciones adecuadas en varias partes del país y capacitó a los alfareros en las técnicas. Muchos de ellos comenzaron más tarde sus propios talleres. El gres todavía es relativamente raro y, a diferencia de otras formas de cerámica, generalmente lo fabrican profesionales con educación en lugar de personas en áreas rurales. Algunos de los talleres de loza más conocidos incluyen los de Hugo Velázquez en Cuernavaca , Taller Tecpatl en Guanajuato , Alberto Díaz de Cossío, Graziella Díaz de León y Francisco Javier Servín M., todos de la Ciudad de México. [28]
En muchas partes del estado de Oaxaca se producen piezas de cerámica y alfarería tanto funcionales como decorativas. La mayoría de los alfareros viven en la región de los valles centrales de Oaxaca, donde se encuentran algunas de las tradiciones más conocidas. Los alfareros más tradicionales viven en pequeños pueblos rurales como San Marcos Tlapazola y Vista Hermosa Tonaltepec. Este último es un pueblo zapoteca de alrededor de una docena de familias, que fabrican utensilios y vajillas de color tierra muy simples, pero ligeros. La mayor parte de esta cerámica se vende a otros pueblos locales, pero también ha aparecido un pequeño mercado regional e internacional para este tipo de cerámica. [29] Muchos pueblos oaxaqueños, como San Marcos Tlapazola, están casi desprovistos de hombres en edad laboral, ya que la mayoría se han ido a trabajar a los Estados Unidos. Muchas de las mujeres han comenzado a hacer cerámica para complementar lo que sus maridos les envían. Gran parte del trabajo se vende en los pueblos o ciudades más grandes, ya sea por los alfareros individualmente o en conjunto como cooperativa. La cooperativa de Tlapazola vende y exhibe sus productos en mercados y concursos en varias partes de México. La mayor parte de la arcilla proviene de una fuente local y, por lo general, esa fuente se mantiene en secreto. [30] A pesar de su precio, que llega a costar tan solo treinta pesos por una olla, gran parte de los utensilios de cocina indígenas tradicionales están siendo reemplazados por ollas y sartenes de producción masiva en las áreas rurales. Cada vez hay menos jóvenes que se dedican a este oficio, principalmente porque muchos quieren vivir en la ciudad. Gran parte de la alfarería en Oaxaca ha pasado de fabricar objetos funcionales a fabricar objetos decorativos que atraen a los mercados extranjeros y a los turistas. [29]
Algunos artesanos oaxaqueños recurren al uso nativo de colores brillantes y al realismo mágico presente en obras modernas como las de Rufino Tamayo y Francisco Toledo . Otros muestran una visión del mundo que mezcla las creencias y tradiciones nativas con la fe católica. La mayoría de los alfareros no pueden competir con artículos baratos producidos en masa, por lo que muchos han recurrido al arte popular de mayor escala y piezas únicas. Otros se han inspirado para observar sus propias culturas antiguas y usarlas para ayudar a crear obras vendibles. Cooperativas como estas han atraído la atención de los ceramistas japoneses y el financiero multimillonario Alfredo Harp Helú , quienes han proporcionado capital inicial, asesoramiento comercial y puntos de venta para mostrar sus productos a nivel internacional. A pesar de esto, volverse rentable todavía no es fácil. [31]
Muchos alfareros zapotecas aún utilizan el “torno zapoteco” para dar forma a sus piezas. No es un torno de alfarero en sí. Es un disco o plato que se equilibra sobre otro invertido. A la pieza se le da su forma básica enrollándola o moldeándola y luego se termina mientras se gira sobre el disco. El disco con la vasija en proceso se gira solo con las manos, lo que requiere una cierta cantidad de equilibrio y habilidad. [29]
Una forma común de decorar las piezas de cerámica más sencillas en Oaxaca se denomina "chorreada". Las piezas se hornean primero con un esmalte transparente. Luego se les aplica un segundo esmalte con óxidos para darle color y se deja que se escurra donde pueda. [29] [32] Este doble esmaltado es similar a la producción de mayólica del siglo XIX, una forma de cerámica más prominente en el centro de México. [32] El uso de imágenes en relieve en piezas de arcilla también se ha adaptado a vasijas más tradicionales, a menudo con la imagen coloreada de forma diferente al fondo. [33]
Las dos tradiciones de cerámica más conocidas son el "barro negro" y las piezas esmaltadas en verde de Santa María Atzompa . [34] La cerámica de barro negro (arcilla negra) es un estilo de cerámica que se distingue por su color, brillo y diseños únicos, y se asocia con mayor frecuencia con el pueblo de San Bartolo Coyotepec . [35] Los orígenes de este estilo de cerámica se remontan al período de Monte Albán y durante casi toda su historia, había estado disponible solo en un acabado negro grisáceo mate. En la década de 1950, una alfarera llamada Doña Rosa ideó una forma de darle un brillo metálico negro a la cerámica puliéndola. Este aspecto ha hecho que la cerámica sea mucho más popular. [36] [37] Si bien las técnicas y los diseños de Doña Rosa ahora se copian ampliamente en Oaxaca, el taller original aún existe, y su hijo Valente Nieto Real todavía fabrica piezas a los setenta años de edad. [19] Desde la década de 1980 hasta la actualidad, un artesano llamado Carlomagno Pedro Martínez ha promovido piezas realizadas de esta manera con esculturas de barro negro, las cuales han sido exhibidas en varios países. [38]
El pueblo de Santa María Atzompa es conocido por su cerámica esmaltada de color verde jade, que se ha elaborado de la misma manera durante generaciones. El color proviene del esmalte de monóxido de plomo que se le aplica. [39] La tradición alfarera de Atzompa antes de la Conquista es similar a otros asentamientos de la zona, [40] pero después de que los españoles introdujeran técnicas de esmaltado, se adoptó la variante verde y ha cambiado poco desde entonces. Hasta mediados del siglo XX, la cerámica era lo suficientemente popular como para ser enviada a todas partes de México e incluso a los Estados Unidos. Sin embargo, las restricciones contra la cerámica que contiene plomo han desinflado este mercado desde entonces y, en su mayoría, se vende solo localmente. [41] A pesar del desarrollo y la introducción de esmaltes sin plomo, [41] Atzompa sigue teniendo uno de los contenidos de plomo más altos de México, que se encuentra tanto en las cerámicas como en los alfareros y otras personas que viven allí. [17]
Si bien la cerámica esmaltada en verde sigue siendo el producto básico de Atzompa, ha habido cierta innovación en su tradición alfarera.
Varios alfareros de Atzompa se han dedicado a la elaboración de figuras de arcilla, sobre todo la familia Blanco . La difunta matriarca Teodora Blanco Núñez desarrolló un estilo distintivo de figuras de terracota que llamó "muñecas". Teodora solía hacer figuras femeninas y animales antropomorfizados, y ocasionalmente hacía figuras históricas y religiosas masculinas. [42] Teodora decoraba profusamente sus piezas con pequeños trozos detallados de arcilla antes de hornearlas. Estos pequeños detalles se llaman "pastillajes". Teodora Blanco Núñez falleció en 1980, pero enseñó el oficio a todos sus hijos. El hijo mayor, Luis García Blanco, hace figuras llamadas "muñecas bordadas" con faldas largas que llegan al suelo, eliminando la necesidad de crear pies frágiles. Están elegantemente adornadas con aretes, collares y sus vestidos están decorados con elaborados diseños florales. Por lo general, las mujeres tienen dos trenzas gruesas, como Luis, y a menudo llevan una canasta en la cabeza. Las obras de Blanco generalmente no están pintadas y casi todos los detalles decorativos están esculpidos en arcilla. El estilo ha sido imitado y reinterpretado por otros artesanos. [43]
En la década de 1970, una alfarera local llamada Dolores Porras ganó notoriedad cuando se opuso a las convenciones y fue pionera en la producción de cerámica vidriada multicolor. Estudió escultura con Teodora Blanco Núñez y aprendió la delicada técnica del pastillaje. [44] Una vez que tuvo su propio taller, aprendió por sí misma a pintar sobre piezas de arcilla, comenzando con aguadas rojas y blancas. Más tarde agregó azules, verdes, grises y naranjas. Sus piezas se vendieron bien y otros alfareros imitaron su trabajo. Más tarde, introdujo el uso de esmaltes sin plomo. Hoy en día, sus piezas son parte de las tradiciones alfareras de Atzompa, aunque sus obras se venden más que las de alfareros más jóvenes. [29] [39]
Angélica Vásquez Cruz es conocida por sus figuras de mujeres, sirenas y ángeles. Vásquez es una madre soltera que ha criado a cuatro hijos y ha ganado dinero y un nombre con la fabricación de estas figuras. Ha ganado numerosos premios por su intenso e intrincado trabajo. Sus imágenes de arcilla casi siempre se centran en una fuerte figura femenina. Las piezas grandes son de estilo "bizantino", con forma de árbol de Navidad y decoradas con niveles de miniaturas. Cada pieza es única y puede llevar meses hacerla. Los colores se producen con pigmentos minerales de rocas locales. Las piezas son compradas por coleccionistas, que pagan entre 175 y 800 dólares estadounidenses por pieza en las galerías. Las piezas cuestan aproximadamente la mitad en su taller. [29]
En Ocotlán de Morelos , la familia alfarera más conocida está encabezada por las hermanas Aguilar. La dinastía comenzó con su madre, la alfarera Isaura Alcántara Díaz. Isaura aprendió las técnicas tradicionales de alfarería del Valle de Oaxaca, que se limitaban principalmente a la fabricación de artículos utilitarios. Comenzó a experimentar con figuras y piezas más decorativas, y algunas de sus piezas llegaron a la colección Rockefeller, pero desafortunadamente murió prematuramente a la edad de 44 años. Antes de morir, enseñó cerámica a sus hijos Josefina , Guillermina, Irene, Concepción y Jesús. Debido a la muerte de su madre, los niños comenzaron a trabajar temprano, y Josefina tenía solo siete años. La pobreza impidió que los niños asistieran a la escuela. Al igual que su madre, comenzaron y principalmente hicieron ollas y otros utensilios de cocina, pero también trabajaron para desarrollar figuras de arcilla. [45] Con el tiempo, estos hermanos se hicieron famosos por sus fantasiosas figuras de arcilla pintadas que celebran la vida cotidiana. [29] Hoy en día, estos hermanos siguen trabajando y gran parte de la tercera generación también son artesanos. Algunos, como Demetrio García Aguilar, también se están haciendo un nombre. [45]
Fuera de los valles centrales, la ciudad de Tehuantepec también tiene una importante tradición alfarera. El aspecto más distintivo son las figuras de mujeres, que miden en promedio alrededor de un metro de altura y tienen sobre sus cabezas una palangana poco profunda con arena para colocar una jarra para almacenar agua. Las figuras en miniatura basadas en estas tienen un diseño similar, pero a menudo están pintadas con acentos de blanco y oro. Se las llama "tanguyus" y se crean para regalarlas con motivo del fin de año. [32]
En la zona de Guadalajara se utiliza una amplia variedad de técnicas tradicionales de cocción a baja y alta temperatura para producir desde objetos baratos hasta producciones artísticas. Los dos principales municipios productores de cerámica son Tonalá y Tlaquepaque . [46] Estos dos municipios producen varios tipos diferentes de cerámica, principalmente "bruñido", "bandera", "canelo", "petate", "betus" y cerámica de alto fuego/gres. El más conocido de estos estilos es el bruñido, que se traduce como bruñido. Probablemente desciende de la policromía producida en esta zona en el siglo XIX. El nombre proviene del hecho de que estas piezas no están vidriadas, sino que se les da un engobe y luego se pulen con una piedra o pirita. Muchas de estas piezas son jarras de cuello delgado o bases de lámparas, a menudo decoradas con animales, como conejos, con características distorsionadas, lo que les da un aspecto surrealista. Las piezas suelen estar pintadas con delicados tonos de rosa, gris azulado y blanco sobre un fondo de color café claro, gris claro y, a veces, verde o azul. Cada pieza se crea de manera individual. El atractivo de esta cerámica es su apariencia, ya que es demasiado porosa para contener cualquier líquido o alimento. Una excepción a esto son las tinas grandes y gruesas principalmente para almacenar agua o para bañarse. El agua almacenada en este tipo de recipientes adquiere un sabor de la cerámica, que es deseado por algunas personas. Otra excepción son los recipientes para agua con un cuerpo grueso y un cuello largo, con una taza de cerámica colocada al revés sobre el cuello. Estos se llaman botellones y son similares a las garrafas. Un pueblo que se especializa en estos es El Rosario, cerca de Tonalá. [47] [48]
Bandera, que significa "bandera" en español, se llama así porque tiene los colores verde, rojo y blanco de la bandera mexicana . [49] El rojo se usa comúnmente como color de fondo, mientras que el verde y el blanco se usan para los detalles decorativos. [47] También es una cerámica bruñida sin esmaltar. Por razones desconocidas, este estilo de cerámica es muy raro. [50]
Las piezas de petatillo se distinguen por sus líneas bien dibujadas o por el rayado cruzado sobre un fondo rojo. Estas líneas reciben su nombre de las esteras de paja llamadas petates , a las que se parecen. [47] [49] Sobre las líneas se dibujan imágenes estilizadas de plantas y animales, especialmente ciervos, conejos, águilas, gallos y cisnes. A menudo, las figuras principales están rodeadas de negro y el uso escaso del verde completa el conjunto. Esta cerámica se pinta antes de cocerse, se esmalta y luego se vuelve a cocer. Es muy laboriosa y poco común, y se utiliza principalmente en platos. Una urna gigante de este estilo puede tardar hasta tres años en completarse. [49] [51]
El nombre de canelo se debe al color de la cerámica cocida, que tiene varios tonos de canela . Es popular y se usa principalmente para jarras de agua porque es bueno para mantener el líquido fresco. [47]
La cerámica Betus se caracteriza por sus colores vibrantes que le dan un aspecto extravagante. Este estilo recibe su nombre del aceite de Betus en el que se sumerge la cerámica antes de hornearla. El aceite, que está hecho de una resina extraída de los pinos, le da a la cerámica pintada un brillo brillante. [47]
Un tipo de vajilla poco común es la denominada engregado. Estos objetos tienen un barniz especial que los hace útiles para cocinar, y el barniz actúa como una capa de teflón que evita que los alimentos se vuelvan pegajosos al calentarlos. [49]
Los hornos de barro y gres fueron introducidos en la zona por el estadounidense Ken Edwards y el mexicano Jorge Wilmot a partir de la década de 1960. Estos hornos se cuecen a más de 1100 °C, lo que hace que la arcilla se vitrifique y forme una superficie no porosa. El primer horno de gres se instaló en Tonalá y se extendió desde allí. [47] [49]
La cerámica de gres se produce en El Palomar y otras fábricas de Tlaquepaque. Otra cerámica de alta cocción es la del tipo caolín blanco , elaborada por fábricas como Loza Fina y Cerámica Contemporánea Suro. [46] Esta última es una operación familiar que atiende a chefs, diseñadores, arquitectos y artistas. El taller fabrica principalmente platos de todas las formas y tamaños, pero también artículos como lámparas y piezas decorativas. Las piezas generalmente se hacen por encargo según diseños aprobados previamente por el cliente. Los pedidos varían en tamaño, desde un juego para cuatro personas hasta el juego de platos completo para restaurantes. Muchos de sus clientes compran los productos al por mayor, aunque no hay un mínimo. [52]
Unos 2.000 artesanos, como José García Quiñones, en Tlaquepaque, conservan la tradición de hacer belenes y otras figuras de barro. Estos belenes pueden ser extravagantes, con animales no tradicionales, como leones y jirafas, e incluso puede aparecer el diablo . García Quiñones ha ganado premios por su trabajo desde que era un niño y cada año, desde hace treinta años, vende sus piezas en el Bazar Navideño anual en las instalaciones deportivas del Deportivo Venustiano Carranza. Al igual que otros alfareros, las piezas se hacen en un taller casero, en el que todos los miembros de la familia contribuyen a la creación. Otro alfarero, Justino Estuvier, de más de 70 años, exporta sus productos finamente elaborados a España. Sin embargo, este aspecto de la industria de la cerámica está desapareciendo en el municipio, donde hay muchos menos alfareros que antes. Los artesanos comunes aquí luchan por sobrevivir contra la proliferación de plástico y cerámica más barata de Asia. El belén artesanal promedio se vende en México por 350 pesos, mientras que los más económicos producidos en masa se venden por 160. [53]
En Tlaquepaque se encuentra el Museo del Premio Nacional de la Cerámica Pantalen Panduro, que exhibe las piezas ganadoras del premio nacional anual que se otorga a los ceramistas. Se encuentra ubicado en el Centro Cultural El Refugio y fue creado en 1997. El primer Premio Nacional anual se entregó en 1977. Hoy en día existen premios para varias categorías pero el más solicitado es el Galardón Presidencial, que está firmado por el presidente de México. Veintiuna de las piezas que han ganado este premio se encuentran en el museo. [54]
Tonalá ha sido reconocido desde hace mucho tiempo como un centro de cerámica en México. Las calles están llenas de talleres artesanales y puestos en las aceras que venden piezas de cerámica y loza. [47] Una cosa que distingue a la cerámica hecha en Tonalá son los detalles decorativos. Dos elementos, el nahual y la "flor de Tonalá" son comunes. Un nahual es un cambiaformas o chamán prehispánico, a menudo dibujado como un gato sonriente. La flor de Tonalá apareció por primera vez en el diseño de cerámica a principios del siglo XX. Su forma distintiva es un centro ovalado con pétalos redondeados que forman un diseño festoneado. Estos elementos pueden aparecer en todos los tipos de cerámica que se producen aquí. [47] Los días de mercado, jueves y domingo, son una buena oportunidad para ver una amplia variedad de cerámicas de la región, todas esparcidas por las calles del centro. Si bien hay una amplia variedad de figuras, utensilios y artículos decorativos, no es todo lo que se produce. Muchos fabricantes venden sus productos a través de otros canales. Para encontrar las mejores piezas es necesario visitar los talleres y fábricas. [46]
Un alfarero conocido de Tonalá es Jorge Wilmont. Si bien su origen está en la tradición de Tonalá, ha estado a la vanguardia de la innovación de la artesanía. Muchas de sus innovaciones han sido adoptadas por tantos alfareros de la zona que casi cualquier cosa que se aparte de la tradición muestra la influencia de Wilmot. Hoy, Wilmot vive en San Pablo del Monte en Tlaxcala , donde asesora a alfareros de allí y del vecino estado de Puebla. [55]
El municipio alberga el Museo Nacional de la Cerámica, que su director Prudencio Guzmán Rodríguez considera un "vínculo entre la tradición de Tonalá y la gente interesada en investigar nuestra tradición". Fundado en 1986, el museo cuenta con una colección de 1000 piezas que abarcan desde artefactos prehispánicos hasta obras contemporáneas premiadas. La institución comenzó cuando una junta de artesanos y empresarios locales, junto con los escultores Jorge Wilmot y Ken Edwards, buscaron una manera de promover la tradición cerámica en el lugar. Muchos de los artefactos son préstamos del Instituto Nacional Indigenista y algunos fueron donados por Wilmot. El resto de las piezas son premiadas en el Certamen Estatal de la Cerámica. Desafortunadamente, a mediados de la década de 1990, el museo tuvo que cerrar por falta de fondos y mantenimiento. El municipio intervino y el museo fue reabierto en 1996. La colección contiene piezas creadas por algunos de los artesanos más reconocidos de la zona y son de los estilos más típicos de Tonalá como el bruñido, bandera, petatillo y canelo. Entre los artistas y artesanos representados se encuentran Salvador Vásquez, Juan Antonio Mateo, Gerónimo Ramos, Nicasio Pajarito , Candelario Medrano, Jorge Wilmot y Ken Edwards. [47]
Otro recipiente popular para líquidos en la zona de Tonalá es la tinaja, un jarro bajo con un asa en la parte superior y un pequeño pico. [56] En Santa Cruz de la Huerta, cerca de Tonalá, se especializa en caños de barro, algunos juguetes de forma rudimentaria y silbatos con forma de animales. La mayoría de estos productos se venden en mercados públicos. Una excepción a esto es el trabajo de Candelario Medrano, quien hace esculturas curiosas, a veces grotescas. En su taller se pueden encontrar barcos de dos pisos, edificios de iglesias con personas en miniatura y animales como leones, gallos y búhos con rostros humanos salvajes. Suelen ser piezas grandes, hechas en parte con molde y en parte a mano, luego pintadas con acrílicos brillantes y contrastantes. [56]
Poco después de la Conquista, la cerámica de estilo europeo llegó a dominar el área que hoy se conoce como el estado de Guanajuato. Durante el periodo colonial, la ciudad de Guanajuato tuvo una fuerte tradición mayólica junto con Puebla, que está siendo revivida. Estas piezas se elaboran con un molde de tortilla para formas irregulares o con torno. Se les da un esmalte, generalmente de un color crema claro, se hornean, luego se pintan con un diseño, se esmaltan y se hornean nuevamente. Muchos de los motivos están hechos con colores como el amarillo, el verde azulado, el óxido y el azul. Los principales fabricantes de la ciudad de Guanajuato son Gorky González, que mantiene los diseños tradicionales, y la Alfarería Capelo Mayólica, que produce piezas de gran tamaño con colores más intensos y oscuros. En Santa Rosa de Lima, un grupo de ex alumnos de Capelo también elaboran mayólica. [57] [58]
Un importante productor fuera de la capital es Alfarería Aguilera Mayolica Santa Rosa en Mineral de Santa Rosa, cerca de Dolores Hidalgo . Los diseños de este taller muestran influencias indígenas, así como algunas italianas y chinas. Alfarería Aguilera es una operación familiar, dirigida por varias generaciones de la familia Aguilera. [58] Los talleres más pequeños en esta ciudad producen diseños tanto tradicionales como innovadores para vajillas, floreros y azulejos. Un taller notable es el de Juan Guerrero, quien hace vajillas con flores dramáticas de color naranja, amarillo y azul. El padre de Juan, Fortino, hace cerámica con una base rojiza simple y decorada con dos tonos de esmalte verde que se deja gotear por los lados. Algunos recipientes, como las macetas, tendrán salamandras en el costado. La fabricación de mayólica fue introducida a Dolores Hidalgo por el propio padre Miguel Hidalgo. [59]
Además de la mayólica, dos grandes fábricas producen cerámica pintada a mano del tipo caolín: Bram y Dosa, en la ciudad de Guanajuato y en el pueblo de Marfil, respectivamente. La mayoría de estos diseños son formas contemporáneas, con motivos florales en tonos pastel en acabado brillante o mate. [60]
En San Miguel Allende , se vende en el mercado de la ciudad una especie de cerámica popular primitiva. Son platos para salsas y cuencos de un tono rojo con caprichosas figuras de animales distorsionadas en negro (de óxido de cobre) bajo un esmalte transparente pobre. En realidad, provienen de un pequeño pueblo en las afueras de San Miguel. [59] Un diseño similar se encuentra en Coroneo , con la principal diferencia de que el diseño del animal se eleva desde el fondo de la vasija, lo que se produce mediante el molde. El diseño en relieve está pintado de negro. Si bien los rasgos de los animales no están distorsionados, a menudo se les da aspectos sobrenaturales, como leones que escupen fuego. [61]
La cerámica de Talavera de Puebla, México, es un tipo de cerámica mayólica, que se distingue por un esmaltado de color blanco lechoso. [62] La cerámica de Talavera auténtica solo proviene de la ciudad de Puebla y las comunidades cercanas de Atlixco , Cholula y Tecali , debido a la calidad de la arcilla natural que se encuentra allí y a una tradición de producción que data del siglo XVI. [63]
Azulejos, jarras y platos de cerámica se pueden encontrar a la venta en toda la ciudad de Puebla, y la mayoría de los edificios coloniales del centro histórico están decorados con ellos. [64] El proceso es lento y muchas piezas se rompen durante el proceso. Gran parte de la cerámica es de un azul brillante sobre un fondo blanco, pero se pueden utilizar otros colores como amarillo, naranja, verde y morado. Los colores y diseños reflejan una historia mixta con influencias europeas, indígenas, árabes y chinas. La artesanía llegó a la ciudad poco después de su fundación en la década de 1530, cuando los alfareros de España, incluido Talavera de la Reina, establecieron talleres. [64] La producción de esta cerámica se desarrolló mucho en Puebla debido a la disponibilidad de arcillas finas y la demanda de azulejos de las iglesias y monasterios recién establecidos en el área. La industria había crecido lo suficiente como para que a mediados del siglo XVII se establecieran estándares y gremios que mejoraron aún más la calidad, lo que llevó a Puebla a lo que se llama la "época dorada" de la cerámica de Talavera (de 1650 a 1750). [63] Formalmente, la tradición que se desarrolló allí se llama Talavera Poblana para distinguirla de la cerámica de Talavera de España, que lleva el mismo nombre. Es una mezcla de técnicas cerámicas chinas, italianas, españolas e indígenas. [62] La producción de azulejos también se hizo muy pronunciada aquí, cubriendo principalmente iglesias y monasterios prósperos primero y luego casas particulares, nuevamente para mostrar el estatus socioeconómico. [65]
Talavera Santa Catarina es uno de los pocos productores de Talavera certificados por el estado en Puebla. La exclusividad del artículo genuino es la causa de gran parte del éxito de esta cerámica. El nombre "Talavera" para la cerámica está legalmente restringido a las piezas fabricadas en Puebla y un par de lugares más cercanos. Se hacen muchas imitaciones en Puebla y otros lugares, pero sólo ocho talleres tienen autorización estatal para utilizar el nombre Talavera. Existe un mercado definido para aquellos dispuestos a pagar un precio superior por piezas hechas a pedido con certificados de autenticación. La mayoría se vende en el extranjero porque las piezas alcanzan un precio mucho más alto. Los clientes pueden venir simplemente a pedir un juego completo de platos o azulejos para colocarlos en los edificios de sus países de origen. [64]
Una cerámica menos costosa hecha en Puebla es la llamada Barrio de la Luz. Las piezas de este tipo generalmente consisten en vasijas de cocina, jarras con tapa, jarras y otras destinadas al uso cotidiano de la cocina. Es de tono marrón amarillento con adornos en relieve como hojas o rosas, que generalmente se les da un esmalte transparente mientras que otras partes reciben un esmalte negro. [66] En la parte norte del estado de Puebla, sobre todo en los municipios de Aquixtla y Chignahuapan , los pueblos indígenas de habla náhuatl producen utensilios de cocina como comales, jarras, ollas y más con un acabado vidriado. Utilizan un horno morisco, que conserva el combustible y el calor. La característica distintiva de esta cerámica es que tiene diseños estampados, generalmente flores. Estos sellos son tablillas de arcilla cortadas, que se imprimen en las piezas de cerámica. [67] Izúcar de Matamoros se especializa en "árboles de la vida", a veces llamados "candelabros". Se trata de esculturas de barro de múltiples ramas, que pueden tener temas para diferentes festividades como el Día de Muertos o la Navidad. Las ramas están llenas de flores, hojas e imágenes relacionadas con el tema. Además, se pueden encontrar figuras para el Día de Muertos, como esqueletos, vestidos de charro o de dama de clase alta ( La Calavera Catrina ). Todas estas piezas decorativas están pintadas de colores vivos. Una excepción a esto son las obras de Heriberto Castillo, que utiliza colores más sutiles con un acabado esmaltado. Alfonso Castillo distingue sus piezas por utilizar pinturas elaboradas con ingredientes naturales. [67]
Otro pueblo de Puebla que elabora figuras del árbol de la vida es Acatlán, ubicado cerca de la frontera con Oaxaca. Las ramas a menudo surgen de la espalda de un pájaro u otro animal. Otras piezas incluyen animales de aspecto realista, como pájaros, iguanas o cangrejos, con un lugar para una vela en la espalda y maceteros de respaldo plano para colgar en las paredes. Estas se pueden producir como cerámica pintada o como cerámica bruñida, que se realiza en tonos de rojo y negro. Un alfarero conocido por su trabajo bruñido es Herón Martínez. [67]
La mayor parte de la cerámica de importancia en el estado de Michoacán proviene de la zona del lago de Pátzcuaro . Una ciudad notable por su cerámica es Tzintzuntzan , que produce una amplia variedad de cerámica en talleres caseros. La mayoría de estos artículos se venden a los turistas. Gran parte de la vajilla producida es vidriada. A menudo están decorados con los contornos de peces o aves acuáticas. El vidriado verde generalmente cubre el interior y el borde de la vasija, con el diseño pintado en la arcilla incolora exterior, que luego se cubre con un vidriado transparente. La cerámica bruñida negra también ha aparecido allí en forma de floreros y jarras. Otro tipo de alfarero bruñido recibe un engobe rojo antes de pulirlo y está diseñado con motivos simples de pájaros y elegantes curvas en blanco y negro. Estos suelen tener la forma de jarras de agua con tapas y asas, así como figuras de patos. También se hacen copias de cerámicas prehispánicas, como la jarra trípode y las jarras de agua en forma de rosquilla. Estos suelen estar pintados con diseños geométricos y calados . [68]
En Santa Fe de la Laguna , varios alfareros elaboran vajillas vidriadas en formas populares con esmalte negro o verde que cubre la mayor parte de la pieza y el resto en esmalte transparente de calidad media. El vidriado negro se utiliza generalmente en piezas grandes como cuencos para agua o ponche de frutas con tapa y decorados con hojas en relieve o rosas. Muchos de estos son hechos por Matias Jerónimo. Carmen Gaspar hace vajillas con diseños de animales o peces en engobe blanco bajo esmalte verde. También ha habido experimentación con nuevos colores de esmalte, como el azul y el malva . [69]
El pueblo de Patambán, al suroeste de la zona del lago, elabora una loza esmaltada en verde, que se distingue por la calidad del esmaltado y la arcilla fina utilizada. Incluso las bases de las piezas están esmaltadas y tienen diseños. La mayoría de las formas son de uso común, como pequeñas tazas, jarras, platos y bandejas. Los diseños varían desde diseños geométricos o lineales hasta animales de forma libre, como conejos. Están engobe blanco que aparece como un verde intenso. [69] Una forma que se encuentra tanto aquí como en el vecino San José de Gracia es una jarra de agua en forma de piña. El cuerpo está completamente cubierto de pequeños bultos cónicos colocados a mano. Estos frascos varían de tamaño desde una taza hasta cinco galones. La tapa está decorada con una representación de la corona puntiaguda de la fruta. La mayoría de estos también están cubiertos con el esmaltado verde de Patambán, pero también existe una versión esmaltada marrón. Otra vasija que este pueblo fabrica junto con Huantzio es un recipiente para agua de vientre grande con un cuello pequeño. Estos no están esmaltados en verde, sino cubiertos con un engobe rojo y bruñidos. Luego están decoradas con franjas horizontales en blanco y negro intercaladas con conejos, pájaros y flores. Huanzito también suele utilizar una combinación de colores azul y verde. [70]
Quiroga vende grandes jarras y jarras de agua vidriadas en negro con escenas en relieve, que en su mayoría representan la Danza de los Viejitos . La cerámica se fabrica en Santa Fe y se pinta en Quiroga. [70] Ocumicho produce figuras vidriadas de diablos y otras fantasías. Los escenarios de las figuras son caprichosos, diablos sentados en el borde de un volcán y un arca de Noé donde los animales parecen extremadamente cansados. Algunas de las mejores alfareras aquí son mujeres. Es difícil viajar al pequeño pueblo, pero las figuras se venden en los pueblos de Uruapan y en la Casa de las Artesanías en Morelia. [71]
Capula , un pueblo cercano a Morelia , produce una cerámica vidriada que se ha vuelto popular recientemente y ahora es una de las más comunes en las tiendas de artes populares en México. Por lo general, tiene un diseño pintado de pequeñas flores formalizadas formadas por pétalos redondos pintados con engobe blanco sobre el rojo natural de la arcilla, luego cocidos con un esmalte transparente. Las flores pueden limitarse a una banda o aplicarse profusamente sobre toda la pieza. Esto último se hace con frecuencia con cazuelas y macetas. Las formas incluyen platos, cazuelas y macetas. Más recientemente, los alfareros de allí han estado experimentando con otros diseños, como peces y pájaros formados por puntos blancos o incluso de colores como azul, verde o negro. También están modernizando su operación introduciendo hornos de gas y utilizando un esmalte con bajo contenido de plomo. [71]
El Estado de México cuenta con varios pueblos alfareros, siendo el más conocido Metepec. El centro del pueblo cuenta con varias tiendas de artesanías bien surtidas que ofrecen cerámica local, así como un mercado al aire libre. Las formas más conocidas asociadas con Metepec son sus Árboles de la Vida, sirenas y animales como leones, caballos (con o sin alas) y yuntas de bueyes. Lo que destaca de las formas no es tanto su forma, que tiende a ser robusta y sólida, sino los colores que las adornan. Al igual que los alebrijes , están pintados en colores brillantes y bastante antinaturales como el rosa, el verde, el amarillo y otros colores. Algunos de los alfareros más conocidos incluyen a José Vara, Saúl Ortega y Alfonso Soteno . [72]
El árbol de la vida es un tema de escultura de arcilla creado en el centro de México. La imagen representada en estas esculturas originalmente era para la enseñanza de la historia bíblica de la creación a los nativos en el período colonial temprano. La confección de los árboles en una escultura de arcilla comenzó en Izúcar de Matamoros , Puebla, pero hoy en día la artesanía se identifica más estrechamente con Metepec. [73] Tradicionalmente, se supone que estas esculturas consisten en ciertas imágenes bíblicas, como Adán y Eva , pero se hacen otros temas como Navidad, Día de Muertos e incluso temas no relacionados con la religión. [72] [74] Los árboles de la vida pueden ser pequeños o tan altos como una persona. Las figuras de los Árboles de la Vida se hacen moldeando y unidas a la figura principal del árbol con alambres antes de la cocción. La mayoría están pintadas en colores brillantes, pero hay versiones pintadas completamente de blanco con toques dorados y otras dejadas en su color natural de arcilla rojiza. [75]
Otra cerámica popular tanto para elaborar como para adornar las casas son los soles redondos con aureolas puntiagudas con caras sonrientes o sorprendidas. Estos se venden tanto pintados como sin pintar. El taller de Saúl Camacho elabora mayólicas similares a la Talavera de Puebla y Manuel León Montes de Oca, hace copias de piezas prehispánicas. Estas piezas son valoradas porque el artesano se tomó el tiempo de estudiar las formas y culturas de los originales. Metepec también elabora cerámica de uso cotidiano, generalmente del color del barro natural con diseños geométricos sencillos hechos en engobe blanco. Una de las piezas más inusuales de este tipo son los juegos de jarra y taza diseñados para beber pulque . Estos suelen llevar lemas interesantes como "Yo soy tuyo" o "Viva el pulque" o "Que me llene quien me acabe". También se pueden distinguir por tener cabezas de animales o personas (toro, chivo, hombre con puro y otros) con el pulque saliendo de la boca. Muchos de estos son hechos por Lázaro León. [76] Otro pueblo que produjo artículos para pulque fue Tecomatepec, cerca de Ixtapan de la Sal . Los cántaros son majestuosos con diseños de volutas en negro sobre un fondo de color crema terminados en un esmalte transparente. Otras piezas incluyen platos, tazas, etc. también esmaltados en crema con cisnes o flores en relieve y pintados en amarillo, verde y azul. También se hacen copias de figuras prehispánicas. [77]
El pueblo de Juan Mata Ortiz está ubicado a lo largo de las orillas del río Palanganas cerca de Nuevo Casas Grandes en las altas llanuras del norte de Chihuahua . Recibió su nombre de un héroe local del siglo XIX que luchó contra los apaches . [78] Es el hogar de Juan Quezada, a quien se le atribuye la creación de la cerámica de estilo Mata Ortiz o Pakimé. Cuando tenía catorce años, se encontró con el pueblo prehispánico abandonado de Pakimé junto con fragmentos de su cerámica. Esta cerámica estaba decorada con diseños intrincados, y Quezada razonó que los materiales para hacerla estaban cerca. [79] La cerámica que encontró es parte de la cerámica policromada de estilo Casas Grandes, que floreció entre 1175 y 1400 y está relacionada con la cerámica de estilo Pueblo. [78] Con el tiempo y con mucha experimentación, Quezada aprendió a recrear la cerámica completamente por su cuenta sin capacitación previa ni experiencia alguna. [79]
Quezada regaló sus primeras piezas a familiares y amigos, y luego vendió algunas. Tres de estas primeras piezas llegaron a una tienda de segunda mano en Deming, Nuevo México, donde Spencer MacCallum , un arqueólogo e historiador del arte, las encontró. Al darse cuenta de su valor, MacCallum viajó a Chihuahua en busca del creador de las vasijas. Finalmente, llegó a la casa de Juan Quezada en Mata Ortiz. Durante ocho años, MacCallum brindó apoyo financiero a Quezada para permitirle seguir desarrollando la artesanía, con MacCallum actuando como mentor y agente. La cerámica ganó fama en el mundo del arte, y culminó en una exposición en el Museo Estatal de Arizona en 1977. Desde entonces, Quezada ha enseñado a su familia y a otras personas de la comunidad a hacer la cerámica. Quezada no mantiene en secreto sus técnicas ni sus suministros de materiales; más bien, los comparte con cualquiera que tenga interés. [79] [80] A diferencia de una serie de resurgimientos de tradiciones cerámicas en Arizona y Nuevo México, esta renovación de un arte antiguo fue realizada por uno de los residentes del pueblo sin ninguna ayuda inicial de arqueólogos o museos. [78]
Aunque la cerámica de Pakimé está inspirada en la cerámica prehispánica, no es una copia exacta. A diferencia de otras partes de México, la tradición alfarera se rompió por completo aquí en algún momento durante el período colonial. [79] Los residentes actuales no se consideran descendientes de la cultura de Casas Grandes ni sus tradiciones están vinculadas a ella. Nadie antes de la generación de Quezada estuvo involucrado con la cerámica. [78] Esto ha permitido a los alfareros experimentar y probar los límites de la forma y el diseño, a diferencia de muchos otros alfareros mexicanos que están limitados por generaciones de tradición. Sin embargo, la recreación de Quezada es interesante porque recreó dos de las técnicas básicas de alfarería del período prehispánico, los métodos de bobina y moldeado. [79] La arcilla cruda se excava con un pico y una pala en las escarpadas colinas fuera del pueblo. Se limpia remojándola en agua hasta que se puede verter a través de un tamiz. La arcilla blanca es la favorita para trabajar, pero se utilizan muchos colores. No se utiliza un torno de alfarero. La base de la olla se moldea y la parte superior se crea mediante el método de bobina. Cuando la olla está seca, se frota con una piedra u otro objeto duro para que brille. Esto puede llevar días. Las ollas se cuecen al aire libre utilizando madera y estiércol como combustible. Las pinturas se elaboran con pigmentos minerales recolectados localmente. Los pigmentos se muelen hasta convertirlos en polvo utilizando una piedra de moler de metate y luego se mezclan con arcilla para hacer una pintura fluida lechosa. [80] Muchos utilizan colores tradicionales como el rojo, el blanco y los tonos tierra, pero también se han utilizado colores más brillantes. Los pinceles están hechos de pelo de perro, gato e incluso humano. [79]
Más de trescientas personas en este pueblo de aproximadamente dos mil habitantes fabrican estas vasijas. La mayoría de los artesanos elaboran piezas de calidad baja a media, y sólo unos pocos producen vasijas finas, delgadas y ligeras. Entre los artistas más valorados se encuentran la familia Quezada, la familia Ortiz, Taurina Baca y Héctor y Graciella Gallegos. Nicolás Ortiz es conocido por sus piezas escultóricas. La cerámica ha sido un gran impulso económico para la comunidad. Antes, los hombres hacían trabajos estacionales y las mujeres no tenían oportunidad de ganar dinero. Los ingresos procedentes de la cerámica han permitido a las familias construir y mejorar sus casas y comprar coches. [79]
En Chililico, un pueblo nahua cerca de Huejutla de Reyes , Hidalgo , las mujeres aún dominan la alfarería, produciendo piezas decoradas para uso ceremonial. También han combinado nuevas ideas y técnicas con diseños tradicionales. Un trabajo notable es la reproducción fiel de escenas rurales en sus productos, extendiendo esta decoración a artículos más nuevos como ceniceros y cuadros. [81]
Los estados a lo largo de la costa del Golfo, como Veracruz, Tabasco , Campeche y Yucatán tienen centros asociados con la alfarería, pero la mayoría de estos producen para satisfacer las necesidades locales y gran parte del trabajo solía ser realizado únicamente por mujeres. Dado que el trabajo de alfarería se ha realizado aquí durante siglos, ha tenido menos influencia europea que en las tierras altas centrales, la influencia indígena aún se puede ver en muchos de los utensilios y juguetes. Con la introducción de hornos de cocción y esmaltado, los hombres se han involucrado más en muchas áreas, y muchos centros de producción de cerámica ahora son asuntos familiares. [81] Los principales centros de alfarería en Veracruz se encuentran en Blanca Espina, Aguasuelos y Tlacotalpan . En Blanca Espuma, la mayor parte de lo que se produce es loza para el hogar con piezas esmaltadas y decoradas de manera similar a Aguasuelos y Chililico. En Aguasuelos, se producen ollas grandes llamadas ollas. Muchas de estas todavía están decoradas con flores como en el pasado, pero los diseños están cambiando a favor de iglesias de la región, casas e incluso escenas de la vida cotidiana. [81]
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En Tlacotalpan se producen principalmente enfriadores de agua, los cuales son comunes en climas cálidos. Para que los enfriadores cumplan con su función, el barro sólo se alisa y luego se bruñe en algunas de sus superficies, dándole un efecto decorativo con texturas contrastantes. La absorción de agua por las paredes del recipiente de barro mantiene el agua fresca. [82]
En Tepakan, Campeche, una comunidad maya, se elaboran maceteros y silbatos tradicionales. También se hacen jarras en tonos café oscuro que representan, según las alfareras, al dios del viento. Aquí también se encuentra uno de los hornos de tipo morisco más grandes de México. Cerca de Tepakan, en el vecino estado de Yucatán, se encuentra el poblado maya de Ticul . La especialidad aquí es la reproducción de piezas mayas halladas en las tumbas de Jaina , una isla justo en la costa del Golfo. [82]
En Amatenango del Valle , Chiapas, se encuentra una fábrica de producción de cerámica que constituye una importante fuente de empleo para la población local. Los objetos producidos incluyen animales en miniatura, reales y de fantasía, modelados principalmente por niños. Los adultos, en su mayoría mujeres, producen objetos de gran tamaño, como jarras grandes llamadas tinajas. Estas se decoran con engobes de diversos colores. Las macetas en forma de paloma son otra pieza común. Debido a que son piezas de gran tamaño, y por tradición, las piezas se cuecen en el suelo con la leña apilada encima. [82]
El México precolombino tuvo una gran tradición durante miles de años de hacer esculturas y figurillas en arcilla, gran parte de la cual se perdió durante la colonización española de las Américas y el período colonial mexicano. La tradición comenzó a resurgir a mediados del siglo XX con artistas como Juan Soriano , Francisco Toledo y Mathias Goeritz . Muchos de estos artistas usaban arcilla para hacer borradores de obras que se realizarían en otros materiales como metales, pero finalmente recurrieron a la arcilla como medio principal. La escultura en arcilla volvió a la vanguardia del arte mexicano con una exposición llamada "Terra incognita" en el Museo de Arte Moderno en 1981, aunque se ha escrito relativamente poco sobre el fenómeno. Algunos de los artistas actuales más conocidos en este medio incluyen a Gerardo Azcunaga, Adriana Margain, Javier Marin y Miriam Medrez. [83]
Si bien la producción de ollas y utensilios es la alfarería característica de México, los pisos y revestimientos cerámicos constituyen la mayor parte de la producción cerámica del país. El segundo tipo de producto cerámico más importante son los accesorios para baño, como inodoros, lavabos y accesorios. La mayor parte de las materias primas se obtienen del mercado local, y se importan cantidades limitadas de otras materias primas. La mayor parte del equipo utilizado para producir cerámica en masa de este tipo proviene de Italia, incluidos los moldes a presión y la tecnología de desarrollo. Sin embargo, las empresas también están considerando proveedores estadounidenses para mezcladores, transportadores, hornos y equipos de control electrónico debido a la proximidad del país y los aranceles del TLCAN. [84]
En 1994, México exportó a Estados Unidos 78.1 millones de dólares en revestimientos para pisos vidriados y no vidriados, e importó 17 millones de dólares en equipos y materias primas para estos productos. El 75% de los accesorios para baño se exportan a Estados Unidos por un valor de 54.7 millones de dólares en 1994. [84]
El área de cerámica en masa menos desarrollada es la de vajillas , porcelana y gres . México cuenta con sólo dos grandes fabricantes de vajillas, Anfora y Santa Anita, que producen porcelana y gres respectivamente. Anfora es la única que ha tenido éxito en la exportación de sus productos a empresas estadounidenses, entre ellas Panera Bread, Pottery Barn y Starbucks. La mayoría de estas cerámicas se importan de otros países como Estados Unidos, Japón y Alemania a pesar de su capacidad para producirlas por sí misma. Sin embargo, la falta de ciertas materias primas puede explicar parcialmente esto. [84] Otro problema es la continua producción de vajillas esmaltadas con plomo , que no se pueden exportar. Si bien se han desarrollado esmaltes sin plomo y con bajo contenido de plomo para su uso con cocción a baja temperatura, el más tradicional, solo la mitad de los artesanos lo utilizan. [16] [18]
Sin embargo, el sector de la industria cerámica que crece más rápidamente está compuesto por pequeñas empresas que fabrican principalmente vajillas y artículos decorativos hechos a mano. Este sector industrial está encontrando rápidamente mercados de exportación en los Estados Unidos, el Lejano Oriente y algunas partes de Europa. Es un sector que requiere mucha mano de obra, pero también la importación de ciertos equipos, como hornos . La mayoría de los bienes producidos por este sector se exportan a los Estados Unidos. A medida que este sector siga creciendo y se vuelva más sofisticado, es probable que se importen más equipos de fabricación. [84]
Para las personas que viven en áreas muy rurales de México con poco o ningún empleo, la producción de artesanías, especialmente cerámica, es una opción. Para muchas personas que viven en zonas rurales de Oaxaca, las opciones económicas se limitan a la agricultura de subsistencia, trabajar en la Ciudad de México o migrar ilegalmente a los Estados Unidos. Esto ha dejado a muchos pueblos pequeños como San Jerónimo Slayopylla como pueblos fantasmas virtuales, poblados solo por algunos ancianos, mujeres y niños. Para al menos algunos, el interés en la cerámica nativa y popular es otra opción. Las cooperativas, como "Polvo de Agua", unen a artesanos de varias localidades para vender sus productos y generar ingresos para sus familias. [31] La producción de cerámica ha elevado el nivel de vida en otros pueblos pequeños en otras áreas, como Mata Ortiz en Chihuahua también. [79] La mayoría de los artesanos en las áreas rurales aprenden el oficio de sus familias y continúan con las mismas técnicas que usaban sus antepasados. Para muchos en las áreas rurales, la venta de cerámica es su único ingreso en efectivo. [18]
Un número cada vez mayor de alfareros también están recurriendo a Internet para vender sus artículos en el extranjero, incluso si no tienen acceso directo a una computadora. Oscar Soteno , un reconocido alfarero de Metepec, lo utiliza para vender sus esculturas de árboles de la vida y otras obras a los Estados Unidos. Vender al lucrativo mercado navideño es particularmente rentable. Aunque los motivos del Día de los Muertos no están relacionados con Halloween, han llegado a muchos hogares estadounidenses para esta festividad, gracias a Internet. Muchos artesanos trabajan con NOVICA.com, una empresa que trabaja con artistas del tercer mundo para ayudarlos a vender sus productos en otros países. Esto permite a muchos artesanos vender directamente, eliminando a los intermediarios. [85] Barro sin Plomo, una organización relacionada con el Banco Mundial, ha tenido éxito en la exportación de artículos de cerámica sin plomo a los Estados Unidos y dice que las perspectivas de mercado para estos productos son optimistas. Un segmento del mercado es el de los restaurantes mexicanos en los EE. UU. que quieren tener platos de estilo mexicano pero no pueden importar lo suficiente que cumpla con los estándares de plomo de los EE. UU. Otro mercado posible es América Central . [86]
Se han creado agencias gubernamentales estatales y federales para apoyar la producción de cerámica, especialmente en las áreas rurales. El Premio Nacional de Cerámica se inició en 1977 y otorga premios en efectivo en varias categorías. El premio más prestigioso es el Galardón Presidencial (Reconocimiento Presidencial), que está firmado por el presidente de México. [54] Cada año, Metepec es sede del Concurso Nacional de Alfarería y Cerámica "Árbol de la Vida". Este evento otorga un primer premio de 50.000 pesos al mejor trabajo realizado en arcilla. También hay premios para subcategorías como piezas esmaltadas y no esmaltadas, así como cerámica de alta y baja cocción. El evento atrae a artistas y artesanos de Oaxaca y Jalisco, así como del Estado de México. Los jueces provienen del Museo de Arte Popular de la Ciudad de México , la UAEM y otras instituciones. [87]
A pesar del apoyo e interés en la cerámica tradicional mexicana, el número de artesanos está disminuyendo. En 1994, había poco más de 1,5 millones de artesanos de cerámica en el país, cifra que se redujo a 50.000 en 2006. Esto hizo que los artesanos fueran casi inexistentes en algunos estados. La mayólica ya no se produce en Aguascalientes y el número de talleres en el estado de Guanajuato se ha reducido a la mitad en los últimos años. En las principales ciudades como Ciudad de México y Monterrey , sólo hay un puñado. Una de las razones de esto es que muchos productos artesanales están siendo reemplazados por artículos de peltre y plástico más baratos. Otra razón es que muchos de las áreas productoras de artesanía se han ido a trabajar a los Estados Unidos. [86]
Manos mágicas en el barro del Árbol de la Vida