Tschabalala Self (nacida en 1990) es una artista estadounidense conocida por sus representaciones de figuras femeninas negras utilizando pintura, tela y piezas descartadas de sus trabajos anteriores. [1] Aunque utiliza medios mixtos , todas sus obras son sobre lienzo y emplean un "lenguaje de pintura". [2] Inspirada por las obras realizadas por el artista afroamericano Romare Bearden , Self crea collages de varios elementos que ha recolectado a lo largo del tiempo y los cose para representar cuerpos femeninos negros que "desafían los espacios estrechos en los que se ven obligados a existir". [3] Ella deriva el concepto de la historia detrás de la lucha y la opresión afroamericana en la sociedad. Self recupera el cuerpo femenino negro y lo retrata libre de estereotipos sin tener que temer ser castigado. [3] Su objetivo es "crear narrativas alternativas en torno al cuerpo negro". [4] Gran parte del trabajo de Self utiliza elementos de la cultura negra para construir retratos similares a colchas. Self vive en Hudson, Nueva York . [5] [6]
Self nació en 1990 [7] en Harlem , Nueva York, el menor de cinco hijos. [8] [9]
Asistió a la Nightingale-Bamford School [10] en Manhattan. Después de graduarse en el Bard College con una licenciatura en 2012, Self completó su maestría en Bellas Artes en pintura y grabado en la Escuela de Arte de Yale . [11]
La primera exposición individual de Self fue en 2015 en Schur-Narula en Berlín . [12] En una reseña de una exposición individual en la galería Thierry Goldberg en Nueva York en 2016, The New York Times declaró: "El trabajo de la Sra. Self tiene una gran promesa, que está desarrollando". [13] Peter Schjeldahl comparó su pieza en Trigger: Gender as a Tool and a Weapon del New Museum de 2017 con las obras de Arshile Gorky y Willem de Kooning . [14] El trabajo de Self también se presentó en una exposición individual en la fundación de la unidad Parasol para el arte contemporáneo en Londres en 2017. Fue su primera exposición en el Reino Unido. [15] [16] Self también se ha aventurado en la creación de arte escénico con su obra Sounding Board (2021) presentada en Performa 21. En 2022, la primera exposición individual de Self en un museo en Europa, Make Room , se inauguró en el Museo Consortium en Dijon, Francia; En 2023, la exposición viajó al Kunstmuseum St. Gallen en Suiza, titulada Inside Out .
Self ha sido incluida en la lista "30 Under 30" de Forbes . [17] También ha sido reconocida como beneficiaria de la beca Joan Mitchell Foundation Painters & Sculptors Grant. [18]
Self ha dicho: "Utilizo materiales de una manera poco convencional para subvertir el status quo. No es necesario utilizar pintura para hacer una pintura. Se alinea con mi mensaje general, que es el del cambio". [19] El uso de materiales no convencionales ayuda a resaltar las formas únicas de un cuerpo porque separa el énfasis de cada parte de la estructura total de la obra de arte y crea un espacio individual para que las piezas expresen, en lugar de actuar, para el público. Self comienza su obra de arte con un dibujo lineal del personaje que quiere ilustrar, luego toma diferentes objetos para crear su collage de elementos para colocar sobre ese dibujo. Utiliza formas para construir sus personajes mientras enfatiza objetos o partes del cuerpo que podrían notarse primero o que tienen un peso psicológico o físico. [20]
Varias de las obras de Self son sexualmente explícitas. [21] Su pieza Rainbow , [22] que consta de madera, pintura acrílica y otros elementos, retrata a una mujer negra agachada, exponiendo sus genitales. Swim , involucra a un hombre y una mujer unidos en un acto sexual mientras aún muestran ciertas partes del cuerpo que ponen más énfasis, en particular, en las nalgas. [23] [21] Los cuerpos femeninos negros en sus obras de arte a menudo se describen como no binarios o "sin género" porque no se ajustan a la forma occidentalizada de belleza, generalmente vista en el mundo del arte. [3]
El estilo artístico de Self gira en torno a la representación de mujeres negras a través de características sexuales primarias (por ejemplo, genitales) y secundarias (por ejemplo, rasgos corporales) mediante la pintura y el uso de grabados. A través de su arte, Self comenta sobre la normalización y objetivación del cuerpo con una perspectiva romantizada. [24] Los personajes ilustrados en sus obras de arte comparten todos rasgos corporales y faciales exagerados y, al hacerlo, aluden a un trauma racial y generacional incrustado en cada pintura. Las personas en sus obras de arte están hechas de diferentes texturas y estampados de ropa, que enfatizan y dirigen la atención de la audiencia hacia la parte más significativa de su obra de arte. [24] Su estilo artístico particular gravita hacia las mujeres negras que abrazan la independencia y la resiliencia dejando una presencia fuerte y feroz. [25] El enfoque de Self es más comúnmente andrógino y no solo hace referencia a un género. [25]
Una obra destacada de Self, The Function , arroja luz sobre el aspecto social de la obra de arte y explica la naturaleza abstracta de la figura y su fondo. [26] Tschabalala afirma en una entrevista: "Un estereotipo es un personaje plano con dos dimensiones. Y puedo enfrentar esas imágenes estereotipadas creando personajes redondos y multidimensionales con deseos complicados, diálogos internos y psicología". [1] La obra de arte se crea juntando piezas de pinturas antiguas, lienzos crudos y telas que se ensamblan estirándolas, pintándolas y dibujando sobre ellas. Esto le da al avatar una mayor sensación de dimensión, ya que resalta el movimiento dinámico de dar la espalda, indicado por la tela arrugada.
Además, Self dijo en una entrevista: “Mi trabajo no comenta estereotipos y generalizaciones sobre el cuerpo femenino negro, mi práctica absorbe estas fantasías. El trabajo es celebratorio porque uno debe prosperar a pesar de la retórica destructiva”. [19]
A través de su proyecto de una serie llamada Bodega Run, Self explora cómo los cuerpos se ven afectados por su entorno, que también impacta la forma en que los cuerpos se mueven a través del mundo mismo. [3] Las bodegas son pequeñas tiendas de comestibles y de conveniencia, que se encuentran comúnmente en la costa este de Estados Unidos, específicamente en Nueva York. [27] La inspiración de Self para este proyecto proviene de su ciudad natal de Harlem, donde las bodegas eran y son muy comunes. Self, junto con muchos otros, cree que las bodegas son un lugar donde se unen las comunidades que comparten problemas mutuos, como el problema de la opresión de las personas de color en Estados Unidos. [28] [29] [30] Su proyecto Bodega surge de esta creencia y de sus "personajes que pueblan las bodegas de Harlem, estas tiendas de comestibles de la esquina, verdaderos microcosmos emblemas de las diásporas negras y latinas en Nueva York". [31] [29] Esta serie incluye obras que ella llama Proyectos Hammer, como Rainbow, Big Red, My Guy, Ice Cream y Loosie in the Park. Self también incluye señales de luz de neón, que consisten en palabras como Abierto/ Open , Coffee/ Teas , EBT/ ATM y Lotto , que representan las luces LED que normalmente se encuentran en estas instalaciones. [32] [33] [ cita requerida ] Como Self señaló en una conversación con Jareh Das para la revista Ocula ,
“La bodega es un lugar y una institución infinitamente interesantes para las diversas dinámicas raciales, étnicas y sociales que se dan en estos espacios. La mera existencia de estas tiendas es profundamente radical, dado el hecho de que las bodegas ocupan barrios que generalmente se definen como desiertos alimentarios”. [34] [35]
El conjunto de obras que Self presenta en su exposición Cotton Mouth encarna la extraordinaria experiencia de la vida de los negros estadounidenses al conectar el pasado de los negros estadounidenses con la cultura contemporánea. Lo hace mediante el uso de elementos en lienzo teñido, papel artesanal y tela , junto con otros medios. [36] Self revela la idea detrás del nombre de esta exposición, explicando que "Cotton mouth es cuando no puedes hablar con facilidad o te ves obligado a ceñirte a un guión que no escribiste. Cotton mouth es la realidad en la que estás, debido al daño repetido". [36] La elección del título es una carga, ya que una boca que ya no puede funcionar sirve como metáfora del silenciamiento sistemático y continuo de los negros estadounidenses. [37] El trabajo de Self permite al espectador contemplar el significado cultural e histórico del trabajo y el sacrificio requeridos de los negros estadounidenses para producir algodón durante el siglo XIX.
En 2019, la pintura de Self Out of Body (2015) se vendió en una subasta por 382.000 dólares en Christie's , un récord para el artista. [38]
En 2019, Tschabalala Self colaboró con Louis Vuitton para la colección ArtyCapucines. [39]
A partir de 2023, Self estuvo representada por Pilar Corrias en Londres , [40] y Galerie Eva Presenhuber en Nueva York y Zúrich . [41]