Cine remodernista desarrollado en Estados Unidos y el Reino Unido a principios del siglo XXI con ideas relacionadas con las del movimiento artístico internacional Stuckismo y su manifiesto, el Remodernismo . Las figuras clave son Jesse Richards y Peter Rinaldi .
El 27 de agosto de 2008, Jesse Richards publicó un Manifiesto cinematográfico remodernista de 15 puntos, en el que pedía una "nueva espiritualidad en el cine", el uso de la intuición en la realización cinematográfica y describía el cine remodernista como un "cine despojado, minimalista, lírico y punk". El punto 4 dice:
Las ideas japonesas de wabi-sabi (la belleza de la imperfección) y mono no awareness (la conciencia de la fugacidad de las cosas y los sentimientos agridulces que acompañan su paso), tienen la capacidad de mostrar la verdad de la existencia, y siempre deben considerarse al hacer una película remodernista.
También hay varias declaraciones polémicas en el manifiesto que critican a Stanley Kubrick , a los cineastas que filman en video digital, así como a Dogma 95. [ 3] En diciembre de 2008, la revista de cine turca Bakiniz tradujo el manifiesto al turco y poco después la revista polaca Red lo tradujo al polaco. [4]
La escuela remodernista aboga por un retorno a lo que considera el significado emocional y espiritual en el cine, así como por un énfasis en nuevas ideas de estructura narrativa y subjetividad. Elementos del cine de la No Wave , [5] la Nouvelle Vague francesa , el cine punk , el cine expresionista , espiritual y trascendental, así como las ideas de Antonin Artaud sobre el teatro de la crueldad ayudaron a conducir a este nuevo movimiento cinematográfico. [6] Defienden las obras de Andréi Tarkovski , Yasujirō Ozu , Robert Bresson , Jean Rollin , Michelangelo Antonioni , Jean Vigo , Amos Poe , Jean Epstein y Nicholas Ray , entre otros, así como la película Satantango de Béla Tarr y Ave María de Jean-Luc Godard . [6] [7]
La idea del Stuckismo en relación con la cinematografía y la fotografía surgió en 2001, cuando Jesse Richards y Nicholas Watson empezaron a publicar sus trabajos como The New Haven Stuckists Film Group. El 8 de marzo de 2008, su película Shooting at the Moon se estrenó en Londres en el Horse Hospital durante el evento FLIXATION Underground Cinema Club. Remodernist Film and Photography fue fundada por Richards y Smith en 2004.
Entre las películas consideradas posteriormente como remodernistas se encuentran Youngblood (1995) de Harris Smith , Shooting at the Moon (1998-2003) de Jesse Richards y Nicholas Watson , y Medway Bus Ride (1999) de Wolf Howard . [4]
Amos Poe es parte del movimiento, [8] [9] del cual dijo que era "solo un grupo de niños". [8] Dijo en 2008:
A finales de agosto de 2009, Jesse Richards creó una Alianza Internacional de Cineastas Remodernistas con el fin de promover el debate y la colaboración entre quienes seguían el manifiesto. Entre los cineastas se encuentran Jesse Richards , Harris Smith , Christopher Michael Beer, Dmitri Trakovsky, Kate Shults, Peter Rinaldi y Khurrem Gold de Estados Unidos, Roy Rezaali de Holanda, Rouzbeh Rashidi de Irán y Dean Kavanagh de Irlanda. [10]
En octubre de 2009, con la intención de "desarrollar y explicar aún más los conceptos cinematográficos remodernistas", se publicaron una serie de artículos de Jesse Richards , Peter Rinaldi y Roy Rezaali en la revista MungBeing. [11]
Richards dijo que "el remodernismo rechazó al posmodernismo por su 'incapacidad para responder o abordar cualquier cuestión importante de ser un ser humano'", y que el remodernismo "se trata de buscar la verdad, establecer conexiones significativas" y "abordar la sombra". [12]
En su ensayo Conceptos y oficio en el cine remodernista , Richards dijo que el oficio cinematográfico remodernista "abarca al aficionado", implica la idea de que los cineastas "se enseñen a pintar cuadros, a intentar actuar en sus propias películas y en las de otros (especialmente si son tímidos), a ser modelos desnudos para otros artistas, a meditar, a adorar si son religiosos, a hacer cosas que afecten sus niveles de conciencia, a intentar cosas que los pongan nerviosos o incómodos, a salir y a involucrarse en la vida, a encontrar aventuras, a saltar al océano. Creo que esa es la exploración del oficio". [13]
El artículo explica las diferencias entre el cine modernista, posmodernista y remodernista, describiendo a Robert Bresson y Andrei Tarkovsky como "cineastas remodernistas tempranos", y menciona películas que enfatizan los "pequeños momentos", incluida la película de Béla Tarr Satantango , "... cada momento de la película Satantango es un buen ejemplo de este tipo de exploración de "momentos": la película comienza con una toma de diez minutos que sigue a las vacas que salen de un establo y deambulan por un colectivo agrícola en decadencia. Este tipo de momentos son prácticamente ignorados en la mayoría de los ejemplos de cine moderno, y eso es algo terrible, terrible".
Richards dice del cine remodernista:
Creo que la manera más eficaz de hacer una obra realmente subjetiva y auténtica es "abordar la sombra" (como lo han descrito Billy Childish y Charles Thomson). ¿Qué significa esto exactamente? Puede significar que estás realmente obsesionado con el vello púbico, o que te avergüenza una discapacidad física o mental que intentas ocultar, o que, como Billy Childish, sufriste abusos cuando eras niño. Estas cosas, estas "sombras" que escondemos en nuestro interior, necesitan ser sacadas a la luz del día, en nuestras películas, en nuestro trabajo, en nuestra poesía. [6]
En otro artículo, titulado A Quick Primer and History , Richards suaviza las críticas al manifiesto contra el vídeo digital, señalando que puede "tener un lugar en el cine remodernista", pero que se le debe dar un nuevo lenguaje y que actualmente "imita al cine". El artículo también amplía el objetivo del movimiento, explicando que el vínculo común entre los cineastas remodernistas es la búsqueda de la verdad, el conocimiento, la autenticidad y la espiritualidad en su trabajo, pero que tienen diferentes enfoques para lograr ese objetivo. [14]
Peter Rinaldi analiza el manifiesto y comparte sus "pensamientos personales" al respecto en su ensayo The Shore as seen from The Deep Sea . En particular, defiende la crítica a lo digital y, posteriormente, a Stanley Kubrick , diciendo primero que "en su mayor parte, la 'facilidad' del vídeo ha llevado a la degradación de las imágenes creadas", [15] y:
Creo que, en general, la generación en la que crecí tenía a Kubrick como su gigante. Su obra tiene un "perfeccionismo" místico que a veces inspira admiración. Este perfeccionismo es un anatema para la mentalidad remodernista y, por muchas razones saludables, este gigante (o cualquier gigante que se eleve por encima de tu obra) debe caer en nuestras mentes. Debemos convertirnos en el gigante. [6]
El resto del artículo establece conexiones directas entre las ideas del manifiesto y algunas enseñanzas cristianas y budistas. [6]
En junio de 2010, después de publicar una carta de Richards sobre el Manifiesto cinematográfico remodernista en su sitio web, [16] el crítico de cine Roger Ebert tuiteó: "Mucho debatido en blogs de cine serios: el Manifiesto cinematográfico remodernista. Lars von Trier, vete de la ciudad". [17]
En febrero de 2010, la revista de cine australiana Filmink anunció la próxima producción de un largometraje recopilatorio realizado por miembros del movimiento cinematográfico Remodernista, que según la revista "recuerda los movimientos artísticos de finales del siglo XIX y principios del XX en los que los artistas intentaron luchar por la libertad y la autenticidad artísticas". La película, que constará de piezas de diez minutos de varios miembros del movimiento cinematográfico "de todo el mundo", está programada para estrenarse en diciembre de 2010 en Nueva York. Los cineastas participantes incluyen a: Peter Rinaldi , Kate Shults, Rouzbeh Rashidi , Dean Kavanagh, Roy Rezaali, Heidi Beaver y Christopher Michael Beer. El Manifiesto del Cine Remodernista de Richards "forma la base" del proyecto conjunto. [18]
El estreno de la película fue anunciado para el 13 de noviembre de 2011 en los Quad Cinemas de la ciudad de Nueva York . [19]
En la edición impresa de noviembre de 2011 de Filmink , el estudioso de cine, crítico y programador Jack Sargeant escribió sobre el movimiento y In Passing , refiriéndose al movimiento como "el nuevo cine personal" y describiendo la evolución del "cine lírico" desde el trabajo de Andrei Tarkovsky , Wim Wenders , Jim Jarmusch , Béla Tarr y hasta los cineastas remodernistas.
El sargento continúa describiendo De pasada :
La película no es una obra completamente experimental ni una película centrada en la narrativa clásica; más bien, In Passing explora el paso del tiempo y la relación del tiempo con el espacio cinematográfico. A menudo se centra en detalles íntimos pero pequeños (la exploración de un crustáceo sobre una mesa, el repiqueteo de la lluvia en una ventana, gatos jugando, el océano filmado desde un automóvil en movimiento, una pareja que mira a una cámara sabiendo que la película que están haciendo fracasará) y encuentra algo líricamente conmovedor e incluso personal dentro de estos momentos transitorios. Hay escenas en las que las personas parecen desaparecer, ya no se las ve en la pantalla, pero el espacio que alguna vez ocuparon aún resuena con sus ecos, moviéndose a través de lo sublime poético. En común con Wim Wenders , Jim Jarmusch y Gus Van Sant , y películas como Meek's Cutoff , hay una sensación de nostalgia en las películas que componen In Passing . Esta sensación de nostalgia no tiene necesariamente su raíz en una sensación de estar lejos de casa, sino en el sentido de que, incluso en casa, los protagonistas siguen buscando su lugar en el mundo cotidiano. [20]