Tschabalala Self (nacida en 1990) es una artista estadounidense mejor conocida por sus representaciones de figuras femeninas negras utilizando pintura, telas y piezas desechadas de sus trabajos anteriores. [1] Aunque utiliza técnicas mixtas, todas sus obras están sobre lienzo y emplean un "lenguaje pictórico". [2] Inspirándose en las obras realizadas por la artista afroamericana Romare Bearden , Self crea collages de varios elementos que ha recopilado a lo largo del tiempo y los cose para representar cuerpos femeninos negros que "desafían los espacios estrechos en los que se ven obligadas a existir". . [3] Ella deriva el concepto de la historia detrás de la lucha y la opresión afroamericana en la sociedad. Self recupera el cuerpo femenino negro y lo retrata libre de estereotipos sin tener miedo de ser castigado. [3] Su objetivo es "crear narrativas alternativas en torno al cuerpo negro". [4] Gran parte del trabajo de Self utiliza elementos de la cultura negra para construir retratos en forma de colchas. El yo vive en New Haven , Connecticut . [5] [6]
Self nació en 1990 [7] en Harlem , Nueva York, el menor de seis hermanos. [8]
Asistió a la escuela Nightingale-Bamford [9] en Manhattan. Después de graduarse de Bard College con una licenciatura en 2012, Self completó su maestría en pintura y grabado en la Escuela de Arte de Yale . [10]
La primera exposición individual de Self fue en 2015 en Schur-Narula en Berlín . [11] En una reseña de una exposición individual en la galería Thierry Goldberg de Nueva York en 2016, The New York Times declaró: "El trabajo de la Sra. Self es muy prometedor, y ella está desarrollándolo". [12] Peter Schjeldahl comparó su pieza en Trigger: Gender as a Tool and a Weapon de 2017 del New Museum con las obras de Arshile Gorky y Willem de Kooning . [13] El trabajo de Self también apareció en una exposición individual en la fundación de arte contemporáneo Parasol unit en Londres en 2017. Fue su primera exposición en el Reino Unido. [14] [15] En 2022, la primera exposición individual de Self en un museo en Europa, Make Room , se inauguró en el Museo del Consorcio en Dijon, Francia; En 2023, la exposición viajó al Kunstmuseum St. Gallen en Suiza, titulada Inside Out .
Self ha sido incluido en la "Lista 30 menores de 30" de Forbes . [16] También ha sido reconocida como beneficiaria de la Beca para Pintores y Escultores de la Fundación Joan Mitchell . [17]
Self ha dicho: "Utilizo materiales de una manera poco convencional para subvertir el status quo. No es necesario usar pintura para hacer una pintura. Se alinea con mi mensaje general, que es de cambio". [18] El uso de materiales no convencionales ayuda a resaltar las formas únicas de un cuerpo porque separa el énfasis de cada parte de la estructura completa de la obra de arte y crea un espacio individual para que las piezas expresen, en lugar de actuar, para el audiencia. Self comienza su obra de arte con un dibujo lineal del personaje que quiere ilustrar, luego toma diferentes objetos para crear su collage de elementos para repasar ese dibujo. Utiliza formas para construir sus personajes mientras enfatiza objetos o partes del cuerpo que podrían notarse primero o que podrían tener un peso psicológico o físico. [19]
Varias de las obras de Self son sexualmente explícitas. [20] Su pieza Rainbow , [21] que consta de madera, pintura acrílica y otros elementos, retrata a una mujer negra inclinada, exponiendo sus genitales. Nadar , consiste en que un hombre y una mujer se unen en un acto sexual sin dejar de mostrar ciertas partes del cuerpo que ponen más énfasis, en particular, en las nalgas. [22] [20] Los cuerpos femeninos negros en sus obras de arte a menudo se describen como no binarios o "sin género" porque no se ajustan a la forma occidentalizada de belleza, que generalmente se ve en el mundo del arte. [3]
El estilo artístico de Self gira en torno a la representación de las mujeres negras a través de características sexuales primarias (por ejemplo, genitales) y secundarias (por ejemplo, rasgos corporales) mediante la pintura y el grabado. A través de su arte, Self comenta sobre la normalización y objetivación del cuerpo con una perspectiva romántica. [23] Todos los personajes ilustrados en sus obras de arte comparten rasgos corporales y faciales exagerados y, al hacerlo, aluden a un trauma racial y generacional incrustado en cada pintura. Las personas en su obra de arte están hechas de diferentes texturas y estampados de ropa, que enfatizan y dirigen la atención del público hacia la parte más importante de su obra de arte. [23] Su estilo artístico particular gravita hacia las mujeres negras que abrazan la independencia y la resiliencia dejando una presencia fuerte y feroz. [24] El enfoque de Self es más comúnmente andrógino y no hace referencia únicamente a un género. [24]
Una destacada obra de Self, The Function , arroja luz sobre el aspecto social de la obra de arte y explica la naturaleza abstracta de la figura y su fondo. [25] Tschabalala afirma en una entrevista: "Un estereotipo es un personaje plano con dos dimensiones. Y puedo confrontar esas imágenes estereotipadas creando personajes redondos y multidimensionales con deseos complicados, diálogos internos y psicología". [1] La obra de arte se crea uniendo piezas de pinturas antiguas, lienzos en bruto y telas que se ensamblan estirándolas, pintándolas y dibujándolas. Esto le da al avatar una mayor sensación de dimensión, ya que resalta el movimiento dinámico de dar la espalda, indicado por la tela arrugada.
Además, Self dijo en una entrevista: "Mi trabajo no comenta sobre estereotipos y generalizaciones sobre el cuerpo femenino negro, mi práctica absorbe estas fantasías. El trabajo es una celebración porque uno debe prosperar a pesar de la retórica destructiva". [18]
A través de su proyecto de una serie llamada Bodega Run, Self explora cómo los cuerpos se ven afectados por su entorno, que también impacta la forma en que los cuerpos se mueven por el mundo mismo. [3] Las bodegas son pequeñas tiendas de comestibles y tiendas de conveniencia, que se encuentran comúnmente en la costa este de Estados Unidos, específicamente en Nueva York. [26] La inspiración de Self para este proyecto proviene de su ciudad natal de Harlem, donde las bodegas eran y son muy comunes. Self, junto con muchos otros, cree que las bodegas son un lugar donde se reúnen comunidades que comparten problemas mutuos, como la cuestión de la opresión de las personas de color en Estados Unidos. [27] [28] [29] Su proyecto Bodega surge de esta creencia y de sus "personajes que pueblan las bodegas de Harlem, estos comestibles de la esquina, verdaderos microcosmos emblemas de las diásporas negras y latinas en Nueva York". [30] [28] Esta serie incluye obras que ella llama Hammer Projects, como Rainbow, Big Red, My Guy, Ice Cream y Loosie in the Park. Self también incluye letreros de luz de neón, que consisten en palabras como Abierto/Open , Coffee/Tes , EBT/ATM y Lotto , que representan las luces LED que normalmente residen en estas instalaciones. [31] [32] [ cita necesaria ] Como señaló Self en una conversación con Jareh Das para la revista Ocula ,
"La bodega es un lugar e institución infinitamente interesante por las diversas dinámicas raciales, étnicas y sociales que entran en juego dentro de estos espacios. La mera existencia de estas tiendas está profundamente radicalizada, dado el hecho de que las bodegas ocupan barrios que generalmente se definen como desiertos alimentarios. ". [33] [34]
El conjunto de trabajos presentado por Self en su exposición Cotton Mouth encarna la extraordinaria experiencia de la vida de los negros estadounidenses al conectar el pasado de los negros estadounidenses con la cultura contemporánea. Lo hace mediante el uso de elementos en lienzos teñidos, papel artesanal y telas , junto con otros medios. [35] Self revela la idea detrás del nombre de esta exposición, explicando que, "La boca de algodón es cuando no puedes hablar con facilidad o te obligan a ceñirte a un guión que no escribiste. La boca de algodón es la realidad en el que te encuentras, por los repetidos daños". [35] La elección del título es una carga, ya que una boca que ya no puede funcionar sirve como metáfora del silenciamiento sistémico y continuo de los afroamericanos. [36] El trabajo de Self permite al espectador contemplar el significado cultural e histórico del trabajo y el sacrificio requeridos por los afroamericanos para producir algodón durante el siglo XIX.
En 2019, el cuadro de Self Out of Body (2015) se vendió en una subasta por 382.000 dólares en Christie's , un récord para el artista. [37]
En 2019, Tschabalala Self colaboró con Louis Vuitton para la colección ArtyCapucines. [38]
A partir de 2023, Self estuvo representada por Pilar Corrias en Londres , [39] y Galerie Eva Presenhuber en Nueva York y Zúrich . [40]