El arte sistémico es un arte influenciado por la cibernética y la teoría de sistemas , que reflexiona sobre los sistemas naturales, los sistemas sociales y los signos sociales del propio mundo del arte . [1]
El arte sistémico surgió como parte de la primera ola del movimiento de arte conceptual extendido en las décadas de 1960 y 1970. Términos estrechamente relacionados y superpuestos son movimiento antiforma , arte cibernético , sistemas generativos , arte procesual , estética de sistemas , arte sistémico , pintura sistémica y esculturas de sistemas .
A principios de la década de 1960, el minimalismo había surgido como un movimiento abstracto en el arte (con raíces en la abstracción geométrica a través de Malevich , la Bauhaus y Mondrian ) que rechazaba la idea de la pintura relacional y subjetiva, la complejidad de las superficies expresionistas abstractas y el espíritu emocional de la época. y polémicas presentes en el ámbito de la pintura de acción . El minimalismo sostenía que la simplicidad extrema podía capturar toda la representación sublime necesaria en el arte. El término arte sistemático fue acuñado por Lawrence Alloway en 1966 como una descripción del método que utilizaban artistas como Kenneth Noland , Al Held y Frank Stella para componer pinturas abstractas . [2]
Asociado a pintores como Frank Stella , el minimalismo en la pintura, a diferencia de otros ámbitos, es un movimiento modernista. Dependiendo del contexto, el minimalismo podría interpretarse como un precursor del movimiento posmoderno. Visto desde la perspectiva de los escritores que a veces lo clasifican como un movimiento posmoderno, el minimalismo temprano comenzó y tuvo éxito como un movimiento modernista que produjo obras avanzadas, pero que abandonó parcialmente este proyecto cuando algunos artistas cambiaron de dirección a favor del movimiento antiforma.
A finales de la década de 1960, el término posminimalismo fue acuñado por Robert Pincus-Witten [3] para describir el arte derivado del minimalismo que tenía contenidos y connotaciones contextuales que el minimalismo rechazaba, y se aplicó al trabajo de Eva Hesse , Keith Sonnier , Richard Serra y los nuevos. obra de los ex minimalistas Robert Smithson , Robert Morris , Bruce Nauman , Sol LeWitt y Barry Le Va, entre otros. Minimalistas como Donald Judd , Dan Flavin , Carl Andre , Agnes Martin , John McCracken y otros continuaron produciendo sus pinturas y esculturas del modernismo tardío durante el resto de sus carreras.
La retroalimentación de audio y el uso de bucles de cinta , síntesis de sonido y composiciones generadas por computadora reflejaron una conciencia cibernética de la información, los sistemas y los ciclos. Estas técnicas se generalizaron en la década de 1960 en la industria musical. Los efectos visuales de la retroalimentación electrónica se convirtieron en un foco de investigación artística a finales de la década de 1960, cuando los equipos de vídeo llegaron por primera vez al mercado de consumo. Steina y Woody Vasulka , por ejemplo, utilizaron "todo tipo y combinación de señales de audio y vídeo para generar retroalimentación electrónica en sus respectivos medios correspondientes". [4]
Con trabajos relacionados de Edward Ihnatowicz, Wen-Ying Tsai y el cibernético Gordon Pask y la cinética animista de Robert Breer y Jean Tinguely , la década de 1960 produjo una variedad de arte cibernético que estaba muy preocupado por los circuitos compartidos dentro y entre los vivos y los seres vivos. tecnológico. A finales de la década de 1960 también surgió una línea de teoría del arte cibernético. Escritores como Jonathan Benthall y Gene Youngblood recurrieron a la cibernética y la cibernética. Los contribuyentes más importantes aquí fueron el artista y teórico británico Roy Ascott con su ensayo "Behaviourist Art and the Cybernetic Vision" en la revista Cybernetica (1966-67), y el crítico y teórico estadounidense Jack Burnham . En Beyond Modern Sculpture de 1968, Burnham convierte el arte cibernético en una extensa teoría que se centra en el impulso del arte por imitar y, en última instancia, reproducir la vida. [5] También en 1968, la curadora Jasia Reichardt organizó la exposición histórica, Cybernetic Serendipity , en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres.
El arte generativo es arte que ha sido generado, compuesto o construido de manera algorítmica mediante el uso de sistemas definidos por algoritmos de software de computadora, o procesos autónomos matemáticos, mecánicos o aleatorios similares. Sonia Landy Sheridan estableció Generative Systems como un programa en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 1970 en respuesta al cambio social provocado en parte por la revolución de las comunicaciones entre computadoras y robots. [6] El programa, que reunió a artistas y científicos, fue un esfuerzo por convertir el papel pasivo del artista en uno activo mediante la promoción de la investigación de los sistemas científico-tecnológicos contemporáneos y su relación con el arte y la vida. A diferencia del arte de la fotocopiadora, que era un simple producto derivado comercial, Generative Systems participó en realidad en el desarrollo de sistemas elegantes pero simples destinados al uso creativo por parte de la población en general. Los artistas de Sistemas Generativos intentaron cerrar la brecha entre la élite y los novatos dirigiendo la línea de comunicación entre los dos, llevando así la información de primera generación a un mayor número de personas y evitando al emprendedor. [6]
El arte procesual es un movimiento artístico , así como un sentimiento creativo y una visión del mundo donde el producto final del arte y la artesanía , el objeto de arte , no es el foco principal. El "proceso" en el arte procesual se refiere al proceso de formación del arte: reunir, clasificar, cotejar, asociar y modelar. El arte procesual se ocupa del hacer real ; El arte como rito, ritual y performance. El arte procesual a menudo implica una motivación, una lógica y una intencionalidad inherentes . Por lo tanto, el arte se ve como un viaje o proceso creativo, más que como un producto final o entregable.
En el discurso artístico, la obra de Jackson Pollock es saludada como un antecedente. El arte procesual, en su empleo de la casualidad, tiene una marcada correspondencia con el dadaísmo . El cambio y la fugacidad son temas marcados en el movimiento del arte procesual. El Museo Guggenheim afirma que Robert Morris realizó en 1968 una exposición y un ensayo innovadores que definían el movimiento y el sitio web del museo afirma que "los artistas de proceso estuvieron involucrados en cuestiones relacionadas con el cuerpo, sucesos aleatorios, improvisación y las cualidades liberadoras de materiales no tradicionales como el cera , fieltro y látex , con los que creaban formas excéntricas en disposiciones erráticas o irregulares producidas por acciones como cortar, colgar y dejar caer, o procesos orgánicos como crecimiento, condensación , congelación o descomposición ". [8]
Según Chilvers (2004), “a principios de 1966 el crítico de arte británico Lawrence Alloway había acuñado el término “arte sistémico”, para describir un tipo de arte abstracto caracterizado por el uso de formas estandarizadas muy simples, generalmente de carácter geométrico , ya sea en una sola imagen concentrada, o repetida en un sistema dispuesto según un principio de organización claramente visible. Consideró las pinturas en forma de galón de Kenneth Noland como ejemplos de arte sistémico, y consideró esto como una rama del arte minimalista ". [9]
John G. Harries consideró un terreno común en las ideas que subyacen a los desarrollos del arte del siglo XX, como el arte serial , el arte sistémico, el constructivismo y el arte cinético . Este tipo de arte a menudo no surge directamente de la observación de cosas visibles en el entorno natural externo, sino de la observación de las formas representadas y de la relación entre ellas. [10] El arte sistémico, según Harries, representa un intento deliberado por parte de los artistas de desarrollar un marco de referencia más flexible. Un estilo en el que su marco de referencia se toma como un modelo a emular más que como un sistema cognitivo, que sólo conduce a la institucionalización del modelo impuesto. Pero transferir el significado de una imagen a su ubicación dentro de una estructura sistémica no elimina la necesidad de definir los elementos constitutivos del sistema: si no están definidos, no sabremos cómo construir el sistema. [10]
Pintura Sistémica, según Auping (1989), “fue el título de una exposición muy influyente que tuvo lugar en el Museo Guggenheim en 1966 y cuya introducción escribió el curador Lawrence Alloway . La muestra contenía numerosas obras que muchos críticos hoy considerarían parte del Minimalismo”. arte ". [11] En el catálogo, Alloway señaló que... "las pinturas, como las de esta exposición, no son, como se ha afirmado a menudo, impersonales. Lo personal no se elimina mediante el uso de una técnica clara: el anonimato no es una consecuencia de muy acabado un cuadro". [12] El término "pintura sistémica" se ha convertido más tarde en el nombre para los artistas que emplean sistemas y toman una serie de decisiones estéticas antes de comenzar a pintar. [13]
Según Feldman (1987), " el arte en serie , la pintura en serie, la escultura de sistemas y el arte ABC , fueron estilos artísticos de las décadas de 1960 y 1970 en los que se repiten configuraciones geométricas simples con poca o ninguna variación. Las secuencias adquieren importancia como en el contexto matemático y lingüístico". ". Estas obras se basan en disposiciones simples de volúmenes y vacíos básicos, superficies producidas mecánicamente y permutaciones algebraicas de forma. Sin embargo, el impacto en el espectador es todo menos simple". [14]
