La música de la Unión Soviética se distinguió por su diversidad de géneros y épocas. La mayor parte de la música se consideraba parte de la cultura rusa , pero también otras culturas nacionales de las repúblicas de la Unión Soviética hicieron contribuciones significativas. El Estado soviético apoyaba a las instituciones musicales, pero también censuraba el contenido . Según Vladimir Lenin , "Todo artista, todo aquel que se considere artista, tiene derecho a crear libremente según su ideal, independientemente de todo. Sin embargo, somos comunistas y no debemos quedarnos de brazos cruzados y dejar que el caos se desarrolle a su antojo. Debemos guiar sistemáticamente este proceso y dar forma a su resultado". [1]
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La música clásica de la Unión Soviética se desarrolló a partir de la música del Imperio ruso . Evolucionó gradualmente a partir de los experimentos de la era revolucionaria, como las orquestas sin directores, hacia el clasicismo que favoreció el gobierno de Iósif Stalin .
Los patriarcas musicales de la época fueron Prokofiev , Shostakovich y Aram Khachaturian . Con el tiempo, una ola de compositores soviéticos más jóvenes, entre ellos Georgy Sviridov , Tikhon Khrennikov y Alfred Schnittke , lograron abrirse paso.
Muchos músicos de la era soviética se han establecido como artistas líderes mundiales: los violinistas David Oistrakh , Leonid Kogan , Gidon Kremer , Viktor Tretiakov y Oleg Kagan ; los violonchelistas Mstislav Rostropovich , Daniil Shafran y Natalia Gutman ; el violista Yuri Bashmet ; los pianistas Sviatoslav Richter , Emil Gilels y muchos otros músicos.
Después de que Joseph Stalin logró expulsar a León Trotsky del Comité Central en 1927, muy pronto cortó las conexiones con Occidente y estableció un estado aislacionista [ cita requerida ] . Stalin rechazó la cultura occidental y sus "principios burgueses", ya que no estaban de acuerdo con las políticas del Partido Comunista Soviético o la clase trabajadora. La Asociación de Músicos Contemporáneos (ACM), una facción de músicos soviéticos más progresistas, que había prosperado gracias a la exposición a Occidente durante los años de la NEP, se disolvió rápidamente sin el apoyo del estado obrero. Los antiguos miembros de la ACM se unieron a la Asociación Rusa de Músicos Proletarios (RAPM). La RAPM, compuesta por "proletarios reaccionarios", se oponía a los ideales de la música occidental, buscando en cambio fomentar la música tradicional rusa. [2] Se produjo un conflicto entre reaccionarios y progresistas (antiguos miembros de la ACM) dentro de la RAPM. Aunque el Partido Comunista apoyó a los reaccionarios, no actuó directamente para resolver el conflicto; la atención del partido durante este período se centró en cambio en el desarrollo económico de la Unión Soviética . [3] En 1932, la RAPM se disolvió en favor de una nueva organización: la Unión de Compositores Soviéticos (USC).
El año 1932 marcó un nuevo movimiento cultural del nacionalismo soviético. [4] El partido llevó adelante su agenda a través de la recién fundada Unión de Compositores Soviéticos, una división del Ministerio de Cultura . Los músicos que esperaban obtener el apoyo financiero del Partido Comunista estaban obligados a unirse a la USC. Se esperaba que los compositores presentaran nuevas obras a la organización para que fueran aprobadas antes de su publicación. La USC declaró que este proceso tenía como objetivo guiar a los jóvenes músicos hacia carreras exitosas. Así, a través de la USC, el Partido Comunista pudo controlar la dirección de la nueva música.
Stalin aplicó la noción de realismo socialista a la música clásica. Maxim Gorky introdujo por primera vez el realismo socialista en un contexto literario a principios del siglo XX. El realismo socialista exigía que todos los medios artísticos transmitieran las luchas y los triunfos del proletariado. Era un movimiento inherentemente soviético: un reflejo de la vida y la sociedad soviéticas. [5] Se esperaba que los compositores abandonaran el progresismo occidental en favor de melodías simples, tradicionales rusas y soviéticas. En 1934, Prokofiev escribió en su diario sobre la necesidad compositiva de una "nueva simplicidad", un nuevo lirismo que creía que sería una fuente de orgullo nacional para el pueblo soviético. Pedro y el lobo es una buena ilustración del tipo de consonancia que existía entre la visión artística de Prokofiev y los ideales soviéticos. [6] Además, la música sirvió como un poderoso agente de propaganda, ya que glorificaba al proletariado y al régimen soviético. La grandeza de Stalin se convirtió en un tema de innumerables canciones soviéticas, una tendencia que intentó detener en más de una ocasión. [7] Los ideales comunistas y la promoción del partido fueron así los fundamentos de este movimiento cultural.
La ópera Tikhii Don de Ivan Dzerzhinsky , compuesta en 1935, se convirtió en el modelo del realismo socialista en la música. Al ver la ópera, el propio Stalin elogió la obra, ya que presentaba temas de patriotismo al tiempo que utilizaba melodías simples y revolucionarias. [8] Los compositores escribían para un público proletario; Tikhii Don de Dzerzhinsky cumplió con esta expectativa. Por otro lado, la ópera de Shostakovich, Lady Macbeth del distrito de Mtsensk , interpretada por primera vez en 1934, resultó un desastre para el prodigioso compositor. Aunque la obra de Shostakovich fue inicialmente bien recibida por la crítica, Stalin y el Partido Comunista encontraron que los temas de la ópera de una "mentalidad rusa presocialista, pequeñoburguesa" eran totalmente inapropiados. [9] Pravda , un periódico patrocinado por el estado, criticó duramente la ópera de Shostakovich. Por lo tanto, estas dos óperas proporcionaron a los compositores una indicación de la dirección que el Partido Comunista planeaba para llevar la música soviética. La música soviética debería haber sido una música que el trabajador común pudiera entender y de la que pudiera enorgullecerse. Esto marcó un cambio radical en la política del partido respecto de las libertades irrestrictas de los primeros años soviéticos.
La invasión nazi de la Unión Soviética en junio de 1941 dejó atónitas a las fuerzas soviéticas, que no estaban preparadas para ello. La administración de Stalin se vio obligada a reaccionar rápidamente y a dedicar todos sus recursos al esfuerzo bélico. Como resultado, la música soviética experimentó una relajación de las restricciones a la expresión. Este período supuso una ruptura con las políticas de la década de 1930. El Partido Comunista, al estar aliado con varias potencias occidentales, se centró en la propaganda patriótica en lugar de la retórica antioccidental. Con una conexión restaurada con Occidente, la música soviética experimentó una nueva ola de progresismo y experimentación. [10]
Los compositores respondieron a sus nuevas libertades con música cargada de temas de patriotismo y triunfo militar. La música de guerra presentó un resurgimiento de grandes obras sinfónicas en comparación con las simplistas "óperas-canción" (como Tikhii Don) de la década de 1930. [10] Sergei Prokofiev, Nikolai Myaskovsky , Aram Khachaturian y Shostakovich compusieron sinfonías de guerra. La música de cámara , un género que había caído en desgracia en la década anterior, también se revitalizó. La música de guerra tenía como objetivo levantar la moral soviética tanto en casa como en el frente de batalla, y tuvo éxito, especialmente cuando el ejército soviético comenzó a ganar impulso contra los nazis en 1942. [11]
Tras el fin de la guerra, el Partido Comunista se reorientó hacia el aislacionismo y el control cultural. Stalin nombró a Andréi Zhdánov en 1946 para llevar a cabo este retorno a las políticas de la década de 1930. El zhdanovismo significó un nuevo énfasis en el realismo socialista, así como en el sentimiento antioccidental. [12] El Partido Comunista volvió a alentar a los compositores a incorporar temas de la Revolución rusa , así como melodías nacionalistas. Zhdánov castigó a los compositores de forma individual, en particular a Prokófiev y Shostakóvich, por abrazar los ideales occidentales durante la guerra. Tikhon Khrennikov , mientras tanto, fue nombrado jefe de la Unión de Compositores Soviéticos. Khrennikov se convertiría en una de las figuras más despreciadas entre los músicos soviéticos, ya que la USC adoptó un papel más importante en la censura. [13]
La reacción a las restricciones del Partido Comunista varió según las diferentes generaciones de compositores. La generación más joven se esforzó en gran medida por adaptarse, aunque la música que producían era simplista y de estructura simple. [13] Desesperados por encontrar melodías aceptables, los compositores incorporaron melodías populares a su música. Algunos compositores, incluidos Prokofiev y Shostakovich, recurrieron a la música cinematográfica . Shostakovich, entre otros, retuvo sus obras más expresivas y quizás controvertidas hasta después de la muerte de Stalin. [14] Shostakovich fue honrado por Stalin y los soviéticos por su brillante música, a pesar de que a Stalin no le gustaba la dirección que tomaba parte de su música. Las complejas estructuras tonales y los temas progresivos que prevalecieron durante la guerra desaparecieron lentamente. [13] Los años posteriores a la guerra y anteriores al deshielo cultural bajo Nikita Khrushchev marcaron así un rápido declive de la música soviética.
El ascenso al poder de Nikita Khrushchev en 1953 inauguró un período de liberalización moderada en la cultura soviética, a menudo denominado el "deshielo de Khrushchev" . Este período marcó el fin de las persecuciones antiformalistas de finales de la década de 1940 y principios de la de 1950. Los compositores que habían caído en desgracia durante los últimos años de Stalin volvieron a la luz pública, y se volvieron a interpretar piezas que anteriormente se habían considerado inadecuadas para su presentación en público por su heterodoxia. Muchas de las primeras obras prohibidas de Dmitri Shostakovich, incluida su primera ópera y sus sinfonías, fueron rehabilitadas durante el mandato de Khrushchev. [15] Músicos occidentales como Leonard Bernstein y Glenn Gould también realizaron giras por la Unión Soviética por primera vez a finales de la década de 1950. [16]
La administración de Jruschov también solidificó la posición de la Unión de Compositores Soviéticos (USC) como la autoridad administrativa dominante sobre el patrocinio estatal de la música clásica, un proceso que comenzó durante los últimos años de Stalin. [17] Tikhon Khrennikov, compositor de profesión, dirigió la USC de 1948 a 1991 como uno de los únicos designados políticos de la era de Stalin que permaneció en el poder hasta el colapso de la Unión Soviética en 1991. La USC de Khrennikov intentó activamente deshacer las políticas de Zhdanovischina , la campaña de pureza ideológica emprendida por el segundo al mando de Stalin, Andrei Zhdanov, de 1946 a 1948. En 1958, Khrennikov persuadió a Jruschov para que rehabilitara oficialmente a muchos de los artistas acusados en la "Resolución sobre la música del Comité Central del Partido Comunista" de Zhdanov de 1948, un documento que censuraba a los compositores cuya música no lograba realizar suficientemente la estética realista socialista. [18]
El deshielo de Jruschov proporcionó una mayor autonomía artística a los compositores y músicos soviéticos, pero no puso fin a la participación del Estado en la producción de música clásica. Aunque la Unión de Compositores Soviéticos (USC) rara vez respaldaba el encarcelamiento directo de compositores no ortodoxos, a menudo bloqueaba el patrocinio estatal para compositores que consideraba poco representativos de la posición ideológica del Partido Comunista. [16] El Partido Comunista siguió oponiéndose a las técnicas desarrolladas por los compositores modernistas occidentales, especialmente la armonía atonal y el serialismo . Por ejemplo, compositores serialistas como Arnold Schoenberg y Anton Webern no estaban incluidos en el plan de estudios oficial de música soviética de finales de los años cincuenta y principios de los sesenta, incluido el del principal Conservatorio de Moscú. [19] A lo largo de la década de 1960, estas técnicas se introdujeron gradualmente en el vocabulario musical soviético: en 1971, incluso Jrennikov, la encarnación del establishment musical soviético, empleó una melodía serialista de doce tonos en su Concierto para piano n.º 2 en do mayor. [15]
La postura conservadora hacia la introducción de nuevas técnicas en el repertorio musical fue sólo una rama de la estética del " realismo socialista ". Además de su adhesión general a las normas estilísticas de finales del siglo XIX y principios del XX, el realismo socialista en la música clásica soviética se expresó como un enfoque heroico en la vida de la clase trabajadora y la iconografía revolucionaria soviética. [20] La Cantata para el vigésimo aniversario de la Revolución de Octubre de Sergei Prokofiev es la composición realista socialista prototípica, escrita en 1937 pero no interpretada hasta 1966. La cantata de Prokofiev romantiza los acontecimientos del ascenso bolchevique al poder, con un libreto extraído de los escritos de los héroes socialistas Marx, Lenin y Stalin. [21] Las Canciones de Kursk de 1964 de Georgy Sviridov también encarnan la estética realista socialista. El ciclo de canciones de Sviridov describe escenas pastorales de la vida campesina en Kursk, la ciudad natal del compositor, adoptando melodías y estilos populares de Rusia occidental. [22]
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La música de Dmitriy Shostakovich definió el estilo dominante de la música clásica soviética para las generaciones posteriores de compositores soviéticos. [23] Aunque Shostakovich había caído en desgracia ante el Partido tras su denuncia por parte de Zhdanov a finales de los años 1940, su estatus como el principal compositor soviético se restableció gradualmente a través del Deshielo de Jruschov hasta su muerte en 1975. La USC bajo Jrennikov favoreció el dominio de Shostakovich de las formas clásicas convencionales, manteniendo sus 15 sinfonías monumentales junto con las obras de maestros presoviéticos como Gustav Mahler como ejemplos a seguir para los jóvenes compositores soviéticos. [16] La idolatría del Partido por los maestros clásicos como Shostakovich contrastaba deliberadamente con su desdén por los compositores experimentales que evitaban las normas clásicas tradicionales. Varios compositores soviéticos destacados han sido descritos como discípulos de Shostakovich, incluido Georgy Svirdov. Su influencia afectó a la obra de casi todos los compositores de la era posterior a Stalin, quienes se adhirieron al lenguaje musical que él creó o reaccionaron contra él. [23]
Tras el fin de las persecuciones de la era de Stalin, un nuevo grupo de compositores de vanguardia soviéticos se desarrolló en paralelo al establishment musical dominante, patrocinado por el Estado. La fundación de la tradición experimental soviética a menudo se remonta al compositor Andrey Volkonsky . En 1954, Volkonsky fue expulsado del Conservatorio de Moscú por su estilo poco ortodoxo de composición y su enfoque indiferente a sus estudios. [24] A pesar de su abandono por parte del establishment musical soviético, Volkonsky continuó escribiendo música. En 1956, pasó a componer Musica Stricta , una obra para piano solo generalmente reconocida como el primer uso del serialismo dodecafónico en la música clásica soviética. [25]
La experimentación de Volkonsky a finales de los años 1950 y principios de los 1960 finalmente inspiró a más músicos a rebelarse contra las restricciones que hasta entonces habían gobernado la composición clásica soviética. Esta nueva generación de vanguardistas incluyó a compositores como Edison Denisov , Sofia Gubaidulina , Alfred Schnittke y Arvo Pärt . Cada compositor contribuyó con sus propias innovaciones únicas. Denisov continuó la exploración de Volkonsky de las técnicas serialistas, [19] mientras que Gubaidulina incorporó temas religiosos previamente inaceptables en su música. [26] Pärt expresó su espiritualidad con su estilo musical austero y minimalista. [27] Schnittke se hizo conocido por sus composiciones poliestilísticas, que a menudo incorporaban simultáneamente varios estilos y temas conflictivos, difuminando las distinciones estáticas entre géneros. [28]
En 1979, Khrennikov denunció públicamente a Denisov y otros compositores experimentales en un discurso público ante el sindicato de compositores, y ataques similares surgieron en medios patrocinados por el estado como Pravda . [18] A pesar de enfrentar una clara oposición en el Partido Comunista, el prestigio de la vanguardia soviética solo creció tanto en el país como en el extranjero. En abril de 1982, el Conservatorio de Moscú celebró un concierto con obras de Denisov, Gubaidulina y Schnittke. Antes de este evento histórico, las obras de la vanguardia habían sido prohibidas en las principales salas de conciertos de Moscú y Leningrado. [15] Desde este punto en adelante, hasta el colapso de la Unión Soviética en 1991, el lugar de los compositores experimentales fue reconocido a regañadientes por el establishment musical soviético.
En 1929, Nikolai Obukhov inventó la "cruz sonora" (la croix sonore), comparable al principio del theremin . [29] En la década de 1930, Nikolai Ananyev inventó el "sonar", y el ingeniero Alexander Gurov — neoviolena, I. Ilsarov — ilston., [30] A. Rimsky-Korsakov y A. Ivanov — emiriton . [29] El compositor e inventor Arseny Avraamov se dedicó al trabajo científico sobre la síntesis de sonido y realizó una serie de experimentos que luego formarían la base de los instrumentos electromusicales soviéticos. [31]
En 1956, Vyacheslav Mescherin creó el Ensamble de instrumentos electromusicales , que utilizaba theremines, arpas eléctricas, órganos eléctricos, el primer sintetizador de la URSS "Ekvodin", [29] y también creó la primera máquina de reverberación soviética. El estilo en el que tocaba el conjunto de Meshcherin se conoce como " pop de la era espacial ". [31] En 1957, el ingeniero Igor Simonov montó un modelo funcional de una grabadora de ruido (electroeolifón), con cuya ayuda era posible extraer varios timbres y consonancias de naturaleza de ruido. [29] En 1958, Evgeny Murzin diseñó el sintetizador ANS , uno de los primeros sintetizadores musicales polifónicos del mundo.
A finales de los años 60 del siglo XX, en la URSS aparecieron grupos musicales que interpretaban música electrónica ligera . A nivel estatal, esta música empezó a utilizarse para atraer turistas extranjeros al país y para su difusión en el extranjero. [32]
Fundado por Murzin en 1966, el Estudio de Música Electrónica Experimental de Moscú se convirtió en la base para una nueva generación de experimentadores: Eduard Artemyev , Alexander Nemtin , Sándor Kallós , Sofia Gubaidulina , Alfred Schnittke y Vladimir Martynov . [29] [31] Las Repúblicas Soviéticas del Báltico también tuvieron sus propios pioneros: en la República Socialista Soviética de Estonia , Sven Grunberg ; en la República Socialista Soviética de Lituania , Gedrus Kupriavicius; en la República Socialista Soviética de Letonia , Opus y Zodiac . [31]
A mediados de la década de 1970, el compositor Alexander Zatsepin diseñó una "orquesta", una modificación del mellotrón. [33] El trabajo de Zetsepin para la película animada El misterio del tercer planeta se convirtió en un clásico de culto y a menudo se lo describe como un hito en la música electrónica soviética. [34] [35]
En 1985, " Melodiya ", junto con el Comité de Deportes de la URSS , lanzó una serie de discos "Deporte y Música", diseñados en estilo de música electro y chiptune . [36]
Las bandas sonoras de películas produjeron una parte significativa de las canciones populares soviéticas/rusas de la época, así como música orquestal y experimental. Durante la década de 1930, Sergei Prokofiev compuso bandas sonoras para películas de Sergei Eisenstein , como Alexander Nevsky , y también bandas sonoras de Isaak Dunayevsky que abarcaban desde piezas clásicas hasta jazz popular. Entre los pioneros de la electrónica soviética se encontraba el compositor ambiental de la década de 1970 Eduard Artemyev , mejor conocido por sus bandas sonoras para películas de ciencia ficción de Tarkovski . Muchas películas producidas en la Unión Soviética eran de naturaleza patriótica y la música de dichas películas también tenía un tono positivo de orgullo soviético, incorporando aspectos de la música folclórica y otras influencias musicales rusas, además de las influencias de las comunidades étnicas que componían las otras 14 repúblicas del estado federal.
El Ejército Rojo es el más fuerte y el Himno Nacional de la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas se utilizan en la película Ejército Rojo de 2014. La versión original del himno antes de la desestalinización se utilizó en la película Rocky IV de 1985 .
El Ejército Rojo es el más fuerte se interpretó en la primera escena del primer episodio de la tercera temporada de Stranger Things . Se interpretaron las dos primeras líneas y luego las ocho últimas. Fue cantada por el Coro del Ejército Rojo . La canción se reutilizó en el primer episodio de la cuarta temporada de Stranger Things.
La música popular durante los primeros años del período soviético era esencialmente música rusa. Una de las canciones más conocidas, "Katyusha" de Matvei Blanter, se acerca a las estructuras melódicas, rítmicas y armónicas de las canciones románticas rusas del siglo XIX. [37] Fue una adaptación de motivos folclóricos al tema de los soldados en tiempos de guerra. [38]
Muchas de las canciones más interpretadas en la Rusia soviética provienen del movimiento revolucionario internacional de finales del siglo XIX y principios del XX. Un ejemplo notable es la canción " Varshavianka ", que se originó en Polonia y se popularizó con la Revolución rusa. La canción se caracteriza por un ritmo intenso y llama a "A la batalla sangrienta, santa y justa". También estaba la canción "La bandera roja" (Красное Знамя) que se originó en Francia. Una de las canciones más conocidas es "Con valentía, camaradas, al paso" (Смело, товарищи, в ногу) y la marcha fúnebre "Caíste víctima" (Вы жертвою пали). [39]
En la década de 1930, las canciones de las bandas sonoras de películas, incluidas las marchas, se volvieron muy populares. Entre ellas se encuentran If Tomorrow Brings War (Si mañana trae guerra) (Если завтра война) y Three Tankmen (Tres tanquistas) (Три Танкиста) de los hermanos Pokrass y Tachanka (Tachanka ) de Listov , que tienen temas patrióticos. [40]
En la musicología soviética oficial, «la música soviética constituye una etapa cualitativamente nueva en el desarrollo de las artes musicales». Se basaba en los principios del realismo socialista y se formó bajo el control y patrocinio directos del Estado soviético y del Partido Comunista de la Unión Soviética . [41]
Las principales categorías reconocidas por la musicología soviética dentro del género de la canción soviética fueron la canción de masas , la "canción de escena" ( estradnaya pesnya ) y la "canción cotidiana" ( bytovaya pesnya ). [42]
Las canciones de misa eran generalmente, aunque no todas, compuestas como marchas por compositores y escritores, la mayoría para canto coral, y algunas compuestas para cantantes individuales. Por lo general, estas canciones son de carácter optimista o heroico, con temas ideológicos o históricos escritos. Entre ellas se encuentran las bandas sonoras de varias películas, series y películas para televisión.
Entre las canciones catalogadas como cotidianas se encontraban las canciones folclóricas.
La música jazz fue introducida al público soviético por Valentin Parnakh en la década de 1920. El pianista Alexander Tsfasman , el cantante Leonid Utyosov y el compositor de bandas sonoras para películas Isaak Dunayevsky ayudaron a su popularidad, especialmente con la popular película de comedia Jolly Fellows que incluía una banda sonora de jazz. Eddie Rosner , Oleg Lundstrem , Coretti Arle-Titz y otros contribuyeron a la música jazz soviética.
A finales de los años 40, durante las campañas "anti-cosmopolitismo", la música jazz sufrió una opresión ideológica, ya que se la tildó de música " burguesa ". Muchas bandas se disolvieron y las que quedaron evitaron ser etiquetadas como bandas de jazz.
En la década de 1950, las revistas y discos de jazz samizdat underground se volvieron más comunes para difundir literatura y música musical. [43]
Sin embargo, a principios de los años 60, durante el "deshielo de Jruschov", el jazz soviético experimentó un pequeño resurgimiento. Más información:
En los años 70, la escena del jazz-rock comenzó a evolucionar. Arsenal , fundada por Aleksei Kozlov , se considera el conjunto de fusión de jazz-rock más destacado de la URSS. [44] [45] [46]
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En la época soviética, el término "artistas de la estrada" se aplicaba generalmente a los intérpretes de música popular tradicional (aunque el término actual de "estrada" es mucho más amplio) acompañados por orquestas sinfónicas (con ocasionales coros de acompañamiento). Interpretaban canciones escritas por compositores y poetas/compositores profesionales. Las canciones estaban diseñadas para la destreza vocal, tenían melodías claras y pegadizas, y el acompañamiento tenía un papel secundario. Por lo tanto, en la estrada soviética predominaban los cantantes solistas con buenas habilidades vocales, que no tocaban el instrumento y escribían su propio repertorio. Las canciones interpretadas por estos cantantes constituyen el género de la canción escénica en la Unión Soviética.
Entre los artistas del primer período se encontraban Leonid Utesov (también uno de los pioneros del jazz soviético), Mark Bernes , Lyubov Orlova , Coretti Arle-Titz , Klavdiya Shulzhenko y Rashid Behbudov . Entre los muchos artistas del deshielo de Jruschov y la era del estancamiento estaban Yuri Gulyaev , Larisa Mondrus , Aida Vedishcheva , Tamara Miansarova , Lidia Klement , Eduard Khil , Maria Pakhomenko , Edita Piekha , Vladimir Troshin , Maya Kristalinskaya , Vadim Mulerman , Heli Lääts , Uno Loop , Anna German , Valery Obodzinsky , Joseph Kobzon , Muslim Magomayev , Valentina Tolkunova , Lyudmila Zykina , Lev Leshchenko , Lyudmila Senchina , Sofia Rotaru , Alla Pugacheva , Valery Leontiev y Sergei Zakharov , todos ellos graduados de cursos de música en universidades y conservatorios. Las canciones de estos artistas a menudo se incluyen en las bandas sonoras de películas y dramas de televisión, películas para televisión y miniseries, y viceversa, porque las canciones de bandas sonoras de películas y televisión a menudo se incluyen y se incluyen en el repertorio de los artistas de еstrada.
Como la música popular tradicional era la principal dirección oficial de la estrada soviética, estaba sujeta a una censura particularmente rigurosa. Por lo general, las canciones eran compuestas por miembros de la Unión de Compositores (los más famosos entre ellos eran Aleksandra Pakhmutova , Vasily Solovyov-Sedoi , Tikhon Khrennikov , David Tukhmanov , Raimonds Pauls , Yevgeny Krylatov , etc.) y las letras de las canciones eran escritas por poetas y compositores profesionales y confiables que también eran miembros de la USC ( Mikhail Matusovsky , Vasily Lebedev-Kumach , Nikolai Dobronravov , Robert Rozhdestvensky , Mikhail Tanich , Leonid Derbenyov , Yuri Entin , Ilya Reznik , Grigore Vieru ). Todo esto se define como las altas exigencias en el material y los estrechos límites de la creatividad, especialmente en lo lírico. Las canciones de calle de aquella época trataban sobre todo de amor, de la naturaleza o de patriotismo, ideología, historia y orgullo nacional.
En la década de 1960 surgió el movimiento VIA (Vocalno-instrumentalny ansambl, conjunto vocal e instrumental). Los VIA eran bandas producidas por el estado de músicos profesionales con formación en conservatorios, que a menudo interpretaban canciones escritas para ellos por compositores profesionales y escritores de la Unión de Compositores, como Aleksandra Pakhmutova , Yan Frenkel y Raimonds Pauls . Entre las bandas y vocalistas más notables de VIA se encontraban Pesniary , una banda folk de Bielorrusia; Zemlyane , Poyushchiye Gitary , Yuri Antonov con Arax y Stas Namin con Tsvety .
Para abrirse paso en el mainstream de los medios estatales soviéticos, cualquier banda debería haberse convertido en una VIA oficialmente reconocida. Cada VIA tenía un director artístico (художественный руководитель) que actuaba como representante, productor y supervisor estatal. En algunas bandas, como Pesniary, el director artístico era también el miembro principal y compositor de la banda.
Los VIA soviéticos desarrollaron un estilo específico de música pop. Interpretaban música orientada a los jóvenes, pero oficialmente aprobada para la radio. Una mezcla de tendencias occidentales y soviéticas de la época, VIA combinaba canciones tradicionales con elementos de rock , disco y new wave . A menudo se usaban instrumentos de música folclórica, así como keytars . Muchos VIA tenían hasta diez miembros, incluidos varios vocalistas y multiinstrumentistas, que rotaban constantemente.
Debido a la censura estatal, las letras de los álbumes VIA solían ser " aptas para toda la familia ". Los temas típicos de las letras eran emociones como el amor, la alegría y la tristeza. Muchos grupos también elogiaban la cultura nacional y el patriotismo, especialmente los de las minorías nacionales de las pequeñas repúblicas soviéticas.
El movimiento de cantautores de la Unión Soviética está profundamente arraigado en las canciones folclóricas amateurs interpretadas por estudiantes, turistas y geólogos itinerantes. [ cita requerida ] Se volvió muy popular en la década de 1960 y a veces se consideró como una alternativa a las VIA oficiales. Las características musicales del género consisten en partes simples y fácilmente repetibles, generalmente tocadas por un solo guitarrista acústico que canta simultáneamente. Entre los cantautores, denominados "bardos", los más populares fueron Bulat Okudzhava , Vladimir Vysotsky , Yuri Vizbor , Sergey Nikitin y Tatyana Nikitina . Las letras desempeñaron el papel más importante en la música de los bardos, y los bardos eran más como poetas que músicos.
La música rock llegó a la Unión Soviética a finales de los años 1960 con la Beatlemanía , y muchas bandas de rock surgieron durante los años 1970, como Mashina Vremeni , Aquarium y Autograph . El rock ruso se construyó en gran medida sobre la música rock de Europa occidental y estadounidense con una fuerte influencia de la música de bardo . A diferencia de las VIA, a estas bandas no se les permitió publicar su música y permanecieron en la clandestinidad. Magnitizdat era la única forma de distribución. Se considera ampliamente que la "edad de oro" del rock ruso ocurrió durante la década de 1980 , [47] cuando se mitigó la censura, se abrieron clubes de rock en Leningrado y Moscú , y los festivales de rock se volvieron legales. Durante la Perestroika , el rock ruso se convirtió en la corriente principal. [48] Las bandas populares de este período de tiempo incluyeron a Kino , Alisa , Aria , DDT , Nautilus Pompilius , Grazhdanskaya Oborona y Gorky Park . La new wave y el post-punk también fueron tendencias en el rock ruso de los años 80.
Desde el fin de la Guerra Fría y la inclusión de Rusia en la cultura pop, la música rusa también se ha incluido en muchos juegos, siendo el más notable el tema del Tetris . La introducción de canciones rusas en los medios también trajo consigo música de fondo, incluida "Glory to Arstotzka" [49] del videojuego de 2014, Papers, Please .