El cine argentino se refiere a la industria cinematográfica con sede en Argentina . El cine argentino comprende el arte cinematográfico y las películas creativas realizadas dentro de la nación argentina o por cineastas argentinos en el extranjero.
La industria cinematográfica argentina ha sido históricamente una de las tres más desarrolladas del cine latinoamericano , junto con las producidas en México y Brasil . [5] [6] A lo largo del siglo XX, la producción cinematográfica en Argentina, apoyada por el Estado y por el trabajo de una larga lista de directores y actores, se convirtió en una de las principales industrias cinematográficas del mundo hispanohablante .
Argentina ha ganado dieciocho Premios Goya a la Mejor Película Extranjera de Habla Hispana , lo que la convierte en el país más galardonado. También es el primer país latinoamericano que ha ganado Premios Óscar , en reconocimiento a las películas La historia oficial (1985) y El secreto de sus ojos (2009). [7] [8]
En 1896, el fotógrafo francés Eugene Py trabajaba para el belga Henri Lepage y el austríaco Max Glücksmann en la «Casa Lepage», una empresa de suministros fotográficos de Buenos Aires. Los tres vieron el debut del Cinematógrafo Lumière en Argentina, «con una imagen de los Lumière, tuvo lugar el 18 de julio de 1896» [9] en el Teatro Odéon , sólo un año después de su debut en París.
Lepage importó entonces el primer equipo cinematográfico francés al país y aunque a Eugenio Py , quien, usando una cámara Gaumont en 1897, a menudo se le atribuye la primera película argentina, La Bandera Argentina (que consistía en una bandera de Argentina ondeando al viento en la Plaza de Mayo ), [10] el crédito pertenece al alemán-brasileño Federico Figner , quien proyectó las primeras tres películas argentinas el 24 de noviembre de 1896 (cortometrajes que mostraban vistas de Buenos Aires). Ganando renombre, Py continuó produciendo películas para exhibición en la Casa Lepage durante varios años, siguiendo con Viaje del Doctor Campos Salles a Buenos Aires (1900, considerado el primer documental del país) y La Revista de la Escuadra Argentina (1901); para ese momento, se habían abierto las primeras salas de proyección, que funcionaban como parte del sistema transnacional de producción, distribución y exhibición de películas desarrollado por Glücksmann en Argentina , Uruguay y Chile.
Varios artistas argentinos continuaron experimentando con el nuevo invento, realizando cortometrajes y documentales. Eugenio A. Cardini filmó Escenas callejeras (1901) y Mario Gallo realizó la primera película argentina con un punto de vista: El fusilamiento de Dorrego ( 1908 ). Otros directores como Ernesto Gunche dirigieron documentales tempranos.
La historia y la literatura argentinas fueron los temas de los primeros años de producción cinematográfica. Uno de los primeros éxitos del cine nacional fue Nobleza gaucha de 1915, inspirada en el Martín Fierro , el poema gauchesco de José Hernández . Basada en la novela de José Mármol , Amalia fue el primer largometraje de producción nacional, y en 1917 El Apóstol , un corto satírico sobre el presidente Hipólito Yrigoyen , se convirtió en el primer largometraje de animación del cine mundial. Otro debut notable de 1917, para Flor de durazno de Francisco Defilippis Novoa, fue Carlos Gardel .
Directores como José A. Ferreyra comenzaron a trabajar en la producción de películas del cine argentino, estrenando películas como Palomas rubias (1920), La Gaucha (1921) y Buenos Aires, ciudad de ensueño en 1922. Las películas que siguieron incluyeron La Maleva , Corazón de criolla , Melenita de oro , Leyenda del puente inca (1923), Odio serrano , Mientras Buenos Aires duerme , Arriero de Yacanto (1924) y El Organito de la tarde y Mi último tango (1925).
En 1926, Ferreyra estrenó La Vuelta al Bulín , La Costurerita que dio aquel mal paso y Muchachita de Chiclana a las que siguió Perdón, viejita (1927). Muchas de estas películas de Ferreyra contaron con dos de las estrellas más populares de la década, Álvaro Escobar y Elena Guido.
Hacia finales de la década, directores como Julio Irigoyen comenzaron a estrenar películas como Alma en pena en 1928. Películas como estas comenzaron a presentar la cultura argentina del baile del tango en el cine, algo que se disparó más tarde en la década de 1930 tras la llegada del sonido.
En 1930, Adiós Argentina se convirtió en la primera película argentina en contar con banda sonora. La película fue escrita y dirigida por Mario Parpagnoli para Cinematográfica Valle y finalizó en diciembre de 1929. La película contó con la participación de actrices como Libertad Lamarque y Ada Cornaro, quienes debutaron en el cine.
En 1931, José A. Ferreyra dirigió Muñequitas porteñas , la primera película argentina realizada con sincronización de sonido Vitaphone . Ese año, Ferreyra realizó una segunda película sonora, El cantar de mi ciudad , animando a otros directores pioneros a realizar la transición al sonido.
Movietone llegó en 1933 y permitió la voz y la música en las películas. Se crearon los dos primeros estudios cinematográficos argentinos: Argentina Sono Film , fundado por Ángel Mentasti; Lumitón , creado por una sociedad liderada por Enrique Susini , quien fue fundamental en la introducción de la televisión en Argentina en 1951. Susini creó un polo de desarrollo audiovisual. Lanzó la película "Los tres berretines", que fue la primera película argentina con argumento y guión hablado.
La primera película sonora sin disco fue ¡Tango! (1933), dirigida por Luis Maglia Barth y una película clave de la época fue la película de tango Dancing , que vio el nacimiento de varias estrellas argentinas como Amelia Bence y Tito Lusiardo ; otros actores populares de la época incluyeron a Aida Alberti , Armando Bo , Floren Delbene y Arturo García Buhr . Dos de esas películas que han perdurado en la cultura local son Honeysuckle , protagonizada por Libertad Lamarque y Casamiento en Buenos Aires , protagonizada por Niní Marshall . Las dos películas de 1939 presentaron temas que se han convertido en estándares musicales argentinos , inmortalizando asimismo a las dos protagonistas femeninas.
Otras películas incluyeron: El alma del bandoneón , Mario Soffici , 1935; La muchacha de a bordo, Manuel Romero , 1936; Ayúdame a vivir , 1936 de Ferreyra; Besos brujos (1937) de Ferreyra; La vuelta al nido ( Leopoldo Torres Ríos , 1938) y Así es la vida (1939) dirigidas por Francisco Mugica .
Manuel Romero fue un destacado director de mediados y fines de la década de 1930 y trabajó en películas basadas en comedias a menudo con la estrella argentina en ascenso Luis Sandrini en películas como Don Quijote del altillo . Romero también fue letrista de tango, uno de los creadores del teatro de revista y dramaturgo que escribió más de 180 obras. Dirigió más de 50 películas en total, la mayoría de las cuales se basaron en su propia trama y compusieron la música con una película de tango.
La industria cinematográfica argentina alcanzó su apogeo a finales de los años 1930 y 1940, cuando se producían un promedio de cuarenta y dos películas al año. Las películas solían incluir tango, pero incluso cuando se omitía un tema de tango, la mayoría del cine de este período seguía incluyendo héroes humildes y villanos adinerados. [11] En estas películas, se retrataba el trabajo duro y la pobreza como algo ennoblecedor y se mostraba a los pobres como los principales beneficiarios de las políticas económicas de Juan Perón. Estas películas, en parte apoyadas por Perón, eran vistas como parte de la agenda política del peronismo. [11] Al apoyar una industria cinematográfica que atacaba la codicia y apoyaba a la clase trabajadora, Perón pudo influir en las actitudes de su electorado para generar atractivo público. [11]
La creciente popularidad del cine de los Estados Unidos , la presión de la Iglesia Católica Romana y la creciente censura durante la presidencia de Perón limitaron un poco el crecimiento del cine argentino, sobre todo porque el acoso llevó al exilio de varios actores destacados, entre ellos Alberto de Mendoza , Arturo García Buhr, Niní Marshall y Libertad Lamarque , cuya rivalidad con su colega Eva Duarte se volvió en su contra cuando esta última se convirtió en Primera Dama en 1946. El cine argentino comenzó a perder audiencia a medida que los títulos extranjeros ganaban cada vez más terreno en el mercado argentino. El problema llegó a ser tan grave que Argentina intentó frenar la afluencia con la Ley de Cine de 1957, estableciendo el "Instituto Nacional de Cinematografía" para proporcionar educación y financiación.
Entre las películas más exitosas de la época se encuentran: Historia de una noche, Luis Saslavsky , 1941; La dama duende, Luis Saslavsky, 1945; Malambro ( Lucas Demare y Hugo Fregonese , 1945); Albéniz ( Luis César Amadori ) protagonizada por Pedro López Lagar (1947); Pelota de trapo (1948) y Crimen de Oribe (1950), Leopoldo Torres Ríos ; y Las aguas bajan turbias , de Hugo del Carril , 1952. Uno de los pocos actores argentinos que hizo una transición exitosa a la dirección fue Mario Soffici , quien debutó detrás de la cámara en 1935 con gran éxito con El alma del bandoneón y se convirtió en actor. institución del cine argentino de la próxima generación; Entre sus trabajos más memorables se encuentra la adaptación cinematográfica del best-seller de misterio de Marco Denevi , Rosaura a la diez ("Rosaura a las diez en punto"), para cuyo estreno en la pantalla en 1958 Soffici escribió, dirigió y protagonizó.
En 1958, se estrenó la película Trueno entre las hojas dirigida por Armando Bó . La película presentó a la posterior sex-symbol Isabel Sarli en su primer papel protagónico, y marcó el comienzo de su asociación con su futuro esposo Armando Bó, que duraría casi tres décadas e hizo numerosas películas de explotación sexual . [12] [13] [14] Ahora considerada un clásico, [14] [15] una escena en la que se baña en un lago fue la primera en presentar desnudez frontal total en el cine argentino. [13] [16] La película fue un éxito de taquilla muy controvertido; ha sido descrita como un "boom" y "escandalosa" y conmocionó a la sociedad argentina mayoritariamente católica. [14] [17] En noviembre de 1958, The News and Courier informó que "[u]na latina descarada ha destrozado los récords de taquilla de América del Sur con la volcada más atrevida desde que Hedy Lamarr se desnudó hasta la fama en Éxtasis ". [18] El estreno de la película en Montevideo , Uruguay, rompió récords de taquilla, y la escena del baño de Sarli "sacudió algunas capitales latinoamericanas". [18] Sin embargo, Sarli fue criticado por sus compañeros cineastas por la escena desnuda. [18]
El género de terror, poco explorado por los cineastas argentinos, fue explorado por el director argentino Narciso Ibáñez Menta .
La televisión, al igual que en Estados Unidos, comenzó a ejercer presión sobre el mercado cinematográfico en la década de 1950; en el aire desde el lanzamiento en 1951 del Canal 7 (televisión pública), la programación televisiva argentina es la más antigua de América Latina.
Desde fines de la década de 1950, una nueva generación de directores de cine llevó películas argentinas a festivales de cine internacionales. La primera ola de tales directores fue Leopoldo Torre-Nilsson , quien "exploró la decadencia aristocrática", [19] Fernando Ayala , David José Kohon , Simon Feldman y Fernando "Pino" Solanas , quien comenzó haciendo La Hora de los Hornos ("La hora de los hornos", 1966-68), los primeros documentales sobre el malestar político en Argentina a fines de la década de 1960 (con gran riesgo para él mismo). [19] La película combina imágenes de películas nuevas y antiguas para explicar la historia de Argentina y la ola de fervor revolucionario que arrasó muchos países de América Latina. Desde los invasores españoles hasta las preocupaciones militares modernas financiadas por potencias extranjeras, este largometraje examina el racismo, el levantamiento social, las masacres nativas y las situaciones políticas precarias que podrían cambiar a raíz de la rebelión revolucionaria. Este destacado documental lanzó el movimiento del Tercer Cine y puso al cine latinoamericano en el mapa internacional.
Comenzaron a surgir directores como Tulio Demicheli y Carlos Schlieper, quienes muchas veces las escribían y dirigían. Una segunda generación que logró un estilo cinematográfico fueron José A. Martínez Suárez , Manuel Antín y Leonardo Favio .
La tendencia hacia el Ciné Vérité tan evidente en Francia a principios de los años 1970 encontró un exponente argentino en el director de escena Sergio Renán . Su drama criminal de 1974 La tregua ("La tregua"), su primera incursión en el cine, fue nominado al Oscar . El mismo año, Osvaldo Bayer cooperó con la Provincia de Santa Cruz para realizar La patagonia rebelde como homenaje a una huelga de pastores de 1922 violentamente reprimida.
La nostalgia fue captada por Leopoldo Torre Nilsson , cuya reelaboración de clásicos literarios argentinos como La mano en la trampa (1961), Martín Fierro (1968), Los siete locos (1973) y Labios pintados (1974) le valieron un seguimiento de culto. Similar en atmósfera, la melancólica Los muchachos de antes no usaban arsénico ("Los viejos no necesitan arsénico" 1975) de José Martínez Suárez gira en torno al asesinato. Fue memorable como el último papel de Mario Soffici .
"A principios de los años 70, Argentina se desintegró. La represión gubernamental fue respondida con insurrecciones y terrorismo. Solanas y Getino contribuyeron filmando dos entrevistas documentales con el exiliado Perón. También fundaron una revista, Cine y liberación. Getino dirigió El Familiar (1972), un largometraje de ficción alegórica sobre el destino de América Latina. Otros cineastas continuaron haciendo películas peronistas y surgieron grupos de ultraizquierda como Cine de Base". [20] "En 1976, este período de documental militante e innovación cinematográfica fue violentamente interrumpido por el asesinato/desaparición de tres cineastas documentalistas a manos del ejército argentino: Gleyzer, Pablo Szir y Enrique Juárez". [21]
Los cineastas argentinos, que estuvieron fuertemente censurados desde 1975 hasta aproximadamente 1980, generalmente se limitaron a temas desenfadados. Entre las producciones de esa época se encontraba la adaptación de Héctor Olivera de la obra de Roberto Cossa , La nona ( 1979 ). La comedia negra se convirtió en una referencia a los pagos de intereses de la deuda externa que más tarde afectaron a la economía argentina . Un director que, incluso como partidario del régimen militar, se adentró en las neurosis de la clase media con franqueza fue Fernando Siro , un cineasta inventivo aparentemente insensible a las tribulaciones de muchos de sus colegas, muchos de los cuales se vieron obligados a irse durante la dictadura. Aunque sus actitudes lo distanciaron de sus pares y del público, su tragedia de 1981 Venido a menos ("Dilapidado") sigue siendo influyente.
En 1980, tras una flexibilización de las restricciones, el cine de denuncia comenzó a hacerse evidente en la pantalla argentina. Tiempo de revancha (1981), de Adolfo Aristarain , Plata dulce (1982) y Los enemigos (1983), de Eduardo Calcagno, se sumergieron de lleno en temas como la corrupción y la impunidad (sin acusar directamente a los que estaban en el poder) y analizaron con dureza los abusos de los derechos laborales, la corrupción corporativa y el clima de miedo que reinaba en la época en que hacerlo era a menudo peligroso. La corrupción menor también se abordó en El arreglo (1983), de Fernando Ayala . [22]
Una nueva era en el cine argentino comenzó después de la llegada de la democracia en 1983; salvo unas pocas excepciones memorables como la comedia familiar de Alejandro Doria Esperando la carroza (1985), la época vio un marcado declive en la popularidad de las comedias físicas hacia películas con matices y temas más serios.
El primer grupo trata con franqueza la represión, la tortura y las desapariciones durante la Guerra Sucia en los años 1970 y principios de los 1980. Incluyen: Funny Little Dirty War (1983) de Héctor Olivera y la historia real Night of the Pencils (1986); The Official Story (1985) de Luis Puenzo , ganadora del Oscar ; Tangos (1985) y Sur (1987) de " Pino" Solanas y la desgarradora Sofía (1987) de Alejandro Doria , entre otras.
Entre las películas que tratan sobre abusos del pasado, una coproducción germano-argentina que también merece mención es La novia (1988) de Jeanine Meerapfel , donde la protagonista noruega Liv Ullmann aparece junto a los locales Federico Luppi , Cipe Lincovski, Victor Laplace y Lito Cruz .
Un segundo grupo de películas incluye retratos del exilio y la nostalgia, como Los días de junio (1985) de Alberto Fischermann y Made in Argentina (1986) de Juan José Jusid , así como tramas ricas en subtexto, como Verónico Cruz (1988) de Miguel Pereira, Lo que vendrá (1988) de Gustavo Mosquera y una favorita de culto, Apartment Zero (1988) de Martin Donovan , en inglés . Estas películas usaban metáforas, los imponderables de la vida y alusiones a cuestiones sociopolíticas más amplias para reconciliar al público con los acontecimientos recientes.
Esto también puede decirse de los tratamientos de la literatura controvertida y la dolorosa historia del siglo XIX como Camila (1984) de María Luisa Bemberg , Un rey y su película (1985) de Carlos Sorín y El hombre mirando al sudeste (1986) de Eliseo Subiela . [23] [24]
La década de 1990 trajo otra ola del Nuevo Cine Argentino , marcada por el cine clásico y un giro de la Producción Independiente Argentina.
En 1991 se estrenó Alambrado, de Marco Bechis . Ese mismo año, el cineasta activista Fernando "Pino" Solanas estrenó su tercera película importante, El viaje (1992), una visión surrealista de las condiciones sociales prevalecientes en América Latina. Sin embargo, la angustia existencial siguió dominando la agenda cinematográfica argentina con El lado oscuro del corazón , de Eliseo Subiela (1992), y Un lugar en el mundo, de Adolfo Aristarain (1992), que también fue nominada al Oscar.
A finales de los años 1990, la atención comenzó a centrarse en los crecientes problemas sociales de Argentina, como el aumento de la indigencia y la delincuencia. Buenos Aires vice versa (1996) , de Alejandro Agresti , rescató la belleza de los sentimientos en las sombras de la pobreza en Buenos Aires, y Pizza, cerveza y cigarrillos (1997), de Bruno Stagnaro , investigó la dualidad humana incluso de los individuos más incorregibles y violentos.
Con un pasado intenso y un rico patrimonio cultural del cual inspirarse, los directores continuaron recurriendo a piezas de época melancólicas como Flop (1990) de Eduardo Mignogna , De eso no se habla (1993) de Maria Luisa Bemberg, su último papel y uno de los últimos del protagonista italiano Marcello Mastroianni , también), la interpretación de Santiago Oves del cuento al estilo de Agatha Christie Asesinato a distancia (1998) de Rodolfo Walsh , así como películas biográficas como Gatica, el mono (1993) de Leonardo Favio y Lola Mora ( 1996) de Javier Torre.
La historia política fue reexaminada con películas como la controvertida interpretación de Eduardo Calcagno del censor cinematográfico argentino de la década de 1970, Paulino Tato (interpretado por el actor de personajes más prolífico de Argentina, Ulises Dumont ) en El Censor (1995), la acusación de Juan J. Jusid al antiguo sistema de entrenamiento militar obligatorio, Bajo Bandera ("A media asta", 1997), Garage Olimpo (1999) de Marco Bechis , que llevó a los espectadores a una de las mazmorras de tortura más brutales de la dictadura y la respuesta de Juan Carlos Desanzo a Evita de Madonna , su Eva Perón de 1996 (un retrato de una primera dama mucho más compleja que la que había adoptado Andrew Lloyd Webber ).
La cultura popular tuvo su turno en la pantalla argentina. Cien veces no debo (1990), de Alejandro Doria, echó un vistazo irreverente a un hogar típico de clase media argentina; De mi barrio con amor (1996), de José Santiso, es una película obligada (¿ según quién? ) para cualquiera que planee visitar el bohemio sur de Buenos Aires , y El día que Maradona conoció a Gardel ( 1996 ) , de Rodolfo Pagliere , es una oda inventiva a dos estandartes de la cultura argentina.
Películas como Nine Queens (2000), de Fabian Bielinsky , su gótica El Aura (2005) y la lacrimógena Son of the Bride (2001), de Juan José Campanella , han recibido elogios y premios en todo el mundo. Juan Carlos Desanzo eligió a Miguel Ángel Solá (mejor conocido por su papel en Tango ) para interpretar al inmortal Jorge Luis Borges en El amor y el espanto (2001), una mirada a las luchas del escritor con la intimidación de la era de Perón , así como con sus propias inseguridades.
El cine argentino, siempre políticamente activo, sigue tratando temas duros, como la película de la directora española Manane Rodríguez sobre los niños secuestrados, Los pasos perdidos (2001) y la película quizás definitiva de Pino Solanas sobre la crisis económica de 2001 , Memorias del saqueo (2004). Tristán Bauer llevó al público de regreso a la experiencia deshumanizadora de los soldados en la Guerra de las Malvinas con Bendecido por el fuego (2005) y Adrián Caetano sigue a cuatro jugadores de fútbol en su escape de una muerte segura en 1977 en Crónica de una fuga (2006).
El largometraje debut de Lucrecia Martel de 2001, La ciénaga ("La ciénaga"), sobre una indulgente familia burguesa extensa que pasa el verano en una decrépita casa de vacaciones en Salta , fue aclamado internacionalmente en su estreno e introdujo una voz nueva y vital al cine argentino. [25] [26] [27] [28] Para el estudioso de cine David Oubiña, es "uno de los mayores logros" del Nuevo Cine Argentino, coincidentemente sincronizado con la crisis política y económica de Argentina que "se convirtió en una rara expresión de un momento extremadamente problemático en la historia reciente de la nación. Es una obra maestra de singular madurez". [29] Las películas posteriores de Martel también recibirían más elogios internacionales, como el drama adolescente La niña santa (2004), [30] el thriller psicológico La mujer sin cabeza (2008), [31] y la adaptación del drama de época Zama (2017). [32]
En respuesta a su público sentimental, el cine argentino vuelve a veces a temas del corazón. El retrato granulado de la Argentina de la época de la depresión, El astillero (2000), de David Lipszyc, fue un éxito entre los críticos; la conmovedora oda a los inmigrantes, La herencia (2001), de Paula Hernández , se ha convertido en una especie de éxito de taquilla; Lugares comunes (2002), de Adolfo Aristarain , sigue a un profesor anciano hasta su jubilación; Cleopatra (2003), la historia de Eduardo Mignona sobre una amistad improbable, recibió numerosos premios, al igual que la conmovedora El perro (2004), de Carlos Sorín . La negatividad emocional, un elemento básico para los cineastas en cualquier parte del mundo, fue explorada en India Pravile (2003), de Mario Sabato ; La esperanza (2005) , de Francisco D'Intino ; y El otro (2007), de Ariel Rotter ; cada una aborda las crisis de la mediana edad de maneras muy diferentes. El marcado sentimentalismo del argentino medio también fue el tema de Assassination Tango (2002) , un drama criminal engañosamente simple que demuestra que las aguas estancadas, de hecho, son profundas.
Golpeada por años de malestar económico y la invasión del mercado cinematográfico nacional por títulos extranjeros (principalmente estadounidenses), la industria cinematográfica argentina ha sido apoyada por la creación en 1987 del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales ( INCAA ), un patrocinador cinematográfico subsidiado con fondos públicos que, desde 1987, ha producido 130 títulos de cine independiente de larga duración.
La década terminó de manera excelente con la película de 2009 El secreto de sus ojos , que recibió elogios de la crítica y ganó el Oscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera en la 82.ª edición de los Premios Oscar , tres semanas después de haber recibido el Premio Goya a la Mejor Película Extranjera en Lengua Española de 2009.
En 2014, la película antológica Relatos Salvajes dirigida por Damián Szifron fue nominada a Mejor Película en Lengua Extranjera en los 87.º Premios Oscar y ganó el Premio Goya a Mejor Película Iberoamericana .
El estreno de
La Ciénaga
de Lucrecia Martel anunció la llegada de una voz sorprendentemente vital y original al cine argentino.