La crítica de arte es la discusión o evaluación del arte visual . [1] [2] [3] Los críticos de arte suelen criticar el arte en el contexto de la estética o la teoría de la belleza. [2] [3] Un objetivo de la crítica de arte es la búsqueda de una base racional para la apreciación del arte [1] [2] [3] pero es cuestionable si dicha crítica puede trascender las circunstancias sociopolíticas prevalecientes. [4]
La variedad de movimientos artísticos ha dado lugar a una división de la crítica de arte en diferentes disciplinas, cada una de las cuales puede utilizar criterios diferentes para sus juicios. [3] [5] La división más común en el campo de la crítica es entre crítica y evaluación histórica, una forma de historia del arte , y crítica contemporánea del trabajo de artistas vivos. [1] [2] [3]
A pesar de la percepción de que la crítica de arte es una actividad de mucho menor riesgo que la creación de arte, las opiniones sobre el arte actual siempre están sujetas a correcciones drásticas con el paso del tiempo. [2] Los críticos del pasado a menudo son ridiculizados por desestimar a artistas ahora venerados (como los primeros trabajos de los impresionistas ). [3] [6] [7] Algunos movimientos artísticos fueron nombrados despectivamente por los críticos, y el nombre fue adoptado más tarde como una especie de insignia de honor por los artistas del estilo (por ejemplo, impresionismo , cubismo ), con el significado negativo original. olvidado. [6] [8]
Los artistas a menudo han tenido una relación incómoda con sus críticos. Los artistas suelen necesitar opiniones positivas de los críticos para que su obra sea vista y comprada; Desafortunadamente para los artistas, sólo las generaciones posteriores podrán entenderlo. [2] [9]
Hay muchas variables diferentes que determinan el juicio sobre el arte, como la estética, la cognición o la percepción. El arte es un instinto humano con una amplia gama de formas y expresiones. El arte puede existir por sí solo con un juicio instantáneo o ser visto con un conocimiento más profundo. Teorías estéticas, pragmáticas, expresivas, formalistas, relativistas, procesionales, imitativas, rituales, cognitivas, miméticas y posmodernas, son algunas de las muchas teorías para criticar y valorar el arte. La crítica y apreciación del arte puede ser subjetiva y basarse en la preferencia personal hacia la estética y la forma, o puede basarse en los elementos y principios del diseño y en la aceptación social y cultural. [ cita necesaria ]
La crítica de arte tiene muchos, y a menudo numerosos, puntos de vista subjetivos que son casi tan variados como personas que la practican. [2] [3] Es difícil encontrar una definición más estable que la actividad relacionada con la discusión e interpretación del arte y su valor. [3] Dependiendo de quién escriba sobre el tema, la "crítica de arte" en sí misma puede obviarse como objetivo directo o puede incluir la historia del arte en su marco. [3] Independientemente de los problemas de definición, la crítica de arte puede referirse a la historia del oficio en sus ensayos y la propia historia del arte puede utilizar métodos críticos implícitamente. [2] [3] [7] Según el historiador de arte R. Siva Kumar , "Las fronteras entre la historia del arte y la crítica de arte... ya no están tan firmemente trazadas como antes. Quizás comenzó cuando los historiadores del arte tomaron interés por el arte moderno." [10]
La crítica de arte incluye un aspecto descriptivo, [3] donde la obra de arte se traduce suficientemente en palabras como para permitir que se presente un caso. [2] [3] [7] [11] La evaluación de una obra de arte que sigue la descripción (o se intercala con ella) depende tanto de la producción del artista como de la experiencia del crítico. [2] [3] [8] En una actividad con un componente subjetivo tan marcado hay una variedad de formas en las que se puede realizar. [2] [3] [7] Como extremos en un espectro posible, [12] mientras algunos prefieren simplemente comentar las impresiones inmediatas causadas por un objeto artístico, [2] [3] otros prefieren un enfoque más sistemático que recurre al conocimiento técnico , favoreció la teoría estética y el contexto sociocultural conocido en el que está inmerso el artista para discernir su intención. [2] [3] [7]
Las críticas del arte probablemente se originaron en los orígenes del arte mismo, como lo demuestran los textos encontrados en las obras de Platón , Vitruvio o Agustín de Hipona , entre otros, que contienen formas tempranas de crítica de arte. [3] Además, los mecenas adinerados han contratado, al menos desde el comienzo del Renacimiento , evaluadores de arte intermediarios para ayudarles en la adquisición de encargos y/o piezas terminadas. [13] [14]
La crítica de arte como género literario adquirió su forma moderna en el siglo XVIII. [3] El primer uso del término crítica de arte fue por parte del pintor inglés Jonathan Richardson en su publicación de 1719 An Essay on the Whole Art of Criticism . En este trabajo intentó crear un sistema objetivo para la clasificación de obras de arte. Siete categorías, entre ellas dibujo, composición, invención y coloración, recibieron una puntuación de 0 a 18, que se combinaron para dar una puntuación final. El término que introdujo rápidamente se hizo popular, especialmente cuando la clase media inglesa comenzó a ser más exigente en sus adquisiciones de arte, como símbolos de su alardeado estatus social. [15]
En Francia e Inglaterra, a mediados del siglo XVIII, el interés del público por el arte comenzó a generalizarse y el arte se exhibía regularmente en los Salones de París y en las Exposiciones de Verano de Londres. Los primeros escritores que adquirieron una reputación individual como críticos de arte en la Francia del siglo XVIII fueron Jean-Baptiste Dubos con sus Réflexions critiques sur la poésie et sur la peinture (1718) [16] , que obtuvo el elogio de Voltaire por la sagacidad de su enfoque. a la teoría estética; [17] y Étienne La Font de Saint-Yenne con Reflexions sur quelques cause de l'état présent de la peinture en France quien escribió sobre el Salón de 1746, [18] comentando el marco socioeconómico de la producción del entonces popular Barroco estilo artístico, [19] lo que llevó a una percepción de sentimientos antimonárquicos en el texto. [20]
El escritor francés del siglo XVIII Denis Diderot hizo avanzar enormemente el medio de la crítica de arte. "El Salón de 1765" [21] de Diderot fue uno de los primeros intentos reales de plasmar el arte en palabras. [22] Según el historiador de arte Thomas E. Crow , "Cuando Diderot se dedicó a la crítica de arte, fue inmediatamente después de la primera generación de escritores profesionales que se dedicaron a ofrecer descripciones y juicios de la pintura y la escultura contemporáneas. La demanda de tal comentario fue producto de la igualmente novedosa institución de exposiciones públicas, periódicas y gratuitas de las últimas novedades del arte". [23]
Mientras tanto, en Inglaterra, una exposición de la Sociedad de Artes en 1762 y posteriormente, en 1766, provocó una avalancha de folletos críticos, aunque anónimos. Los periódicos y publicaciones periódicas de la época, como el London Chronicle , comenzaron a publicar columnas de crítica de arte; una forma que despegó con la fundación de la Royal Academy en 1768. En la década de 1770, el Morning Chronicle se convirtió en el primer periódico en revisar sistemáticamente el arte presentado en las exposiciones. [15]
A partir del siglo XIX, la crítica de arte se convirtió en una vocación más común e incluso una profesión, [3] desarrollando en ocasiones métodos formalizados basados en teorías estéticas particulares . [2] [3] [5] [12] En Francia, surgió una brecha en la década de 1820 entre los defensores de las formas tradicionales de arte neoclásico y la nueva moda romántica . Los neoclásicos, bajo Étienne-Jean Delécluze, defendieron el ideal clásico y prefirieron formas cuidadosamente terminadas en las pinturas. Los románticos, como Stendhal , criticaron los viejos estilos por considerarlos demasiado formularios y carentes de sentimiento. En cambio, defendieron los nuevos matices expresivos, idealistas y emocionales del arte romántico. En Inglaterra también se produjo un debate similar, aunque más apagado. [15]
Uno de los críticos destacados en Inglaterra en aquella época fue William Hazlitt , pintor y ensayista. Escribió sobre su profundo placer por el arte y su creencia de que las artes podrían usarse para mejorar la generosidad de espíritu de la humanidad y el conocimiento del mundo que la rodea. Formó parte de una marea creciente de críticos ingleses que comenzaron a sentirse incómodos con la dirección cada vez más abstracta en la que se movía el arte paisajístico de JMW Turner . [15]
Uno de los grandes críticos del siglo XIX fue John Ruskin . En 1843 publicó Pintores modernos , que repetía conceptos de "Paisaje y pintura de retratos" en The Yankee (1829) del primer crítico de arte estadounidense John Neal [24] en su distinción entre "cosas vistas por el artista" y "cosas tal como son". son." [25] A través de un análisis minucioso y atención al detalle, Ruskin logró lo que el historiador del arte EH Gombrich llamó "el trabajo de crítica científica de arte más ambicioso jamás intentado". Ruskin se hizo famoso por su prosa rica y fluida, y más adelante en su vida se diversificó para convertirse en un crítico activo y de amplio alcance, publicando obras sobre arquitectura y arte renacentista , incluidas las Piedras de Venecia .
Otra figura dominante en la crítica de arte del siglo XIX fue el poeta francés Charles Baudelaire , cuya primera obra publicada fue su revista de arte Salón de 1845 , [26] que atrajo la atención inmediata por su audacia. [27] Muchas de sus opiniones críticas fueron novedosas en su época, [27] incluida su defensa de Eugène Delacroix . [28] Cuando la famosa Olimpia (1865) de Édouard Manet , retrato de una cortesana desnuda, provocó un escándalo por su descarado realismo, [29] Baudelaire trabajó en privado para apoyar a su amigo. [30] Afirmó que "la crítica debe ser parcial, apasionada, política, es decir, formulada desde un punto de vista excluyente, pero también desde un punto de vista que abra el mayor número de horizontes". Trató de sacar el debate de las viejas posiciones binarias de décadas anteriores, declarando que "el verdadero pintor será aquel que pueda arrancar a la vida contemporánea su aspecto épico y hacernos ver y comprender, con el color o el dibujo, cuán grande y poéticos estamos con nuestras corbatas y nuestras botas lustradas". [15]
En 1877, John Ruskin se burló de Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket después de que el artista James McNeill Whistler lo mostrara en la Grosvenor Gallery : [31] "He visto y oído mucho del descaro cockney hasta ahora; pero nunca esperé "Escuchar a un imbécil pedir doscientas guineas por arrojar un bote de pintura a la cara del público". [32] Esta crítica provocó que Whistler demandara al crítico por difamación. [33] [34] El caso judicial que siguió resultó ser una victoria pírrica para Whistler. [35] [36] [37]
Hacia finales del siglo XIX, comenzó a ganar terreno en Inglaterra un movimiento hacia la abstracción, en contraposición a los contenidos específicos, defendido en particular por el dramaturgo Oscar Wilde . A principios del siglo XX, estas actitudes se fusionaron formalmente en una filosofía coherente, a través del trabajo de los miembros del Grupo Bloomsbury, Roger Fry y Clive Bell . [39] [40] Como historiador del arte en la década de 1890, Fry quedó intrigado por el nuevo arte modernista y su alejamiento de la representación tradicional. Su exposición de 1910 de lo que llamó arte postimpresionista atrajo muchas críticas por su iconoclasia. Se defendió vigorosamente en una conferencia, en la que argumentó que el arte se había movido para intentar descubrir el lenguaje de la imaginación pura, en lugar de la captura científica, seria y, en su opinión, deshonesta del paisaje. [41] [42] El argumento de Fry resultó ser muy influyente en ese momento, especialmente entre la élite progresista. Virginia Woolf comentó que: "en diciembre de 1910 o alrededor de esa fecha [la fecha en que Fry pronunció su conferencia] el carácter humano cambió". [15]
Independientemente, y al mismo tiempo, Clive Bell argumentó en su libro Art de 1914 que toda obra de arte tiene su "forma significativa" particular, mientras que el tema convencional era esencialmente irrelevante. Este trabajo sentó las bases del enfoque formalista del arte. [5] En 1920, Fry argumentó que "me da lo mismo si represento a un Cristo o una cacerola , ya que lo que me interesa es la forma, y no el objeto en sí". Además de ser un defensor del formalismo , argumentó que el valor del arte radica en su capacidad de producir una experiencia estética distintiva en el espectador. una experiencia que llamó "emoción estética". La definió como aquella experiencia que surge de la forma significativa. También sugirió que la razón por la que experimentamos emoción estética en respuesta a la forma significativa de una obra de arte es que percibimos esa forma como una expresión de una experiencia que tiene el artista. La experiencia del artista, a su vez, sugirió, era la experiencia de ver los objetos ordinarios del mundo como forma pura: la experiencia que uno tiene cuando ve algo no como un medio para otra cosa, sino como un fin en sí mismo. [ cita necesaria ]
Herbert Read fue un defensor de artistas británicos modernos como Paul Nash , Ben Nicholson , Henry Moore y Barbara Hepworth y se asoció con el grupo de arte contemporáneo Unit One de Nash. Se centró en el modernismo de Pablo Picasso y Georges Braque , y en 1929 publicó un influyente ensayo sobre el significado del arte en The Listener . [43] [44] [45] [46] También editó la innovadora revista Burlington (1933-1938) y ayudó a organizar la Exposición Surrealista Internacional de Londres en 1936. [47]
Como en el caso de Baudelaire en el siglo XIX, el fenómeno del poeta-crítico apareció una vez más en el siglo XX, cuando el poeta francés Apollinaire se convirtió en el campeón del cubismo. [48] [49] Más tarde, el escritor francés y héroe de la Resistencia André Malraux escribió extensamente sobre arte, [50] yendo mucho más allá de los límites de su Europa natal. [51] Su convicción de que la vanguardia en América Latina residía en el muralismo mexicano ( Orozco , Rivera y Siqueiros ) [ cita requerida ] cambió luego de su viaje a Buenos Aires en 1958. Luego de visitar los estudios de varios artistas argentinos en compañía del joven Director del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires Rafael Squirru , Malraux declaró que la nueva vanguardia estará en los nuevos movimientos artísticos argentinos . [ cita necesaria ] Squirru, un poeta-crítico que se convirtió en Director Cultural de la OEA en Washington, DC , durante la década de 1960, fue el último en entrevistar a Edward Hopper antes de su muerte, contribuyendo a un resurgimiento del interés por el artista estadounidense. [52]
En la década de 1940 no sólo había pocas galerías ( The Art of This Century ) sino también pocos críticos dispuestos a seguir el trabajo de la Vanguardia neoyorquina. [53] También hubo algunos artistas con formación literaria, entre ellos Robert Motherwell y Barnett Newman , que también actuaron como críticos. [54] [55] [56]
Aunque Nueva York y el mundo no estaban familiarizados con la vanguardia neoyorquina , [53] a finales de la década de 1940 la mayoría de los artistas que hoy se han convertido en nombres conocidos tenían sus críticos mecenas bien establecidos. [57] Clement Greenberg defendió el expresionismo abstracto y los pintores de campos de color como Jackson Pollock , Clyfford Still , Mark Rothko , Barnett Newman , Adolph Gottlieb y Hans Hofmann . [58] [59] [60] [61] [62] [63] [64] Harold Rosenberg parecía preferir a los pintores de acción como Willem de Kooning y Franz Kline . [65] [66] Thomas B. Hess , editor en jefe de ARTnews , defendió a Willem de Kooning . [67]
Los nuevos críticos elevaron a sus protegidos al considerar a otros artistas como "seguidores" o ignorando a aquellos que no cumplían su objetivo promocional. [5] [68] Como ejemplo, en 1958, Mark Tobey "se convirtió en el primer pintor estadounidense desde Whistler (1895) en ganar el primer premio en la Bienal de Venecia. Las dos principales revistas de arte de Nueva York no estaban interesadas. Arts mencionó el histórico evento sólo en una columna de noticias y Art News (editor en jefe: Thomas B. Hess) lo ignoró por completo. The New York Times y Life publicaron artículos destacados". [69]
Barnett Newman , miembro fallecido del Uptown Group, escribió prólogos y reseñas de catálogos y, a finales de la década de 1940, se convirtió en artista expositor en la Galería Betty Parsons. Su primera exposición individual fue en 1948. Poco después de su primera exposición, Barnett Newman comentó en una de las sesiones de artistas en Studio 35: "Estamos en el proceso de hacer el mundo, hasta cierto punto, a nuestra propia imagen". [70] Utilizando sus habilidades de escritura, Newman luchó en cada paso del camino para reforzar su imagen recién establecida como artista y promover su trabajo. Un ejemplo es su carta a Sidney Janis del 9 de abril de 1955:
Es cierto que Rothko habla del luchador. Él lucha, sin embargo, por someterse al mundo filisteo. Mi lucha contra la sociedad burguesa ha implicado su rechazo total. [71]
La persona que se cree que tuvo más que ver con la promoción de este estilo fue un trotskista de Nueva York , Clement Greenberg . [5] [57] Como crítico de arte durante mucho tiempo para Partisan Review y The Nation , se convirtió en uno de los primeros y alfabetizados defensores del expresionismo abstracto. [5] El artista Robert Motherwell , adinerado, se unió a Greenberg para promover un estilo que se adaptaba al clima político y la rebeldía intelectual de la época. [72]
Clement Greenberg proclamó el expresionismo abstracto y, en particular , Jackson Pollock, como el epítome del valor estético. Greenberg apoyó el trabajo de Pollock sobre bases formalistas como simplemente la mejor pintura de su época y la culminación de una tradición artística que se remontaba al Cubismo y Cézanne hasta Monet , en la que la pintura se volvió cada vez más "pura" y más concentrada en lo que era "esencial" para ella. , la realización de marcas sobre una superficie plana. [73]
El trabajo de Jackson Pollock siempre ha polarizado a los críticos. Harold Rosenberg habló de la transformación de la pintura en un drama existencial en la obra de Pollock, en la que "lo que iba a plasmarse en el lienzo no era un cuadro sino un acontecimiento". "El gran momento llegó cuando se decidió pintar 'sólo por pintar'. El gesto en el lienzo fue un gesto de liberación de valores políticos, estéticos y morales". [74]
Uno de los críticos más acérrimos del expresionismo abstracto en ese momento fue el crítico de arte del New York Times, John Canaday . [75] Meyer Schapiro y Leo Steinberg también fueron importantes historiadores del arte de la posguerra que expresaron su apoyo al expresionismo abstracto. [76] [77] Durante principios y mediados de los años sesenta, los críticos de arte más jóvenes Michael Fried , Rosalind Krauss y Robert Hughes agregaron ideas considerables a la dialéctica crítica que continúa creciendo en torno al expresionismo abstracto. [78] [79] [80]
La crítica de arte feminista surgió en la década de 1970 a partir del movimiento feminista más amplio como un examen crítico tanto de las representaciones visuales de las mujeres en el arte como del arte producido por mujeres . [81] Sigue siendo un campo importante de la crítica de arte.
Hoy en día, los críticos de arte trabajan no sólo en la prensa escrita, sino también en revistas y periódicos especializados en arte. Los críticos de arte aparecen también en Internet, la televisión y la radio, así como en museos y galerías. [1] [82] Muchos también trabajan en universidades o como educadores de arte para museos. Los críticos de arte curan exposiciones y a menudo se les contrata para escribir catálogos de exposiciones. [1] [2] Los críticos de arte tienen su propia organización, una organización no gubernamental de la UNESCO , llamada Asociación Internacional de Críticos de Arte , que tiene alrededor de 76 secciones nacionales y una sección política no alineada para refugiados y exiliados. [83]
Desde principios del siglo XXI, han surgido en todo el mundo blogs y sitios web críticos de arte en línea para sumar sus voces al mundo del arte. [84] [85] Muchos de estos escritores utilizan recursos de redes sociales como Facebook, Twitter, Tumblr y Google+ para presentar a los lectores sus opiniones sobre la crítica de arte.
