Léonard Tsuguharu Foujita (藤田 嗣治, Fujita Tsuguharu , 27 de noviembre de 1886 - 29 de enero de 1968) fue un pintor japonés-francés. Después de haber estudiado pintura de estilo occidental en Japón, Foujita viajó a París , donde conoció la escena internacional del arte moderno del barrio de Montparnasse y desarrolló un estilo ecléctico que tomó prestado de las tradiciones artísticas japonesas y europeas.
Con su moda inusual y su estilo figurativo distintivo, Foujita alcanzó la cima de su fama en París en la década de 1920. Sus obras en acuarela y óleo de desnudos, naturalezas muertas y autorretratos fueron un éxito comercial y se convirtió en una figura destacada en la escena artística parisina.
Foujita pasó tres años viajando por América del Sur y del Norte antes de regresar a Japón en 1933, documentando sus observaciones en bocetos y pinturas. A su regreso a casa, Foujita se convirtió en un artista de guerra oficial durante la Segunda Guerra Mundial , ilustrando escenas de batalla para elevar la moral de las tropas y los ciudadanos japoneses. Sus pinturas al óleo le valieron elogios durante la guerra, pero la opinión pública sobre él se volvió negativa a raíz de la derrota japonesa.
Sin grandes perspectivas en el panorama artístico japonés posterior a la Segunda Guerra Mundial, Foujita regresó a Francia en 1950, donde pasaría el resto de su vida. Recibió la nacionalidad francesa en 1955 y se convirtió al catolicismo en 1959. Sus últimos años los pasó trabajando en los frescos de una pequeña capilla románica que había construido en Reims. Murió en 1968, poco después de que la capilla se inaugurara oficialmente.
Foujita es una figura célebre en Francia, pero la opinión pública sobre él en Japón sigue siendo mixta debido a sus monumentales representaciones de la guerra. Las recientes exposiciones retrospectivas organizadas desde 2006 en Japón han tratado de establecer el lugar de Foujita en la historia del arte japonés del siglo XX.
Foujita nació en 1886 en Ushigome, un antiguo barrio de Tokio que ahora forma parte del barrio de Shinjuku . Era hijo de Fujita Tsuguakira Fujita, director médico del ejército. [1] Dos años después de su nacimiento, la familia se mudó a Kumamoto , en la isla de Kyushu . Tras la muerte prematura de su madre y el posterior nuevo matrimonio de su padre, la familia regresó a Tokio en 1892. [2]
Foujita desarrolló un interés por la pintura en la escuela primaria y cuando era adolescente decidió convertirse en pintor. [3] Cuando tenía catorce años, una de las acuarelas de Foujita se exhibió en la Exposición Universal de París como una de las obras de arte representativas de los estudiantes japoneses de secundaria. [3]
Foujita comenzó a estudiar francés cuando estaba en la escuela secundaria y esperaba estudiar en Francia después de terminar la escuela. Sin embargo, su padre, después de consultar con su amigo Ōgai Mori , un cirujano y novelista que había vivido anteriormente en Alemania, lo alentó a continuar sus estudios de bellas artes en Japón. Se inscribió en 1905 en lo que ahora es la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio y estudió con Seiki Kuroda , quien enseñó yōga , pintura de estilo occidental. [4] También tomó cursos de nihonga , pintura de estilo japonés, dirigidos por Seihō Takeuchi y Gyokushō Kawabata. [3]
Foujita conoció a su primera esposa, Tomiko Tokita, una maestra de escuela, durante un viaje a la prefectura de Chiba, durante el cual realizó una serie de pinturas para su diploma, incluido el primer autorretrato conocido del artista. Los dos se casaron en 1911. [5]
Foujita se graduó en 1910. Expuso en 1910 como parte del Salón Hakuba-Kai (Asociación del Caballo Blanco), organizado por Seiki Kuroda, que buscaba popularizar el yōga entre el público japonés, y más tarde en las dos primeras exposiciones organizadas por Tokyo Kangyo, una estructura que promovía el arte y la industria. [6] Sin embargo, sus pinturas fueron rechazadas durante tres años consecutivos en el salón Bunten , una exposición anual organizada por el Ministerio de Educación. [7] Las pinturas de Foujita en esta época, antes de mudarse a Francia, a menudo estaban firmadas como "Fujita", en lugar del "Foujita" afrancesado que adoptó más tarde.
Inseguro de su estilo personal y sin perder nunca de vista su sueño de viajar a París, Foujita decidió partir en 1913, cuando tenía 27 años. Se decidió que recibiría una renta vitalicia de su padre durante tres años, de modo que el artista regresaría a su casa y a su esposa en Japón a la edad de 30 años. [6]
Foujita se mudó a París en 1913, en una época en la que florecían los artistas extranjeros, con la esperanza de desarrollar su sensibilidad artística y ganar reconocimiento en la capital del arte europea. [8] Se instaló en Montparnasse y rápidamente se convirtió en parte de la ecléctica escena artística de allí que, al carecer de un estilo o disciplina claros, más tarde se conocería como la École de Paris (Escuela de París). [9] Se mudó a las residencias de artistas en Bateau-Lavoir . [10] Rápidamente se hizo amigo del pintor japonés Riichirō Kawashima , que tenía muchas conexiones en la escena artística de París, [11] ya que compartían un estudio. [12] Foujita también desarrolló una amistad con el fotógrafo Shinzo Fukuhara , quien despertó el interés de Foujita por la fotografía. [12]
Mientras que muchos artistas japoneses que llegaron a París tendían a vivir entre ellos y luchaban por adaptarse al estilo de vida parisino, Foujita hizo grandes esfuerzos por adaptarse a su nuevo entorno. [13] Comenzó a firmar sus pinturas con la ortografía de su nombre, Foujita, que parecía francesa, en lugar de Fujita, y mejoró sus habilidades en el idioma francés. También se distinguió de muchos de sus colegas japoneses, que buscaban afirmar su dominio de la pintura al óleo, ya que Foujita trabajaba principalmente con acuarela. [14]
Su red pronto incluyó artistas de muchas nacionalidades. Después de trasladar su estudio a la Cité Falguière, conoció a los pintores Amedeo Modigliani y Chaîn Soutine , [15] tomó clases de danza con Raymond Duncan y visitó los estudios de Pablo Picasso y Diego Rivera . [12] Este fructífero encuentro, durante el cual Foujita descubrió el cubismo , lo llevó a conocer a Guillaume Apollinaire , Georges Braques , Fernand Léger , Erik Satie , Kees van Dongen , Jean Metzinger , André Derain y Pierre Bonnard . [16] Su visita al estudio de Picasso le presentó el estilo " naif " de Henri Rousseau , ya que Picasso poseía una de las obras de Rousseau y la tenía colgada en su pared. [17]
1914 marcó el estallido de la Primera Guerra Mundial y el comienzo de un período complicado para Foujita. Muchos artistas extranjeros abandonaron París para luchar en la guerra. La mayoría de los artistas japoneses también optaron por regresar a casa. Sin embargo, después de haber comprado un terreno en las afueras de París donde construyeron una casa modesta, Foujita y Kawashima decidieron quedarse. [18] En los meses siguientes, los dos artistas trabajarían como voluntarios, junto al escultor Ossip Zadkine , para la Cruz Roja. [18] En septiembre, regresaron a su casa y la encontraron destruida. Además, Foujita atravesó un momento económico difícil porque su padre ya no podía enviarle su anualidad debido a la guerra. [18]
Tras la marcha de Kawashima a Tokio en 1915, Foujita se trasladó a Londres en enero de 1916. Durante este periodo, Foujita puso fin a su relación con su esposa Tomiko. También informó a su padre de que ya no necesitaba apoyo económico y que se quedaría indefinidamente en Europa. [19] Foujita regresó a París a principios de 1917. [20] En marzo, conoció a Fernande Barrey , que había sido modelo para Modigliani, en el Café de la Rotonde . Trece días después, Foujita y Fernande se casaron. [21]
Fernande fue decisiva en el primer éxito profesional del artista en París. Unas semanas después de casarse con Foujita, le mostró al marchante de arte Georges Chéron algunos de los dibujos de Foujita. Chéron fue al estudio de Foujita y compró todas las obras que le mostraron. [22] También consiguió un acuerdo entre Foujita y la Galerie Chéron, donde realizó sus primeras exposiciones individuales. [19] Su primera muestra individual, en la que presentó 110 de sus acuarelas, fue un gran éxito. [23] El artista comenzó a exponer con más frecuencia en París y en 1920 se convirtió en miembro del Salón de Otoño . [24]
Este éxito coincidió con la llegada de los locos años veinte a París, una época de relativa prosperidad económica que impulsó un fuerte mercado del arte y una vida nocturna próspera. Foujita era un habitual de los clubes y eventos populares, reconocible de inmediato gracias a sus características gafas de copa redondas.
La producción de Foujita a principios de la década de 1920 comenzó a concentrarse en tres géneros distintos: autorretratos, escenas de interiores (incluidas muchas naturalezas muertas) y desnudos. Hubo un gran interés en el estilo de Foujita, que a menudo se percibía como una combinación original de elementos "orientales" y "occidentales". [25]
Los críticos contemporáneos describieron a los artistas japoneses en París que practicaban la pintura al estilo occidental como simples copistas o, en palabras de André Warnod, "que querían ser europeos a toda costa". [26] : 38 Sin embargo, Foujita fue considerado la excepción a esta regla. Warnod afirma que Foujita "sabía mirar con sus propios ojos y pintar según su temperamento, sin preocuparse demasiado por los demás": en comparación con otros pintores japoneses, Foujita era visto como alguien con "personalidad". [26] : 39 El historiador de arte Asato Ikeda ha argumentado que "a diferencia de otros artistas japoneses en la ciudad, Fujita [orientó] sus pinturas al público francés negociando con éxito el patrimonio artístico de su país y haciendo algo original desde la perspectiva de la historia del arte europeo". [27] : 88
Las obras de Foujita a finales de la década de 1910 incorporaron una mezcla de estilos. Desde el comienzo de su estancia en París, Foujita aprovechó su proximidad al Louvre para estudiar a artistas como Rafael , Rembrandt y Leonardo da Vinci . [26] : 40 En 1917, Foujita comenzó a dibujar figuras de una manera muy estilizada, a menudo de perfil, que parecen inspirarse tanto en la pintura primitiva medieval como en los retratos simplificados de Amadeo Modigliani. El artista, muy inspirado por la pintura italiana, también representó temas cristianos como la Virgen con el Niño y la Crucifixión de Cristo. Estos temas pronto desaparecerían de la obra de Foujita, pero luego dominaron su producción artística a partir de 1951.
Sus desnudos fueron apreciados como una reunión armoniosa de la estética japonesa y europea. Una de esas pinturas, Desnudo reclinado con Toile de Jouy , para la que posó la modelo francesa Kiki de Montparnasse , tuvo un gran éxito en el Salón de Otoño de 1922. [28] Esta obra hacía referencia al género clásico del desnudo, así como a ejemplos franceses más recientes como Olympia de Édouard Manet . Se inspiró en artistas ukiyo-e como Suzuki Harunobu y Kitagawa Utamaro , que dejaban la piel de sus figuras femeninas sin teñir, [27] : 89 aunque pintó a la modelo y artista negra Aïcha Goblet en un estilo más cubista. [29] [30] Foujita escribió que el objetivo de sus desnudos era "representar la calidad del material más hermoso que existe: la piel humana". [31]
Foujita recibió un importante encargo parisino a finales de la década de 1920 que mostró su capacidad para crear dentro de la tradición artística japonesa. Pintado en el Cercle de l'Union Interalliée, un exclusivo club social y de restauración, presenta dos kachō-ga , o paneles de pintura de pájaros y flores creados en un estilo yamato-e . [27] : 89
En 1922, Foujita conoció a Lucie Badoul, [32] a quien llamó "Youki", la palabra japonesa para "nieve", y ella se convirtió en una de sus modelos. [33] En 1924, se divorció de Fernande, [34] y en 1929, se casó con Youki. [35] En la época de su matrimonio con Youki, Foujita estaba teniendo serios problemas financieros. Había estado viviendo una vida lujosa de celebridad en París, pero no había estado pagando impuestos desde 1925. Ahora, las autoridades fiscales lo atraparon y exigieron el pago completo. [36] Foujita se fue a Japón con Youki, con la esperanza de poder recuperar sus pérdidas exponiendo allí. [37] La recepción de Foujita en Japón fue mixta. El público en general llenó su primera exposición individual allí, y sus obras se vendieron bien, pero los críticos lo criticaron como un artista mediocre que imitaba el estilo occidental. [38] Foujita regresó a Francia vía Estados Unidos, y viajó a Hawái, San Francisco y Nueva York. Mientras estaba en Nueva York, se enteró del desplome de Wall Street . [39] Una vez más, regresó brevemente a Nueva York para organizar una exposición individual en la galería Paul Reinhardt, pero la muestra no tuvo éxito. [39]
Cuando Foujita regresó a París en 1930, todavía tenía poco dinero, [39] y compartía piso con Robert Desnos , a quien había conocido en 1928. Durante este tiempo, Foujita experimentó con la pintura en un estilo más surrealista . En 1931, Youki y Desnos se habían convertido en pareja, [40] y Foujita, que seguía teniendo problemas con sus impuestos atrasados [41] y se declaró en quiebra [42], se fue a Sudamérica con Madeleine Lequeux, [43] una ex bailarina conocida como Mady Dormans que trabajaba en el Casino de París . [41]
Foujita y Madeleine viajaron juntos a Brasil , donde permanecieron en Río de Janeiro durante cuatro meses. Durante este tiempo, conocieron a Ismael Nery , quien pintó el retrato de Foujita. [41] Después de Brasil, fueron a Argentina . Su exposición en Buenos Aires tuvo mucho éxito y permaneció allí durante cinco meses. [44] Después, viajaron a Bolivia, Perú y Cuba. [41]
Foujita viajó luego a México , adonde llegó en noviembre de 1932, donde permanecería durante siete meses. [45] Foujita se sintió inspirado por el Movimiento Muralista Mexicano , liderado por Diego Rivera, con quien se había hecho amigo en París. Impresionado por el esfuerzo colaborativo realizado por el gobierno y los artistas locales, Foujita, como describe el historiador de arte Asato Ikeda, "afirmó que el arte no debería producirse sólo para individuos ricos sino también para las masas y el público en general. En otras palabras, su viaje a Sudamérica lo hizo consciente de los roles sociales y políticos que el arte público a gran escala podía desempeñar". [27] : 90
También visitó al artista Tamiji Kitagawa en su casa de Taxco . [46] Foujita había conocido a Kitagawa a través de una exposición de las obras al aire libre de sus alumnos que habían viajado por Europa. Foujita quedó tan impresionado por las obras de los alumnos de Kitagawa que hizo que sesenta de los lienzos se trajeran de vuelta a Japón para una exposición que se celebró en 1936. [47] Después de su visita a México, Foujita viajó por el suroeste de los Estados Unidos y luego fue a San Francisco y Los Ángeles, donde continuó exponiendo y siendo tratado como una celebridad. [45]
Foujita regresó a Japón con Madeleine a finales de 1933. A Madeleine le resultó difícil la transición a la cultura japonesa. [48] En febrero de 1935, regresó a París, pero regresó un año después. [49] En junio de 1936, murió inesperadamente. [50] Poco después, Foujita se casó con su quinta esposa, Kimiyo Horiuchi. [51] Durante este tiempo, las pinturas de Foujita comenzaron a estar dominadas por temas japoneses clásicos, como geishas , luchadores de sumo y pescadores. Sus acuarelas y óleos recibieron una prensa negativa cuando se exhibieron en el XXI Salón Nika en 1934. Los críticos sintieron que su visión de Japón era anticuada y se parecía a la de un extranjero, y un crítico señaló que "las personas y las escenas representadas por este pintor no son del Japón vivo y actual, sino restos desgastados del pasado". [52] : 51 El gusto de Foujita por el Japón del pasado se confirmó aún más en 1937 cuando construyó una casa tradicional japonesa. [52] : 56
1937 marcó el comienzo de la segunda guerra chino-japonesa . Foujita buscó contribuir al esfuerzo bélico mediante la guerra en el frente, y estos voluntarios civiles formaron la Asociación de Artistas de Guerra del Japón Imperial. [53] : 313 [54] En 1938, Foujita comenzó a trabajar con la Oficina de Información de la Armada Imperial como artista de guerra [55] y creó su primera pintura de guerra ( sensō ga ), Incendio del aeropuerto de Nanchang. [56]
En abril de 1939, el ejército reorganizó la Asociación de Artistas de Guerra del Japón Imperial como la Asociación de Arte del Ejército, que encargó pinturas de guerra monumentales bajo la supervisión de un nuevo presidente, Matsui Iwane, que era un oficial militar activo. [53] : 313 [57] : 170 Foujita y su compañero artista, Saburō Miyamoto, fueron miembros destacados, [58] y en 1943 Foujita se convirtió en vicepresidente. [53] : 319 [59] A pesar de sus fuertes conexiones con la Asociación de Arte del Ejército, Foujita decidió regresar a París en abril de 1939. Él y Kimiyo permanecieron allí durante poco más de un año, dejando Francia y regresando a Japón en mayo de 1940 después de la invasión alemana de Bélgica . [60]
A su regreso a Tokio, Foujita se dedicó como artista a apoyar el esfuerzo bélico. [57] : 172 Se convirtió en el principal artista de guerra del país durante la Segunda Guerra Mundial , [61] creando una prolífica cantidad de pinturas de guerra [62] y supervisando exhibiciones especiales para el ejército. [63] Recibió encargos importantes, como la Batalla de Nomonhan, pintada en 1941, una pintura monumental que mide casi 1,5 x 4,5 metros. [57] : 175 A pesar de que la pintura representa una de las mayores derrotas militares que los japoneses habían experimentado hasta ese momento, se centra en glorificar la valentía de los soldados japoneses.
Masaaki Ozaki divide la producción de Foujita en tiempos de guerra en dos períodos: las pinturas del primer período, como la Batalla de Nomonhan, se suponía que documentaban la guerra y elevaban la moral de las tropas. [52] : 58 El segundo período, sin embargo, fue una época en la que los japoneses estaban experimentando más derrotas que victorias. El pueblo japonés comenzó a perder la confianza y el esfuerzo bélico se volvió más desesperado. Las fuentes de las pinturas de Foujita no fueron los campos de batalla en sí, sino su imaginación, lo que dio como resultado composiciones dramáticas impactantes que Ozaki compara con representaciones del infierno que se encuentran en la pintura japonesa clásica. [52] : 58 La historiadora del arte Aya Louise McDonald también señala que sus composiciones se enriquecieron aún más con el conocimiento de Foujita de la pintura francesa del siglo XIX en el Louvre. [57] : 180
Su pintura más famosa de este período es Last Stand at Attu, terminada en agosto de 1943, que representa una batalla contra las tropas estadounidenses en las Islas Aleutianas . En lugar de rendirse a los estadounidenses, los soldados japoneses que permanecieron en la batalla se suicidaron. La obra recibió respuestas viscerales de los espectadores, que lloraron o rezaron frente a ella, como si fuera un altar. [64] : 34 Foujita hizo pinturas en una línea similar a Last Stand at Attu hasta el final de la guerra en 1945.
Tras la derrota de Japón, las potencias aliadas en Japón hicieron un esfuerzo para recolectar todas las pinturas de guerra para enviarlas a los Estados Unidos, con la ayuda de Foujita. [64] : 36 Las pinturas nunca fueron "devueltas" oficialmente a Japón, pero fueron puestas en "préstamo indefinido" al Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio, que recibió las pinturas de 1970 a 1977. [64] : 36
Foujita recibió muchas críticas públicas después de la guerra en Japón. Se defendió afirmando que los artistas eran pacifistas por naturaleza, pero la Asociación de Arte de Japón ( Nihon Bijutsu-kai ) lo incluyó como artista responsable de la guerra en 1946. [65] : 98 Aunque el nombre de Foujita no apareció en la lista de criminales de guerra publicada por el Cuartel General en 1947, [66] su reputación sufrió, [45] en parte debido a que usó su arte para servir como propaganda para el ejército imperial japonés y su negativa a enfrentar las acusaciones sobre su papel como artista de guerra. [67] El poeta estadounidense Harry Roskolenko intentó apoyar a Foujita al montar una exhibición de sus pinturas en las galerías Kennedy and Company en Nueva York, pero ninguna de las pinturas se vendió. Foujita y Roskolenko culparon a Yasuo Kuniyoshi , quien describió a Foujita como fascista, imperialista y expansionista. [68] Finalmente, Foujita decidió abandonar Japón definitivamente. [65] : 99
Foujita pudo obtener una visa para los Estados Unidos con la ayuda de Henry Sugimoto y aceptó un puesto de profesor en la Escuela de Arte del Museo de Brooklyn en marzo de 1949. [69] Foujita realizó otra exhibición, pero una vez más fue etiquetado como fascista por artistas, incluido Ben Shahn , quien organizó una manifestación en su contra. Sus pinturas de la época reflejan una nostalgia por París. Infeliz y no bienvenido en Nueva York, Foujita trató de regresar a París y una vez que se le concedió la visa, [70] Foujita y Kimiyo regresaron a Francia en enero de 1950. [71] Foujita declaró que nunca volvería a irse. [70]
La pareja se mudó a Montparnasse, donde Foujita comenzó a pintar escenas callejeras que llamó "Paisajes de París". [72] Se involucró brevemente con el diseño de vestuario, creando los trajes "japoneses" para la actuación de mayo de 1951 de Madame Butterfly en La Scala, [73] e hizo ilustraciones para un libro de René Héron de Villefosse [72] En 1954, Foujita se casó con Kimiyo. [74] Obtuvieron la nacionalidad francesa en 1955, renunciando a su nacionalidad japonesa, y Foujita fue nombrado oficial de la Legión de Honor por el estado francés en 1957. [3] La pareja se convirtió al catolicismo y fue bautizada en la Catedral de Reims el 14 de octubre de 1959, con René Lalou, el jefe de la Casa de Champaña Mumm , y Françoise Taittinger como su padrino y madrina. Foujita tomó el nombre cristiano de Léonard. [75]
Tras su conversión en 1959, Foujita dedicó la mayor parte de su producción a la creación de temas religiosos. [76] En 1962, Foujita creó un plan para construir y decorar su propia capilla , como lo había hecho Matisse antes que él. Foujita esperaba que la estructura, llamada Capilla de Nuestra Señora de la Paz y construida con la ayuda de la financiación de Lalou, [77] simbolizara la finalización de su carrera. [78] Al final resultó que la capilla también sería el proyecto final del artista. Desde 1963 hasta su apertura al público en 1966, diseñó casi todos los aspectos de la estructura, [79] decorando el interior con frescos de escenas bíblicas, muchas de las cuales ilustraban la vida de Cristo . [80]
Solo unos meses después de la apertura de la capilla, a Foujita le diagnosticaron cáncer. Murió el 29 de enero de 1968 en Zúrich , Suiza . [81] Primero fue enterrado en la capilla, pero Kimiyo hizo que su cuerpo fuera trasladado al cementerio de Villiers-le-Bâcle , cerca de ella. En 2003, su ataúd fue enterrado nuevamente en la Capilla Foujita bajo las losas en la posición que originalmente pretendía al construir la capilla. [82]
Después de la guerra, Foujita tenía reputación de criminal de guerra en Japón. [65] : 98 En 1972, el artista Kikuhata Mokuma publicó un ensayo en la revista de arte Bijutsu techō que criticaba al artista como un artista verdaderamente loco y profundamente narcisista, que disfrutaba mucho representando la muerte, y concluía, sin embargo, que Foujita era solo uno de los muchos responsables de los horrores de la guerra. [83] La reputación de Foujita y su lugar en la historia del arte japonés del siglo XX sigue siendo un tema controvertido en Japón en la actualidad. [84] En 2006, el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio realizó una exitosa retrospectiva de su obra titulada Léonard Foujita: no japonés que fascinó a París, y otras le siguieron, lo que indica la voluntad de los museos japoneses de involucrarse con la obra de Foujita. La retrospectiva de 2006, organizada en el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio, presentó cinco pinturas de guerra en un esfuerzo por abordar su responsabilidad en la guerra. [65] : 101
En Francia, Foujita sigue asociado principalmente a la École de Paris y al ambiente festivo de los locos años veinte. Es conocido por sus temas desenfadados y delicados: paisajes urbanos parisinos, gatos, mujeres voluptuosas, objetos cotidianos. Una importante exposición de su obra en el Musée Maillol en 2018, Foujita: peindre dans les années folles [Foujita: pintura en los locos años veinte], se centró en su producción antes de su regreso a Japón.
En 1980, el Centro Pompidou y el Museo de Arte Moderno de Tokio organizaron una exposición que presentaba el conjunto de la obra de Foujita, incluida su producción en tiempos de guerra, pero se canceló en el último minuto. [85] : 17 En 2019, la exposición Foujita 1886-1968. Oeuvres d'une vie [ Foujita 1886-1968. La obra de una vida ] organizada en el Museo de la Cultura del Japón en París y basada en la exposición Foujita: una retrospectiva , mostrada en el Museo Metropolitano de Arte de Tokio en 2018, presentó por primera vez en Francia una visión general de los sesenta años de producción artística de Foujita. Incluía dos de las pinturas de guerra del artista, mostradas por primera vez fuera de Japón, lo que permitió al público francés comprender la carrera de Foujita más allá de sus años en Montparnasse. [85] : 16
En 1990, Kimiyo Foujita donó la casa que compartía con el artista al Conseil départemental de l'Essonne, para que el taller de Foujita pudiera convertirse en un museo, la Maison-Atelier Foujita. En Japón, las obras de Foujita se pueden encontrar en el Museo Artizon y el Museo de Arte Contemporáneo de Tokio, con más de 100 en el Museo de Arte Hirano Masakichi en Akita . Sus obras también forman parte de importantes colecciones francesas, como las del Centro Pompidou , el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París y el Fondo de Arte Contemporáneo de París. También se pueden encontrar más obras en el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Estrasburgo , el Museo de Grenoble y el Museo de la Piscina de Roubaix. El sobrino de Foujita donó algunas de sus obras y escritos al Museo de Bellas Artes de Reims en 2012. [86]
