Americana (también conocida como música de raíces americanas ) [1] es una amalgama de música estadounidense formada por la confluencia de las tradiciones compartidas y variadas que conforman el espíritu musical de los Estados Unidos de América, con especial énfasis en la música desarrollada históricamente en el sur de Estados Unidos .
El término "música americana" fue definido por la Asociación de Música Americana (AMA) en 2020 como "... los ricos hilos de country , folk , blues , soul , bluegrass , gospel y rock en nuestro tapiz". [2] Una definición anterior de la AMA de 2016 del género incluía el rhythm and blues , con comentarios adicionales de que la música americana da como resultado "un sonido distintivo orientado a las raíces que vive en un mundo aparte de las formas puras de los géneros de los que puede inspirarse. Si bien los instrumentos acústicos suelen estar presentes y son vitales, la música americana también suele utilizar una banda eléctrica completa". [3]
Los orígenes de la música americana se remontan a principios del siglo XX, cuando los músicos rurales estadounidenses comenzaron a incorporar elementos de la música folk, blues y country en sus canciones. [4] Los músicos americana a menudo tocaban instrumentos acústicos como la guitarra , el banjo , el violín y el contrabajo , y sus canciones generalmente contaban historias sobre las luchas y las dificultades de la vida cotidiana. [5]
El resurgimiento de la música folklórica estadounidense comenzó durante la década de 1940 y alcanzó su punto máximo de popularidad a mediados de la década de 1960. El resurgimiento del folk en la ciudad de Nueva York tuvo sus raíces en el resurgimiento del interés por el baile cuadrado y el baile folclórico allí en la década de 1940, promovido por instructores como Margot Mayo , que dio exposición popular a músicos como Pete Seeger . [6] [7] [8] El resurgimiento del folk en general como fenómeno popular y comercial comienza con la carrera de The Weavers , formada en noviembre de 1948 por Pete Seeger , Lee Hays , Fred Hellerman y Ronnie Gilbert de People's Songs , de la que Seeger había sido presidente y Hays secretario ejecutivo.
El Kingston Trio , un grupo originario de la Costa Oeste, se inspiró directamente en los Weavers en su estilo y presentación e hizo versiones de algunos de los materiales de los Weavers, que eran predominantemente tradicionales. La popularidad del Kingston Trio sería seguida por la de Joan Baez , cuyo álbum debut Joan Baez alcanzó el top ten a fines de 1960 y permaneció en las listas de Billboard durante más de dos años. No pasó mucho tiempo antes de que la categoría de música folk comenzara a incluir material menos tradicional y creaciones más personales y poéticas de intérpretes individuales, que se autodenominaban "cantautores". Como resultado del éxito financiero de los artistas folclóricos comerciales de alto perfil, las compañías discográficas comenzaron a producir y distribuir discos de una nueva generación de resurgimiento del folk y cantautores: Phil Ochs , Tom Paxton , Eric von Schmidt , Buffy Sainte-Marie , Dave Van Ronk , Judy Collins , Tom Rush , Fred Neil , Gordon Lightfoot , Billy Ed Wheeler , John Denver , John Stewart , Arlo Guthrie , Harry Chapin y John Hartford , entre otros.
Algunos de los integrantes de esta ola habían surgido de las tradiciones familiares de canto e interpretación, y otros no. Estos cantantes se enorgullecían con frecuencia de interpretar material tradicional imitando el estilo de los cantantes originales que habían descubierto, con frecuencia escuchando la célebre recopilación en LP de Harry Smith de grabaciones comerciales olvidadas u oscuras de 78 rpm de "race" y "hillbilly" de los años 1920 y 1930, Folkways Anthology of American Folk Music (1951). Varios de los artistas que habían hecho estas viejas grabaciones todavía estaban muy vivos y habían sido "redescubiertos" y llevados a los Newport Folk Festivals de 1963 y 1964. Por ejemplo, el tradicionalista Clarence Ashley presentó a los revivalistas del folk la música de amigos suyos que todavía tocaban activamente la música más antigua, como Doc Watson y The Stanley Brothers .
En las décadas de 1950 y 1960, la música folk revival comenzó a evolucionar e incorporar elementos del rock and roll y otros estilos de música popular. Artistas como Bob Dylan y los Byrds comenzaron a mezclar la música folk y country tradicional con guitarras eléctricas y baterías, creando un nuevo sonido que llegó a conocerse como folk rock . [4]
El 20 de enero de 1965, los Byrds entraron en los estudios Columbia en Hollywood para grabar la melodía acústica de Bob Dylan "Mr. Tambourine Man" para su lanzamiento como su sencillo debut en Columbia. El tratamiento completo de banda de rock eléctrico que los Byrds y el productor Terry Melcher le habían dado a la canción creó efectivamente la plantilla para el subgénero musical del folk rock . [9] [10] La forma melódica y discordante de tocar la guitarra Rickenbacker de 12 cuerdas de McGuinn, que estaba muy comprimida para producir un tono extremadamente brillante y sostenido , fue inmediatamente influyente y ha permanecido así hasta el día de hoy. El sencillo también presentó otra característica importante del sonido de la banda: su canto de armonía clara , que generalmente presentaba a McGuinn y Clark al unísono , con Crosby proporcionando la armonía alta. [11] Además, Richie Unterberger ha declarado que las letras abstractas de la canción llevaron la composición de rock y pop a nuevas alturas; nunca antes un grupo de música popular había combinado un juego de palabras tan intelectual y literario con la instrumentación de rock. [12]
En tres meses, " Mr. Tambourine Man " se había convertido en el primer gran éxito de folk rock , [13] alcanzando el número uno tanto en la lista Billboard Hot 100 de EE. UU. como en la lista de singles del Reino Unido . [14] [15] El éxito del sencillo inició el auge del folk rock de 1965 y 1966, durante el cual varios actos influenciados por los Byrds tuvieron éxitos en las listas estadounidenses y británicas. [12] El término "folk rock" fue acuñado por la prensa musical estadounidense para describir el sonido de la banda en junio de 1965, aproximadamente al mismo tiempo que "Mr. Tambourine Man" alcanzó el número 1 en los EE. UU. [16] [17]
El éxito comercial de la versión de los Byrds de "Mr. Tambourine Man" de Dylan y su álbum debut del mismo nombre , junto con las propias grabaciones de Dylan con instrumentación de rock (en los álbumes Bringing It All Back Home (1965), Highway 61 Revisited (1965) y Blonde on Blonde (1966)) alentaron a otros grupos de folk, como Simon & Garfunkel , a utilizar acompañamiento eléctrico en sus discos y a formar nuevos grupos, como Buffalo Springfield . La controvertida aparición de Dylan en el Newport Folk Festival el 25 de julio de 1965, donde fue respaldado por una banda eléctrica , también fue un momento crucial en el desarrollo del género.
En la década de 1990, el término country alternativo, en paralelo al rock alternativo, comenzó a usarse para describir a un grupo diverso de músicos y cantantes que operaban fuera de las tradiciones y la industria de la música country convencional. Muchos evitaron los valores de producción cada vez más pulidos y las sensibilidades pop de la industria dominada por Nashville para un sonido más lo-fi , frecuentemente infundido con una fuerte estética punk y rock and roll . El country alternativo se basó en la música country estadounidense tradicional, la música de la gente trabajadora, preservada y celebrada por practicantes como Woody Guthrie , Hank Williams y The Carter Family , a menudo citados como influencias principales. [18] Otra influencia importante fue el country rock , el resultado de fusionar la música country con un sonido de rock & roll. El artista que más comúnmente se piensa que originó el country rock es Gram Parsons (que se refirió a su sonido como "música estadounidense cósmica"), aunque Michael Nesmith , Steve Earle [19] y Gene Clark son identificados con frecuencia como innovadores importantes. [20] El tercer factor fue el punk rock , que proporcionó energía y actitud DIY . [19]
Los intentos de combinar el punk y el country habían sido iniciados por Jason and the Scorchers de Nashville , y en la escena cowpunk del sur de California de la década de 1980 con bandas como Long Ryders [21] y X , [22] y la banda con base en Minneapolis Jayhawks . X firmó con el sello importante Elektra en 1982 y lanzó Under the Big Black Sun , que marcó un alejamiento de su sonido característico. Si bien seguía siendo rápido y ruidoso, con guitarras punk crudas, el álbum mostró tendencias country en evolución. Los Scorchers lanzaron su EP debut DIY , Reckless Country Soul , en 1982 en el sello independiente Praxis. Pero estos estilos se fusionaron por completo en el LP de 1990 de Uncle Tupelo No Depression , que es ampliamente reconocido como el primer álbum de "country alternativo", y dio su nombre al tablón de anuncios en línea y, finalmente, a la revista que sustentaba el movimiento.
En las décadas de 1990 y 2000, la música americana experimentó un resurgimiento en popularidad, a medida que una nueva generación de artistas comenzó a incorporar elementos de la música estadounidense tradicional en sus canciones. Artistas como Wilco , Lucinda Williams y Gillian Welch ayudaron a popularizar un nuevo estilo de música americana que mezclaba elementos de rock, folk, country y blues. [23] [24]
La revista Rolling Stone señala que
"Americana" se puso de moda por primera vez como una frase musical descriptiva a mediados de los años noventa, cuando un grupo de promotores de radio y personas ajenas a la industria dispersos por Nashville, California y Texas buscaron crear un mercado distinto para una ola de compositores de mentalidad tradicional como Guy Clark, Darrell Scott y Jim Lauderdale, artistas cuyo trabajo ya no estaba siendo atendido por una industria de la música country en auge gracias a Garth Brooks y Shania Twain. [25]
Este nuevo estilo de música reflejó un interés renovado en las formas musicales tradicionales estadounidenses y ayudó a establecer la música americana como un género distinto e importante por derecho propio.
La Asociación de Música Americana, una organización comercial sin fines de lucro que promueve la música de raíces estadounidenses en todo el mundo, se formó en 1999. [26] Es una red para artistas de música americana, estaciones de radio, sellos discográficos, editores y otros con el objetivo de desarrollar una infraestructura que impulse la visibilidad y la viabilidad económica.
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En la década de 2010, varios grupos musicales relacionados con la música americana se abrieron camino en las listas de Billboard. Bandas como Mumford and Sons , The Lumineers y The Avett Brothers ayudaron a acercar la música americana contemporánea a más personas que nunca. Su popularidad como artistas llevó al género (que era algo así como un nicho, a la sombra del country y el rock) a la corriente principal. [27]
En 2011, el género fue incluido oficialmente en el diccionario Merriam-Webster . [28]
En la actualidad, la música americana continúa evolucionando y expandiéndose, a medida que nuevas generaciones de artistas continúan inspirándose en la rica historia y las tradiciones culturales de los Estados Unidos. La instrumentación de la música americana continúa caracterizándose por guitarras acústicas, violines, banjos, mandolinas y armónicas, así como guitarras eléctricas y baterías. El género sigue estando profundamente arraigado en el panorama cultural y social de los Estados Unidos y continúa reflejando las diversas experiencias y perspectivas del pueblo estadounidense.
En los últimos años, el género ha incorporado más influencias del blues, el R&B y el soul, además de los elementos country y folk que siempre han sido prominentes. En 2017, la revista Rolling Stone publicó un artículo en el que afirmaba que la música americana estaba atravesando una "crisis de identidad", que se centraba en cambiar las definiciones y en los esfuerzos por promover la diversidad étnica en el género.
En 2014, el músico country tradicional Dale Watson formó los Ameripolitan Music Awards, centrados en los géneros honky tonk , outlaw , western swing y rockabilly , bajo la premisa de que estos géneros ya no pueden categorizarse adecuadamente como country o americana, por lo que es necesaria la creación de un nuevo término, "ameripolitan".
La estación de radio que mejor reivindica los orígenes del formato de radio americana es KFAT en Gilroy, California, activa desde mediados de 1975 hasta enero de 1983, como se describe en el libro Fat Chance , [29] escrito por Gilbert Klein en 2016 y publicado por MainFramePress.com. KFAT fue sucedida por KHIP en Hollister CA, KPIG en Freedom CA y Fat 99 KPHT-LP en Laytonville CA. Aunque algunos [ ¿quiénes? ] dicen que Americana como formato de radio tuvo sus orígenes en 1984 en KCSN ("radio universitaria") en Northridge, California, pero eso no sucedió hasta después de que KFAT, Gilroy salió del aire cuando se vendió y el formato cambió.
Mark Humphrey, colaborador de la revista country/folk Frets , presentaba un programa de radio semanal llamado "Honky Tonk Amnesia" que reproducía "country, folk, honky tonk, cajun, dawg, blues y música antigua", una combinación que la emisora de música country KCSN publicitaba como "americana". [30] El formato cobró importancia a mediados de los años 1990 como una frase descriptiva utilizada por los promotores de radio y las figuras de la industria musical para los compositores e intérpretes de orientación tradicional.
Los programas de radio de tipo americana se pueden escuchar en una variedad de estaciones de radio no comerciales.
La guitarra acústica es quizás el instrumento más esencial en la música americana. A menudo se utiliza para proporcionar la base rítmica de una canción, así como para acompañar voces y otros instrumentos. [31] En la música americana, la guitarra acústica a menudo se toca con los dedos , lo que produce un sonido cálido y orgánico que es perfecto para la sensación terrenal y arraigada del género. [32]
El banjo es un instrumento distintivo y esencial en la música americana. [33] Su sonido brillante y vibrante es inmediatamente reconocible y a menudo se asocia también con la música de los Apalaches y el bluegrass . Los banjos se tocan a menudo utilizando una técnica llamada clawhammer , que implica golpear las cuerdas con el dorso de la uña. [34] El banjo añade una textura única a la música americana, y su ejecución intrincada y de ritmo rápido puede crear un ritmo impulsor que impulsa una canción hacia adelante.
La mandolina es un pequeño instrumento de cuerda que se utiliza habitualmente en la música folk y bluegrass. Su sonido brillante y agudo añade un sabor distintivo a la música americana, y su ejecución rápida e intrincada puede crear una sensación vivaz y animada. Las mandolinas se tocan a menudo utilizando una técnica llamada trémolo , que implica tocar rápidamente las cuerdas para crear un sonido sostenido y brillante. [35]
El violín es un instrumento de cuerda tradicional que se utiliza a menudo en la música americana. [36] Su sonido versátil puede crear tanto melodías lentas y tristes como ritmos rápidos y animados. Los violines se tocan a menudo utilizando una técnica llamada "aserrado", que implica mover rápidamente el arco hacia adelante y hacia atrás a lo largo de las cuerdas para crear un ritmo vigoroso. [37] Los violines pueden agregar una calidad inquietante a la música americana y pueden crear una sensación de nostalgia y anhelo.
A pesar del nombre más común del género, no lo practican únicamente artistas de los Estados Unidos, ya que numerosos artistas de Canadá también son destacados en el género. [38] A las bandas canadienses del género a veces se las denomina Canadiana en lugar de Americana en los medios canadienses, [39] aunque este no es un sinónimo ampliamente reconocido en otros lugares. A la escena noruega a menudo se la denomina Nordicana . [40]