El arte indígena australiano incluye obras de arte realizadas por aborígenes australianos y habitantes de las islas del Estrecho de Torres , incluidas las colaboraciones con otros. Incluye obras en una amplia gama de medios, como pintura sobre hojas, pintura sobre corteza , tallado en madera , tallado en roca , pintura con acuarela , escultura , vestimenta ceremonial y pintura con arena . Los símbolos visuales tradicionales varían ampliamente entre las tradiciones de los diferentes pueblos, a pesar de la percepción errónea común de que la pintura de puntos es representativa de todo el arte aborigen.
El arte aborigen australiano es la tradición artística más antigua e ininterrumpida del mundo y es anterior a la colonización europea en miles de años.
Existen muchos tipos y métodos utilizados para crear arte aborigen, como pintura rupestre, pintura de puntos , grabados rupestres, pintura en corteza, tallas, esculturas, tejidos y arte con hilos. El arte aborigen australiano es la tradición artística más antigua e ininterrumpida del mundo. [1] [2] [3]
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El arte rupestre, que incluye pinturas y grabados ( petroglifos ), se puede encontrar en yacimientos de toda Australia. Se han encontrado ejemplos de arte rupestre que se cree que representan megafauna extinta como Genyornis [4] y Thylacoleo en la era del Pleistoceno [5], así como eventos históricos más recientes como la llegada de barcos europeos. [6]
Se estima que los ejemplos más antiguos de arte rupestre , en la región de Pilbara en Australia Occidental y el distrito de Olary en Australia del Sur , tienen alrededor de 40.000 años de antigüedad. [7] La evidencia firmemente datada más antigua de pintura de arte rupestre en Australia es un dibujo al carbón sobre un pequeño fragmento de roca encontrado durante la excavación del refugio rocoso Narwala Gabarnmang en el suroeste de Arnhem Land en el Territorio del Norte . Datado en 28.000 años, es una de las piezas de arte rupestre más antiguas conocidas en la Tierra con una fecha confirmada. [8] Se cree que este fragmento decorado puede haber formado parte de una obra de arte de techo más grande, sin embargo, se desconoce la forma del motivo original. [9] El motivo de arte rupestre in situ inequívoco y datado de manera confiable más antiguo en Australia es una gran pintura de un macrópodo de un refugio rocoso en la región de Kimberley en Australia Occidental , datada radiométricamente en un estudio de febrero de 2021 con aproximadamente 17.300 años de antigüedad. [10]
El arte rupestre de Gwion Gwion (las "pinturas rupestres de Bradshaw", también conocidas como "Giro Giro" [2] ), inicialmente llamadas así por Joseph Bradshaw , quien las reportó por primera vez en 1891, consiste en una serie de pinturas rupestres en cuevas en la región de Kimberley en Australia Occidental . [8] Un estudio de 2020 sitúa este arte en unos 12.000 años de antigüedad. [11] [12]
Las figuras de Maliwawa fueron documentadas en un estudio dirigido por Paul Taçon y publicado en Australian Archaeology en septiembre de 2020. [13] El arte incluye 572 imágenes en 87 sitios en el noroeste de Arnhem Land , desde el área de Awunbarna (Monte Borradaile [14] ) hasta Wellington Range . Se estima que fueron dibujadas hace entre 6.000 y 9.400 años. [15] El hallazgo se describe como muy raro, no solo en estilo, sino en su representación de bilbies (no conocidos históricamente en Arnhem Land) [16] y la primera representación conocida de un dugongo . [17] El arte, todas pinturas en color rojo a morado aparte de un dibujo, y en un estilo naturalista , no se había descrito en la literatura antes de este estudio. Son grandes y representan relaciones entre personas y animales, un tema poco común en el arte rupestre. Los bilbis, tilacinos y dugones se extinguieron en la Tierra de Arnhem hace milenios. Los investigadores de 2008-2009 vieron por primera vez este arte, pero solo se estudió en una investigación de campo que duró de 2016 a 2018. Las figuras fueron bautizadas por Ronald Lamilami, un antiguo propietario tradicional . [14] [18] Según Tacon, "las figuras de Maliwawa espalda con espalda son las más antiguas conocidas en el oeste de la Tierra de Arnhem y parece que esta convención pictórica comenzó con el estilo Maliwawa. Continúa hasta el presente con pinturas en corteza y pinturas sobre papel". [19] Taçon establece comparaciones entre las figuras de Maliwawa y el estilo de figuras dinámicas de George Chaloupka , donde el tema está compuesto por aproximadamente un 89 por ciento de humanos, en comparación con el 42 por ciento de las figuras de Maliwawa. [20] Sin embargo, existe mucha complejidad y debate con respecto a la clasificación del estilo de arte rupestre en la Tierra de Arnhem. [13] [21]
Otros sitios de arte rupestre pintado incluyen Laura, Queensland , [22] Ubirr , en el Parque Nacional Kakadu , [23] Uluru , [24] y Carnarvon Gorge . [25]
Los grabados rupestres, o petroglifos , se crean mediante métodos que varían según el tipo de roca que se utilice y otros factores. Existen varios tipos diferentes de arte rupestre en Australia, de los cuales los más famosos son el Murujuga en Australia Occidental , los grabados rupestres de Sydney en los alrededores de Sydney en Nueva Gales del Sur y el arte rupestre de Panaramitee en Australia Central . Los grabados de Toowoomba , que representan animales y humanos tallados, tienen su propio estilo peculiar que no se encuentra en ningún otro lugar de Australia. [ cita requerida ]
Se dice que los grabados rupestres de Murujuga constituyen la colección de petroglifos más grande del mundo [26] e incluyen imágenes de animales extintos como el tilacino. Se registra actividad anterior a la última edad de hielo hasta la colonización .
El primer descubrimiento europeo de pinturas rupestres aborígenes tuvo lugar el 14 de enero de 1803. [27] Durante una expedición de reconocimiento a lo largo de las costas e islas del Golfo de Carpentaria, el navegante y explorador británico Matthew Flinders tocó tierra en la isla Chasm .
En los refugios rocosos de la isla, Flinders descubrió una serie de patrones pintados y estampados. Para registrar estas imágenes, contrató al artista del barco, William Westall . [28] Los dos bocetos en acuarela de Westall son la documentación más antigua conocida del arte rupestre australiano.
Los arreglos de piedra aborígenes son una forma de arte rupestre construido por los aborígenes australianos. Por lo general, consisten en piedras, cada una de las cuales puede tener un tamaño de unos 30 cm, dispuestas en un patrón que se extiende a lo largo de varios metros o decenas de metros. Cada piedra está bien incrustada en el suelo y muchas tienen "piedras disparadoras" para sostenerlas. Ejemplos particularmente buenos se encuentran en el estado de Victoria , donde algunos ejemplos tienen piedras muy grandes. Por ejemplo, el arreglo de piedra en Wurdi Youang consiste en unas 100 piedras dispuestas en un óvalo con forma de huevo de unos 50 metros (160 pies) de ancho. [ cita requerida ] La apariencia del sitio es similar a la de los círculos de piedra megalíticos encontrados en toda Gran Bretaña (aunque la función y la cultura son presumiblemente completamente diferentes). Aunque su asociación con los aborígenes australianos está bien autenticada y fuera de toda duda, el propósito no está claro, aunque puede tener una conexión con los ritos de iniciación . También se ha sugerido que el sitio puede haber sido utilizado con fines astronómicos. [29] Se encuentran arreglos de piedras más pequeños en toda Australia, como los que se encuentran cerca de Yirrkala , que representan imágenes precisas de los praus utilizados por los pescadores y lanzadores de lanzas de Macassan Trepang . [ cita requerida ]
La talla de madera siempre ha sido una parte esencial de la cultura aborigen, ya que se necesitaba madera, piedras afiladas para tallar, alambre y fuego. El alambre y el fuego se utilizaban para crear patrones en el objeto calentando el alambre con el fuego y colocándolo sobre la talla de madera.
Las tallas de madera, como las del artista australiano central Erlikilyika , con forma de animales, a veces se intercambiaban con los europeos a cambio de mercancías. La razón por la que los aborígenes hacían tallas de madera era para ayudar a contar sus historias de sueños y transmitir la sabiduría de su grupo y la información esencial sobre su país y sus costumbres. También se utilizaban en ceremonias , como la ilma .
Los aborígenes de las islas Tiwi tallaban tradicionalmente postes funerarios pukumani , [30] y desde la década de 1960 han estado tallando y pintando figuras de madera de hierro. [31]
La pintura sobre corteza , en la que se pinta con ocres sobre la corteza seca arrancada de los árboles, es una antigua tradición. El primer hallazgo europeo se produjo en un refugio de Tasmania alrededor de 1800, y se encontraron otros refugios de corteza pintada en Victoria y Nueva Gales del Sur. Estos se dibujaron con carbón y luego se pintaron o rayaron sobre la corteza que se había ennegrecido con humo. [32] Las cestas de corteza pintada se usaban en rituales funerarios en las islas Melville y Bathurst , y los ataúdes y cinturones de corteza se pintaban en el noreste de Arnhem Land. La pintura sobre corteza ha continuado hasta la época contemporánea. [32]
Los estilos de pintura sobre corteza en el norte de Australia, especialmente en Arnhem Land , incluyen el rayado cruzado o rarrk y el estilo de rayos X. [33] [34]
Las cestas , a veces en espiral, se creaban retorciendo corteza, hojas de palma y plumas; algunas de las cestas eran sencillas y otras se creaban con colgantes de plumas o plumas tejidas en el marco de la cesta. Los artistas usaban tintes minerales y vegetales para colorear las hojas de palma y la corteza del hibisco. Estas bolsas y cestas de cuerda se usaban en ceremonias para necesidades religiosas y rituales; las cestas también podrían haber sido utilizadas para llevar cosas de regreso a la aldea. [35]
El tejido de cestas ha sido una práctica tradicional entre las mujeres de muchos pueblos aborígenes australianos en todo el continente durante siglos. [36] [37] [38] [39]
Los aborígenes creaban colgantes de conchas que se consideraban de gran valor y que a menudo se utilizaban para intercambiar productos. Estas conchas se sujetaban a un cordón, que se fabricaba a mano con cabello humano y, a veces, se cubría con un tipo de grasa y ocre rojo . Estas joyas a veces se colgaban alrededor del cuello o la cintura de un hombre para usarlas durante las ceremonias. [40]
El tallado de kalti paarti es una forma de arte tradicional que consiste en tallar huevos de emú. No es tan antigua como otras técnicas, ya que se originó en el siglo XIX. [41]
Ciertos símbolos del movimiento de arte moderno aborigen conservan el mismo significado en distintas regiones, aunque su significado puede cambiar dentro del contexto de una pintura. Cuando se observan en monocromo, otros símbolos pueden parecer similares, como los círculos dentro de círculos, a veces representados solos, dispersos o en grupos agrupados.
Muchas pinturas de artistas aborígenes, como las que representan una historia de sueños, se muestran desde una perspectiva aérea. La narración sigue la disposición de la tierra, tal como la crearon los seres ancestrales en su viaje o durante la creación. La interpretación moderna es una reinterpretación de canciones, ceremonias, arte rupestre, arte corporal y ceremonias (como el awelye ) que fueron la norma durante muchos miles de años.
Cualquiera que sea el significado, las interpretaciones de los símbolos deben hacerse en el contexto de toda la pintura, la región de donde proviene el artista, la historia detrás de la pintura y el estilo de la pintura. [42]
Algunos sitios naturales son sagrados para los aborígenes y, a menudo, el lugar donde se realizaban rituales estacionales. Durante estos rituales, los aborígenes creaban arte, como objetos de plumas y fibras, pintaban y creaban grabados rupestres y también pintaban sobre la corteza de los árboles Eucalyptus tetrodonta . Si bien las historias difieren entre los clanes, los grupos lingüísticos y los grupos más amplios, el Sueño (o Jukurrpa ) es común a todos los pueblos aborígenes. Como parte de estas creencias, durante la antigüedad, los espíritus ancestrales míticos aborígenes eran los creadores de la tierra y el cielo, y eventualmente se convirtieron en parte de ellos. Las creencias espirituales de los pueblos aborígenes sustentan sus leyes, formas de arte y ceremonias. El arte aborigen tradicional casi siempre tiene un trasfondo mitológico relacionado con el Sueño. [43]
Wenten Rubuntja , un artista paisajista indígena, dice que es difícil encontrar algún arte que carezca de significado espiritual: [44]
No importa qué tipo de pintura hagamos en este país; sigue perteneciendo al pueblo, a todo el pueblo. Esto es culto, trabajo, cultura. Todo es sueño.
La narración de historias y la representación de tótems ocupan un lugar destacado en todas las formas de arte aborigen. Además, la forma femenina, en particular el útero femenino en estilo de rayos X , ocupa un lugar destacado en algunos sitios famosos de Arnhem Land . Los estilos de rayos X se remontan al año 2000-1000 a. C. Es una técnica indígena en la que el artista crea imágenes conceptualizadas, transparentes, de rayos X. Los mimi , los espíritus que enseñaron el arte de la pintura a los aborígenes, y los antepasados se "liberan" a través de este tipo de obras de arte.
Los conocimientos tradicionales y las expresiones culturales tradicionales son ambos tipos de conocimientos indígenas , según las definiciones y la terminología utilizadas en la Declaración de las Naciones Unidas sobre los Derechos de los Pueblos Indígenas y por el Comité Intergubernamental sobre Propiedad Intelectual y Recursos Genéticos, Conocimientos Tradicionales y Folclore de la Organización Mundial de la Propiedad Intelectual (OMPI). [45] La OMPI utiliza el término "expresiones culturales tradicionales" para referirse a "toda forma de expresión artística y literaria en la que se incorporan la cultura y los conocimientos tradicionales. Se transmiten de una generación a la siguiente e incluyen textiles hechos a mano, pinturas, historias, leyendas, ceremonias, música, canciones, ritmos y danzas". [46]
La principal autoridad internacional en materia de propiedad intelectual y cultural indígena, la abogada australiana Terri Janke , dice que dentro de las comunidades indígenas australianas, "el uso de la palabra 'tradicional' tiende a no ser preferido ya que implica que la cultura indígena está anclada en el tiempo". [45]
Muchos sitios de pinturas rupestres aborígenes de importancia cultural e histórica se han degradado con el tiempo, además de haber sido profanados y destruidos por la invasión de los primeros colonos y los visitantes actuales (incluida la erosión causada por el contacto excesivo), la tala para el desarrollo de industrias y el vandalismo y los grafitis desenfrenados en actos de destrucción criminal. A continuación se citan algunos ejemplos recientes.
En 2022, en un suceso que fue noticia en todo el mundo, [47] [48] una obra de arte única de 30.000 años de antigüedad en la cueva Koonalda en la llanura de Nullarbor en el sur de Australia , que había sido declarada patrimonio en 2014 debido a su rareza, fue vandalizada y gran parte de la obra de arte quedó irrecuperable. El sitio era de gran importancia para el pueblo Mirning . [49]
En 2023, se retiraron tres grandes paneles de arte rupestre de Murujuga , en Australia Occidental , para construir una nueva fábrica de fertilizantes. Varios arqueólogos han instado a otros a unirse a las voces aborígenes para protestar contra este tipo de daños a los sitios culturales. [50]
A finales de 2023 y principios de 2024, el sitio de arte aborigen Bulgandry en el Parque Nacional Brisbane Water , un antiguo sitio de arte aborigen en Nueva Gales del Sur, fue vandalizado dos veces en unos pocos meses. El Servicio de Parques Nacionales y Vida Silvestre de Nueva Gales del Sur cerró un sendero peatonal que conducía al sitio, instaló carteles e instaló cámaras de vigilancia, en un intento de evitar más daños. [51]
La mitología y la cultura, profundamente influenciadas por el océano y la vida natural que rodea las islas, siempre han dado forma a las formas de arte tradicionales. Destacan las tortugas , los peces, los dugongos , los tiburones, las aves marinas y los cocodrilos de agua salada , que se consideran seres totémicos . [52]
Los elaborados tocados o dhari (también escritos dari [53] ), como los que aparecen en la bandera de los isleños del Estrecho de Torres , se crean para los propósitos de las danzas ceremoniales. [54] El dari fue usado históricamente por los guerreros del Estrecho de Torres en la batalla. Se considera un símbolo poderoso del pueblo de los isleños del Estrecho de Torres, que hoy representa la paz y la armonía. El artista de renombre mundial Ken Thaiday Snr ha creado elaborados dharis utilizando materiales modernos en su obra de arte contemporánea. [55]
Los isleños del Estrecho de Torres son la única cultura del mundo que fabrica máscaras de caparazón de tortuga , conocidas como krar (caparazón de tortuga) en las islas occidentales y le-op (cara humana) en las islas orientales. [56]
Entre las formas de arte más destacadas se encuentra el wame (alt. wameya ), muchas figuras de cuerdas diferentes . [57] [58] [59]
Las islas tienen una larga tradición de tallado de madera , creación de máscaras y tambores, y tallado de elementos decorativos en estos y otros elementos para uso ceremonial. A partir de la década de 1970, los jóvenes artistas comenzaron sus estudios aproximadamente al mismo tiempo que se estaba produciendo una reconexión significativa con los mitos y leyendas tradicionales. Las publicaciones de Margaret Lawrie, Myths and Legends of the Torres Strait (1970) y Tales from the Torres Strait (1972), que revivían historias que casi habían sido olvidadas, influyeron enormemente en los artistas. [60] [61] Si bien Haddon había escrito algunas de estas historias después de su expedición de 1898 al estrecho de Torres, [62] muchas habían caído en desuso o habían sido olvidadas posteriormente.
Los símbolos tradicionales varían ampliamente entre los diferentes grupos de aborígenes, que suelen estar relacionados con grupos lingüísticos . Desde que la pintura de puntos se hizo popular a partir de la década de 1970 y se desarrolló aún más en el arte indígena contemporáneo, se ha convertido en una percepción común que todo el arte aborigen utiliza el simbolismo de los puntos. El artista de Nueva Gales del Sur Shane Smithers ha señalado que las representaciones de arte aborigen en las carreteras de su país no representan el arte y las tradiciones simbólicas de su pueblo ( Dharug y Dharawal ), que utilizan líneas en lugar de puntos, que son un lenguaje visual de la región del desierto occidental. [63]
En la década de 1930, los artistas Rex Battarbee y John Gardner introdujeron la pintura de acuarela a Albert Namatjira , un hombre indígena de la Misión Hermannsberg , al suroeste de Alice Springs. Sus pinturas de paisajes, creadas por primera vez en 1936 [64] y exhibidas en ciudades australianas en 1938, tuvieron un éxito inmediato [65] y se convirtió en el primer acuarelista indígena australiano, así como en el primero en exhibir y vender con éxito sus obras a la comunidad no indígena. [66] El estilo de trabajo de Namatjira fue adoptado por otros artistas indígenas de la región, comenzando por sus parientes varones cercanos, y se los conoció como la Escuela de Hermannsburg [67] o como los Acuarelistas de Arrernte . [68]
En 1988 se inauguró el Memorial Aborigen en la Galería Nacional de Australia en Canberra, hecho con 200 ataúdes de troncos huecos , que son similares al tipo utilizado para las ceremonias mortuorias en Arnhem Land. Se hizo para el bicentenario de la colonización de Australia y es en memoria de los aborígenes que habían muerto protegiendo su tierra durante el conflicto con los colonos. Fue creado por 43 artistas de Ramingining y comunidades cercanas. [69]
A finales de los años 1980 y principios de los años 1990, la obra de Emily Kngwarreye , de la comunidad Utopia al noreste de Alice Springs , se hizo muy popular. Sus estilos, que cambiaban cada año, han sido vistos como una mezcla de lo aborigen tradicional y lo australiano contemporáneo. Su aumento de popularidad ha prefigurado el de muchos artistas indígenas del centro, norte y oeste de Australia, como su sobrina Kathleen Petyarre , Angelina Pwerle , Minnie Pwerle , Dorothy Napangardi y muchos otros. [70]
En 1971-1972, el profesor de arte Geoffrey Bardon animó a los aborígenes de Papunya , al noroeste de Alice Springs, a plasmar sus sueños en lienzo. Estas historias se habían dibujado anteriormente en la arena del desierto y ahora tenían una forma más permanente. [ cita requerida ] Los puntos se utilizaban para cubrir ceremonias secretas y sagradas. Originalmente, los artistas de Tula lograron formar su propia empresa con un nombre aborigen, Papunya Tula Artists Pty Ltd. [71] La Colección Papunya del Museo Nacional de Australia contiene más de 200 artefactos y pinturas, incluidos ejemplos de pinturas de puntos de la década de 1970. [72]
Se han dado casos de algunos comerciantes explotadores que han tratado de sacar provecho del éxito de los movimientos artísticos aborígenes, en particular después del auge de las ventas de arte entre 1994 y 1997. [73] En agosto de 2006, a raíz de las preocupaciones planteadas sobre prácticas poco éticas en el sector del arte indígena, el Senado australiano inició una investigación sobre los problemas del sector, y su informe se publicó en 2007. [74]
Los movimientos y cooperativas de arte indígena australiano han sido fundamentales para el surgimiento del arte indígena australiano. Mientras que muchos artistas occidentales buscan una formación formal y trabajan como individuos, la mayor parte del arte indígena contemporáneo se crea en grupos comunitarios y centros de arte. [75] Una de las principales razones por las que se estableció el movimiento Yuendumu , con sede en Warlukurlangu Artists , y luego floreció, fue el sentimiento de explotación entre los artistas. [76]
En la década de 1990, un grupo de artistas más jóvenes de las islas del Estrecho de Torres, incluido el galardonado Dennis Nona (nacido en 1973), comenzó a traducir las habilidades tradicionales en formas más portátiles de grabado , linograbado y aguafuerte , así como esculturas de bronce a mayor escala . Otros artistas destacados incluyen a Billy Missi (1970-2012), conocido por sus linograbados decorados en blanco y negro de la vegetación y los ecosistemas locales, y Alick Tipoti (nacido en 1975). Estos y otros artistas del Estrecho de Torres han expandido enormemente las formas de arte indígena dentro de Australia, aportando magníficas habilidades de tallado melanesio, así como nuevas historias y temas. [56] El Colegio de Educación Técnica y Superior en la isla Thursday fue un punto de partida para que los jóvenes isleños siguieran estudios de arte. Muchos continuaron sus estudios de arte, especialmente en grabado, inicialmente en Cairns , Queensland y más tarde en la Universidad Nacional Australiana en lo que ahora es la Escuela de Arte y Diseño. Otros artistas como Laurie Nona, Brian Robinson, David Bosun, Glen Mackie, Joemen Nona, Daniel O'Shane y Tommy Pau son conocidos por su trabajo de grabado. [77]
El arte indígena australiano ha sido muy estudiado en los últimos años y ha ganado un gran reconocimiento internacional. [78] A la galería Rebecca Hossack de Londres se le atribuye el mérito de haber introducido "casi sin ayuda de nadie" el arte indígena australiano en Gran Bretaña y Europa desde su apertura en 1988. [79]
El Museo del Quai Branly en París , Francia, que abrió sus puertas en 2006, tiene una colección "Oceanía". [80] También encargó pinturas para el techo y los cielorrasos de su edificio en la rue de l'Université , que alberga los talleres y la biblioteca del museo, a cuatro artistas aborígenes contemporáneos femeninos y cuatro masculinos: Lena Nyadbi , Judy Watson , Gulumbu Yunupingu , Ningura Napurrula ; John Mawurndjul , Paddy Nyunkuny Bedford , Michael Riley y Yannima Tommy Watson . [81] [82]
Los museos dedicados exclusivamente al arte indígena fuera de Australia incluyen los siguientes:
{{cite book}}: CS1 maint: varios nombres: lista de autores ( enlace )Muchos de los artistas que desempeñaron papeles cruciales en la fundación del centro de arte eran conscientes del creciente interés por el arte aborigen durante la década de 1970 y habían observado con preocupación y curiosidad los avances del movimiento artístico en Papunya entre las personas con las que tenían una relación estrecha. También había un creciente mercado privado de arte aborigen en Alice Springs. Las experiencias de los artistas en el mercado privado estuvieron marcadas por sentimientos de frustración y una sensación de impotencia cuando los compradores se negaban a pagar precios que reflejaran el valor del
Jukurrpa
o mostraban poco interés en comprender la historia.
Ponencia de conferencia, [de] Australian Print Symposium. Canberra: National Gallery of Australia, 1987 – en curso
Fuentes
