La talla de madera es una de las artes más antiguas de la humanidad. Las lanzas de madera del Paleolítico Medio , como la Lanza de Clacton , revelan cómo los humanos han trabajado la madera con fines utilitarios durante milenios. Sin embargo, dada la velocidad relativamente rápida a la que se descompone la madera en la mayoría de los entornos, solo quedan algunos artefactos antiguos aislados.
Los pueblos indígenas de América del Norte incluyen muchos objetos cotidianos, como anzuelos de madera y boquillas de pipa. De manera similar, se pueden encontrar tallas polinesias en remos y herramientas de su oficio. Los nativos de Guyana decoraban su rallador de mandioca con esquemas de volutas incisas, mientras que los nativos de la bahía de Loango adornaban sus cucharas con un diseño de figuras de pie en relieve que llevaban una hamaca. [1] La talla de madera también está presente en su arquitectura.
La textura de la madera suele resultar un reto a la hora de intentar recrear la expresión y los rasgos de un rostro. Sin embargo, la textura áspera de la madera puede adaptarse a los rasgos más rudos de un rostro envejecido. Existen ejemplos de "arrugas" en las cejas, surcos y líneas, todos ellos acentuados por los defectos naturales de la veta de la madera. [ cita requerida ]
En la antigüedad, la superficie rugosa de la madera no tenía tanta importancia, ya que las figuras se pintaban, por regla general, [1] tanto para protegerlas como para darles color. Incluso desde los tiempos más remotos, el color siempre ha sido una herramienta poderosa para resaltar la belleza y el detalle de las tallas y esculturas de madera, añadiendo profundidad y dimensión a la obra de arte.
A principios del siglo XX, la Encyclopædia Britannica , undécima edición , en la que se basa gran parte de esta entrada, comentaba: "En los últimos años, la talla ha pasado de moda. El trabajo es necesariamente lento y requiere una habilidad considerable, lo que lo hace caro. Otros métodos de decoración más baratos han desplazado a la talla de su antiguo lugar. El trabajo a máquina tiene mucho que responder, y el esfuerzo por popularizar la artesanía por medio de la clase aldeana no siempre ha logrado su propio fin. La desaparición gradual del artista individual, desplazado como ha sido por el contratista, es fatal para la continuidad de un arte que nunca puede florecer cuando se realiza a tanta distancia". [1]
El arte y la artesanía de la talla de madera continúan sobreviviendo como lo demuestra el gran número de talladores de madera que continúan practicando y promoviendo la tradición en todo el mundo.
La extrema sequedad del clima de Egipto explica la supervivencia de una serie de tallas de madera de este período remoto. Algunos paneles de madera de la tumba de Hosul Egipto, en Sakkarah , son de la III dinastía . La talla consiste en jeroglíficos egipcios y figuras en bajorrelieve, y el estilo es extremadamente delicado y fino. Un taburete que se muestra en uno de los paneles tiene patas con forma de las extremidades delanteras y traseras de un animal, una forma común en Egipto durante miles de años. [1]
En el Museo de El Cairo se puede ver la estatua de un hombre de la época de la Gran Pirámide de Giza , posiblemente del año 4000 a. C. La expresión del rostro y el realismo del porte jamás han sido superados por ningún escultor egipcio de este o de cualquier otro período. La figura está tallada en un bloque sólido de sicomoro y, de acuerdo con la costumbre egipcia, los brazos están unidos. Los ojos están incrustados con piezas de cuarzo blanco opaco, con una línea de bronce alrededor para imitar el párpado; un pequeño disco de cristal de roca transparente forma el iris, mientras que un pequeño trozo de ébano pulido fijado detrás del cristal le confiere un brillo realista. Las dinastías IV, V y VI abarcan el mejor período de la escultura egipcia. Las estatuas encontradas en las tumbas muestran una libertad de tratamiento que nunca se alcanzó en épocas posteriores. Todas son retratos, que el artista se esforzó al máximo por reproducir exactamente como su modelo. En efecto, no se trata de simples obras de arte, como las estatuas modernas, sino que tienen un significado principalmente religioso (Maspero) . Como los espíritus de los difuntos podían habitar en estas estatuas de Ka , los rasgos y las proporciones fueron copiados fielmente. [1]
En los principales museos de Europa se encuentran numerosos ejemplos egipcios : vitrinas de seres humanos [1] con sólo el rostro tallado, vitrinas de animales, a veces cajas con la figura de un lagarto, quizá, tallada en relieve completo sobre la tapa. A veces, el animal se tallaba en bulto redondo y su cuerpo ahuecado se utilizaba como vitrina.
De los muebles, todavía existen asientos plegables como el taburete de campamento moderno y sillas con patas que terminan en cabezas de bestias o pies de animales. Camas sostenidas por garras de león de las dinastías XI y XII , de Gebelein , ahora en el Museo de El Cairo , reposacabezas, de 6 u 8 pulgadas de alto, con forma de muleta en un pie, muy similares a los utilizados por los nativos de Nueva Guinea hoy, están tallados con escenas, etc., en su contorno. En el Museo Británico se puede ver un pequeño cofre, de 4 pulgadas por 21/2 pulgadas, con figuras muy delicadas talladas en bajorrelieve. Esta pequeña caja se encuentra sobre patas cabriolé de 3/4 de pulgada de largo con pies de garra, bastante al estilo Luis XV . Hay cucharones de incienso, el mango representa un ramo de flores de loto, el cuenco tiene la forma de la hoja de una planta acuática con bordes dentados de Gurnah durante la dinastía XVIII ; mangos de espejos, que representan un pequeño pilar o un tallo de loto, a veces rematado por una cabeza de Hathor , la Venus egipcia, o de Bes , dios del baño; alfileteros, en forma de una pequeña tortuga redonda con agujeros en la parte posterior para los alfileres de tocador, que también eran de madera con extremos de cabeza de perro (XI dinastía, Museo de El Cairo); y cajas de perfumes como un pez, las dos mitades formando la parte inferior y la parte superior del perfume o pomatum se extraía con pequeñas cucharas de madera, una con forma de cartucho que emerge de un loto completamente abierto, otra con forma de cuello de ganso, una tercera que consiste en un perro corriendo con un pez en su boca cerrada, el pez formando el cuenco. La lista podría prolongarse, pero se ha dicho lo suficiente para mostrar hasta qué punto de refinamiento había alcanzado el arte de la talla de madera miles de años antes del nacimiento de Cristo .
De la obra de Asiria , Grecia y Roma , en realidad se sabe poco, salvo por la historia o por inferencias. Se puede suponer con seguridad que la artesanía asiria se mantuvo al ritmo del gusto y el refinamiento variables de Grecia y de todas las civilizaciones anteriores. Las piezas importantes de escultura romana en madera que alguna vez existieron en Grecia y otros países antiguos solo las conocemos por las descripciones de Pausanias y otros escritores clásicos. Muchos ejemplos de imágenes de madera de los dioses se conservaron hasta tiempos históricos tardíos. El Palladium , o figura sagrada de Palas , que era custodiada por las vírgenes vestales en Roma y que, según se dice, fue traída por Eneas de la Troya en llamas , era una de estas figuras de madera.
Durante toda la Edad Media se crearon grandes obras de arte en madera , por ejemplo, en catedrales , abadías y otros lugares relacionados con la Iglesia. Estas obras demostraban tanto la artesanía como el arte.
Los ejemplos de talla de madera de los primeros once siglos de nuestra era son escasos debido a que la madera se descompone fácilmente en 1.000 años. Los paneles tallados de las puertas principales de Santa Sabina en el monte Aventino , en Roma, son ejemplares muy interesantes de escultura en relieve paleocristiana en madera, que datan, como muestran los vestidos, del siglo V. Las puertas están formadas por un gran número de pequeños paneles cuadrados, cada uno de ellos minuciosamente tallado con una escena del Antiguo o Nuevo Testamento. Un fragmento muy bello de arte bizantino (siglos XI o XII) se conserva en un monasterio del Monte Athos en Macedonia. Consiste en dos paneles (uno sobre el otro) de escultura en relieve, rematados por un arco de medio punto de follaje convencional que surge de columnas ornamentadas con animales en follaje de forma espiral. Los capiteles y las bases son cuadrados, y cada cara está tallada con una figura. Es una obra de arte maravillosamente fina, concebida con el mejor espíritu decorativo.
En los países escandinavos encontramos algunas obras muy tempranas de excelente diseño, tanto de naturaleza cristiana como no cristiana, como "El Bautismo" en esa parte del mundo que tuvo lugar bastante tarde en el primer milenio d.C. En el Museo de Christiania hay algunas sillas hermosas. En el Museo de Copenhague hay paneles de Islandia en el mismo estilo. Las célebres puertas de madera de Aal (1200 d.C.), Sauland, Flaa, Solder y otras iglesias noruegas (Museo de Christiania) tienen dragones y volutas intrincadas, un estilo que todavía vemos en los postes de las puertas del siglo XV en el museo Nordiska , Estocolmo , y en las obras islandesas de tiempos bastante modernos. En estos primeros días, la hoja no estaba muy desarrollada en el diseño. El tallador dependía casi por completo del tallo, un estilo de trabajo que tiene su contraparte en el trabajo birmano del siglo XVII.
Hacia el final de esta época, la talla de madera alcanzó su punto culminante. Las sillerías del coro , los biombos , los tejados y los retablos de Inglaterra , Francia y los países teutónicos de Europa nunca han sido igualados en ejecución, equilibrio y proporción. En cuanto a los diseños pequeños, los detalles, la minuciosidad y la precisión mecánica, el tallador de esta época ha tenido sus rivales, pero en cuanto a la grandeza de la concepción arquitectónica y la justa apreciación del tratamiento decorativo, el diseñador del siglo XV se destaca solo.
Siempre debe tenerse en cuenta que el color era la nota clave de este esquema. La costumbre era prácticamente universal, y quedan suficientes rastros para mostrar cuán espléndido era el efecto de estas antiguas iglesias y catedrales góticas. Los sacerdotes con sus magníficas vestimentas , las luces, el crucifijo , los estandartes y el incienso , las paredes decoradas con frescos o pañales, y esa gloria suprema del arte gótico , las vidrieras , estaban todos en armonía con estos hermosos esquemas de trabajo tallado en color. El rojo, el azul, el verde, el blanco y el dorado eran los tintes utilizados por regla general. No solo se pintaban las pantallas en colores, sino que las partes pintadas de blanco a menudo estaban decoradas con delicadas líneas y ramitas de follaje en un patrón convencional. Las superficies lisas de los paneles también estaban adornadas con santos, a menudo sobre un fondo de delicado pañal de yeso , coloreado o dorado (Southwold). Nada podía superar la belleza de los trípticos o retablos de Alemania , Flandes o Francia; La imagen está tallada en altorrelieve con escenas del Nuevo Testamento dispuestas bajo un delicado encaje de doseles y pináculos agrupados que brillan con oro y colores brillantes. En Alemania, el efecto se realzaba aún más enfatizando partes del dorado mediante un barniz transparente teñido de rojo o verde, lo que daba un tono especial al brillo metálico .
El estilo de diseño utilizado durante este gran período debe gran parte de su interés a la costumbre, ahora obsoleta, de emplear directamente al artesano y a sus hombres, en lugar de la costumbre actual de encargar el trabajo a un contratista. Es fácil rastrear cómo esas bandas de talladores viajaban de iglesia en iglesia. En un distrito, el diseñador empleaba una forma y disposición particular de hojas de parra, mientras que en otro contiguo aparecía repetidamente un estilo completamente diferente. Por supuesto, el esquema general lo planificaba un genio, pero la realización de cada sección, cada parte, cada detalle, se dejaba en manos del trabajador individual. De ahí esa variedad de tratamiento, esa diversidad infinita, que da un encanto e interés al arte gótico, desconocidos en épocas más simétricas. El artesano gótico apreciaba el hecho cardinal de que en el diseño, un hermoso detalle no garantiza necesariamente una bella composición , y subordinaba la parte individual al efecto general. También solía tallar in situ , una práctica que rara vez se sigue en la actualidad. Aquí y allá uno se encuentra con el trabajo de hace muchos años todavía sin terminar. Un banco a medio terminar y un fragmento de biombo dejado sin terminar muestran claramente que, al menos en ocasiones, la iglesia era el taller.
El diseño gótico se divide aproximadamente en dos clases:
Las líneas de tratamiento de las hojas, tan comunes en las bandas de los biombos del siglo XV y en los paneles, especialmente en Alemania, sirven para ilustrar los motivos muy diferentes de los artesanos de estas dos grandes épocas. Además, mientras que el diseñador renacentista, por regla general, hacía que los dos lados del panel fueran iguales, el tallista gótico rara vez repetía un solo detalle. Si bien sus líneas principales y su agrupación coincidían, sus detalles diferían. Entre los innumerables ejemplos, se puede mencionar un cofre del siglo XV (lámina III, fig. 6) que se encuentra en el Kunstgewerbemuseum de Berlín . La disposición de las hojas, etc., en la parte superior, posterior y frontal, es típica del gótico en su máxima expresión.
Como esta sección trata de la talla de madera en Europa en general, y no de un país en particular, las fechas que acabamos de mencionar deben ser necesariamente sólo aproximadas. El siglo XIII se caracterizó no sólo por una gran habilidad tanto en el diseño como en el tratamiento, sino también por un gran sentimiento devocional. El artesano parece no sólo haber tallado, sino haberlo hecho para la gloria de Dios. En ningún momento se concibió un trabajo con más delicadeza ni se cortó con más belleza. Este estilo gótico temprano ciertamente se prestaba a un acabado fino, y en este sentido era más adecuado para el tratamiento de la piedra que para la madera. Pero el cuidado amoroso otorgado a cada detalle parece indicar una devoción religiosa que a veces está ausente en el trabajo posterior. Se pueden ver muy buenos ejemplos de capiteles (ahora, por desgracia, divididos por el centro) en la catedral de Peterborough . Las volutas y el follaje brotan de grupos de columnas de cuatro. Deberían compararse algunas columnas italianas de la misma fecha ( Victoria and Albert Museum ), con gran ventaja para las primeras. La catedral de Exeter se jacta de misericordias insuperables para la mano de obra hábil; Sirenas, dragones, elefantes, máscaras, caballeros y otros temas introducidos en el follaje forman los diseños. La catedral de Salisbury es famosa por sus codos de sillería, y el retablo del crucero sur de Adisham , Kent , es otro excelente ejemplo que da testimonio de la gran habilidad de los talladores de madera del siglo XIII. Un conjunto de sillería muy interesante, cuya historia temprana se desconoce, se colocó en la iglesia de Barming , Kent, alrededor del año 1868. Los extremos del atril están tallados con dos volutas y un animal de pie entre ellos, y los extremos de la sillería con esculturas de figuras:
Durante este período, las formas del follaje, aunque todavía convencionales, imitaban más de cerca la naturaleza. El baldaquino del coro de Winchester contiene exquisitas tallas de roble y otras hojas. La sillería del coro de Ely y Chichester y la tumba de Eduardo III en la Abadía de Westminster son todos buenos ejemplos de este período. Exeter cuenta con un trono, el del obispo Stapledon (1308-1326), de 17 m de altura, que sigue siendo inigualable en cuanto a perfección de proporciones y delicadeza de detalles. En Francia, las sillerías de Saint Benoit-sur-Loire, Lisieux y Évreux son buenos ejemplos del siglo XIV. Pero hoy en día se pueden ver pocas obras góticas en las iglesias de este país. Es en los museos donde tenemos que buscar rastros de los antiguos talladores góticos. Los dos retablos del Museo de Dijon, obra de Jacques de Baerze (1301), escultor de Flandes que talló para Philippe le Hardi , duque de Borgoña , son obras maestras de diseño y ejecución. La tracería es de la más fina calidad, principalmente dorada sobre fondos de yeso.
A finales del siglo XIV, los escultores abandonaron en gran medida el tratamiento de las hojas naturales y adoptaron formas más convencionales. El roble y el arce ya no inspiraban a los diseñadores, pero la vid se utilizó constantemente. Se conserva una gran cantidad de obras del siglo XV, pero solo se pueden mencionar brevemente algunos de los ejemplos más hermosos que contribuyen a hacer de este período algo tan grandioso.
El retablo del coro era ahora universal. Consistía en un alto retablo de unos treinta pies de altura, en cuya parte superior descansaba un altillo, es decir, un retablo de plataforma de unos 6 pies (1,8 m) de ancho protegido a cada lado por un retablo de galería, y ya sea en la parte superior o delante de este, mirando hacia la nave, se colocaba el retablo, es decir, un gran crucifijo con figuras de Santa María y San Juan a cada lado. Este retablo del coro a veces se extendía por la iglesia en una longitud continua ( Leeds, Kent ), pero a menudo llenaba los arcos del pasillo y del presbiterio en tres divisiones separadas (Church Handborough, Oxon.). Por lo general, se llegaba al altillo por una escalera de caracol construida en el espesor de la pared del pasillo. La parte inferior de la pantalla estaba revestida con paneles sólidos hasta una altura de aproximadamente 3 pies 6 pulgadas (1,07 m) y la parte superior de este revestimiento estaba rellena de tracería (Carbrook, Norfolk), mientras que las superficies planas restantes de los paneles a menudo estaban representadas con santos sobre un fondo de delicado pañal de yeso ( Southwold, Suffolk ). Hacia el final de este período, el empleo de figuras se volvió menos común como medio de decoración, y los paneles a veces se rellenaban completamente con follaje tallado (Swimbridge, Devon). La parte superior de la pantalla del coro consistía en arcos abiertos con las cabezas rellenas de tracería perforada, a menudo enriquecidas con croquets (Seaming, Norfolk), travesaños almenados ( Hedingham Castle , Essex ) o cúspides floridas ( Eye, Suffolk ). Los parteluces estaban constantemente tallados con follaje (Cheddar, Somerset), pináculos (Causton, Norfolk), ángeles ( Pilton, Devon) .), o decoradas con baldaquinos de yeso (Southwold). Pero lo más característico de estas hermosas mamparas era el desván con su galería y bóveda. El piso del desván descansaba sobre la parte superior de la mampara del coro y generalmente se equilibraba y se mantenía en posición mediante una bóveda de arista (Harberton, Devon) o una cornisa (Eddington, Somerset). Los mejores ejemplos de bóveda se pueden ver en Devon. Los resaltes en las intersecciones de las costillas y la tracería tallada de la mampara en Honiton no tienen rival. Muchas mamparas aún poseen la viga que formaba el borde del piso del desván y sobre la que descansaba la galería. Fue aquí donde el tallador de mamparas medievales dio más rienda suelta a su imaginación y talló los mejores diseños en follaje que se pueden ver a lo largo de todo el período gótico. Aunque estos moldes, crestas y bandas amontonadas tienen la apariencia de estar tallados en un solo tronco, en la práctica se construían invariablemente en partes, perforando gran parte del follaje, etc., y colocándolos en moldes huecos para aumentar la sombra. Como regla, la disposición consistía en una cresta que corría a lo largo de la parte superior, con una más pequeña que pendía del borde inferior, y tres bandas de follaje y parra entre ellas (Feniton, Devon). Los diseños de hojas de parra en Kenton, Bow y Dartmouth, todos en Devon, ilustran tres tratamientos muy hermosos de esta planta. En Swimbridge, Devon, hay una combinación muy elaborada; las cuentas simples habituales que separan las bandas también están talladas con follaje retorcido. En Abbots Kerswell y otros lugares en el distrito alrededor de Totnes, los talladores introdujeron pájaros en el follaje con el mejor efecto. La variedad de crestas utilizadas es muy grande. La de Winchcomb, Gloucester, consiste en dragones combinados con hojas de parra y follaje. Ello ilustra cómo los escultores góticos a veces repetían sus patrones de una manera tan mecánica como los peores trabajadores de la época actual. Poco se puede decir de las galerías, tan pocas nos quedan. Casi todas fueron derribadas cuando se dio la orden de destruir los crucifijos en 1548. Que estaban decoradas con santos tallados bajo nichos ( Iglesia de San Anno, Llananno , Gales), o figuras pintadas (Strencham, Worcester), es seguro a partir de los ejemplos que han sobrevivido a la Reforma. En Atherington, Devon, el frente de la galería está decorado con el escudo de armas real , otros dispositivos heráldicos y con oraciones. El biombo bretón de St Fiacre-le-Faouet es un maravilloso ejemplo de trabajo francés de esta época, pero no se puede comparar con los mejores ejemplos ingleses. Sus líneas extravagantes y su pequeña tracería nunca lograron afianzarse en Inglaterra, aunque a veces se pueden encontrar biombos tallados de esta manera (Colebrook, Devon).
El crucifijo era a veces de tales dimensiones que requería algún soporte además de la galería sobre la que descansaba. Se utilizaba una viga tallada desde la cual una cadena conectaba el crucifijo mismo. En Cullompton , Devon, todavía existe una viga de este tipo, y está tallada con follaje; una cresta abierta adorna el lado inferior y dos ángeles sostienen los extremos. Este crucifijo en particular se encontraba sobre una base de rocas, calaveras y huesos, tallados en dos troncos sólidos de un promedio de 18 pulgadas de ancho y 21 pulgadas de alto, y que juntos miden 15 pies 6 pulgadas (4,72 m) de largo; hay agujeros redondos a lo largo de la parte superior que probablemente se usaron para luces.
Ningún país de Europa posee tejados que igualen a los de Inglaterra creados en el siglo XV. El gran tejado de Westminster Hall sigue siendo único hasta el día de hoy. En Norfolk y Suffolk abundan los tejados de vigas de martillo ; el de Woolpit, Suffolk, alcanza el primer rango de calidad. Cada ménsula está tallada con un follaje de fuerte diseño, el extremo de cada viga termina en un ángel que lleva un escudo y las correas están rematadas, mientras que cada cercha está sostenida por un dosel (que contiene una figura) que descansa sobre una ménsula de ángel. Aquí también, como en Ipswich y muchas otras iglesias, hay una fila de ángeles con las alas desplegadas debajo de la placa de la pared. Esta idea de ángeles en el tejado es muy hermosa y el efecto se realza mucho con el colorido. El tejado de St Nicholas, King's Lynn , es un magnífico ejemplo de construcción con vigas de amarre. Las cerchas están rellenas de tracería en los lados y los centros más o menos abiertos, y las vigas, que están rematadas y almenadas, contienen una fila de ángeles a cada lado. En Devon, Cullompton posee un techo semicircular muy hermoso sostenido a intervalos por nervaduras perforadas con tallas. Cada compartimento está dividido en pequeños paneles cuadrados, cruzados por nervaduras diagonales de crestería, mientras que cada junta está ornamentada con un reborde tallado en la forma decorativa peculiar del artesano gótico. El techo de la nave de la catedral de Manchester es casi plano, y también está dividido en pequeños compartimentos y rematado; las vigas están sostenidas por ménsulas talladas que descansan sobre ménsulas con ángeles en cada base.
En el siglo XV, los coros con sus baldaquinos fueron ganando en magnificencia. La catedral de Manchester (mediados del siglo XV) y la capilla de Enrique VII en la Abadía de Westminster (principios del XVI) son buenos ejemplos de la moda de colocar entre siete y siete pináculos y baldaquinos, una costumbre que difícilmente puede compararse con la belleza más sencilla de la obra del siglo XIV de la catedral de Ely . Los coros de la catedral de Amiens eran quizás los más bellos del mundo a principios del siglo XVI. La crestería empleada, aunque común en el continente, es de un tipo apenas conocido en Inglaterra, ya que consiste en arcos que surgen de arcos y están decorados con croquets y remates. El trabajo del tabernáculo sobre los asientos de los extremos, con sus pináculos y arbotantes , se extiende hacia el techo en líneas afiladas de la mayor delicadeza. La sillería del coro de la catedral de Ulm (obra de Jörg Syrlin el Viejo ) se encuentra entre las mejores del tallista alemán. Los paneles frontales están tallados con hojas de gran audacia decorativa, fuerza y carácter; los extremos de la sillería están tallados con hojas y esculturas en el borde superior, como se hacía en Baviera y Francia, además de en Alemania.
En los primeros tiempos, sólo el coro poseía asientos, dejándose la nave vacía. Poco a poco se introdujeron los bancos, y durante el siglo XV se hicieron universales. La forma de cabeza de amapola del adorno B alcanzó entonces la perfección y se utilizó constantemente enc para asientos distintos a los del coro. El nombre hace referencia en a. al remate tallado que se utiliza tan a menudo para completar la parte superior del extremo del banco y que tiene un carácter peculiarmente inglés. En Devon y Cornwall, rara vez se encuentra ( Ilsington , Devon ). En Somerset es más común, mientras que en los condados del este quedan miles de ejemplos. La forma bastante simple de flor de lis de la cabeza de amapola, adecuada para el pueblo, se ve en perfección en Trunch, Norfolk, y la forma muy elaborada cuando la cabeza de amapola surge de un círculo de ganchillo relleno con esculturas, en St Nicholas, King's Lynn. A menudo, el follaje contenía una cara ( St Margaret's, Cley , Norfolk), o la cabeza de amapola consistía solo en figuras o pájaros ( Thurston, Suffolk ) o una figura de pie sobre un dragón (Great Brincton, Northampton); en ocasiones, se abandonaba la forma tradicional y el remate se tallaba como un limón en el contorno (Bury St Edmuncis) o un diamante (Tirley, Glos.). En Dinamarca, un adorno en forma de un gran círculo a veces reemplaza a la cabeza de amapola inglesa. En el Museo de Copenhague hay un conjunto de extremos de banco del siglo XV con una decoración similar tallada con escudos de armas, correas entrelazadas, etc. Pero el antiguo extremo de banco del siglo XV no dependía completamente de la cabeza de amapola para su embellecimiento. El lateral se enriquece constantemente con tracerías elaboradas (Dennington, Norfolk) o con tracerías y escenas domésticas (North Cadbury, Somerset), o bien consiste en una masa de esculturas en perspectiva, con baldaquinos, contrafuertes y nichos esculpidos, mientras que la parte superior del extremo del banco se corona con figuras talladas en bulto redondo, de la más fina artesanía. Este tipo de trabajos en la catedral de Amiens son una maravilla tanto en su concepción, diseño como en su ejecución. En el Kunstgewerbemuseum de Berlín se pueden ver algunos bellos extremos de los bancos. De la boca de un dragón crece un árbol convencional dispuesto y equilibrado en excelentes proporciones. En otro extremo del banco hay tallado un árbol que crece de la boca de un bufón. Esta costumbre de hacer que crezca follaje de la boca o de los ojos es difícilmente defendible y de ninguna manera se limitó a ningún país o época. Tenemos muchos ejemplos renacentistas de este mismo tratamiento.
Antes del siglo XV, la predicación no se había convertido en una institución regular en Inglaterra, y los púlpitos no eran tan comunes. Sin embargo, el valor del sermón comenzó a apreciarse a partir del uso que los lolardos y otras sectas dieron a este método de enseñar la doctrina, y los púlpitos se convirtieron en una necesidad. Existe uno muy hermoso en Kenton, Devon . Es, como suele ser el caso, octogonal y se apoya sobre un pie. Cada ángulo está tallado con una columna vertical de follaje entre pináculos, y los paneles, que están pintados con santos, están enriquecidos con baldaquinos tallados y follaje; sin embargo, está muy restaurado. El púlpito de Trull, Somerset, es famoso por su fino tallado de figuras. Una gran figura de pie bajo un canónigo llena cada uno de los lados revestidos con paneles, mientras que muchas otras figuras más pequeñas ayudan a enriquecer el efecto general. Los ejemplos de tablas de resonancia góticas son muy raros; que, junto con el púlpito, en el coro de Winchester es de la época del Prior Silkstede (1520), y está tallado con su rebus, una madeja de seda retorcida.
La forma habitual de la cubierta de la pila bautismal durante los cien años anteriores a la Reforma era piramidal, con las nervaduras de los ángulos salientes rectas y en forma de cúspide (Frindsbury, Kent) o de contorno curvo y en forma de cúspide (St Mildred, Canterbury). Hay una pila bautismal muy encantadora de esta forma en Colebrook, Devon. Es bastante sencilla, salvo por un pequeño ángel arrodillado en la parte superior, con las manos entrelazadas en oración. Pero la forma más hermosa es la colección de pináculos y baldaquinos, de los que hay un excelente ejemplo en Sudbury, Suffolk . No era raro esculpir una paloma en el pináculo más alto (Castleacre, Norfolk), en alusión al descenso del Espíritu Santo. La pila bautismal más hermosa de Inglaterra es, sin duda, la de Ijiford, Suffolk. Se eleva unos 20 pies (6,1 m). De altura, cuando los paneles estaban pintados con santos y el exquisito trabajo del tabernáculo coloreado y dorado, debió ser una obra maestra de la artesanía gótica. Un cordón que conectaba las partes superiores de estas cubiertas con el techo o con una viga tallada que sobresalía de la pared, algo así como una grúa (Salle, Norfolk), se usaba para quitar la cubierta con ocasión del bautismo.
Muchos atriles del período gótico no existen hoy en día. Por lo general, tenían un escritorio de doble pendiente que giraba alrededor de un poste central moldeado. El atril de Swanscombe, Kent, tiene una era, un círculo de buen follaje que adorna cada cara del atril y un trabajo de tracería sonora en cada extremo. La forma de caja es más común en Francia que en Inglaterra, el pedestal de un atril de este tipo está rodeado por una carcasa de tres o más lados. Un buen ejemplo con seis lados se encuentra en la iglesia de Vance (Francia), y uno de forma triangular en el Museo de Bourges, mientras que un atril de caja de cuatro lados todavía se usa en la iglesia de Lenham, Kent. El atril de oración gótico, utilizado para fines devocionales privados, apenas se conoce en Inglaterra, pero no es infrecuente en el continente. Hay un hermoso ejemplar en el Museo de Bourges; El frente y los lados de la parte para arrodillarse están tallados con esa pequeña tracería de carácter fluido tan común en Francia y Bélgica durante la última parte del siglo XV, y la parte posterior, que se eleva a una altura de 6 pies (1,8 m), contiene un pequeño crucifijo con decoración tracería arriba y abajo.
Cabe mencionar los copones , tan comunes en el continente europeo de Oboria. En cuanto a la disposición cónica de los trabajos del tabernáculo, rivalizan con las tapas de las pilas bautismales inglesas en cuanto a delicadeza de contornos (Muse, Rouen).
No sólo en las iglesias, sino también en las casas particulares se encuentran numerosas puertas. La ciudad de Lavenham , en Suffolk , es rica en obras de este último tipo. En Inglaterra, la costumbre general era tallar el cabezal de la puerta sólo con tracería (East Brent, Somerset), pero en el período Tudor las puertas a veces se cubrían completamente con paneles de lino ( Abadía de St Albans ). Esta forma de decoración era sumamente común tanto en el continente como en Inglaterra. En Francia, hacia finales del siglo XV, las puertas solían tener el cabezal cuadrado, o quizás las esquinas redondeadas. Estas puertas solían estar divididas en unos seis u ocho paneles oblongos de tamaño más o menos igual. Una de las puertas de la catedral de Bourges está tratada de esta manera, y los paneles se rellenaron con una tracería muy buena enriquecida con croquets y escudos de armas. Pero se emplea constantemente una forma más sobria de tratamiento, como en la iglesia de Saint Godard, en Rouen, donde sólo los paneles superiores están tallados con tracerías y escudos de armas, mientras que los inferiores están adornados con un sencillo diseño de pliegues de lino.
En España y los países teutónicos de Europa buscamos el objeto más importante de la decoración de las iglesias, el retablo; la Reforma explica la ausencia en Inglaterra de cualquier obra de este tipo. El magnífico retablo de la catedral de Schleswig fue tallado por Hans Bruggerman y consiste, como muchos otros, en una serie de paneles llenos de figuras de pie en una fila de cuatro o cinco. Las figuras en las primeras filas están talladas completamente separadas y se destacan por sí mismas, mientras que el fondo está compuesto de trabajo de figuras y arquitectura, etc., en perspectiva decreciente. Los paneles están agrupados bajo un baldaquino que forma un conjunto armonioso. El genio de este gran tallador se muestra en la gran variedad de expresiones faciales de esas maravillosas figuras, todas llenas de vida y movimiento. En Francia existen pocos retablos fuera de los museos. En la pequeña iglesia de Marissel, no lejos de Beauvais , hay un retablo que consta de once paneles, siendo la crucifixión, por supuesto, el tema principal. Y hay un hermoso ejemplo de Amberes en el Museo Cluny, París; El trabajo de tracería calada que decora la parte superior es un buen ejemplo del estilo compuesto de segmentos entrelazados de círculos tan común en el continente durante los tiempos del gótico tardío y pero rara vez practicado en Inglaterra. En España, la catedral de Valladolid era famosa por su retablo, y Alonso Cano y otros escultores utilizaron con frecuencia madera para grandes estatuas, que se pintaron de una manera muy realista con el efecto más sorprendentemente real. Dinamarca también poseía una escuela de hábiles talladores de madera que imitaban los grandes retablos de Alemania. Un ejemplo muy grande y bien tallado todavía existe en la catedral de Roskilde. Pero además de estos grandes retablos, se tallaron pequeños modelos en una escala cuya minuciosidad asombra al observador. Trípticos y santuarios, etc., que miden solo unos pocos centímetros, se rellenaron con tracería y figuras que provocan el mayor asombro. En el Museo Británico hay un tríptico de este tipo (flamenco, I 511); El panel central, de una o dos pulgadas cuadradas, está repleto de figuras en relieve y en perspectiva decreciente, según la costumbre de este período. Éste reposa sobre una base semicircular que tiene tallada la Cena del Señor., y está adornado además con figuras y animales. El conjunto mide aproximadamente 9 pulgadas de alto y, con las alas del tríptico abiertas, 5 pulgadas de ancho. La extraordinaria delicadeza y minuciosidad de los detalles de esta obra microscópica desafían toda descripción. Hay otra pieza similar, también flamenca, en la colección Wallace, que rivaliza con la que acabamos de mencionar en cuanto a talento aplicado. Porque, por maravillosas que sean estas obras de arte, no satisfacen. Hacen doler los ojos, te inquietan preguntándote cómo se pudo haber obtenido el resultado y, después del primer asombro, siempre debes sentir que la misma obra de arte en una escala lo suficientemente grande para una catedral podría haberse tallado con la mitad del trabajo.
En lo que respecta a los paneles en general, durante los últimos cincuenta años del período que ahora se analiza, hubo tres estilos de diseño seguidos por la mayoría de los talladores europeos, cada uno de los cuales alcanzó gran notoriedad. En primer lugar, una forma desarrollada de tracería pequeña que era muy común en Francia y los Países Bajos. Un panel de cabeza cuadrada se rellenaba con pequeños detalles de carácter extravagante, la línea perpendicular o parteluz siempre estaba subordinada, como en la chasse alemana (Muse Cluny), y en algunos casos ausente, como nos muestra el trabajo de biombos de la catedral de Évreux. En segundo lugar, el diseño de pliegues de lino . La gran mayoría de los ejemplos son de una forma muy convencional, pero en Bere Regis , Dorsetshire, los diseños con borlas, y en St Sauvur, Caen, los de trabajo de flecos, justifican fácilmente el título universal aplicado a este tratamiento muy decorativo de grandes superficies. A principios del siglo XVI, otro patrón se puso de moda. Las líneas principales del diseño consistían en molduras huecas planas, a veces en forma de círculos entrelazados (Gatton, Surrey), otras veces principalmente rectas (la catedral de Rochester), y los espacios intermedios se rellenaban con cúspides o ramitas de follaje. Marca la última lucha de esta gran escuela de diseño para resistir la inminente avalancha del nuevo arte, el gran Renacimiento. Desde entonces, la obra gótica, a pesar de varios intentos, nunca volvió a ocupar un lugar en la decoración doméstica. Las líneas del estilo tracería, el pináculo y el crockett, inigualables como siempre lo han sido en la expresión devocional, se consideran universalmente inadecuadas para la decoración de la casa común.
Pero se puede hacer poca referencia al aspecto doméstico del período que terminó con el amanecer del siglo XVI, porque existen muy pocos restos. En Bayeux , Bourges , Reims y, sobre todo, Rouen , vemos por las figuras de santos, obispos o vírgenes, hasta qué punto el sentimiento religioso de la Edad Media entró en la vida doméstica. En Inglaterra, el poste de la esquina tallado (que generalmente llevaba un soporte en la parte superior para sostener el piso que sobresalía) requiere un comentario. En Ipswich , hay varios postes de este tipo. En una casa cerca del río, ese tema célebre, el zorro predicando a los gansos, está tallado en alusión gráfica a la difusión de la falsa doctrina.
En cuanto a las repisas de las chimeneas, hay un buen ejemplo en el Museo de Rouen . Las esquinas salientes están sostenidas por dragones y las molduras sencillas tienen pequeños manojos de follaje tallados en cada extremo, una costumbre tan común en Francia durante el siglo XV como lo fue en Inglaterra un siglo antes; por ejemplo, la viga de la mampara de la iglesia parroquial de Eastbourne.
Por regla general, los armarios del siglo XV tenían una planta rectangular. En Alemania y Austria, la parte inferior estaba a menudo cerrada, al igual que la superior; los rieles superior, medio e inferior estaban tallados con un diseño geométrico o con bandas de follaje (Museo, Viena). Pero también era costumbre hacer estos armarios con las esquinas cortadas, lo que daba así cinco lados al mueble. Un ejemplo muy bonito, que se ve muy realzado por el trabajo en metal de las placas de la cerradura y las bisagras, se encuentra en el Museo Cluny, y hay otros buenos ejemplares con la parte inferior abierta en el Museo Victoria y Alberto de Londres .
El baúl era un mueble muy importante y a menudo se lo encuentra cubierto con las tallas más elaboradas (Museo de Orleans). Hay un espléndido baúl (siglo XIV) en el Museo de Cluny ; el frente está tallado con doce caballeros con armadura de pie bajo otros tantos arcos, y las enjutas están rellenas con caras, dragones, etc. Pero es en el siglo XV donde buscamos la mejor obra de esta clase; no hay mejor ejemplo que el del Kunstgewerbemuseum de Berlín . El frente es una escena de caza muy animada, dispuesta de forma muy decorativa en un esquema de follaje, y la parte superior tiene dos escudos de armas con yelmos, cimeras y mantos. Pero la costumbre más general en la decoración de baúles era emplear tracería con o sin trabajo de figuras; el Museo de Avignon contiene algunos ejemplos típicos de esta última clase.
Un cierto número de asientos utilizados para fines domésticos son de gran interés. Un buen ejemplo de banco largo colocado contra la pared, con respaldo alto entablado y dosel, se encuentra en el Museo Cluny de París. En el Museo de Rouen hay un asiento largo de tipo móvil con respaldo bajo entablado con tracería calada, y en el Museo de Dijon hay un buen ejemplo de la silla típica de la época, con brazos y respaldo alto entablado y tracería. Había un estilo de diseño admirablemente adecuado para la decoración de muebles cuando estaban hechos de madera blanda como el pino. Se parecía un poco al excelente tratamiento escandinavo de los siglos X-XII al que ya se ha hecho referencia. Un patrón de follaje gótico, a menudo de hermoso contorno, se pulía simplemente hasta una profundidad superficial. Las sombras, curvas y giros solo se enfatizaban con unos pocos cortes bien dispuestos con una herramienta en V; y, por supuesto, todo el efecto mejoraba mucho con el color. Una puerta suiza del siglo XV conservada en el Museo de Berlín y algunas obras alemanas, suizas y tirolesas del Museo Victoria and Albert ofrecen patrones que bien podrían ser imitados hoy por aquellos que requieren una decoración sencilla evitando las trilladas formas isabelinas.
Es difícil comparar el trabajo de figuras de Inglaterra con el del continente debido al desastroso efecto de la Reforma . Pero cuando examinamos los tejados de los condados del Este, los remates de los bancos de Somerset o las misericordias en muchas partes del país, podemos apreciar cómo la escultura de madera se utilizó en gran medida con fines decorativos. Si, por regla general, el trabajo de figuras no era de un nivel muy alto, tenemos excepciones notables en los codos de los bancos de Sherborne y el púlpito de Trull, Somerset. Quizás el ejemplo más antiguo sea la efigie a menudo mutilada y restaurada de Roberto, duque de Normandía , en la catedral de Gloucester (siglo XII), y tallada, como era generalmente el caso en Inglaterra, en roble. En Clifton Reynes , Buckingham, hay dos figuras del siglo XIII. Ambas están ahuecadas desde atrás para facilitar el secado de la madera y evitar que se agriete. Durante los siglos XIII, XIV y XV hay innumerables ejemplos de figuras talladas de la más gráfica descripción que se ofrece en las misericordias de muchas de nuestras iglesias y catedrales. Pero de figuras talladas en bulto redondo separadas de su entorno apenas queda un solo ejemplo. En la pequeña capilla de Cartmel Fell, en las tierras salvajes de Westmorland, hay una figura de Nuestro Señor de un crucifijo, de unos 2 pies y 6 pulgadas (0,76 m) de longitud. La cruz ha desaparecido, los brazos están rotos y los pies han sido quemados. Una segunda figura de Nuestro Señor (originalmente en la iglesia de Keynes Inferior) se encuentra en el museo de Caerleon, y una tercera, de una iglesia de Lincolnshire, se encuentra ahora en una colección privada. En el continente, algunas de las mejores obras de figuras se encuentran en los retablos, algunos de los cuales se encuentran en el Victoria and Albert Museum. Un panel tirolés del siglo XV tallado en altorrelieve, que representa a San Juan sentado de espaldas al espectador, es una obra maestra de perspectiva y escorzo, y los pliegues de los drapeados son perfectos. Lo mismo puede decirse de una pequeña estatua de la Virgen, tallada en cal por un artesano suizo, y algunas obras del gran Tilman Riemenschneider de Würzburg (1460-1531) demuestran que los escultores de piedra de la época medieval no se avergonzaban de la madera.
A principios del siglo XVI, el Renacimiento empezó a abrirse paso hasta excluir el diseño gótico. Pero el proceso no fue repentino y se hizo mucho trabajo de transición. El biombo de Hurst, Berkshire , la sillería del Priorato de Cartmel , Westmorland, y los remates de los bancos de muchas de las iglesias de Somerset son buenos ejemplos. Pero el nuevo estilo no estaba a la altura del antiguo en cuanto a sentimiento devocional, excepto en edificios clásicos como la Catedral de San Pablo , donde la sillería de Grinling Gibbons se adapta mejor a su propio entorno. Por lo tanto, el resto de este artículo se dedicará principalmente al trabajo doméstico, y la ubicación exacta de los ejemplos solo se puede dar cuando no son propiedad de propietarios privados o cuando el público tiene acceso.
Durante el siglo XVI, las mejores obras se encuentran sin duda en el continente. Francia , Alemania y los Países Bajos produjeron innumerables ejemplos no sólo de decoración de casas, sino también de muebles. La riqueza del recién descubierto continente americano fue sólo un factor que ayudó a la influencia civilizadora de esta época, y de la mano de la expansión del comercio vino el deseo de refinamiento. La costumbre de construir casas principalmente en madera donde la madera era abundante continuó. Las pilastras tomaron el lugar de los pináculos, y los jarrones o delfines ayudaron a la hoja de acanto a desplazar las formas más antiguas de diseño. Los frentes de las casas de madera dieron un amplio margen al tallador. El de Sir Paul Pinder (1600), anteriormente en Bishopsgate , pero ahora conservado en el Victoria and Albert Museum, es un buen ejemplo de tratamiento decorativo sin sobrecarga. Los soportes tallados en forma de monstruos que sostienen el piso superior saliente son típicos de cientos de viviendas, como por ejemplo el Hospital St Peters de Bristol . Los paneles de la casa de Sir Paul Pinders también son buenos ejemplos de esa forma jacobina de medallón rodeado de volutas que es a la vez tan decorativa como sencilla.
En Inglaterra, el estilo conocido como isabelino y jacobino prevaleció durante los siglos XVI y XVII. En la actualidad, casi ninguna casa en el país no tiene su antiguo arcón de roble tallado con el familiar borde de semicírculo o voluta a lo largo del travesaño superior, o el patrón de arco en los paneles. Los armarios de la corte , con sus partes inferiores sólidas o abiertas y cornisa superior sostenida por balaustres torneados de un grosor extravagante, se pueden ver dondequiera que uno vaya. Y las sillas, tanto reales como falsas, con respaldos sólidos tallados en el habitual relieve plano, se compran con una avidez inseparable de la moda. Las camas con dosel son más difíciles de encontrar. El respaldo suele estar dividido en pequeños paneles y tallados, y el mejor efecto se ve en aquellos ejemplos en los que solo el revestimiento o el marco están decorados. Las mesas del comedor a menudo tenían seis patas de gran sustancia, que estaban torneadas en forma de copa cubierta y estaban talladas con follaje que tenía un parecido lejano con el acanto. Las habitaciones estaban generalmente revestidas con paneles de roble, a veces divididos a intervalos por pilastras planas y el friso superior tallado con volutas o delfines. Pero el elemento que distinguía a la época era la repisa de la chimenea . Siempre debe ser el objeto principal de una habitación, y el tallador isabelino apreciaba plenamente este hecho. Al tallar la repisa de la chimenea por lo general hasta el techo y cubrir las paredes circundantes con paneles más o menos sencillos, el diseñador, al concentrar así la atención en un punto, a menudo producía resultados de alto nivel. Las figuras de cariátides , las pilastras y los frisos estaban entre los detalles habituales empleados para producir buenos efectos. No existe un ejemplo mejor que el que recientemente se trasladó del antiguo palacio de Bromley-by-Bow al Victoria and Albert Museum. La repisa de la chimenea está a 6 pies (1,8 m) del suelo y consiste en una moldura cuadrangular profunda decorada con volutas planas de buen diseño. Las pilastras de apoyo a ambos lados están moldeadas y moldeadas en la habitual mansión jacobina y están coronadas por bustos con capiteles jónicos en las cabezas. Sobre el estante, el gran panel central está profundamente tallado con el escudo de armas real con sus soportes y su manto, y a cada lado, un nicho arqueado de medio punto contiene una figura con un vestido clásico .El tallista produjo a menudo escaleras espléndidas, a veces tallando los postes de las escaleras con figuras heráldicas que llevaban escudos de armas, etc. Los postes de una escalera en Highgate sostienen diferentes tipos de soldados de Cromwell, tallados con gran vivacidad y vida. Pero a pesar de un trabajo excelente, como por ejemplo la hermosa galería de Hatfield, la talla de este período no se compara, en lo que respecta a Inglaterra, con otras épocas, o con el trabajo contemporáneo en otras partes de Europa. Gran parte de la obra está mal dibujada y mal ejecutada. Es cierto que siempre se obtuvieron buenos efectos decorativos con el mínimo costo, pero es difícil descubrir mucho mérito en una obra que realmente se ve mejor cuando está mal cortada.
En Francia, este estilo plano y sencillo se utilizó hasta cierto punto. Las puertas se adornaban de esta manera de la manera más adecuada y es frecuente encontrar el balaustre partido tan característico de la obra jacobina. Hay algunos gabinetes muy buenos en el museo de Lyngby, Dinamarca, que ilustran estos dos métodos de tratamiento combinados. Pero los suizos y los austriacos elaboraron este estilo, mejorando enormemente el efecto mediante la adición de color. Sin embargo, los mejores diseños continentales adoptaron el follaje de acanto típico de Italia, al tiempo que conservaban una cierta cantidad de sensación gótica en la fuerza de las líneas y el corte de los detalles. Los paneles, a menudo largos y estrechos, se usaban comúnmente para todo tipo de propósitos domésticos, y uno de sus elementos característicos era un medallón en el centro con una disposición simple de jarrones, delfines, dragones o pájaros y follaje que llenaban los espacios por encima y por debajo.
Los gabinetes de los Países Bajos y Bélgica son excelentes [ ¿según quién? ] modelos de diseño. Estos muebles se disponían generalmente en dos pisos con una cornisa, división intermedia y zócalo tallados y finamente moldeados. Las pilastras a los lados y los pequeños paneles elevados tallados solo en la parte saliente compondrían un conjunto muy armonioso. Una parte de los gabinetes franceses están decorados con cariátides no talladas con el mejor gusto y, como otras obras de madera francesas de este período, a veces están sobrecargadas de esculturas. Las puertas de St Maclou, Rouen, por hermosas que sean, difícilmente se considerarían hoy como modelos para imitar. Un conjunto notable de puertas pertenece al Ayuntamiento de Oudenaarde . La puerta central contiene doce y la de los lados ocho paneles, cada uno de los cuales está tallado con follaje renacentista que rodea una figura discreta. En el Palacio de Justicia vemos ese gran esquema de decoración que ocupa todo el extremo de la chimenea del salón. Cinco grandes figuras talladas en bulto redondo están rodeadas de otras pequeñas y con follaje y escudos de armas.
En Italia, cuna del Renacimiento, hay muchas obras de gran calidad del siglo XVI. Rafael promovió una escuela de diseño muy importante , cuyos patrones fueron utilizados o adaptados por un gran número de artesanos. Las contraventanas de las Estancias de Rafael en el Vaticano y la sillería del coro de la iglesia de San Pedro de Cassinesi en Perugia se encuentran entre los ejemplos más bellos de este estilo de talla. La obra tiene un ligero relieve y está tallada en nogal con esos elegantes patrones que Rafael desarrolló a partir de los restos recién descubiertos de la antigua pintura mural romana del palacio de Nerón y otros lugares. En el Museo Victoria y Alberto hay muchos ejemplos de trabajo italiano: la puerta de un convento cerca de Parma, con sus tres prominentes máscaras y pesadas molduras de gallones; un marco para cuadros con un encantador borde de acanto y molduras de huevo y lengua a cada lado; y varios cofres nupciales en nogal cubiertos con esquemas de talla muy elaborados. A veces resulta difícil distinguir las obras españolas, o del sur de Francia, de las italianas, por lo parecidas que son. Los españoles no tienen rival en cuanto a calidad de ejecución. En el Victoria and Albert Museum se encuentran algunos paneles españoles de diseño típicamente italiano, así como vitrinas del más puro estilo renacentista. En esta sección hay un maravilloso cofre portugués (siglo XVII). La parte superior está profundamente tallada en pequeños compartimentos con escenas de la vida de Nuestro Señor.
En Inglaterra surgió la gran escuela de Grinling Gibbons . Aunque talló muchas molduras hermosas de forma convencional ( Hampton Court Palace , Chatsworth, etc.), su nombre suele asociarse a una forma de decoración muy pesada que fue copiada directamente de la naturaleza. Grandes guirnaldas de telas y follaje con frutas y pájaros muertos, etc., se tallaban en cal de un pie de espesor. En cuanto a la habilidad técnica, estos ejemplos son insuperables; cada uva se cortaba por debajo, los tallos más finos y las patas de los pájaros sobresalían bastante separados y, como consecuencia, pronto sucumbían a la energía de la escoba de la criada. Se pueden encontrar buenas obras de esta clase en Petworth; Trinity College, Oxford ; Trinity College, Cambridge ; la catedral de San Pablo; St James, Piccadilly; y muchas otras iglesias de Londres.
Durante los reinados de Luis XIV y XV, el mérito principal del diseño tallado, es decir, su idoneidad y conveniencia, desapareció gradualmente. Los muebles a menudo se tallaban de una manera poco legítima. Las patas, los travesaños de las mesas y sillas, los marcos de los armarios, los espejos, en lugar de estar hechos primero para su construcción y resistencia y luego decorados, fueron diseñados primero para llevar cabezas de querubines y rococó (es decir, adornos de rocas y conchas), sin tener en cuenta su utilidad o conveniencia. Una gran cantidad de este tipo de diseño erróneo también se aplicó a los carruajes estatales, por no hablar de los catres y otros muebles. Sin embargo, los paneles de las paredes de las mansiones de los ricos, y a veces los paneles de los muebles, se decoraron con diseño rococó en su forma menos ilegítima. La parte principal de la superficie de madera se dejaba lisa, mientras que el centro se tallaba con un medallón rodeado de follaje, jarrones o trofeos de antorchas e instrumentos musicales, etc., o tal vez la parte superior del panel se trataba de este modo. Francia encabezó la moda, que fue seguida más o menos por toda Europa. En Inglaterra se fabricaron sillas doradas al estilo de Luis XV en cierta cantidad, pero Thomas Chippendale , Ince y Mayhew, Sheraton, Johnson, Heppelwhite y otros ebanistas no solían utilizar mucho el tallado en sus diseños. Sin embargo, se utilizaban volutas, conchas, cintas, mazorcas de maíz, etc., en relieve muy fino, para adornar sillas, etc., y el pie de garra y bola se empleaba como terminación de las patas cabriolé de los armarios y otros muebles.
Las repisas de las chimeneas del siglo XVIII estaban, por regla general, talladas en pino y pintadas de blanco. Por lo general, los estantes eran estrechos y estaban sostenidos por pilastras, a menudo de planta elíptica plana, a veces por cariátides , y el friso consistía en un panel central elevado tallado con una escena clásica en relieve, o con una máscara sola, y a cada lado un festín de flores, frutas y follaje.
Las puertas interiores solían estar decoradas con un frontón roto más o menos ornamentado, y un penacho de follaje colgaba de ambos lados sobre un fondo de volutas. Los porches exteriores que se veían tan a menudo en las casas de estilo Reina Ana tenían un carácter peculiar del siglo XVIII. Una pequeña plataforma o techo curvo estaba sostenido por dos ménsulas grandes y pesadas talladas con volutas de acanto. Las escaleras eran, por lo general, extraordinariamente buenas. Se fijaban ménsulas talladas y perforadas a las cuerdas abiertas (es decir, los lados de los escalones), lo que daba un efecto muy bonito a la elegante balaustrada de columnas torneadas y retorcidas.
El arte figurativo del Renacimiento no necesita mucho comentario. En el siglo XVI se produjeron muchos buenos ejemplos, como por ejemplo las estatuas sacerdotales del museo de Sens. Pero el arte figurativo utilizado para la decoración de gabinetes, etc., rara vez superaba el nivel ordinario. En el siglo XVIII, las cabezas de querubines estaban de moda y a veces se tallaban estatuillas en madera de boj como adorno, pero la escultura en madera dejó de usarse como medio para decorar las casas. Sin embargo, los suizos han mantenido su reputación de escultores animales hasta el día de hoy y todavía producen rebecos y osos, etc., hábilmente tallados; por regla general, cuanto más esquemáticos sean los cortes, mayor será el mérito. Sus obras más ambiciosas, sus grupos de vacas, etc., a veces alcanzan un alto nivel de excelencia.
Entre los siglos XVII y XVIII se inició una floreciente industria de la talla de madera en el valle de Gardena , que hoy se encuentra en la provincia italiana de Tirol del Sur . Una red de habitantes de ese valle viajaba a pie a todas las ciudades europeas, hasta Lisboa y San Petersburgo, para vender los productos de cientos de talladores. Finalmente, en el siglo XIX, en Gardena se tallaron principalmente juguetes y muñecas de madera, conocidas también como muñecas holandesas o muñecas de penique, por millones de piezas. El Museo Gherdëina en Urtijëi exhibe una gran colección de ejemplos de tallas de madera de esa región.
La talla de madera dorada continuó produciéndose en Portugal y España, y el estilo se exportó a sus colonias del Nuevo Mundo, y a Filipinas , Macao y Goa .
Del trabajo del siglo XIX en adelante no se puede decir mucho. Más allá de la moda actual de coleccionar roble viejo, no parece haber demanda de decoración tallada. En el trabajo eclesiástico, un cierto número de talladores encuentran trabajo, así como en reparaciones o en la producción de imitaciones. Pero el tallado que se ve habitualmente en los hoteles o a bordo de los modernos palacios oceánicos es, en su mayoría, obra de máquinas, con trabajos de acabado realizados a menudo por trabajadores humanos.
Sin embargo, en el siglo XIX se formalizó la enseñanza de la talla de madera en varios países europeos. Por ejemplo, el tallador de madera austríaco Josef Moriggl (1841-1908) tuvo una larga carrera como docente, que culminó con su nombramiento en 1893 como profesor de la Staats-Gewerbeschule (Escuela de Oficios) de Innsbruck , donde ejerció hasta su jubilación en 1907.
En Gröden, la creación de una escuela de arte en 1820 mejoró considerablemente la técnica de los escultores. Surgió una nueva rama industrial con cientos de artistas y artesanos dedicados a la escultura y a la fabricación de estatuas y altares de madera que se exportaban a todo el mundo. Lamentablemente, la industria del tallado a máquina, iniciada en los años 50 y el Concilio Vaticano II , hizo que cientos de escultores de Val Gardena abandonaran su oficio. De este modo, se produjo un comercio mundial de figuras y estatuas talladas a máquina.
En el período medieval temprano, los artesanos cristianos nativos produjeron biombos y otros accesorios para las iglesias coptas de Egipto. En el Museo Británico, hay un conjunto de diez pequeños paneles de cedro de la puerta de la iglesia de Sitt Miriam, El Cairo (siglo XIII). Los seis paneles de figuras esculpidas están tallados en muy bajo relieve y los cuatro paneles de follaje tienen un carácter bastante oriental, intrincado y fino tanto en los detalles como en el mobiliario. En el Museo de El Cairo, hay mucho trabajo tratado según el estilo árabe familiar, mientras que otros diseños son bastante de carácter bizantino . El trabajo de las figuras no es de un orden muy alto.
Los talladores de madera musulmanes de Persia, Siria, Egipto y España son famosos por su habilidad, diseñaron y ejecutaron los más ricos paneles y otras decoraciones para revestimientos de paredes, techos, púlpitos y todo tipo de accesorios y muebles. [ ¿según quién? ] Las mezquitas y casas particulares de El Cairo, Damasco y otras ciudades orientales están llenas de la más elaborada y delicada ebanistería. Un estilo favorito de ornamentación era cubrir la superficie con patrones entrelazados muy intrincados, formados por nervaduras finamente moldeadas; los diversos espacios geométricos entre las nervaduras se rellenaban luego con pequeñas piezas de madera talladas con follaje en ligero relieve. El uso de diferentes maderas como el ébano o el boj, con incrustaciones para enfatizar el diseño, combinado con la ingeniosa riqueza de los patrones, le da a esta clase de ebanistería un esplendor de efecto casi inigualable. El marfil tallado también se usa a menudo para rellenar los espacios. Los árabes son maestros en el arte de tallar superficies planas de esta manera. Una puerta de la mezquita del sultán Bargoug (El Cairo, siglo XIV) ilustra bien esta apreciación de las líneas y las superficies. El púlpito o mimbar (siglo XV) de una mezquita de El Cairo, hoy en el Victoria and Albert Museum, es también un buen ejemplo del mismo estilo, en el que los pequeños espacios están rellenados con marfil tallado en relieve plano.
Los biombos formados por laberintos de complicada carpintería, compuestos por multitud de diminutos balaustres que unen hexágonos, cuadrados u otras formas, con superficies planas enriquecidas constantemente con pequeñas tallas, son familiares para todos. En El Cairo también tenemos ejemplos en la mezquita de Qous (siglo XII) de ese entrelazado geométrico finamente dispuesto de curvas con terminaciones de follaje que distingue al diseñador sarraceno. Seis paneles en el Victoria and Albert Museum (siglo XIII), y trabajos en la tumba del sultán Li Ghoury (siglo XVI), muestran cuán profundamente esta forma de decoración estaba arraigada en la naturaleza árabe. El trabajo con figuras y animales se introdujo a veces, al estilo medieval, como en los seis paneles que acabamos de mencionar, y en el hospital du Moristan (siglo XIII) y la mezquita de El Nesfy Qeycoun (siglo XIV). Hay un magnífico panel en la puerta de Beyt-el-Emyr. Este exquisito diseño está compuesto por hojas de parra y uvas de tratamiento convencional en bajorrelieve. Al diseñador árabe le gustaba dividir sus paneles de una manera que recordaba una costumbre jacobina similar. El panel principal se dividía en una serie de formas hexagonales, triangulares u otras, y cada pequeño espacio se rellenaba con volutas convencionales. Gran parte de este sencillo diseño plano recuerda a ese método bizantino en el que se inspiraron los talladores isabelinos.
Los escultores persas siguieron de cerca el diseño árabe. Un par de puertas del siglo XIV de Samarcanda (Museo Victoria and Albert) son típicas. Cajas, cucharas y otros pequeños objetos a menudo estaban calados con líneas entrelazadas de carácter sarraceno, y la delicadeza y minuciosidad del trabajo requería la máxima paciencia y habilidad. Muchos de los patrones recuerdan a los trabajos en sándalo de Madrás, con la diferencia de que los persas se conformaban con un relieve mucho más bajo. A veces se obtenía un resultado muy bello mediante la elevación moderada del patrón de celosía calada entre el follaje. Un hermoso panel del siglo XIV en el Museo Victoria and Albert muestra cuán activa fue la influencia árabe incluso en Bujará.
En todo el gran subcontinente indio , se han producido tallas de madera del tipo más lujoso durante muchos siglos. Los antiguos templos hindúes estaban decorados con puertas, techos y diversos accesorios tallados en teca y otras maderas con patrones de extrema riqueza y minuciosa elaboración. Muchas puertas, columnas, galerías o incluso fachadas enteras están cubiertas con el diseño más intrincado que desconcierta a la vista (Bhera, Shahpur). Pero este no es siempre el caso, y el oriental es a veces más comedido en sus métodos. Se pueden ver detalles arquitectónicos con enriquecimiento tallado alrededor del marco. El tratamiento hindú del círculo es a menudo extremadamente bueno, y quizás con menos frecuencia podría inspirar el diseño occidental. El follaje, la fruta y las flores se adaptan constantemente a un esquema de decoración calada para puertas o ventanas, así como para los marcos de las sillas y los bordes de las mesas. Se sabe que los talladores de madera del sur de la India trabajan a menudo con sándalo, siempre cubierto con un diseño, donde escenas o personajes de la mitología hindú ocupan espacio. Muchos de los soportes de gong de Birmania muestran la más alta habilidad; Es familiar la disposición de dos figuras que sostienen un palo del que cuelga un gong.
En estos países, el escultor no tiene rival en cuanto a destreza manual. [ cita requerida ] Se producen obras grotescas e imitativas de la máxima perfección, y muchas de las tallas de estos países, en particular de Japón, son hermosas obras de arte, especialmente cuando el escultor copia el loto, el lirio u otra planta acuática. Una forma favorita de decoración consiste en dividir las superficies arquitectónicas, como techos, frisos y columnas, en cuadrados enmarcados y llenar cada panel con un círculo o rombo de tratamiento convencional con enjutas en cada esquina. Una característica muy china es el remate del poste de la escalera, por lo que siempre se deja más o menos recto de perfil y profundamente tallado con monstruos y volutas. Se suele utilizar una moldura muy enriquecida que tiene un fuerte parecido con el patrón de gallones para dar énfasis a los bordes, y el dragón dispuesto en curvas imitando a la naturaleza se emplea con frecuencia sobre un fondo subordinado y de diseño cercano. [1]
La regla general de que en todos los países los diseñadores utilizan los mismos medios para obtener un patrón se aplica en China. [ Aclaración necesaria ] Hay formas de decoración de bandas aquí que se parecen mucho a las de la Europa gótica, y una silla del Turkestán (siglo III) casi podría ser isabelina, tan parecidas son los detalles. Los biombos en forma de reja, que se encuentran a menudo en los países históricamente islámicos, son comunes, y los patrones profundamente arraigados y muy dispuestos de Bombay también tienen sus contrapartes. El estrado imperial en el Salón Chien-Ching, Beijing, es una obra maestra de diseño intrincado. El respaldo consta de un panel central de considerable altura, con dos de menor grado a cada lado lujosamente tallados. El conjunto está coronado con una cresta muy pesada de dragones y volutas; el trono también es un maravilloso ejemplo de tratamiento tallado, y las puertas de un gabinete en el mismo edificio muestran cuán rico es el efecto de follaje que se puede producir sin el empleo de tallos o volutas. Casi se podría decir que desperdicia su talento en un material tan ingrato como la madera. En este material se tallan abanicos y otras bagatelas con una delicadeza que invita al desastre. [1]
En Japón se aprecia mucho el tipo chino. Al escultor nativo le gusta agrupar el follaje sin que el tallo lo guíe. Parece poner primero el follaje, la fruta y las flores y luego indicar un tallo aquí y allá, invirtiendo así el orden del método occidental. Este tratamiento, especialmente cuando se introducen pájaros y bestias, tiene el mayor efecto decorativo. Pero, como es inevitable que ocurra con un tratamiento tan minucioso, el éxito depende en cierta medida de su combinación de colores. Un panel largo del Museo Victoria and Albert, que representa a unos mercaderes con su caballo de carga, se parece mucho en su agrupación y tratamiento a una obra gótica del siglo XV, como por ejemplo el panel de San Huberto del museo de Châlons. La fuerza y el carácter de la obra de figuras japonesas son bastante iguales a la mejor escultura gótica del siglo XV. [1]
La undécima edición de la Enciclopedia Británica describe el tallado de virutas (utilizando cuchillos o cinceles para retirar virutas de una pieza plana de madera) y las superficies decoradas con líneas incisas como presentes en todo el mundo, y también afirma que el tallado en relieve es común en todo el mundo.
La Enciclopedia describe el estilo de las Islas Cook , un patrón formado por pequeños triángulos y cuadrados que cubren por completo una superficie y que a veces se modifica con una banda de diferente disposición como algo sin igual en cuanto a paciencia o precisión. También afirma que los fiyianos emplean diseños de virutas que rivalizan con los de Europa en variedad y que los talladores de las Islas Marquesas aprecian la forma en que las superficies lisas contrastan y enfatizan las partes decoradas, restringiendo su trabajo a bandas de decoración o puntos especiales. Señala que la talla maorí utiliza volutas y tallas para la decoración, especialmente de casas, y que el arte de Nueva Guinea también utiliza volutas, que compara con el guilloché y el trabajo escandinavo.
También se afirma que el pueblo Ijaw de Nigeria "diseña sus remos de manera magistral y muestra un fino sentido de la proporción entre la superficie lisa y la decorada". Sus diseños, aunque ligeramente en relieve, son de naturaleza chip. Se afirma que en el arte de los indígenas americanos , el giro en diversas formas es un tratamiento favorito de las boquillas de las pipas . [1]
