Vincent van Gogh hizo muchas copias de obras de otras personas entre 1887 y principios de 1890, lo que puede considerarse arte de apropiación . [1] [2] Mientras estaba en el asilo Saint-Paul en Saint-Rémy-de-Provence , Francia, donde Van Gogh se internó, se esforzó por tener temas durante los fríos meses de invierno. Buscando revitalizarse artísticamente, Van Gogh hizo más de 30 copias de obras de algunos de sus artistas favoritos. Alrededor de veintiuna de las obras eran copias de Jean-François Millet o inspiradas en él . En lugar de replicar, Van Gogh buscó traducir los temas y la composición a través de su perspectiva, color y técnica. El significado espiritual y el consuelo emocional se expresaron a través del simbolismo y el color. Su hermano Theo van Gogh llamaría a las piezas de la serie algunos de sus mejores trabajos.
Durante los meses de invierno en Saint-Rémy, Van Gogh tuvo escasez de temas para su trabajo. Al residir en el asilo de Saint-Paul, no tenía la libertad que disfrutaba en el pasado, el clima era demasiado frío para trabajar al aire libre y no tenía acceso a modelos para sus pinturas. Van Gogh comenzó a copiar algunas de sus obras favoritas de otros, [3] [4] que se convirtieron en la fuente principal de su trabajo durante los meses de invierno. [5] La Piedad (según Delacroix ) marca el comienzo de una serie de pinturas que Van Gogh hizo a partir de artistas como Jean-François Millet , Honoré Daumier y Rembrandt . La obra de Millet, que influyó mucho en Van Gogh, ocupa un lugar destacado en esta serie. Le escribió a Theo sobre estas copias: "Empecé a hacerlas sin darme cuenta y ahora descubro que puedo aprender de ellas y que me dan una especie de consuelo. Entonces mi pincel se mueve entre mis dedos como un arco sobre las cuerdas de un violín, completamente para mi placer". [4]
Varias obras religiosas, como La Piedad, se incluyeron en la serie, excepciones notables en su obra . El asilo de San Pablo, ubicado en un antiguo monasterio, puede haber proporcionado parte de la inspiración para el tema específico. La devoción de las monjas a veces lo molestaba, pero encontró consuelo en la religión. Escribió: "No soy indiferente, y los pensamientos piadosos a menudo me consuelan en mi sufrimiento". [4]
El Museo Van Gogh afirma que Van Gogh pudo haberse identificado con Cristo "que también había sufrido y había sido incomprendido". También ofrecen la conjetura de algunos estudiosos sobre un parecido entre Van Gogh y el Cristo de barba roja de La Piedad y Lázaro en la copia de Rembrandt. Sin embargo, se desconoce si esta era o no la intención de Van Gogh. [4]
Émile Bernard , artista y místico católico , fue un amigo personal cercano de Van Gogh. Bernard influyó en Van Gogh artísticamente de varias maneras. Bernard delineó figuras en negro, replicando el aspecto de las imágenes xilográficas religiosas de la Edad Media . Esto dio como resultado una obra aplanada y más primitiva. Cuervos sobre el campo de trigo de Van Gogh es un ejemplo de cómo la forma simplificada de Bernard influyó en su trabajo. [6] Bernard también le enseñó a Van Gogh cómo manipular la perspectiva en su trabajo. Así como Van Gogh usó el color para expresar emociones, utilizó la distorsión de la perspectiva como un medio de expresión artística y un vehículo para "modernizar" su trabajo. [7]
Como demostración de la compartición de puntos de vista artísticos, Van Gogh pintó una copia en acuarela de un boceto hecho por Bernard de La mujer bretona . Van Gogh escribió a Bernard sobre un ideal utópico en el que los artistas trabajarían en cooperación, centrados en una idea común, para alcanzar alturas artísticas "más allá del poder del individuo aislado". A modo de aclaración, afirmó que eso no significaba que varios pintores trabajarían en el mismo cuadro, sino que cada uno crearía una obra que "no obstante pertenecería a la otra y se complementaría". La mujer bretona es uno de los muchos ejemplos de cómo Van Gogh y uno de sus amigos unieron sus temperamentos y habilidades únicos en una sola idea. [8]
Van Gogh le escribió a Bernard su obra Mujeres bretonas a Paul Gauguin : "Permítame dejar perfectamente claro que estaba deseando ver el tipo de cosas que hay en esa pintura suya que tiene Gauguin, esas mujeres bretonas caminando en un prado tan bellamente compuestas, el color con una distinción tan ingenua". [9] Gauguin hizo una obra, Mujeres bretonas en un perdón , que puede haberse inspirado en la obra de Bernard sobre mujeres bretonas. [10]
Van Gogh pintó una obra del grabado Hombre en el mar realizado por Virginie Demont-Breton , hija de Jules Breton . Su grabado fue exhibido en el Salón de 1889. [ 11] El cuadro representa, casi en su totalidad en tonos violeta, una escena pacífica de una madre sentada junto al fuego con su bebé en su regazo. [12]
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En 1882, Van Gogh comentó que Las cuatro edades de un bebedor, de Honoré Daumier, le parecía hermosa y conmovedora. [13]
Van Gogh escribió a su hermano Theo sobre la perspectiva artística y la humanidad de Daumier: "Lo que tanto me impresionó en ese momento fue algo tan fuerte y varonil en la concepción de Daumier, algo que me hizo pensar que debe ser bueno pensar y sentir así y pasar por alto o ignorar una multitud de cosas y concentrarse en lo que nos hace sentarnos y pensar y lo que nos toca como seres humanos de manera más directa y personal que los prados o las nubes". [14] Los talentos artísticos de Daumier incluían la pintura, la escultura y la creación de litografías. Era muy conocido por sus comentarios sociales y políticos. [15]
Van Gogh pintó Hombres bebiendo basándose en la obra de Daumier en Saint-Remy alrededor de febrero de 1890. [16]
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Van Gogh, inspirado por el libro La imitación de Cristo , que incluía una representación de Cristo como siervo sufriente, trabajó en repeticiones de La Piedad y El buen samaritano de Eugène Delacroix . En lugar de representar a "un Cristo triunfante en la gloria", retrató a Cristo en su período más peligroso y doloroso, su crucifixión y muerte. [17] En cuanto a la captura de las escenas de su obra religiosa de hace mucho tiempo, Van Gogh describió la perspectiva de Delacroix sobre cómo pintar las figuras religiosas históricas: "Eugène Delacroix, cuando pintó un Getsemaní, había estado antes para ver cómo era un olivar en el lugar, y lo mismo para el mar azotado por un fuerte mistral, y porque debió decirse a sí mismo, estas personas que conocemos de la historia, los dux de Venecia, los cruzados, los apóstoles, las mujeres santas, eran del mismo tipo y vivían de manera similar a sus descendientes actuales". [18]
La influencia de Delacroix ayudó a Van Gogh a desarrollarse artísticamente y a adquirir conocimientos sobre la teoría del color. A su hermano Theo le escribió: "Lo que más admiro de Delacroix... es que nos hace sentir la vida de las cosas y la expresión del movimiento, que domina absolutamente sus colores". [19]
La ronda de prisioneros (según Gustave Doré) fue realizada por Van Gogh en el asilo Saint-Paul en Saint-Rémy . Esta obra, al igual que las repeticiones de las obras de Eugène Delacroix y Rembrandt , evoca la sensación de aislamiento de Van Gogh, como un hombre encarcelado o moribundo. Aunque es triste, ofrece una sensación de consuelo. [22] En una carta a su hermano, Theo, Van Gogh mencionó que le resultó bastante difícil realizarla y Hombres bebiendo (según Daumier) . [16]
Tras el funeral de Van Gogh, Émile Bernard escribió sobre los estudios que rodeaban su ataúd: «En las paredes de la habitación donde fue colocado su cuerpo estaban colgados todos sus últimos lienzos formando una especie de halo para él y el brillo del genio que irradiaban de ellos hizo que esta muerte fuera aún más dolorosa para nosotros, los artistas que estábamos allí». Sobre la repetición de Doré, dijo: «Los convictos caminando en un círculo rodeados por altos muros de prisión, un lienzo inspirado por Doré de una ferocidad aterradora y que también es simbólico de su fin. ¿No era así la vida para él, una prisión alta como esta con muros tan altos, tan altos... y estas personas caminando sin fin alrededor de este pozo, no eran ellos los pobres artistas, las pobres almas condenadas que pasaban bajo el látigo del Destino?» [23]
Mientras vivía en Amberes, Van Gogh se familiarizó con los grabados en madera japoneses . En París, el grabado de Keisai Eisen apareció en la portada de mayo de 1886 de la revista Paris Illustré , lo que inspiró a Van Gogh a hacer La cortesana. [24] [25] El número de la revista estaba completamente dedicado a Japón . El autor japonés, Tadamasa Hayashi , que vivía en París, familiarizó a los parisinos con información sobre Japón. Además de proporcionar información sobre su historia, clima y artes visuales, Hayashi explicó cómo era vivir en Japón, como sus costumbres, religión, educación, religión y la naturaleza de su gente . [25]
Van Gogh copió y amplió la imagen. Creó un fondo amarillo brillante y un kimono colorido . Influenciado por otros grabados japoneses, añadió un "paisaje acuático" de bambú y nenúfares. Ranas y grullas, términos utilizados en la Francia del siglo XIX para referirse a las prostitutas, con un barco a lo lejos adornan el borde. [24]
A mediados del siglo XIX, Japón se abrió al comercio, poniendo el arte japonés a disposición de Occidente. [26] Las obras de los grabadores japoneses Hiroshige y Hokusai influyeron enormemente en Van Gogh, tanto por la belleza de la temática como por el estilo de patrones planos de colores, sin sombras. Van Gogh recopiló cientos de grabados japoneses y comparó las obras de los grandes artistas japoneses, como Hiroshige, con las de Rembrandt , Hals y Vermeer . Van Gogh exploró las diversas influencias, moldeándolas en un estilo que era exclusivamente suyo. [27] Las pinturas japonesas representan la búsqueda de serenidad de Van Gogh, que describe en una carta a su hermana durante este período: "Tener tanta de esta serenidad como sea posible, aunque uno sepa poco -nada- con certeza, es quizás un mejor remedio para todas las enfermedades que todas las cosas que se venden en la farmacia". [5] [28]
Hiroshige , uno de los últimos grandes maestros del Ukiyo-e , fue muy conocido por sus series de grabados de famosos monumentos japoneses. [29]
Se cree que El ciruelo en flor es la primera de tres pinturas al óleo que Van Gogh pintó a partir de las xilografías japonesas de Utagawa Hiroshige . Utilizó el color para emular el efecto de la tinta de la impresora, como el rojo y los verdes del fondo y el matiz verde de las flores blancas. Después de mudarse a Arles , Van Gogh le escribió a su hermana que ya no necesitaba soñar con ir a Japón, "porque siempre me digo a mí mismo que aquí estoy, en Japón". [30]
La lluvia vespertina en Atake y el grabado en madera del Gran Puente , de Utagawa Hiroshige , que tenía en su colección [31] , inspiraron a Van Gogh por su simplicidad. El chaparrón, por ejemplo, se transmite mediante líneas paralelas. Estas técnicas eran veneradas, pero también difíciles de ejecutar cuando se creaba el sello en madera para la impresión. Al hacer una pintura, las pinceladas de Van Gogh "suavizaban la audacia del grabado en madera japonés". [27] Las figuras caligráficas, tomadas de otros grabados japoneses, llenan el borde alrededor de la imagen. En lugar de seguir los patrones de color del grabado en madera original, utilizó colores brillantes o colores contrastantes. [31]
Van Gogh utilizó el tema y la composición de Jordaen para su interpretación de Vacas. Un artista posterior, Edward Hopper, también utilizó las Vacas de Jordaen como fuente de inspiración para su obra. [32] La pintura se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Lille en Francia. [33] Jan Hulsker señala que la pintura es un estudio de color de un grabado que el Dr. Gachet hizo de la pintura de Jordaen. [34]
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El " género campesino " que influyó mucho en Van Gogh comenzó en la década de 1840 con las obras de Jean-François Millet , Jules Breton y otros. En 1885, Van Gogh describió la pintura de campesinos como la contribución más esencial al arte moderno . Describió las obras de Millet y Breton como de significado religioso, "algo elevado". [35] Un denominador común en sus autores y artistas favoritos era el tratamiento sentimental de los indigentes y oprimidos. Exigía a los trabajadores un alto nivel de dedicación con el que debía abordar la pintura: "Uno debe emprender con confianza, con cierta seguridad de que está haciendo algo razonable, como el granjero que conduce su arado... (uno que) arrastra la grada detrás de sí. Si uno no tiene un caballo, uno es su propio caballo". Refiriéndose a la pintura de campesinos, Van Gogh le escribió a su hermano Theo : "¿Cómo podré alguna vez pintar lo que tanto amo?" [36]
El Museo Van Gogh dice lo siguiente sobre la influencia de Millet en Van Gogh: "Las pinturas de Millet, con sus representaciones sin precedentes de campesinos y sus labores, marcan un punto de inflexión en el arte del siglo XIX. Antes de Millet, las figuras de campesinos eran sólo uno de los muchos elementos de las escenas pintorescas o nostálgicas. En la obra de Millet, los hombres y mujeres individuales se volvían heroicos y reales. Millet fue el único artista importante de la Escuela de Barbizon que no estaba interesado en la pintura de paisajes 'pura'". [37]
Van Gogh pintó veintiún cuadros en Saint-Rémy que eran «traducciones» de la obra de Jean-François Millet . Van Gogh no pretendía que sus obras fueran copias literales de los originales. Hablando específicamente de las obras posteriores a Millet, explicó: «No se trata de una copia pura y simple, sino de una traducción a otro lenguaje, el de los colores, las impresiones del claroscuro y del blanco y el negro». [38] Hizo una copia de Las espigadoras (Des glaneuses) de Millet.
Theo le escribió a Van Gogh: "Las copias de Millet son quizás las mejores cosas que has hecho hasta ahora, y me inducen a creer que el día que empieces a pintar composiciones de figuras, podremos esperar grandes sorpresas". [39]
De Rembrandt, Van Gogh aprendió a pintar la luz en la oscuridad. La influencia de Rembrandt parecía estar presente una tarde de 1877 cuando Van Gogh caminaba por Ámsterdam. Escribió: "El suelo estaba oscuro, el cielo todavía iluminado por el resplandor del sol, que ya se había puesto, la hilera de casas y torres se destacaba en lo alto, las luces en las ventanas por todas partes, todo reflejado en el agua". Van Gogh encontró a Rembrandt particularmente hábil en su observación de la naturaleza y en expresar emociones con gran ternura. [49]
No está claro si Van Gogh estaba copiando obras específicas de Rembrandt para sus copias o el espíritu de las figuras que retrataba. Los ejemplos de los ángeles y Lázaro de Rembrandt se incluyen aquí con fines ilustrativos.
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En la versión de Van Gogh de La resurrección de Lázaro (según Rembrandt) , Cristo es representado simbólicamente a través del sol para evocar los poderes curativos de la fe. Cristo es además mencionado de dos maneras por el entorno y las circunstancias. Primero, milagrosamente, devolvió la vida a Lázaro. También predijo la muerte y resurrección de Cristo. [17] La pintura incluye a Lázaro muerto y a sus dos hermanas. Se utilizaron blanco, amarillo y violeta para Lázaro y la cueva. Una de las mujeres lleva un vestido verde vibrante y cabello naranja. La otra lleva un vestido verde y rosa a rayas y tiene cabello negro. Detrás de ellas está el campo azul y un sol amarillo brillante. [58]
En La resurrección de Lázaro (según Rembrandt) , Van Gogh recortó drásticamente la composición del grabado de Rembrandt y eliminó la figura de Cristo, centrándose así en Lázaro y sus hermanas. Se especula que en sus rostros se pueden detectar las semejanzas del artista y sus amigos Augustine Rouline y Marie Ginoux. [59] Van Gogh acababa de recuperarse de un largo episodio de enfermedad, y es posible que se haya identificado con el milagro de la resurrección bíblica, cuyas "personalidades son los personajes de mis sueños".
Pensé: ¡cuánto se puede hacer con una sola línea!
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