Bel canto ( enitaliano , 'bello canto' / 'bella canción',[ ˈbɛl ˈkanto] ) — con varias construcciones similares ( bellezze del canto , bell'arte del canto , pronunciado en inglés como / bɛlˈkəntəʊ / )—es un término con varios significados relacionados con el canto italiano.[1]
La frase no se asoció con una "escuela" de canto hasta mediados del siglo XIX, cuando los escritores de principios de la década de 1860 la usaron nostálgicamente para describir una manera de cantar que había comenzado a decaer alrededor de 1830. [2] Sin embargo, "ni los diccionarios musicales ni los generales consideraron apropiado intentar una definición [del bel canto ] hasta después de 1900". El término sigue siendo vago y ambiguo en el siglo XXI y a menudo se usa para evocar una tradición de canto perdida. [3]
Tal como se entiende generalmente hoy en día, el término bel canto se refiere al estilo vocal de origen italiano que prevaleció en la mayor parte de Europa durante los siglos XVIII y principios del XIX. Las fuentes de finales del siglo XIX y XX "nos llevarían a creer que el bel canto se limitaba a la belleza y uniformidad del tono, el fraseo legato y la habilidad para ejecutar pasajes muy floridos, pero los documentos contemporáneos [los de finales del siglo XVIII y principios del XIX] describen una forma multifacética de interpretación mucho más allá de estos confines". [4] Las principales características del estilo bel canto eran: [4]
El Harvard Dictionary of Music de Willi Apel dice que el bel canto denota "la técnica vocal italiana del siglo XVIII, con su énfasis en la belleza del sonido y la brillantez de la interpretación en lugar de la expresión dramática o la emoción romántica. A pesar de las repetidas reacciones contra el bel canto (o sus abusos, como la exhibición por la exhibición en sí misma; Gluck , Wagner ) y la frecuente exageración de su elemento virtuoso ( coloratura ), debe considerarse como una técnica altamente artística y la única apropiada para la ópera italiana y para Mozart . Su desarrollo temprano está estrechamente ligado al de la ópera seria italiana ( A. Scarlatti , N. Porpora , JA Hasse , N. Jommelli , N. Piccinni )". [5]
Desde que el estilo bel canto floreció en los siglos XVIII y principios del XIX, la música de Handel y sus contemporáneos, así como la de Mozart y Rossini , se beneficia de una aplicación de los principios del bel canto . Las óperas recibieron el uso más dramático de las técnicas, pero el estilo bel canto se aplica igualmente al oratorio, aunque de una manera algo menos extravagante. Las arias da capo que contenían estas obras presentaban desafíos para los cantantes, ya que la repetición de la sección inicial impedía que la historia avanzara. No obstante, los cantantes necesitaban mantener el drama emocional en movimiento, por lo que utilizaron los principios del bel canto para ayudarlos a interpretar el material repetido en una nueva apariencia emocional. También incorporaron adornos de todo tipo ( Domenico Corri dijo que las arias da capo fueron inventadas para ese propósito [ The Singer's Preceptor , vol. 1, p. 3]), [6] pero no todos los cantantes estaban equipados para hacer esto, algunos escritores, notablemente el propio Domenico Corri, sugirieron que cantar sin ornamentación era una práctica aceptable (ver The Singer's Preceptor , vol. 1, p. 3). Los cantantes regularmente embellecían tanto las arias como los recitativos, pero lo hacían adaptando sus adornos a los sentimientos predominantes de la pieza. [7]
Dos famosos maestros del estilo en el siglo XVIII fueron Antonio Bernacchi (1685-1756) y Nicola Porpora (1686-1768), pero existieron muchos otros. Varios de estos maestros eran castrati . El cantante y autor John Potter declara en su libro Tenor: History of a Voice que:
Durante gran parte del siglo XVIII, los castrati definieron el arte del canto; fue la pérdida de sus habilidades irrecuperables lo que con el tiempo creó el mito del bel canto , una forma de cantar y conceptualizar el canto que era completamente diferente de todo lo que el mundo había escuchado antes o volvería a escuchar. [8]
En otra aplicación, el término bel canto se asocia a veces a las óperas italianas escritas por Vincenzo Bellini (1801-1835) y Gaetano Donizetti (1797-1848). Estos compositores escribieron obras de gran calidad para el escenario durante lo que los musicólogos a veces llaman la "era del bel canto ". Pero el estilo de canto había comenzado a cambiar alrededor de 1830, cuando Michael Balfe escribió sobre el nuevo método de enseñanza que se requería para la música de Bellini y Donizetti ( A New Universal Method of Singing , 1857, p. iii), [9] y, por lo tanto, las óperas de Bellini y Donizetti en realidad fueron los vehículos para una nueva era del canto. El último papel operístico importante para un castrato fue escrito en 1824 por Giacomo Meyerbeer (1791-1864). [10]
La frase " bel canto " no se usó comúnmente hasta finales del siglo XIX, cuando se opuso al desarrollo de un estilo de canto más pesado y poderoso, con inflexiones de habla, asociado con la ópera alemana y, sobre todo, los dramas musicales revolucionarios de Richard Wagner . Wagner (1813-1883) denunció el modelo de canto italiano, alegando que se preocupaba únicamente de "si ese sol o ese la saldrán redondos". Abogó por una nueva escuela de canto germánica que atraería "a los espiritualmente enérgicos y profundamente apasionados a la órbita de su expresión incomparable". [11]
Los músicos y compositores franceses nunca adoptaron los extremos más floridos del estilo bel canto italiano del siglo XVIII . No les gustaba la voz de castrato y, como valoraban la enunciación clara de los textos de su música vocal, se oponían a que la palabra cantada se oscureciera con una excesiva floritura . [ cita requerida ]
La popularidad del estilo bel canto propugnado por Rossini, Donizetti y Bellini se desvaneció en Italia a mediados del siglo XIX. Fue superado por un enfoque más pesado, más ardiente y menos elaborado del canto que era necesario para interpretar las obras innovadoras de Giuseppe Verdi (1813-1901) con el máximo impacto dramático. Los tenores, por ejemplo, comenzaron a inflar su tono y a emitir el do alto (e incluso el re alto) directamente desde el pecho en lugar de recurrir a una suave voz de cabeza/ falsete como lo habían hecho anteriormente, sacrificando la agilidad vocal en el proceso. [ cita requerida ] Las sopranos y los barítonos reaccionaron de manera similar a sus colegas tenores cuando se enfrentaron a las composiciones llenas de dramatismo de Verdi. [ cita requerida ] Sometieron la mecánica de su producción vocal a mayores presiones y cultivaron la emocionante parte superior de sus respectivos rangos a expensas de sus notas inferiores suaves pero menos penetrantes. [ cita requerida ] Inicialmente, al menos, las técnicas de canto de los contraltos y bajos del siglo XIX se vieron menos afectadas por las innovaciones musicales de Verdi, que fueron desarrolladas por sus sucesores Amilcare Ponchielli (1834-1886), Arrigo Boito (1842-1918) y Alfredo Catalani (1854-1893).
Una de las razones del eclipse del antiguo modelo de canto italiano fue la creciente influencia en el mundo de la música de los detractores del bel canto , que lo consideraban anticuado y lo condenaban como una vocalización carente de contenido. Para otros, sin embargo, el bel canto se convirtió en el arte desaparecido de la expresión musical elegante, refinada y de tono dulce. Rossini lamentó en una conversación que tuvo lugar en París en 1858 que: "Por desgracia para nosotros, hemos perdido nuestro bel canto". [12] De manera similar, el llamado estilo alemán fue tan ridiculizado como anunciado. En la introducción a una colección de canciones de maestros italianos publicada en 1887 en Berlín bajo el título Il bel canto , Franz Sieber escribió: "En nuestro tiempo, cuando los gritos más ofensivos bajo el recurso atenuante del 'canto dramático' se han extendido por todas partes, cuando las masas ignorantes parecen mucho más interesadas en cuán fuerte es el canto que en cuán hermoso es, tal vez sea bienvenida una colección de canciones que -como lo indica el título- pueda ayudar a restaurar el bel canto al lugar que le corresponde". [10]
A finales del siglo XIX y principios del XX, el término bel canto fue resucitado por profesores de canto en Italia, entre los que destacó el barítono retirado de Verdi Antonio Cotogni (1831-1918). Cotogni y sus seguidores lo invocaron contra un estilo de vocalismo vehemente y cargado de vibrato sin precedentes que los cantantes utilizaron cada vez más después de 1890 para satisfacer las apasionadas demandas de la escritura verista de compositores como Giacomo Puccini (1858-1924), Ruggero Leoncavallo (1857-1919), Pietro Mascagni (1863-1945), Francesco Cilea (1866-1950) y Umberto Giordano (1867-1948), así como los desafíos auditivos planteados por las obras escénicas no italianizantes de Richard Strauss (1864-1949) y otros compositores de la era tardorromántica y moderna temprana, con sus líneas vocales extenuantes y angulares y sus texturas orquestales frecuentemente densas.
Durante la década de 1890, los directores del Festival de Bayreuth iniciaron un estilo particularmente enérgico de canto wagneriano que estaba en total desacuerdo con los ideales italianos del bel canto . Llamado " Sprechgesang " por sus defensores (y apodado "ladrido de Bayreuth" por algunos oponentes), el nuevo estilo wagneriano priorizaba la articulación de las palabras individuales de los libretos del compositor sobre la interpretación legato. Este enfoque del vocalismo basado en el texto y antilegato se extendió por las partes de habla alemana de Europa antes de la Primera Guerra Mundial .
Como resultado de estos muchos factores, el concepto de bel canto quedó envuelto en misticismo y confundido por una plétora de nociones e interpretaciones individuales. Para complicar aún más las cosas, la musicología alemana a principios del siglo XX inventó su propia aplicación histórica para el bel canto , utilizando el término para denotar el lirismo simple que pasó a primer plano en la ópera veneciana y la cantata romana durante las décadas de 1630 y 1640 (la era de los compositores Antonio Cesti , Giacomo Carissimi y Luigi Rossi ) como una reacción contra el stile rappresentativo anterior, dominado por el texto . [1] Este uso anacrónico del término bel canto tuvo una amplia circulación en Die Musik des Barocks de Robert Haas [13] y, más tarde, en Music in the Baroque Era de Manfred Bukofzer . [14] Dado que el estilo de canto de la Italia de finales del siglo XVII no difería de ninguna manera marcada del del siglo XVIII y principios del XIX, se puede establecer una conexión; pero, según Jander, la mayoría de los musicólogos coinciden en que el término se limita mejor a su uso de mediados del siglo XIX, que designa un estilo de canto que enfatizaba la belleza del tono y la pericia técnica en la interpretación de música que era muy florida o presentaba pasajes largos, fluidos y difíciles de sostener de cantilena . [10]
En la década de 1950, se acuñó la frase " renacimiento del bel canto " para referirse a un renovado interés en las óperas de Donizetti, Rossini y Bellini. Estos compositores habían comenzado a pasar de moda durante los últimos años del siglo XIX y sus obras, aunque nunca desaparecieron por completo del repertorio escénico, se representaron con poca frecuencia durante la primera mitad del siglo XX, cuando dominaban las óperas de Wagner, Verdi y Puccini. Esa situación cambió significativamente después de la Segunda Guerra Mundial con el advenimiento de un grupo de directores de orquesta emprendedores y el surgimiento de una nueva generación de cantantes como Montserrat Caballé , Maria Callas , Leyla Gencer , Joan Sutherland , Beverly Sills y Marilyn Horne , que habían adquirido técnicas de bel canto . Estos artistas insuflaron nueva vida a las composiciones teatrales de Donizetti, Rossini y Bellini, tratándolas seriamente como música y volviéndolas a popularizar en toda Europa y América. Hoy en día, algunas de las óperas más representadas del mundo, como El barbero de Sevilla de Rossini y Lucia di Lammermoor de Donizetti , son de la era del bel canto .
Muchas óperas del siglo XVIII que requieren habilidades de bel canto también han experimentado resurgimientos después de la guerra, desde las menos conocidas de Mozart y Haydn hasta extensas obras barrocas de Handel, Vivaldi y otros.
Los musicólogos aplican ocasionalmente la etiqueta de " técnica del bel canto " al arsenal de conceptos y logros vocales virtuosos que los profesores de canto impartían a sus alumnos a fines del siglo XVIII y principios del siglo XIX. Muchos de estos profesores eran castrati.
"Todos [sus] trabajos pedagógicos siguen la misma estructura, comenzando con ejercicios sobre notas individuales y progresando eventualmente hacia escalas y adornos improvisados", escribe Potter [15] quien continúa: "La ornamentación realmente creativa requerida para las cadencias, que involucra modelos y fórmulas que podrían generar material nuevo e improvisado, llegó hacia el final del proceso".
La idea generalizada hoy en día de que los cantantes deben abstenerse de improvisar y adherirse siempre estrictamente a la letra de la partitura publicada por un compositor es un fenómeno comparativamente reciente, promulgado durante las primeras décadas del siglo XX por directores dictatoriales como Arturo Toscanini (1867-1957), que defendió las óperas dramáticas de Verdi y Wagner y creía en mantener a los intérpretes bajo un estricto control interpretativo. Esto lo señalan tanto Potter [16] como Michael Scott [17] .
Potter señala, sin embargo, que a medida que avanzaba el siglo XIX:
La tendencia general... era que los cantantes no recibieran clases de castrati (quedaban pocos) y que los estudios serios empezaran más tarde, a menudo en uno de los nuevos conservatorios en lugar de con un profesor particular. Las técnicas y la pedagogía tradicionales seguían siendo reconocidas, pero la enseñanza estaba generalmente en manos de tenores y barítonos que, para entonces, ya estaban al menos un tiempo alejados de la tradición misma.
Los maestros de principios del siglo XIX describían la voz como compuesta de tres registros. El registro de pecho era el más bajo de los tres y el registro de cabeza el más alto, con el passaggio en el medio. Estos registros debían combinarse suavemente y ecualizarse por completo antes de que un cantante en formación pudiera adquirir un dominio total de su instrumento natural, y la forma más segura de lograr este resultado era que el aprendiz practicara ejercicios vocales con asiduidad. Los maestros de la era del bel canto creían firmemente en los beneficios de la vocalización y el solfeo . Se esforzaban por fortalecer los músculos respiratorios de sus alumnos y equiparlos con atributos vocales consagrados por el tiempo como "pureza de tono, perfección de legato, fraseo informado por un portamento elocuente y adornos exquisitamente trabajados", como se señala en la introducción al Volumen 2 de The Record of Singing de Scott .
Durante el siglo XIX se produjeron importantes mejoras en el sistema existente de clasificación de voces , a medida que el repertorio operístico internacional se diversificaba, se dividía en escuelas nacionalistas distintivas y se ampliaba en tamaño. Hacia finales del siglo XIX surgieron categorías completamente nuevas de cantantes, como la mezzosoprano y el bajo-barítono wagneriano , al igual que nuevas subcategorías como la soprano lírica coloratura , la soprano dramática y la soprano spinto , y varios grados de tenor, que abarcaban desde el lírico hasta el heroico, pasando por el spinto. Estos cambios clasificatorios han tenido un efecto duradero en la forma en que los profesores de canto designan las voces y en que los directores de los teatros de ópera eligen los actores para sus producciones.
Sin embargo, no había una uniformidad generalizada entre los seguidores del bel canto del siglo XIX a la hora de transmitir sus conocimientos y enseñar a los estudiantes. Cada uno tenía sus propios regímenes de entrenamiento y sus propias ideas favoritas. Sin embargo, en lo fundamental, todos se adherían al mismo conjunto de preceptos del bel canto , y los ejercicios que idearon para mejorar el apoyo de la respiración, la destreza, el alcance y el control técnico siguen siendo valiosos y, de hecho, algunos profesores todavía los utilizan. [1]
Manuel García (1805-1906), autor del influyente tratado L'Art du chant , fue el más destacado del grupo de pedagogos que perpetuaron los principios del bel canto en enseñanzas y escritos durante la segunda mitad del siglo XIX. Su hermana menor, Pauline Viardot (1821-1910), de ideas afines, también fue una importante profesora de canto, al igual que los contemporáneos de Viardot Mathilde Marchesi , Camille Everardi , Julius Stockhausen , Carlo Pedrotti , Venceslao Persichini, Giovanni Sbriglia , Melchiorre Vidal y Francesco Lamperti (junto con el hijo de Francesco, Giovanni Battista Lamperti ). Las voces de varios de sus antiguos alumnos se pueden escuchar en grabaciones acústicas realizadas en las dos primeras décadas del siglo XX y reeditadas desde entonces en LP y CD. Algunos ejemplos en disco de cantantes del siglo XIX de importancia histórica y artística cuyos estilos y técnicas vocales ejemplifican los ideales del bel canto incluyen los siguientes:
Sir Charles Santley (nacido en 1834), Gustav Walter (nacido en 1834), Adelina Patti (nacida en 1843), Marianne Brandt (nacida en 1842), Lilli Lehmann (nacida en 1848), Jean Lassalle (nacido en 1847), Victor Maurel (nacido en 1848), Marcella Sembrich (nacida en 1858), Lillian Nordica (nacida en 1857), Emma Calvé (nacida en 1858), Nellie Melba (nacida en 1861), Francesco Tamagno (nacido en 1850), Francesco Marconi (nacido en 1853), Léon Escalais (nacido en 1859), Mattia Battistini (nacido en 1856), Mario Ancona (nacido en 1860), Pol Plançon (nacido en 1851), y Antonio Magini-Coletti y Francesco Navarini (ambos nacidos en 1855).
Notas
Fuentes
Artículos
Material digitalizado
Bel canto de Harvard.
