Faith Ringgold (nacida Faith Willi Jones ; 8 de octubre de 1930 - 13 de abril de 2024) fue una pintora, autora, escultora de medios mixtos , artista de performance y activista interseccional estadounidense , quizás mejor conocida por sus colchas narrativas . [1] [2] [3] [4]
Ringgold nació en Harlem , Nueva York, y obtuvo su licenciatura y maestría en el City College de Nueva York . Fue profesora de arte en el sistema de escuelas públicas de la ciudad de Nueva York. Como artista multimedia, sus obras exploraron temas de familia, raza, clase y género. Su serie de colchas con historias, diseñadas a partir de la década de 1980, capturaron las experiencias de los afroamericanos y se convirtieron en su forma de arte distintiva. Durante su carrera, promovió el trabajo de los artistas negros y se manifestó contra su marginación por parte de los museos de arte. Escribió e ilustró más de una docena de libros infantiles. El arte de Ringgold se ha exhibido en todo el mundo y se encuentra en las colecciones permanentes del Guggenheim , el Museo Metropolitano de Arte , el Museo de Artes y Diseño , el Museo de Arte de Filadelfia y el Centro Schomburg para la Investigación de la Cultura Negra .
Faith Willi Jones nació como la menor de tres hijos el 8 de octubre de 1930 en el Hospital Harlem de la ciudad de Nueva York. [5] : 24 Sus padres, Andrew Louis Jones y Willi Posey Jones, eran descendientes de familias de clase trabajadora desplazadas por la Gran Migración . La madre de Ringgold era diseñadora de moda y su padre, además de trabajar en una variedad de trabajos, era un ávido narrador de historias. [6] La criaron en un entorno que fomentaba su creatividad. Después del Renacimiento de Harlem , la casa de la infancia de Ringgold en Harlem se rodeó de una próspera escena artística, donde figuras como Duke Ellington y Langston Hughes vivían a la vuelta de la esquina. [5] : 27 Su amigo de la infancia, Sonny Rollins , que se convirtió en un destacado músico de jazz, a menudo visitaba a su familia y practicaba el saxofón en sus fiestas. [5] : 28
Debido a su asma crónica , Ringgold exploró el arte visual como un pasatiempo importante con el apoyo de su madre, experimentando a menudo con crayones cuando era niña. [5] : 24 También aprendió a coser y trabajar creativamente con telas de su madre. [7] Ringgold sostuvo que a pesar de su crianza en Harlem durante la Gran Depresión , "esto no significaba que [ella] fuera pobre y oprimida", estaba "protegida de la opresión y rodeada de una familia amorosa". [5] : 24 Con todas estas influencias combinadas, la obra de arte futura de Ringgold se vio muy afectada por la gente, la poesía y la música que experimentó en su infancia, así como por el racismo, el sexismo y la segregación con los que lidió en su vida cotidiana. [5] : 9
En 1948, [8] debido a la presión de su familia, Ringgold se inscribió en el City College de Nueva York para especializarse en arte, pero se vio obligada a especializarse en educación artística en su lugar, ya que el City College solo permitía que las mujeres se inscribieran en ciertas especialidades. [9] [10] : 134 En 1950, se casó con un pianista de jazz llamado Robert Earl Wallace y tuvo dos hijos, Michele y Barbara Faith Wallace, en 1952. [8] Ringgold y Wallace se separaron cuatro años después debido a su adicción a la heroína . [11] : 54 Mientras tanto, estudió con los artistas Robert Gwathmey y Yasuo Kuniyoshi . [12] También conoció al grabador Robert Blackburn , con quien colaboraría en una serie de grabados 30 años después. [5] : 29
En 1955, Ringgold recibió su licenciatura en el City College y poco después enseñó en el sistema de escuelas públicas de la ciudad de Nueva York. [13] En 1959, recibió su maestría en el City College y partió con su madre y sus hijas en su primer viaje a Europa. [13] Mientras viajaba al extranjero en París, Florencia y Roma, Ringgold visitó muchos museos, incluido el Louvre . Este museo en particular inspiró su futura serie de pinturas de colchas conocidas como The French Collection (1991-1997). Sin embargo, este viaje se interrumpió abruptamente debido a la prematura muerte de su hermano en 1961. Ringgold, su madre y sus hijas regresaron a los Estados Unidos para su funeral. [11] : 141 Se casó con Burdette Ringgold el 19 de mayo de 1962. [13]
Ringgold visitó África Occidental dos veces: una en 1976 y otra en 1977. Estos viajes influyeron profundamente en su fabricación de máscaras, pintura de muñecas y esculturas. [14]
La práctica artística de Ringgold fue extremadamente variada: desde la pintura hasta las colchas, desde las esculturas y el arte escénico hasta los libros para niños. Como educadora, enseñó tanto en el sistema de escuelas públicas de la ciudad de Nueva York como en el nivel universitario. En 1973, dejó de enseñar en la escuela pública para dedicarse a la creación artística a tiempo completo. En 1995, ACA Galleries se puso en contacto con ella para que la representara en forma exclusiva y estuvo representada por ellos durante el resto de su vida. [15]
Ringgold comenzó su carrera como pintora en la década de 1950 después de recibir su título. [13] Sus primeros trabajos están compuestos por figuras y formas planas. Se inspiró en los escritos de James Baldwin y Amiri Baraka , el arte africano , el impresionismo y el cubismo para crear las obras que realizó en la década de 1960. Aunque recibió mucha atención con estas imágenes, muchas de sus primeras pinturas se centraron en el racismo subyacente en las actividades cotidianas; [16] lo que dificultó las ventas e inquietó a las galerías y coleccionistas. [5] : 41 Estas obras también tenían una base política y reflejaban sus experiencias al crecer durante el Renacimiento de Harlem, temas que maduraron durante el Movimiento por los Derechos Civiles y el Movimiento de la Mujer . [17] : 8
Inspirándose en el artista Jacob Lawrence y el escritor James Baldwin , Ringgold pintó su primera colección política llamada American People Series en 1963, que retrata el estilo de vida estadounidense en relación con el Movimiento por los Derechos Civiles. American People Series ilustra estas interacciones raciales desde un punto de vista femenino y cuestiona los problemas raciales básicos en los Estados Unidos de América. [11] : 145 En un artículo de 2019 con la revista Hyperallergic , Ringgold explicó que su elección de una colección política proviene de la atmósfera turbulenta que la rodeaba: "(...) era la década de 1960 y no podía actuar como si todo estuviera bien. No podía pintar paisajes en la década de 1960, estaban sucediendo demasiadas cosas. Esto es lo que inspiró la American People Series ". [18] Esta revelación surgió de que su trabajo fuera rechazado por Ruth White, dueña de una galería en Nueva York. [6] Pinturas al óleo como Sólo para miembros , Vecinos , Observando y esperando y El triángulo de los derechos civiles también encarnan estos temas.
En 1972, como parte de un encargo patrocinado por el Programa de Servicio Público de Artistas Creativos, Ringgold instaló For the Women's House [19] en el Centro de Mujeres de la Isla Rikers . El mural a gran escala es una obra anticarcelaria , compuesta por representaciones de mujeres en roles profesionales y de funcionarias públicas, que representan alternativas positivas al encarcelamiento. Las mujeres retratadas están inspiradas en extensas entrevistas que Ringgold realizó a reclusas, y el diseño divide los retratos en secciones triangulares, haciendo referencia a los textiles Kuba de la República Democrática del Congo . Fue su primer encargo público y se considera ampliamente como su primer trabajo feminista. [20] Posteriormente, la obra inspiró la creación de Art Without Walls, una organización que lleva arte a las cárceles. [6]
En torno a la inauguración de su exposición para American People , Ringgold también trabajó en su colección llamada America Black (también llamada Black Light Series ), en la que experimentó con colores más oscuros. Esto fue impulsado por su observación de que "el arte occidental blanco se centraba en el color blanco y la luz/contraste/ claroscuro , mientras que las culturas africanas, en general, utilizaban colores más oscuros y enfatizaban el color en lugar de la tonalidad para crear contraste". Esto la llevó a perseguir "una estética negra más afirmativa". [11] : 162–164 Su serie American People concluyó con murales de mayor escala, como The Flag is Bleeding , [21] US Postage Stamp Commemorating the Advent of Black Power People y Die . [22] Estos murales le dieron una perspectiva más fresca y fuerte para su futura obra de arte.
Su pieza, Black Light Series #10: Flag for the Moon: Die Nigger, 1969, que fue creada en respuesta a la primera imagen del alunizaje del Apolo 11 [23] , iba a ser comprada por el Chase Manhattan Bank , después de que el trabajo de Ringgold llamara la atención de David Rockefeller , el director ejecutivo del banco. Envió a un par de representantes a comprar una pieza, y se dieron cuenta, solo después de que la artista sugiriera que leyeran el texto de su trabajo, de que las estrellas y rayas de la bandera estadounidense tal como se representaban también incorporaban ópticamente la frase "DIE NIGGER". [24] Los representantes en cambio compraron Black Light #9: American Spectrum. [24] En 2013, Black Light Series #10: Flag for the Moon: Die Nigger se mostró en la exposición individual del artista en ACA Galleries en Nueva York, donde fue destacada por el artista y crítico Paige K. Bradley en la primera cobertura de exposición individual que Ringgold había recibido de Artforum [23] hasta entonces, precediendo a la propia reseña de Beau Rutland dos meses después. [25] La pieza Black Light #1: Big Black , de 1967, está incluida en la colección permanente del Pérez Art Museum Miami . [26]
En The French Collection , una serie de varios paneles que aborda las verdades y mitologías del modernismo , Ringgold exploró una solución diferente para superar el doloroso legado histórico de las mujeres y los hombres de ascendencia africana. Como Francia era la cuna del arte moderno en esa época, también se convirtió en la fuente para que los artistas afroamericanos encontraran su propia identidad "moderna". [17] : 2
Durante la década de 1970, también hizo un diseño de cartel "Free Angela" para los Panteras Negras . [7] Aunque nunca se produjo ampliamente, Ringgold declaró que le había dado una copia del diseño a Angela Davis ella misma. [27]
En cuanto al lugar que ocupa la pintura en su práctica en su conjunto, la artista la considera su "medio de expresión principal", como señaló en una entrevista con motivo de una retrospectiva en el New Museum de la ciudad de Nueva York, a partir de 2022. Continuó señalando: "Mi trabajo es siempre autobiográfico: trata sobre lo que está sucediendo en ese momento. Siempre hago lo que me parece honesto. Creo que todos los artistas deberían intentar conocer el mundo y expresar sentimientos sobre lo que observan, lo que es importante para ellos. Mi consejo es: encuentra tu voz y no te preocupes por lo que piensen los demás". [28]
Ringgold afirmó que cambió la pintura por la tela para alejarse de la asociación de la pintura con las tradiciones de Europa occidental. [29] De manera similar, el uso de colchas le permitió defender el movimiento feminista, ya que podía simplemente enrollar sus colchas para llevarlas a la galería, negando así la necesidad de cualquier ayuda de su esposo. [24]
En 1972, Ringgold viajó a Europa en el verano de 1972 con su hija Michele. Mientras Michele fue a visitar amigos en España, Ringgold continuó hacia Alemania y los Países Bajos. En Ámsterdam, visitó el Rijksmuseum , que se convirtió en una de las experiencias más influyentes que afectaron su trabajo maduro y, posteriormente, la llevó al desarrollo de sus pinturas de colchas. En el museo, Ringgold encontró una colección de pinturas tibetanas y nepalíes de los siglos XIV y XV , que la inspiraron a producir bordes de tela alrededor de su propio trabajo. [30]
Cuando regresó a los Estados Unidos, nació una nueva serie de pinturas: The Slave Rape Series . En estas obras, Ringgold tomó la perspectiva de una mujer africana capturada y vendida como esclava. Su madre, Willi Posey, colaboró con ella en este proyecto, ya que Posey fue una popular diseñadora de ropa y costurera de Harlem durante la década de 1950 [31] y le enseñó a Ringgold cómo acolchar en la tradición afroamericana. [32] Esta colaboración eventualmente condujo a su primer edredón, Echoes of Harlem , en 1980. [5] : 44–45 Ringgold también aprendió el arte del acolchado en un estilo afroamericano de su abuela, [6] quien a su vez lo había aprendido de su madre, Susie Shannon, que era esclava. [6]
Ringgold tejía sus historias para que la gente las escuchara, ya que en ese momento nadie publicaba la autobiografía en la que había estado trabajando, lo que hizo que su trabajo fuera tanto autobiográfico como artístico. En una entrevista con el Museo de Arte Crocker , afirmó: "En 1983, comencé a escribir historias en mis colchas como una alternativa. De esa manera, cuando mis colchas fueran colgadas para mirarlas o fotografiadas para un libro, la gente aún podría leer mis historias". [33] Su primera historia sobre colchas , ¿Quién le teme a la tía Jemima? (1983), describe la historia de la tía Jemima como una matriarca restauradora y revisa de manera ficticia "el estereotipo femenino negro más difamado". [34] Otra pieza, titulada Change: Faith Ringgold's Over 100 Pounds Weight Loss Performance Story Quilt (1986), aborda el tema de "una mujer que quiere sentirse bien consigo misma, luchando con [las] normas culturales de belleza, una persona cuya inteligencia y sensibilidad política le permite ver las contradicciones inherentes a su posición, y alguien que se inspira para llevar todo el dilema a una obra de arte". [17] : 9
La serie de colchas de cuentos de la Colección Francesa de Ringgold (1991-1997) se centra en mujeres afroamericanas históricas que se dedicaron a cambiar el mundo ( Girasoles Quilting Bee en Arles ). [35] También hace un llamamiento y redirige la mirada masculina , e ilustra el poder inmersivo de la fantasía histórica y la narración imaginativa infantil. Muchas de sus colchas inspiraron los libros infantiles que hizo más tarde, como Dinner at Aunt Connie's House (1993), publicado por Hyperion Books , basado en The Dinner Quilt (1988). [36]
Ringgold siguió a The French Collection con The American Collection (1997), una serie de colchas que continúa la narrativa de The French Collection . [37]
En 1973, Ringgold comenzó a experimentar con la escultura como un nuevo medio para documentar su comunidad local y los eventos nacionales. Sus esculturas van desde máscaras disfrazadas hasta esculturas blandas colgantes e independientes, que representan personajes reales y ficticios de su pasado y presente. Comenzó a hacer máscaras disfrazadas en técnica mixta después de escuchar a sus estudiantes expresar su sorpresa de que ella no incluyera ya máscaras en su práctica artística. [11] : 198 Las máscaras eran piezas de lienzo de lino que estaban pintadas, bordadas y tejidas con rafia para el cabello y piezas rectangulares de tela para vestidos con calabazas pintadas para representar los senos. Finalmente, hizo una serie de once disfraces de máscara, llamada Witch Mask Series , en una segunda colaboración con su madre. Estos disfraces también se podían usar, pero le darían al usuario características femeninas, como senos, vientres y caderas. En sus memorias We Flew Over the Bridge, Ringgold también señaló que en los rituales africanos tradicionales, los usuarios de las máscaras serían hombres, a pesar de los rasgos femeninos de la máscara. [11] : 200 En esta serie, sin embargo, quería que las máscaras tuvieran una "identidad espiritual y escultórica", [11] : 199 El doble propósito era importante para ella: las máscaras podían usarse y no eran únicamente decorativas.
Después de la serie de máscaras de brujas , en 1973 pasó a otra serie de 31 máscaras, la serie de máscaras de la familia de mujeres , que conmemoraba a las mujeres y los niños que había conocido de niña. Más tarde comenzó a hacer muñecas con cabezas de calabaza pintadas y disfraces (también hechos por su madre, lo que posteriormente la llevó a realizar esculturas blandas de tamaño natural). La primera de esta serie fue su pieza, Wilt , una escultura de retrato de 2,20 m del jugador de baloncesto Wilt Chamberlain . Comenzó con Wilt como respuesta a algunos comentarios negativos que Chamberlain hizo sobre las mujeres afroamericanas en su autobiografía. Wilt presenta tres figuras, el jugador de baloncesto con una esposa blanca y una hija mestiza, ambos personajes ficticios. Las esculturas tenían cabezas de cáscaras de coco horneadas y pintadas , cuerpos de goma y espuma anatómicamente correctos cubiertos de ropa y colgados del techo en líneas de pesca invisibles. [38] Sus esculturas blandas evolucionaron aún más hasta convertirse en "máscaras de retrato" de tamaño natural, [39] que representaban personajes de su vida y sociedad, desde habitantes desconocidos de Harlem hasta Martin Luther King Jr. Esculpió rostros de espuma en semejanzas que luego pintó con aerosol; sin embargo, en sus memorias describió cómo los rostros luego comenzaron a deteriorarse y tuvieron que ser restaurados. Lo hizo cubriendo los rostros con tela, moldeándolos con cuidado para preservar la semejanza. [40]
Como muchas de las esculturas de máscaras de Ringgold también podían usarse como disfraces, su transición de la fabricación de máscaras al arte escénico fue una "progresión natural" autodenominada. [11] : 206 Aunque las piezas de performance artísticas fueron abundantes en las décadas de 1960 y 1970, Ringgold se inspiró en cambio en la tradición africana de combinar narración, danza, música, disfraces y máscaras en una sola producción. [11] : 238 Su primera pieza que involucraba estas máscaras fue The Wake and Resurrection of the Bicentennial Negro . La obra fue una respuesta a las celebraciones del Bicentenario estadounidense de 1976; una narrativa de la dinámica del racismo y la opresión de la adicción a las drogas. Expresó la opinión de muchos otros afroamericanos: "no había razón para celebrar doscientos años de la Independencia estadounidense... porque casi la mitad de ese tiempo habíamos estado en esclavitud ". [11] : 205 La pieza fue interpretada en mímica con música y duró treinta minutos, e incorporó muchas de sus pinturas, esculturas e instalaciones anteriores. Más tarde pasó a producir muchas otras piezas de performance, incluida una pieza de performance autobiográfica en solitario llamada Being My Own Woman: An Autobiographical Masked Performance Piece , una performance de historia enmascarada ambientada durante el Renacimiento de Harlem llamada The Bitter Nest (1985) y una pieza para celebrar su pérdida de peso llamada Change: Faith Ringgold's Over 100 Pound Weight Loss Performance Story Quilt (1986). Cada una de estas piezas era multidisciplinaria, involucrando máscaras, disfraces, colchas, pinturas, narración de cuentos, canciones y baile. Muchas de estas actuaciones también eran interactivas, ya que Ringgold animaba a su audiencia a cantar y bailar con ella. Describió en su autobiografía, We Flew Over the Bridge , que sus piezas de performance no estaban destinadas a impactar, confundir o enojar, sino más bien "simplemente otra forma de contar mi historia". [11] : 238
Ringgold escribió e ilustró 17 libros infantiles . [41] Su primero fue Tar Beach , publicado por Crown en 1991, basado en su historia de colchas del mismo nombre. [42] Por ese trabajo ganó el premio Ezra Jack Keats New Writer Award [43] y el premio Coretta Scott King de ilustración. [44] También fue finalista de la Medalla Caldecott , el principal premio de la Asociación de Bibliotecas Estadounidenses para la ilustración de libros ilustrados. [42] En sus libros ilustrados, Ringgold abordó cuestiones complejas de racismo de formas sencillas y esperanzadoras, combinando fantasía y realismo para crear un mensaje alentador para los niños. [32]
Ringgold fue activista durante gran parte de su vida, participando en varias organizaciones feministas y antirracistas . En 1968, su compañera artista Poppy Johnson y la crítica de arte Lucy Lippard fundaron el Comité Ad Hoc de Arte de Mujeres con Ringgold y protestaron contra una importante exposición de arte modernista en el Museo Whitney de Arte Estadounidense . Los miembros del comité exigieron que las mujeres artistas representaran el cincuenta por ciento de los expositores y crearon disturbios en el museo cantando, haciendo sonar silbatos, gritando sobre su exclusión y dejando huevos crudos y toallas sanitarias en el suelo. No solo se excluyó a las mujeres artistas de esta muestra, sino que tampoco hubo artistas afroamericanos representados. Incluso Jacob Lawrence , un artista de la colección permanente del museo, fue excluido. [5] : 41 Después de participar en más actividades de protesta, Ringgold fue arrestada el 13 de noviembre de 1970. [5] : 41
Ringgold y Lippard también trabajaron juntas durante su participación en el grupo Women Artists in Revolution (WAR). En 1970, Ringgold y su hija Michele Wallace fundaron Women Students and Artists for Black Art Liberation (WSABAL). [45] Alrededor de 1974, Ringgold y Wallace fueron miembros fundadores de la National Black Feminist Organization . Ringgold también fue miembro fundadora de "Where We At" Black Women Artists, un colectivo de arte femenino con sede en Nueva York asociado con el Black Arts Movement . El espectáculo inaugural de "Where We At" presentó comida soul en lugar de cócteles tradicionales, exhibiendo una aceptación de las raíces culturales. El espectáculo se presentó por primera vez en 1971 con ocho artistas y se había ampliado a 20 en 1976. [46]
En 1972, Ringgold habló sobre una próxima muestra de WSABAL en una entrevista con Doloris Holmes para los Archivos de Arte Americano , describiéndola como "definitivamente la primera muestra de mujeres negras en Nueva York... tenemos esta muestra como resultado de nuestra insistencia, y como resultado del trabajo que WSABAL inició". [47]
Ringgold habló sobre la representación negra en las artes en 2004, diciendo:
Cuando estaba en la escuela primaria, solía ver reproducciones del cuadro de Horace Pippin de 1942 titulado John Brown Going to His Hanging en mis libros de texto. No sabía que Pippin era una persona negra. Nadie me lo había dicho nunca. Yo era mucho, mucho mayor cuando descubrí que había al menos un artista negro en mis libros de historia. Sólo uno. Eso no me ayudó. No era suficiente para mí. ¿Cómo es que no tenía esa fuente de poder? Es importante. Por eso soy un artista negro. Es exactamente por eso que digo quién soy". [5] : 62
En 1988, Ringgold cofundó el Coast-to-Coast National Women Artists of Color Projects con Clarissa Sligh . [48] De 1988 a 1996, esta organización exhibió las obras de mujeres afroamericanas en todo Estados Unidos. [49] En 1990, Sligh fue una de las tres organizadoras de la exhibición Coast to Coast: A Women of Color National Artists' Book Project que se llevó a cabo del 14 de enero al 2 de febrero de 1990 en la Flossie Martin Gallery, y más tarde en el Eubie Blake Center y la Artemesia Gallery. Ringgold escribió la introducción del catálogo titulada "Historia de Coast to Coast". Se incluyeron más de 100 mujeres artistas de color. El catálogo incluía breves declaraciones de los artistas y fotografías de sus libros, incluidas obras de Sligh, Ringgold, Emma Amos , Beverly Buchanan , Elizabeth Catlett , Martha Jackson Jarvis , Howardena Pindell , Adrian Piper , Joyce Scott y Deborah Willis . [50]
A lo largo de la década de 1970, Ringgold dio conferencias en el Pratt Institute , el Banks Street College of Education y el Wagner College . [51] En 1987, Ringgold aceptó un puesto de profesora en el Departamento de Artes Visuales de la Universidad de California en San Diego . [52] Continuó enseñando hasta 2002, cuando se jubiló. [7]
En 1995, Ringgold publicó su primera autobiografía, We Flew Over the Bridge . El libro es una autobiografía que detalla su trayectoria como artista y los acontecimientos de su vida, desde su infancia en Harlem y Sugar Hill , hasta sus matrimonios e hijos, hasta su carrera profesional y sus logros como artista. En 1997, recibió títulos honorarios del Wheelock College de Boston (un Doctorado en Educación) y del Molloy College de Nueva York (un Doctorado en Filosofía). [13]
Ringgold recibió más de 80 premios y honores y 23 doctorados honorarios . [53] Fue entrevistada para la película de 2010 !Women Art Revolution . [54]
Ringgold residió con su segundo marido, Burdette "Birdie" Ringgold, con quien se casó en 1962, en una casa en Englewood, Nueva Jersey , donde vivió y mantuvo una práctica de estudio estable desde 1992. [6] [55] Burdette murió el 1 de febrero de 2020. [56]
Ringgold murió en su casa en Englewood, Nueva Jersey , el 13 de abril de 2024, a los 93 años. [4]
Ringgold fue el demandante en un importante caso de derechos de autor , Ringgold v. Black Entertainment Television . [57] Black Entertainment Television (BET) había emitido varios episodios de la serie de televisión Roc en los que se mostraba un póster de Ringgold en nueve ocasiones durante un total de 26,75 segundos. Ringgold presentó una demanda por infracción de derechos de autor . El tribunal declaró responsable a BET, rechazando una defensa de minimis planteada por BET, que había argumentado que el uso de la obra protegida por derechos de autor de Ringgold era tan mínimo que no constituía una infracción. [57]
La primera exposición individual de Ringgold, American People , se inauguró el 19 de diciembre de 1967 en la Spectrum Gallery. [61] La muestra incluía tres de sus murales: The Flag is Bleeding , US Postage Stamp Commemorating the Advent of Black Power y Die . [61] Quería que la inauguración no fuera "otra inauguración completamente blanca", sino un "asunto de arte negro refinado". [61] Hubo música y sus hijos invitaron a sus compañeros de clase. [61] Más de 500 personas asistieron a la inauguración, incluidos los artistas Romare Bearden , Norman Lewis y Richard Mayhew . [61]
En 2019, las Serpentine Galleries de Londres organizaron una gran retrospectiva de la obra de Ringgold del 6 de junio al 8 de septiembre . [62] Esta fue la primera exposición de Ringgold en una institución europea. [63] Su primera retrospectiva de su carrera en su ciudad natal se inauguró en el New Museum de Nueva York en 2022 antes de viajar al Museo De Young de San Francisco . [64] De allí se trasladó al Musée Picasso de París y luego, en noviembre de 2023, al Museo de Arte Contemporáneo de Chicago. [65]
En 2020, el trabajo de Ringgold apareció en Polyphonic: Celebrating PAMM's Fund for African American Art , una exposición colectiva en el Pérez Art Museum Miami que destaca a los artistas de la colección del museo adquiridos a través del PAMM Fund for African American Art, una iniciativa creada en 2013. Junto con Ringgold, los artistas expositores incluyeron a Tschabalala Self , Xaviera Simmons , Romare Bearden , Juana Valdez , Edward Clark , Kevin Beasley y otros. [66]
Ringgold fue incluido en la exposición de 2022 Mujeres pintando mujeres en el Museo de Arte Moderno de Fort Worth . [67]
